Muerte de Paul Morrissey, figura del underground neoyorquino y discípulo descontento de Andy Warhol

Director de vanguardia que rodó el underground neoyorquino, colaborador de Lou Reed, Velvet y maestro del arte pop, el artista de discurso voluntariamente reaccionario ha fallecido a los 86 años.

El director Paul Morrissey, figura destacada de la cultura underground de Nueva York en los años 1960 y 1970, falleció el lunes 28 de octubre de 2024, anunciaron medios estadounidenses. Según su archivista Michael Chaiken, citado por el New York Times, el director murió de neumonía mientras estaba hospitalizado.

Paul Morrissey fue uno de los principales colaboradores de Andy Warhol en The Factory, este inmenso loft en la calle 47 de Manhattan, donde el rey del arte pop se dedicó a experimentos artísticos sin descanso. Morrissey trabajó notablemente en el primer álbum Velvet Underground de Lou Reed con cantante alemana Nico. 

Pero su principal aportación fue cinematográfica, con su trilogía Flesh (Carne) (1968), Basura (Trash, 1970), Caliente (Heat, 1972), rodada centrándose en la improvisación y con actores no profesionales. Tres películas en las que el icono gay Joe Dalessandro (futuro cabeza de cartel Je t'aime, moi non plus (), dirigida por Serge Gainsbourg), que se prostituye para satisfacer las necesidades de su hijo y de su esposa bisexual. Después dirige Basura (Trash), también con Joe Dalessandro que interpreta a un joven y guapo yonqui que vive en un apartamento del Lower East Side de Nueva York, pero cuya adicción a la heroína le ha dejado impotente. Y, por último Heat (Caliente), de nuevo con Joe Dalessandro que da vida a un gigoló en una nueva versión apenas disimulada y algo burda de Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy, 1969). Esta última película fue concebida por Andy Warhol como una parodia de El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950).

Joe Dallessandro en Flesh (Carne) (1968)

"En 1968, Morrissey me pidió que trabajara a tiempo completo en The Factory", recordó Dalessandro, en el Festival de Cine de Cannes de 2002 para la presentación tributo de la trilogía en copias restauradas. "Tenía que ser una especie de guardaespaldas de Andy Warhol, asegurándome de que nadie lo cabreara. El día que se suponía que debía empezar, Andy recibió un disparo (por la activista feminista Valerie Solanas). Mientras se recuperaba en el hospital, Paul y yo rodamos Flesh en tres días por 1.500 dólares. Dos años después, fue Trash, a lo largo de tres fines de semana. Para Heat, con un gran presupuesto: rodamos durante tres semanas en un motel de California."

Joe Dallessandro en Basura (Trash) (1970)

Por muy espeluznantes que puedan ser, las tres películas también pueden ser divertidas, hasta el punto de ser consideradas incluso hoy por algunos cinéfilos como comedias libertarias. Para gran consternación de su director, como se lamentó en 2002: "Teniendo el encanto de los personajes, creíamos que se trataba de exaltar nuevas libertades sexuales, el fin de las normas y modelos tradicionales. Pero precisamente estoy mostrando a personas perdidas en sus libertades. La ausencia de limitaciones y puntos de referencia hizo que sus vidas fueran inútiles. La impresión que doy deliberadamente al final de cada película es que no hay futuro para ellas."

Joe Dallessandro en Caliente (Heat, 1972)

Hay que decir que este elegante artista, símbolo de la contracultura, tenía todos los signos externos del perfecto reaccionario durante décadas. Hablar en 2002 con Paul Morrissey fue como escuchar que el aborto es una abominación ("No matamos a los niños porque pueden interferir con la vida amorosa o la carrera de una mujer") o que el rock no es interesante ("¿Qué podría ser más degradante que estas multitudes, rodando en el barro en los conciertos?"). También multiplicó las perfidias contra Andy Warhol: "Era un incompetente, anoréxico, analfabeto, autista con tendencia a Asperger; nunca hizo nada en toda su vida. De todos modos, podías mostrarle cualquier cosa, él siempre decía: "Oh, es genial". Lo que no impidió que el discípulo descontento dirigiera otras dos películas para su mentor (siempre con Joe Dalessandro), la casi parodia Carne para Frankenstein (Flesh for Frankenstein, 1973) y Sangre para Drácula (Andy Warhol's Dracula, 1974).

Udo Kier y Dominique Darel en Sangre para Drácula (Andy Warhol's Dracula, 1974)

Después de la ruptura con Warhol, Paul Morrissey siguió haciendo, sin dinero ni éxito, películas que permanecieron en su mayor parte inéditas en muchos paises, lo que no es necesariamente malo si recordamos Le neveu de Beethoven, estrenada en 1985. News from Nowhere, todavía ganó los honores en el Festival de Cine de Venecia en 2010. En esta historia de un inmigrante argentino ilegal que llega a Nueva York en busca de trabajo y esposa, Morrissey había reservado un pequeño papel a Janet Hoffmann, alias Viva, la “estrella” de la Factory. Como un guiño final –o desaire– a Andy Warhol.

Nicole LaLiberte y Demian Gabriel en News from Nowhere (2010)

¿Sara Connor?: sí, ella efectivamente es la verdadera heroína de la saga “Terminator”, y contamos por qué (II)

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Terminator 2

En Terminator 2: el juicio final (T2 - Terminator 2: Judgment Day, 1991), diez años después de los sucesos ocurridos en la primera película, dos cyborgs llegan del futuro esta vez: uno para matar a John (interpretado por Edward Furlong) y otro para rescatarlo. Esta vez, el personaje de Schwarzenegger (otro T-800) es el salvador, siendo reprogramado por el propio Connor en el futuro, para protegerse a sí mismo contra el prototipo más avanzado T-1000 (Robert Patrick) que fue enviado por Skynet para matarle. La nueva construcción de metal líquido del T-1000 le da la capacidad de deformarse, una capacidad que era el foco de muchos de los efectos especiales que le valió el premio Óscar a la película. De alguna manera, Terminator 2: el juicio final es un estudio del personaje de Sarah Connor. Ella es una persona absolutamente distinta de la mujer frágil en la primera película; su perspectiva ha sido alterada por los acontecimientos ocurridos anteriormente en su vida. El conocimiento que ella tiene sobre el futuro de la humanidad ha hecho de sí una persona siempre vigilante y que se entrena constantemente, un rasgo que es percibido por muchos como paranoia y psicosis; en el principio de esta película, Sarah está en una institución mental, su misión era la de bombardear la construcción de los sistemas de Cyberdyne. Su conocimiento del futuro es también una fuente de pesadillas que se repiten, así como el antagonismo, que da lugar a los doctores que supervisan su "recuperación" para colocarla bajo seguridad máxima. Sin embargo, ella no puede ser contenida mucho tiempo y realiza varios intentos para escaparse; su última estrategia coincide con la del segundo T-800 y su hijo John que llega para rescatarla del hospital. Durante su escape, los doctores descubren a ambos Terminators y se dan cuenta de que las predicciones de Sarah eran verdad. Sarah encuentra casi imposible aceptar que el T-800 es benévolo (debido a que es creación de Skynet, y físicamente es idéntico al T-800 que intentó asesinarla en 1984); a través de la película, ella sigue siendo hostil hacia él y lo que representa, mientras que su propio hijo desarrolla un enlace con él, asemejándose a una relación de padre-hijo. 

