Armisticio del 11 de noviembre: diez películas conmovedoras sobre Primera Guerra Mundial (II)

(cont.)

6. Alegato antibelicista: Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front, 1930), de Lewis Milestone

Alemania, agosto de 1914. Acaba de declararse la guerra. Un estudiante y seis de sus amigos responden al llamamiento con el entusiasmo de la juventud. La desilusión será severa y la prueba del fuego atroz. Mítica película antibélica que plasma los sentimientos, sensaciones y desilusiones de un grupo de jóvenes estudiantes que son enviados al frente en la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Es una adaptación de la novela homónima del escritor alemán Erich María Remarque. La cinta, que fue el primero en ganar de forma conjunta los Premios Oscar en las categorías de Óscar a la mejor película y Oscar a la mejor dirección, fue también la primera película basada en una novela que ganaba el Oscar a la mejor película. El argumento de la película sería el principal motivo de polémica en otros lugares. Debido a su mensaje antibelicista y en contra de Alemania, Adolf Hitler y el Partido Nazi se opusieron a la película. Entre 1930 y 1941, esta fue una de las películas prohibidas en Victoria (Australia), por motivos de «pacifismo», por la Junta de Clasificación Creswell O’Reilly. Sin embargo y pese a que el libro fue prohibido a nivel nacional, se decía que gozaba de «una larga y exitosa trayectoria» en otros estados. ​La película se prohibió también en Italia y Austria en 1931, levantándose solo dicha prohibición durante la década de 1980, y en Francia en 1963. La secuela, The Road Back (1937), de James Whale, ofrece un retrato del regreso a casa tras la guerra de los miembros de la 2ª Compañía. En 2022 se estreno un remake, también basada en la novela de Erich Maria Remarque, Sin novedad en el frente (Im Westen nichts Neues), dirigida por Edward Berger. 

7. Heridas en carne viva: Capitán Conan (Capitaine Conan, 1996), de Bertrand Tavernier

En noviembre de 1918 la Primera Guerra Mundial había llegado a su fin y el Capitán Conan y sus hombres esperan nuevas asignaciones en Bucarest. Conan se considera un guerrero, no un soldado, es un hombre que no siente miedo, se arriesga, hace frente a la muerte y derramar sangre. Ahora Conan está convencido de que su valor y sed de sangre fue una bendición para el ejército durante la guerra, pero ahora en tiempos de paz no. Conan y sus compatriotas, Norbert y De Scéve se han vuelto demasiado aclimatarse a la batalla que dejaron atrás y organizan incursiones en las montañas de los Balcanes. Cuando todo parece ir sobre ruedas, un hecho inesperado hace que la situación de Conan cambie. La película ofrece secuencias bélicas perfectamente coreografíadas. La dirección artística mereció un premio en el Festival de San Sebastián. Fotografía nerviosa y música son de gran belleza. Pero donde sobresale el film es en su historia, valioso material que ahonda en el espíritu humano, y que muestra con justeza el contexto donde se desenvuelve. Tavernier y su guionista, Jean Cosmos, hacen una magnífica adaptación con adecuado sentido del ritmo, que sabe huir de simplismos maniqueistas, donde la forma está al servicio del fondo. El horror seco de la guerra cotidiana con soldados perdidos haciendo el trabajo sucio, sin lirismo ni énfasis heroico. Este drama bélico se basa en la novela ganadora del Premio Goncourt de 1934, Capitaine Conan de Roger Vercel.

8. Clásico humanista: La gran ilusión (La grande illusion, 1937) de Jean Renoir

Durante la Primera Guerra Mundial, el capitán Boeldieu y el teniente Mariscal son encarcelados en el campo Hallbach. Conocen a sus nuevos "compañeros de habitación", presos como ellos: Rosenthal, un parisino burgués; Cartier, un actor, y dos otros oficiales. Juntos, deciden intentarlo todo para escaparse y se ponen a cavar un túnel subterráneo . Cuando casi han acabado su trabajosa labor, les comunican que serán trasladados a otro campo... En esta obra maestra pacifista, Jean Renoir recreó un microcosmos donde se mezclan todas las clases sociales. Evitando cualquier maniqueísmo, su película denuncia el absurdo de la guerra, expresando al mismo tiempo una dimensión patriótica. La película se detiene a retratar un interesantísimo cuadro de tipos humanos, donde queda claro que la nobleza es algo más que un bonito cuadro genealógico, y que las barreras aristocráticas empezaban a ser algo casi rancio. Su mensaje pacifista provocó las iras del mismísimo ministro de propaganda nazi, Joseph Goebbels; por el contrario, Franklin D. Roosevelt fue uno de su mayores fans. Llena de momentos memorables, vale la pena destacar el hermoso gesto de Erich von Stroheim cortando la flor junto a su ventana, en honor a su enemigo y colega. Fue nominada al Óscar a mejor película en la 11.ª entrega, convirtiéndola en la primera película de habla no inglesa en ser nominada en dicha categoría en la historia del Oscar.