Linda Hamilton en Terminator 2: el juicio final (1991)

En una escena eliminada, el Terminator les da a ella y a John instrucciones necesarias para abrir su cráneo, desactivarlo, retirar el CPU y configurarlo para que pueda procesar información ajena a su programación y aprender de ella. Aunque logran retirar el dispositivo, Sarah intenta destruirlo por su miedo, odio y desconfianza hacia la máquina; sin embargo, su hijo no se lo permite.

En un momento de desesperación, Sarah intenta asesinar a Miles Dyson, el científico que está destinado a construir el microprocesador revolucionario que se convierte en el eventual Skynet. Al hacer esto, ella pierde tacto con su humanidad, llegando a parecerse a un Terminator. Pero en última instancia, Sarah se percata de que no puede matar a una persona. Instantes después, John y el T-800 llegan a la casa de Dyson, y juntos persuaden al científico para parar su investigación y para destruir todos los vestigios recuperados del primer Terminator. El T-800 entonces, con la ayuda de Sarah Connor, se autodestruye, a pesar de las protestas de John. En la primera película, se menciona que Sarah era una leyenda entre los miembros de la resistencia, enseñando a su hijo a luchar y a organizar mientras estaban en guerra. El epílogo alternativo de Terminator 2: el juicio final muestra su vida convertida en abuela. Este final de la película, sin embargo, no fue incluido en el estreno.

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Celebrando la promoción del "99" (XX)

La momia (The Mummy), de Stephen Sommers

Por qué es importante: El guionista y director Stephen Sommers creó una versión perfecta y exitosa de los clásicos monstruos del cine con su combinación desenfrenada de aventuras al estilo de Spielberg, suspenso y terror al estilo Industrial Light & Magic y un romance al estilo del viejo Hollywood con dos de los humanos más atractivos de los años 1990, Brendan Fraser y Rachel Weisz.

Brendan Fraser y Arnold Vosloo en La momia

Por qué se mantiene: No dejes que las mediocres secuelas o los spin-offs directos a video de El rey escorpión (The Scorpion King, 2002), de Chuck Russell, te engañen, la película original sigue siendo increíblemente re-mirable. El romance chisporrotea, los efectos especiales son espectaculares y el amplio grupo de actores de personajes trabaja duro para robarle el protagonismo a Fraser y Weisz. No lo hacen, pero sus esfuerzos combinados son un placer de ver.

Qué ver a continuación: Cabezas huecas (Airheads, 1994), de Michael Lehmann, para disfrutar de más Fraser de los años 1990, Langosta (The Lobster, 2015), de Yorgos Lanthimos, con  una de las mejores actuaciones de Weisz, y Van Helsing (2004), de Stephen Sommers, que tiene sus defectos, pero merece un arco de redención, porque fue un intento mucho mejor de crear un MonsterVerse que el Dark Universe de Cruise.

Hace 100 años: Owd Bob

En noviembre de 1924 se estrenó la película británica Owd Bob, dirigida por Henry Edwards e interpretada por J. Fisher White, Ralph Forbes, James Carew, Yvonne Thomas,  Frank Stanmore, Grace Lane, Robert English, John Marlborough East. Productora: Atlantic Union. 

Sinopsis argumental: El perro pastor de un viejo granjero se salva cuando se demuestra que el perro de un rival es un asesino de ovejas.
Comentario: Está basada en la novela Owd Bob de 1898 de Alfred Ollivant. En 1938 se realizó un remake de la película. 

¿Sara Connor? : sí, ella efectivamente es la verdadera heroína de la saga “Terminator”, y contamos por qué (I)

Terminator es James Cameron, Arnold Schwarzenegger… pero también y sobretodo Linda Hamilton y su personaje de culto Sarah Connor. Cuarenta años después de la primera parte de la saga, rendimos homenaje a esta heroína imprescindible. Disponible en streaming.

¿Sara Connor? Si al leer esta frase uno piensa inmediatamente en La Cité de la peur (1994), entonces no nos equivocamos: en la saga Terminator, es precisamente el personaje femenino, Sarah Connor, quien ha atravesado décadas y géneros, convirtiéndose en una figura pop icono de la cultura. Demostrando al mismo tiempo –sin ofender a los fans de Schwarzenegger– que efectivamente es ella, la verdadera heroína de Terminator. Y si aún lo duda...

Al comienzo de la primera “Terminator”, Sarah Connor (interpretada por Linda Hamilton, en la foto) está sola y traumatizada después de la masacre de quienes la rodean

De camarera a “asesino en serie”, un destino heroico

Una cosita frágil en la primera parte de la saga, Terminator (1984): Sarah Connor es una joven camarera de diecinueve años que sirve cafés y lleva una vida normal, hasta que es perseguida por un asesino implacable, el Terminator T-800 modelo 101 de Cyberdyne Systems (interpretado por Arnold Schwarzenegger) por razones totalmente desconocidas para ella. El soldado que viaja desde el futuro, Kyle Reese (interpretado por Michael Biehn), al tiempo que la rescata del Terminator, le explica que en el futuro una inteligencia artificial llamada Skynet será creada por ingenieros militares de software para tomar decisiones estratégicas de defensa. 

El programa llega a fallar y todas las unidades designadas para proteger comienzan a atacar a los humanos en una guerra que dura décadas. Sin embargo, un hombre llamado John Connor conduce la resistencia humana Tech-COM a la victoria, razón por la cual Sarah Connor es seleccionada para ser exterminada, ya que John Connor es el hijo de Sarah (John aún no había nacido), esto provoca que el John del futuro envíe al teniente Reese - quien es su padre - para proteger a su madre a toda costa.

Linda Hamilton en Terminator (1984)

Durante el breve tiempo que pasan Sarah y Kyle juntos, Sarah aprende acerca del holocausto que se aproximaba y del papel que tendría como madre y mentora de John, papel que llega a rechazar en un momento dado, de su figura como leyenda entre los miembros de la resistencia, de cómo enseña a su hijo a luchar, a organizar y a prepararse desde niño y de cómo estaba oculta antes de la guerra mientras adiestraba a John. Reese también la adiestra acerca de cómo luchar contra los exterminadores y de la utilización de perros para detectarlos. Mientras están ocultos del exterminador, Reese le expresa sus sentimientos y las razones por las cuales se ofrece voluntario para la misión de protegerla, de cómo John Connor le da una foto suya en el futuro y de cómo se enamora de ella, y por consiguiente, de su deseo por viajar en el tiempo para protegerla aún a costa de su propia vida. Sarah lamenta que Reese haya pasado por tantas cosas terribles, pero al escuchar lo que Kyle siente por ella, Sarah se enamora de él y ambos comparten una noche de intimidad que da lugar al embarazo de Sarah y posteriormente el nacimiento de John. Su amor fue muy breve ya que Reese murió al luchar contra el Terminator en una fábrica de Cyberdyne; Sarah, luego de mucho esfuerzo, machacó al Terminator en una prensa hidráulica. Aunque la muerte de Reese la entristecía profundamente, su sinceridad y valor inspirarían a Sarah a que continuara y desarrollara las habilidades y las capacidades necesarias que la harían una guía y mentora para John.

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Celebrando la promoción del "99" (XIX)

Viviendo sin límites (Go), de Doug Liman

Por qué es importante: El director Doug Liman oscila entre proyectos de comedia y acción, pero los dos géneros a menudo se entrelazan con gran efecto. Viviendo sin límites está impregnada del tipo de energía maníaca que suele acompañar a un bajón espantoso al día siguiente, y es una fiesta sudorosa y llena de estrellas que está a punto de alcanzar la grandeza.

Por qué se mantiene: Es una película navideña subestimada e improbable, una película perfecta para después de una proyección anual de Duro de matar (Honfgan Qu, 1995), de Stanley Tong, con Jackie Chan. 

Qué ver a continuación: Busca una fiesta de Nochevieja igualmente repleta de estrellas en 200 cigarrillos (200 Cigarettes, 1999), de Risa Bramon Garcia, o echa un vistazo a Kneecap (2024), de Rich Peppiatt, para disfrutar de una juerga atrevida y llena de drogas que es más alegre que deprimente.

Efemérides de cine: Lenny

El 10 de noviembre de 1974 se estrenó la película estadounidense Lenny, dirigida por Bob Fosse e interpretada por Dustin Hoffman, Valerie Perrine, Jan Miner, Stanley Beck, Rashel Novikoff, Gary Morton, Guy Rennie. Productora: United Artists. Duración: 111 minutos. 

Sinopsis argumental: Lenny Bruce es un cáustico humorista que trabaja en locales nocturnos de poca categoría. Poco después de conocer a Honey, una exuberante bailarina de strip-tease, se casa con ella. Durante años mantienen una relación tumultuosa que incluye drogas y sexo poco convencional, pero acaban separándose. La fama de Lenny como showman va en aumento, pero también las denuncias y juicios que debe afrontar debido al carácter subversivo de su humor. 

Nominaciones y premios: 6 nominaciones al Oscar, incluyendo película, director, actor (Hoffman), actriz (Perrine);  3 nominaciones al Globos de Oro: Director, actriz (Perrine) y actor (Hoffman) - Drama. Premios BAFTA: Mejor actriz revelación (Valerie Perrine). 3 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión adaptado drama; Festival de Cannes: Mejor actriz (Valerie Perrine). 

Comentario: Biopic del auge y caída del comediante y showman Lenny Bruce, un vividor de los tugurios de la droga y el sexo, y cuya lengua viperina acabó por convertirse en un arma de doble filo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hce 100 años: El vanidoso

El 10 de noviembre de 1924 se estrenó la película estadounidense El vanidoso (The Snob), dirigida por Monta Bell e interpretada por John Gilbert, Norma Shearer, Conrad Nagel, Phyllis Haver, Hedda Hopper, Margaret Seddon, Aileen Manning, Hazel Kennedy, Gordon Sackville, Roy Laidlaw. Productora: Metro-Goldwin-Mayer (MGM). Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: Justo cuando Nancy Claxton (Shearer) terminaba su educación en un convento, su rico padre Sherwood (Sackville) es asesinado en una pelea en un bar de carretera. Desolada por la desgracia, desaparece y su novio, Herrick (Nagel), no puede encontrarla. Pasan tres años y Nancy está enseñando en la pintoresca colonia menonita de Pensilvania. Se enamora de un ambicioso maestro, Eugene (Gilbert). Se comprometen y Eugene consigue un trabajo como profesor en una academia en un pueblo cercano. Se vuelve popular y vanidoso, logra ganarse el favor de Dorothy (Haver), cuyo padre es dueño de la escuela. Eugene es nombrado director. Nancy enferma y manda a buscar a Eugene. Se casa con ella, creyendo que morirá, pero ella se recupera. Le escribe a Dorothy una carta menospreciando a Nancy. Herrick, que enseña en la misma escuela, visita a Eugene y se sorprende al encontrar a Nancy. Eugene sigue despreciando a Nancy y haciéndole el juego a Dorothy. Justo antes de que Nancy tenga un bebé, le escribe una carta cariñosa a Dorothy. Nancy se entera. Su bebé muere. Entonces ve a Eugene en su verdadera forma y le muestra la historia del periódico que dice que ella es la heredera de millones. Él le ruega perdón, pero ella lo insulta por ser un esnob y dice que se divorciará de él y se casará con Herrick.

Comentario: Basada en la novela The Snob: The Story of a Marriage de Helen Reimensnyder Martin. Como no se han encontrado copias de The Snob en ningún archivo cinematográfico, se considera una película perdida. 

Hace 100 años: The Age of Innocence

El 10 de noviembre de 1924 se estrenó la película estadounidense The Age of Innocence, dirigida por Wesley Ruggles e interpretada por Beverly Bayne, Edith Roberts, Elliott Dexter, Willard Louis, Fred Huntley, Gertrudis Normanda, Sigrid Holmquist. Productora: Warner Bros. Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: Newland Archer está comprometido con May Mingott, de una prominente familia de Nueva York. Poco después de anunciarse el compromiso, Newland se siente atraído por la prima mayor de May, la condesa Ellen Olenska. Después de casarse con May, Newland y Ellen acuerdan huir juntos. Antes de que esto suceda, May visita a la amante de su marido y le informa que está esperando un hijo. Ellen y Newland se separan, y Newland jura ser un mejor marido para su esposa May. 

Comentario: Es la primera adaptación cinematográfica dela novela de Edith Wharton de 1920, La edad de la inocencia.Esta película está perdida en la actualidad. En febrero de 1956, Jack Warner vendió los derechos de todas sus películas anteriores a diciembre de 1949 a Associated Artists Productions. En 1969, UA donó copias en 16 mm de algunas películas de Warner Bros. de fuera de los Estados Unidos. No se sabe de la existencia de copias de La edad de la inocencia.

Las elecciones americanas en cinco películas: ¿la ficción supera la realidad?

La carrera por la Casa Blanca es una fuente inagotable de inspiración para la ficción. Desde Travolta, en una política salpicada por un escándalo moral, hasta los carteles electorales de “Trump/Putin”, las fronteras entre realidad e imaginación son porosas... He aquí La prueba...

¿Quién ganará la presidencia de Estados Unidos? Donald Trump o Kamala Harris. Las encuestas están tan reñidas que ningún comentarista serio se aventura a hacer una predicción definitiva. Esta elección cautiva más allá de sus fronteras, ya que somos conscientes de que tragar la pastilla roja o la pastilla azul no abre las mismas perspectivas de futuro para el equilibrio del mundo. La tensión dramática de esta secuencia política, que se repite cada cuatro años, ha impregnado durante mucho tiempo las obras de ficción. En vísperas de una elección presidencial estadounidense crucial, tan incierta y peligrosa como siempre, ¿por qué no aliviar la ansiosa espera (re)viendo algunas películas, detrás de escena de las campañas políticas de ayer? Selección de cinco “candidatos” para comprender mejor los problemas actuales.

1. El estado de la Unión (State of the Union, 1948), de Frank Capra

La película data de finales de los años 1940, pero la pregunta persiste: ¿corre el presidente de los Estados Unidos el riesgo de ser el testaferro de poderosos grupos de influencia? Es difícil no pensar, frente a uno de esos cuentos políticos idealistas de los cuales Frank Capra tenía el secreto -ver y volver a ver al Caballero sin espada (Mr. Smith Goes to Washington, 1939)-, en los "problemas" de hoy, desde el lobby de los combustibles fósiles hasta el lobby armamentista, entre otros. En la película, el candidato presidencial republicano (Spencer Tracy) acaba liberándose de las “multinacionales” que buscan manipularlo, aunque eso signifique renunciar al poder. Idealista, te lo decimos.

Spencer Tracy y Katharine Hepburn en El estado de la Unión (1948)

2. La zona muerta (The Dead Zone, 1983), de David Cronenberg

Durante su encuentro con un futuro candidato a la presidencia de los Estados Unidos, el héroe de este cautivador thriller fantástico (Christopher Walken) tiene de repente una visión del futuro: el hombre es un peligroso autócrata megalómano que, una vez elegido, liderará el país –incluso el mundo entero– al desastre. Una historia de premonición que hoy resuena extrañamente con la figura populista y los excesos de Donald Trump. Como si, en su novela escrita en 1979, de la que esta película es una adaptación, Stephen King, tan “vidente” como su personaje, hubiera sido una pesadilla para nuestro presente.

Christopher Walken en La zona muerta (1983)

3. The War Room (1993), de Chris Hegedus y Donn Alan Pennebaker

Desde las primarias demócratas hasta la larga noche electoral, pasando por el tradicional y sacrosanto debate entre candidatos, este apasionante documental nos lleva al corazón de la carrera de Bill Clinton hacia la victoria contra George Bush (padre) y su primer mandato. Junto a los asesores estrategas del futuro presidente, James Carville y George Stephanopoulos, esta película –a la vez muy innovadora, tanto por su forma como por la inmersión total que ofrece– nos abre como nunca antes entre bastidores de una gran aventura política.

James Carville y George Stephanopoulos en The War Room (1993)

4. Primary Colors (1998), de Mike Nichols (1998)

¿Una ficción? Apenas. Estrenada en 1998, en pleno asunto Monica Lewinsky -llamado así por la joven que tuvo un romance con el presidente Clinton-, esta cruda película "clave" sigue a un "doble" del político (John Travolta), enredado en un asunto similar. Escándalo durante las primarias del Partido Demócrata. Donde vemos que en veintiséis años los tiempos han cambiado y que ahora es posible, para el hoy ex candidato a presidente, sobornar a una actriz porno, acumular excesos o ser condenado penalmente sin perder el orgullo, el sueño o la popularidad. No podemos detener el progreso.

John Travolta en Primary Colors (1998)

5. Los Idus de marzo (The Ides of March, 2011), de George Clooney

George Clooney –como gobernador progresista que se postula para presidente– y Ryan Gosling, en el papel de su joven y honesto asesor, hacen campaña juntos para ganar las primarias en Ohio. Poco a poco descubren que es muy difícil ganar sin ensuciarse las manos. Una película que no escatima en nada ni en nadie: compromisos, mentiras, cinismo, manipulaciones maquiavélicas y otras trampas inmundas, en una visión muy pesimista del juego político estadounidense. A revisar, para comprobar en los próximos días si la realidad supera la ficción.

George Clooney en Los Idus de marzo (2011)

Hace 100 años: El que recibe el bofetón

El 9 de noviembre de 1924 se estrenó la película estadounidense El que recibe el bofetón (He Who Gets Slapped), dirigida por Victor Sjöström e interpretada por  Lon Chaney, Norma Shearer, John Gilbert, Tully Marshall, Ford Sterling, Harvey Clark, Marc McDermott. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 71 minutos. 

Sinopsis argumental: Paul Beaumont, científico y humanista, después de muchos años de estudio, descubre una revolucionaria teoría, pero su protector (Marc McDermott) se la roba y, además, seduce a su esposa (Ruth King). La ofensa se sella con una bofetada que provoca las burlas de toda la comunidad científica. Beaumont huye avergonzado y se refugia en un circo, donde se hace famoso como el payaso "que recibe las bofetadas". Los caprichos del destino hacen que una noche se encuentre entre el público su pérfido benefactor, que se muestra interesado por la bella Consuelo (Norma Shearer). 

Comentario: Fue la primera película en la que apareció el león de la Metro-Goldwin-Mayer. Tambien fue la primera película dirigida por Victor Sjöström para la Metro Goldwyn Mayer, los estudios donde desarrolló su carrera en los Estados Unidos.

Celebrando la promoción del "99" (XVIII)

Las vírgenes suicidas (The Virgin Suicides), de Sofia Coppola

Por qué es importante: Una opera prima con un sentido del estilo totalmente logrado, el drama adolescente de Sofia Coppola es una neblina vaporosa que roza las partes más oscuras de la niñez. Como tantas películas de 1999, se deleita en los aspectos oscuramente cómicos de la vida suburbana sofocante.

Por qué se mantiene: Este primer encuentro entre Dunst y Coppola sentaría las bases para su equipo de María Antonieta varios años después, una película tan alejada del sombrío entorno suburbano de Las vírgenes suicidas como se puede esperar, pero con la misma carga de aburrimiento. Una nueva visualización confirma que el fuerte sentido del lugar de Coppola estuvo presente desde el principio, y cruza fácilmente fronteras y períodos de tiempo.

Qué ver a continuación: El brillo de la televisión (I Saw the TV Glow) logra fusionar la belleza lo-fi, los lugares de reunión en el sótano y el dolor abrasador de la adolescencia de una manera que recuerda las primeras propuestas de Coppola; esa similitud se extiende también a la sublime banda sonora. Qué suerte tenemos.

Películas de la semana: 8 de noviembre

Marco

Título original: Marco, la verdad inventada. Dirección: Aitor Arregi, Jon Garaño. País: España. Año: 2024. Duración: 101 minutos. Género: Drama. Thriller. Biográfico. Holocausto. Interpretación: Eduard Fernández, Nathalie Poza, Chani Martín, Sonia Almarcha, Fermí Reixach, Júlia Molins, Vicente Vergara, Jordi Rico. Guion: Aitor Arregi, Jon Garaño, José Mari Goenaga, Jorge Gil Munárriz. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Javier Agirre Erauso. Productora: Irusoin, Moriarti Produkzioak, Atresmedia Cine, BTeam Pictures, ETB, La verdad inventada, Movistar Plus+, ICAA. Distribuidora: Bteam Pictures. Premios y nominaciones: Festival de Venecia: Nominada a mejor película (Orizzonti); Premios Forqué: Nominada a mejor interpretación masculina. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: Enric Marco Batlle fue un sindicalista español que ejerció como Secretario General de la Confederación Nacional del Trabajo (CNT) y como Presidente de la Amical de Mauthausen de España. Durante su etapa al frente de la Asociación, Marco dio un gran número de charlas, principalmente en centros de enseñanza, sobre su pretendida vivencia como superviviente de los campos nazis. Más adelante, se acabó descubriendo que había falseado datos de su biografía para aparecer como superviviente del campo de concentración de Flossenburg, durante la II Guerra Mundial​.

Amanece en Samaná

Dirección: Rafa Cortés. País: España. Año: 2024. Duración: 99 minutos. Género: Comedia. Comedia dramática. Interpretación: Luis Tosar, María Luisa Mayol, Luis Zahera, Bárbara Santa Cruz, Charles Dance, Laura Díaz, Lidia Ariza, Alfredo Castro, Andresito Germosen De La Cruz, Yaritza Reyes, Felix Tejeda. Guion: Rafa Cortés, Javier Canales Sepúlveda, Belén López Albert, Marta Sánchez, Emilio Tomé. Obra: Jordi Galcerán. Música: Nacho Mastretta. Fotografía: Pau Esteve Birba. Productora: Coproducción España-Rep. Dominicana; Ron Vino y Miel, A Name Like This, Materia Cinema, Quexito Films, Movistar Plus+. Distribuidora: Universal. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: Dos parejas de amigos, Ale y Santi, Natalia y Mario, celebran con unas vacaciones en Samaná que hace 20 años que están juntos. Se ponen al día, salen de fiesta, reconectan... Ale, con las alas que le dan el ron y la felicidad de estar con sus amigos, decide que ha llegado el momento de confesar que, la noche que se conocieron los cuatro, ella hizo trampas para acabar con Santi, que inicialmente ligó con Natalia, mientras era Mario el que intentaba ligar con ella. Ale da por hecho que, después de veinte años de relación, tomarán su confesión como la pequeña travesura que supuso el primer paso hacia la felicidad de todos. Pero las cosas no salen así, y la noche termina con una gran decepción. Al día siguiente, Ale amanece con una fuerte resaca, algo confundida, sin la menor pista de hasta qué punto va a tener que enfrentarse a las consecuencias de su acción.

Harold y el lápiz mágico 

Título original: Harold and the Purple Crayon. Dirección: Carlos Saldanha. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 92 minutos. Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Comedia. Cine familiar. Magia. Amistad. Interpretación: Zachary Levi, Lil Rel Howery, Benjamin Bottani, Tanya Reynolds, Zooey Deschanel, Jemaine Clement, Ravi Patel, Camille Guaty, Pete Gardner, Zele Avradopoulos. Guion: Dallas Clayton, David Guion, Michael Handelman. Libro: Crockett Johnson. Música: Batu Sener. Fotografía: Animación, Luis Gabriel Beristáin. Productora: Davis Entertainment, Sony Pictures Animation, Sony Pictures, Scholastic Entertainment. Distribuidora: Sony Pictures Releasing. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: Dentro de su libro, el aventurero Harold puede hacer que cualquier cosa cobre vida simplemente dibujándola. Cuando crece y se dibuja a sí mismo fuera de las páginas del libro en el mundo verdadero, Harold descubre que tiene mucho que aprender sobre la vida real, y que su fiel lápiz mágico puede desencadenar las travesuras más divertidas que jamás hubiera imaginado. Cuando el poder de la imaginación sin límites cae en manos equivocadas, Harold y sus amigos necesitarán toda su creatividad para salvar tanto el mundo real como el suyo propio. 

Anatema

Dirección: Jimina Sabadú. País: España. Año: 2024. Duración: 91 minutos. Género: Terror. Sobrenatural. Religión. Interpretación: Leonor Watling, Pablo Derqui, Jaime Ordóñez, Manuel de Blas, Keren Hapuc, Mauro Brussolo, Mariano Llorente, Xóan Fórneas, Samuel Sánchez García, India Soria, Laura Sánchez, Jennifer Bucovineanu, Margarita Lascoiti, Cova de Alfonso, María Vigil, Juan Codina, El Langui, Fedra Lorente. Guion: Jimina Sabadú, Elio Quiroga. Producción: Álex de la Iglesia, Carolina Bang. Música: Vanessa Garde. Fotografía: Luis Ángel Pérez. Productora: The Fear Collection, Pokeepsie Films, Amazon Prime Video, Sony Pictures. Distribuidora: Sony. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: Una joven monja, Juana Rabadán, recibe el encargo de visitar las catacumbas de una de las iglesias más antiguas de Madrid. El arzobispo sospecha que bajo sus interminables túneles se encuentra el Sello de San Simeón, colocado allí por el propio santo eremita con el fin de salvaguardar el mundo de un mal de tiempos pretéritos. Con la ayuda del joven sacerdote Ángel, la novicia Mara, y el exorcista Cuiña, Juana bajará al subsuelo de la ciudad a enfrentarse no sólo a lo sobrenatural, sino también a su pasado.

El método Knox

Título original: Knox Goes Away AKA Assassin's Plan. Dirección: Michael Keaton. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 114 minutos. Género: Thriller. Drama. Enfermedad. Neo-noir. Interpretación: Michael Keaton, Al Pacino, James Marsden, Marcia Gay Harden, Ray McKinnon, Lela Loren, Dennis Dugan, Chad Donella, Suzy Nakamura, Joanna Kulig, Sarah Stark, John Hoogenakker. Guion: Gregory Poirier. Música: Alex Heffes. Fotografía: Marshall Adams. Productora: Brookstreet Pictures, Sugar23. Distribuidora: Diamond Films.  Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: A John Knox, también apodado Aristóteles, un asesino profesional, le diagnostican una rara forma de demencia senil que se caracteriza por avanzar a toda velocidad. Aunque sigue ejerciendo su oficio, con su compinche Thomas Muncie, está perdiendo facultades, lo que acaba en violento desastre con ocasión de su último trabajo. Lo que se complica además cuando viene a verle su hijo Miles, que ha matado a puñaladas a un depredador sexual que dejó embarazada a su hija adolescente; la idea es que limpie la escena del crimen, para que no haya pruebas contra él, lo que no es tan sencillo, pues sus capacidades mentales están mermadas, además de que lleva la investigación de los dos casos la perspicaz detective Ikari.

Verano en diciembre

Dirección: Carolina África. País: España. Año: 2024. Duración: 97 minutos. Género: Comedia. Drama. Familia. Interpretación: Carmen Machi, Bárbara Lennie, Vicky Luengo, Irene Escolar, Antonio Resines, Beatriz Grimaldos, Lola Cordón, Silvia Marsó, Nacho Fresneda. Guion: Carolina África. Argumento: Carolina África (obra de teatro). Música: Sergio de la Puente. Fotografía: Kiko de la Rica. Productora: Mare Films S.L, Vértigo Films, Verano en Diciembre, RTVE, Movistar Plus+. Distribuidora: Vértigo. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: En el hogar de Teresa (Machi), lugar que será el punto neurálgico donde confluirán sus hijas (Lennie, Luengo, Escolar y Grimaldos) y su suegra (Cordón), una nonagenaria con demencia senil que vive bajo su cuidado. Las hijas coincidirán con su madre y su abuela en una reunión familiar en el hogar para conmemorar el aniversario de la muerte del padre. Las distintas personalidades de las hermanas -la cuidadora, la rebelde, la alocada, la aventurera y a la vez ausente- serán el detonante de múltiples conflictos, que provocarán que las protagonistas choquen entre sí y lidien a su vez con sus propias frustraciones, miedos y anhelos.

La cocina

Dirección: Alonso Ruizpalacios. País: México. Año: 2024. Duración: 139 minutos. Género: Blanco y negro. Drama. Cocina. Inmigración. Interpretación: Rooney Mara, Raúl Briones, Anna Diaz, Laura Gómez, Oded Fehr, Eduardo Olmos, James Waterston, Lee Sellars, Spenser Granese, Bernardo Velasco, Motell Gyn Foster, Pía Laborde-Noguez. Guion: Alonso Ruizpalacios. Obra: Arnold Wesker. Música: Tomás Barreiro. Fotografía: Juan Pablo Ramírez. Productora: Coproducción México-Estados Unidos; Filmadora, Panorama Global, Astrakan Film AB, Seine Pictures, Fifth Season. Distribuidora: Avalon. Premios y nominaciones: Festival de Berlín: Nominada a Oso de Oro - Mejor película; Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a mejor Película - Espiga de Oro; Festival de Morelia: Premio del Público. 2 nominaciones. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: Es la hora punta del almuerzo en The Grill, una trampa para turistas de Nueva York que atiende a miles de clientes un viernes normal como hoy. Ha desaparecido dinero de la caja y todos los trabajadores están siendo interrogados. La mayoría de ellos son inmigrantes ilegales y luchan por defender su trabajo, el único lugar que les corresponde en el mundo, mientras preparan un sinfín de platos, tratando de seguir el ritmo del flujo constante de pedidos que llegan del comedor. Uno de los cocineros es Pedro, un joven mexicano que busca en la vida algo más que este trabajo. Es un soñador que está enamorado de Julia, una camarera estadounidense que no puede comprometerse en una relación con un extranjero indocumentado. Rashid, el dueño de The Grill, ha prometido ayudar a Pedro con sus papeles. Pero cuando Pedro es acusado de robar el dinero se precipita hacia un acto que detendrá la cadena de producción en la cocina de una vez por todas. Basada en la aclamada obra teatral de Arnold Wesker. 

El ángel de los pobres

Título original: L'Abbé Pierre - Une vie de combats AKA Les Onze vies de l'Abbé Pierre. Título alternativo: Abbé Pierre: A Century of Devotion. Dirección: Frédéric Tellier. País: Francia. Año: 2023. Duración: 147 minutos. Género: Drama. Biográfico. Interpretación: Benjamin Lavernhe, Emmanuelle Bercot, Michel Vuillermoz, Antoine Laurent, Alain Sachs, Leïla Muse, Malik Amraoui, Chloé Stefani, Djibril Pavadé, Didier Nobletz, Xavier Mathieu, Maxime Bailleul. Guion: Alain-Michel Blanc, Olivier Gorce, Frédéric Tellier. Música: Bryce Dessner. Fotografía: Renaud Chassaing. Productora: SND Films, Wy Productions, France 3 Cinéma, Canal+, Ciné+. Distribuidora: A Contracorriente Films. Premios y nominaciones: Premios César (Francia): Nominada a mejor actor principal. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: Biopic de Henri Grouès (1912-2007), más conocido como L'abbé Pierre, nombre adoptado cuando formó parte activa de la Resistencia contra los nazis en la Francia de Vichy durante la Segunda Guerra Mundial. En los penosos años de la posguerra L'abeé Pierre empeño su tiempo, su esfuerzo y su sueldo de diputado en sacar adelante la Comunidad de Emaús, una institución fundada con el fin de ayudar a las personas que vivían en extrema pobreza, sin casa, sin ropa y sin hogar. A lo largo de su vida recibió numerosos reconocimientos por esa labor y en 2004 fue distinguido por el estado francés con la Gran Cruz de la Legión de Honor. Actualmente el Movimiento Emaús –conocido como Traperos de Emaús en los países hispanoamericanos– tienen más de 300 sedes repartidas en casi 40 países.

The Book 

AKA El libro. Dirección: Bernardo Hernández. País: España. Año: 2024. Duración: 94 minutos. Género: Thriller. Terror. Interpretación: Nahia Laiz, Abdelatif Hwidar, Miguel Ramiro. Guion: Fran J. Marber. Música: Josué Vergara Blanco. Fotografía: Gerardo Diego García. Productora: La Caja de Expresiones, BHC Creativa. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: Verónica es una joven periodista que lleva una vida aparentemente estable, casada y madre de una niña pequeña, a quien ha dejado bajo el cuidado de su marido durante un fin de semana. Sin embargo, detrás de esa imagen tranquila, se esconde una creciente inquietud. Algo en su vida familiar no encaja, y la joven siente una necesidad urgente de entender por qué dos de las personas más cercanas y queridas para ella, su esposo y su madre, han tomado decisiones y actuado de una manera similar, aunque ella no puede comprender del todo. Con el paso de los días, Verónica empieza a sospechar que las respuestas a sus dudas solo pueden encontrarse en su propio pasado, en los orígenes de su familia, tal vez en secretos que nunca se le contaron. Decide embarcarse en una búsqueda personal, enfrentándose a recuerdos, conversaciones olvidadas y misterios familiares, con la esperanza de que desentrañar esos secretos antiguos le permita esclarecer la verdad detrás de los comportamientos de sus seres queridos y dar sentido a los acontecimientos que están alterando su vida y su felicidad familiar.

Cuestión de principios

Título original: Une Affaire de Principe. Dirección: Antoine Raimbault. País: Francia. Año: 2024. Duración: 95 minutos. Género: Thriller. Política. Basado en hechos reales. Interpretación: Bouli Lanners, Thomas Vandenberghe, Céleste Brunnquell, Lisa Loven Kongsli, Lisa Karlström, Maurizio Marchetti, Klaus Christian Schreiber, Wim Willaert, Joaquim de Almeida, Vincenzo Amato, Bernard Blancan, Nicolas Vaude, Maria de Medeiros. Guion: Antoine Raimbault, Marc Syrigas. Argumento: José Bové (libro), Gilles Luneau (libro). Música: Grégoire Auger. Fotografía: Steeven Petitteville. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Agat Films, France 3 Cinéma, La Compagnie Cinématographique, Memento Films, Panache Productions. Distribuidora: Filmin. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: 2012. En la Comisión Europea se ha procedido a la destitución del Comisario de Salud John Dalli, el presidente José Manuel Durão Barroso aduce razones éticas, su hombre habría aceptado sobornos en Malta, aunque la investigación policial se lleva en el mayor de los secretos. El eurodiputado verde José Bove, asistido por su ayudante Fabrice y la recién llegada becaria Clémence, advierte que hay gato encerrado, y aunque Dalli está lejos de sus posiciones políticas, reconoce que ha sido víctima de una trampa en la que están implicadas las grandes empresas tabaqueras, que en las directivas antihumo del Parlamento, buscan no salir perjudicadas, al menos en exceso.

Joan Bennàssar - Raons humanes

Dirección: Joan Bennàssar Escape. País: España. Año: 2024. Duración: 72 minutos. Género: Documental. Biográfico. Pintura. Reparto: Documental, Intervenciones de: Joan Bennàssar. Guion: Joan Bennàssar Escape. Productora: Bennàssar Productions. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: Joan Bennàssar nos abre las puertas de su estudio y repasa su trayectoria artística en este documental de 72 minutos iniciado en el año 2020, mientras preparaba la exposición Razones Humanas, centrada en defender los valores del humanismo, el amor, la pasión, la ética y la dignidad, frente a los peligros a los que se enfrenta el hombre en la actualidad, principalmente la globalización, la inteligencia artificial y el cambio climático; y que tuvo que terminarse en el 2023 añadiéndole un prólogo y un epílogo debido a la pandemia del COVID 19 y al inicio de la Guerra de Ucrania. Es una mirada introspectiva a 50 años de trabajo, al significado de ser artista, a su visión del mundo del arte, a los aciertos de otros artistas, a sus propios métodos de trabajo y a la implicación plástica de un pasado de belleza mediterránea persiguiendo un futuro con el que responder a las dudas y temores que atañen al hombre de hoy.

No Other Land

Dirección: Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham, Rachel Szor. País: Palestina. Año: 2024. Duración: 95 minutos. Género: Documental. Conflicto árabe-israelí. Reparto: Documental. Música: Julius Pollux Rothlaender. Fotografía: Rachel Szor. Productora: Coproducción Palestina-Noruega; Yabayay Media, Antipode Films. Premios y nominaciones: Festival de Berlín: 2 premios; Premios del Cine Europeo (EFA): 2 nominaciones; Premios Gotham: Nominada a mejor documental; Premios British Independent Film Awards (BIFA): Nominada a mejor película internacional independiente. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: Basel Adra, joven activista palestino de Masafer Yatta, en Cisjordania, lucha desde su infancia contra la expulsión masiva de su comunidad por las autoridades israelíes. Documenta la erradicación a cámara lenta de los pueblos de su región natal, donde los soldados desplegados por el gobierno israelí derriban poco a poco las casas y expulsan a sus habitantes. En un momento dado, conoce a Yuval, un periodista israelí, que le apoya en sus esfuerzos. Surge así una improbable alianza. Pero la relación entre ambos se tensa por la enorme desigualdad que los separa: Basel vive bajo ocupación militar mientras que Yuval vive libremente y sin restricciones. 

Guardianes en la Ópera

Título original: Velikolepnaya pyaterka AKA Dogs at the Opera. Dirección: Vasiliy Rovenskiy. País: Rusia. Año: 2023. Duración: 75 minutos. Género: Animación. Comedia. Animales. Cine familiar. Reparto: Animación. Guion: Vasiliy Rovenskiy. Música: Anton Gryzlov. Fotografía: Animación. Productora: Kinofirma, Nashe Kino. Distribuidora: Vercine. Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Sinopsis: La Ópera Metropolitana de Nueva York, un lugar legendario y de renombre, y Carmen, la obra de ballet más famosa del mundo, son los escenarios de esta aventura en la que Samson, líder de un grupo de perros callejeros, salvará una mítica obra. Un día, huyendo de sus cazadores se esconde en el edificio Met. Allí conoce a la encantadora Margot, la mascota de Anastasia, la primera bailarina del teatro. La trama se complica cuando la única diadema que perteneció a la reina de Gran Bretaña y que Anastasia debe lucir en el cuarto acto, desaparece del camerino. Sin la diadema, el espectáculo no puede continuar y debe cancelarse. Ahora Margot y Samson tienen que encontrar al ladrón y salvar la función al son de la música del gran Georges Bizet.

Cumplió 25 años: El mundo nunca es suficiente

El 8 de noviembre de 1999 se estrenó la película británica El mundo nunca es suficiente (The World Is Not Enough), dirigida por Michael Apted e interpretada por Pierce Brosnan, Sophie Marceau, Denise Richards, Robert Carlyle, Ulrich Thomsen, Judi Dench, Robbie Coltrane, John Cleese, Maria Grazia Cucinotta, Desmond Llewelyn, Samantha Bond, Serena Scott Thomas, Michael Kitchen, Colin Salmon, David Calder, Patrick Malahide, Goldie, Omid Djalili. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 128 minutos. 

Sinopsis argumental: El magnate del petróleo, Sir Robert King, ha sido asesinado en un atentado ocurrido en las mismísimas oficinas del MI6. Su hija, Elektra, hereda toda su fortuna y los enemigos del multimillonario están atentos a cualquier descuido de la joven para acabar con ella y destruir el imperio petrolífero de su gran competidor. James Bond, el agente 007, se ve en la obligación de proteger a la hija de King y así, además, limpiar el nombre del MI6. Su principal enemigo es Renard, el asesino del magnate, que vive obsesionado con las armas nucleares y con hacerse con todo el petróleo del mundo. Y que, además, tiene una siniestro pasado con Elektra: él la secuestró hace años, y desde entonces está obsesionado con ella. Pronto, Bond se verá inmerso en una intrincada red de intrigas empresariales, intentos de asesinato y traiciones por doquier, al tiempo que va conociendo mejor a su protegida y descubriendo la multitud de secretos que guarda: unos secretos que podrían ser por sí solos más peligrosos que los enemigos que la amenazan.
Nominaciones y premios: 2 Nominaciones a los Premios Razzie: Peor actriz secundaria y peor pareja en pantalla; Premios Satellite Awards: Nominada a mejor canción.
Comentario: Es la decimonovena película de la serie de James Bond, y la tercera protagonizada por Pierce Brosnan como el agente del MI6 James Bond 007.

Celebrando la promoción del "99" (XVII)

Tarzán (Tarzan), de Kevin Lima, Chris Buck

Por qué es importante: La animación Lienzo profundo (Deep Canvas) se creó especialmente para esta película, lo que permitió a los cineastas dibujar objetos en 3D en un espacio 2D y darle a Tarzán una sensación de realismo sin ser realmente una película de acción real. Los momentos en los que Tarzán se desliza por las ramas se basaron en el skater profesional Tony Hawk, lo que atrajo mucho a la generación de los X Games. Ah, y Phil Collins creó una de las bandas sonoras de películas más épicas de todos los tiempos, con su hija Lily prestando su voz a "Baby Ape".

Por qué se mantiene: La banda sonora sigue siendo conmovedora, con la ganadora del Oscar You'll Be in My Heart encabezando la lista de canciones. Y (incluso 25 años después) los efectos de animación siguen deslumbrando.

Qué ver a continuación: Atlantis: El imperio perdido (Atlantis: The Lost Empire, 2001), Gary TrousdaleKirk Wise, fue la siguiente película de Disney en presentar animación lienzo profundo, si le gustan ese tipo de cosas. Y Alexander Skarsgård y Margot Robbie son un Tarzán y Jane perfectos en La leyenda de Tarzán (The legend of Tarzan, 2016), de David Yates, repetimos, si le gustan ese tipo de cosas. 

Efemérides de cine: El pequeño príncipe

El 7 de noviembre de 1974 se estrenó la película estadounidense El pequeño príncipe, también conocida como El principito ( The Little Prince), dirigida por Stanley Donen e interpretada por Richard Kiley, Bob Fosse, Steven Warner, Gene Wilder, Joss Ackland, Donna McKechnie, Victor Spinetti, Clive Revill, Graham Crowden. Productora: Paramount Pictures. Duración: 89 minutos. 

Sinopsis argumental: La obra —ambientada en los años cuarenta— cuenta la historia de un aviador (Richard Kiley) que se ve obligado a hacer un aterrizaje de emergencia en el desierto del Sáhara. Allí entabla amistad con un niño, el pequeño príncipe del asteroide B-612. En los días siguientes, el piloto se entera de sus diversos viajes por todo el sistema solar. A medida que viaja por el espacio, el Principito tiene varios extraños encuentros con adultos en diferentes planetoides, todas con una manera sesgada de ver la vida. Pero no es hasta que finalmente llega a la Tierra, que el Principito aprende las lecciones más importante de todas, principalmente del Zorro (Gene Wilder), y la Serpiente (Bob Fosse). El Principito comparte estas lecciones con el piloto, pero después se deja convencer por la Serpiente, que le dice que para poder escapar de la gravedad terrestre y volver a su asteroide, debe dejarse matar por ella.

Nominaciones y premios:  2 nominaciones al Oscar: Mejor canción, Banda Sonora Adaptada; Globos de Oro: Mejor banda sonora original. 4 nominaciones

Comentario: Basado en la clásica novela del mismo nombre (de 1943) escrita por el escritor y aviador francés Antoine de Saint-Exupéry (1900-1944). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Diez películas (muy) buenas que no queremos volver a ver (V)

(cont.)

9. El proyecto de la bruja de Blair (The Blair Witch Project, 1999), de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez

Tres jóvenes viajan hasta Maryland para adentrarse en el bosque y confirmar la leyenda que se escucha desde hace años: la llamada bruja de Blair. Lo que en un principio iba a ser una pequeña excusión de dos días para encontrar a la bruja de Blair se acabó convirtiendo en su peor pesadilla. Jamás regresarían. Un año después de buscar pruebas acerca de tan extraño suceso, la policía encuentra el material que los tres estudiantes habían grabado. En la cinta se pueden ver los terribles cinco días que estos jóvenes pasaron en el bosque y todo lo que ocurrió cuando descubrieron la verdad… El material fue recopilado y llevado al cine. Es conocido como El proyecto de la bruja de Blair.

Nos encanta enloquecer en el cine. Pero esta vez, por alguna razón, habiamos cogido un DVD de la película de terror de metraje encontrado de la que todo el mundo hablaba, sobre tres campistas en un bosque encantado. En aquella época vivíamos en la habitación, en la planta baja de un edificio que daba a un jardín. Para entrar en ambiente, y provocar el miedo más efectivo, abrimos la ventana de par en par, en plena noche, claro. Colocamos el sofá cama de espaldas a la ventana. Apagamos todas las luces. Incluso antes de empezar El proyecto de la bruja de Blair, podíamos oír el viento entre los árboles, los cantos de los pájaros. Estabamos de humor. Listo para enfrentarnos a los monstruos. ¡Aquí vamos! No duramos más de cinco minutos antes de cerrar la maldita ventana y volver a encender la lámpara de la mesita de noche. 

10. El sexto sentido (The Sixth Sense, 2000), de M. Night Shyamalan (1999)

El doctor Malcom Crowe es un conocido psicólogo infantil de Philadelphia que vive obsesionado por el doloroso recuerdo de un joven paciente desequilibrado al que fue incapaz de ayudar. Cuando conoce a Cole Sear, un aterrorizado y confuso niño de ocho años que necesita tratamiento, ve que se le presenta la oportunidad de redimirse haciendo todo lo posible por ayudarlo. Sin embargo, el doctor Crowe no está preparado para conocer la terrible verdad acerca del don sobrenatural de su paciente: recibe visitas no deseadas de espíritus atormentados. 

Un niño de 8 años ve fantasmas por todas partes. Un psicólogo – Bruce Willis – intenta ayudarlo... Ya está, Ya está..., no podemos decir más si por casualidad algunas personas aún no han visto esta película histórica que, cuatro años después de Sospechosos habituales (The Usual Suspects), de Bryan Singer, dobló el juego de esta subcategoría de thriller donde todo depende de un giro. Hay que decir que ésta era fuerte, casi indetectable (salvo un detalle que luego se disipó en gran medida), pero que evidentemente prohíbe volver a ver la película: “Está bien, lo sabemos…”. A menos, precisamente, una vez pasado el placer de la enorme sorpresa final, decidamos mirar todo con atención y preguntarnos cómo el señor Night Shyamalan consiguió engañarnos tan bien.