9. Niños de la resistencia: La guerra de los Lulus (La guerre des Lulus, 2023), de Yann Samuell

En los albores de la Primera Guerra Mundial, en un pueblo de Francia, cuatro amigos inseparables, Lucas, Luigi, Lucien y Ludwig, forman la pandilla de los Lulus. Cuando el orfanato en el que residen es evacuado con urgencia, los Lulus se quedan aislados del resto de sus compañeros. Olvidados detrás de la línea del frente enemiga, se las tendrán que ingeniar para valerse por sí mismos en medio del conflicto. Pronto se unirá Lucía, una joven separada de sus padres, con la que emprenderán una aventura para llegar a Suiza, el «país nunca en guerra»… Los cinco amigos se verán envueltos en una aventura para la que nada ni nadie los había preparado. Yann Samuell, director de La guerra de los botones (aunque su versión tuvo menos éxito que la de Christophe Barratier) rueda un film familiar muy en la misma línea, basado en un cómic de Régis Hautière. Consigue darle frescura a la reconstrucción del inicio de la Primera Guerra Mundial, desde el punto de vista de los niños. Indicada para el público familiar, tiene secuencias de altura, como la que muestra a los protagonistas en las trincheras del frente. Los jóvenes protagonistas se ganan al público. Aparecen en papeles secundarios estrellas del cine galo, entre las que destaca Isabelle Carré en la piel de bruja del bosque.

10. Escalada estética: Largo domingo de noviazgo (Un long dimanche de fiançailles, 2004), de Jean-Pierre Jeunet

A punto de terminar la I Guerra Mundial (1914-1918), Mathilde recibe la noticia de que su prometido es uno de los cinco soldados que, tras haber sido sometidos a un consejo de guerra, han sido enviados a la tierra de nadie que hay entre el ejército francés y el alemán, lo cual supone una muerte casi segura. A pesar de todo, emprende un duro viaje para conocer el destino de su prometido y, aunque las noticias que va recibiendo son desalentadoras, sigue adelante. A medida que se acerca a la verdad sobre los desafortunados soldados y su brutal castigo, conocerá a fondo los horrores de la guerra y las marcas indelebles que deja en quienes la han vivido. Tres años después de Amélie (Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain, 2001), el director recrea con precisión el infierno de las trincheras. Pero sus imágenes seducen más de lo que conmueven. La historia, adaptación de la novela del francés Sébastien Japrisot, se centra en el amor hiperrromántico de Mathilde por Gilles. Entre el drama y la comedia, la historia no pierde nunca el aire del cuento romántico, en especial en las estampas idílicas en la casa de los tíos, aunque también destaca el naturalismo con que Jeunet rueda las secuencias de guerra, muerte y sexualidad.

“Libre”, de Mélanie Laurent, en Prime Video: un ladrón de gran corazón en un bodrio de alto vuelo

La directora se pierde en una embarazosa fascinación por Bruno Sulak, apodado el “Arsene Lupin de las joyerías” en los años 1970. La debilidad del guión, las interpretaciones y los diálogos no salvan el día...

Ladrón extravagante, amigo leal, icono de la libertad, Bruno Sulak dejó su huella en la historia del crimen con sus atracos sin violencia a múltiples joyerías. A pesar de ser perseguido activamente por la policía, Sulak consiguió escapar en numerosas ocasiones de la cárcel para reunirse con su amante y cómplice.

Lea Luce Busato y Lucas Bravo en Libre (2024)

En impactante dúo con Adèle Exarchopoulos, Mélanie Laurent fichó en 2023, para Netflix, una seductora comedia de acción Ladronas (Voleuses) que tenía casi todo para agradar: ritmo, encanto, lucha y mucha autodesprecio. En comparación, su película biográfica sobre Bruno Sulak (1955-1985), apodado el “Arsene Lupin de las joyerías”, parece muy débil.

La queja principal, que plaga toda la película, es una inquietante fascinación por su héroe, presentado como un apolo del atraco, que pasa la mayor parte del tiempo tirado en el sofá con su cómplice que planeando sus próximos movimientos. 

Con “Tres amigas", Emmanuel Mouret encanta al desamor

Joan ya no está enamorada de Victor y sufre por no estar siendo honesta con él. Alice, su mejor amiga, la tranquiliza asegurándole que ella misma no siente pasión por su pareja Eric y sin embargo su relación va viento en popa. Ella ignora que él tiene una aventura con Rebecca, su amiga común... Cuando Joan decide finalmente dejar a Victor y este desaparece, las vidas y las historias de las tres amigas dan un vuelco. Comienza un vodevil. Con un toque de tragedia unido a una nota fantástica, el director encuentra un equilibrio conmovedor.

Si existiera una escuela itinerante del séptimo arte, Emmanuel Mouret sería su líder. En el museo, en el parque, en un bar o en casa, entre la cocina y el dormitorio, sus personajes hablan mientras caminan, caminan para hablar, desaparecen detrás de una puerta, regresan al campo en mitad de una frase, sin romperse. el hilo conductor de un diálogo filmado a largo plazo y dedicado exclusivamente a la obsesión del cineasta: los movimientos del corazón. De eso trata Tres amigas (Trois Amies, 2024), donde Joan (India Hair) sufre por no querer más a Víctor (Vincent Macaigne), mientras Alice (Camille Cottin) se cree satisfecha viviendo sin pasión con Éric (Grégoire Ludig) y Rebecca (Sara Forestier).

Tras los éxitos de Las cosas que decimos, las cosas que hacemos y Crónica de un amor efímero, el francés Emmanuel Mouret repite con una nueva comedia romántica fresca y original llena de enredos románticos y amorosos. A pesar de un trasfondo dramático y hasta trágico en algunos momentos, Tres amigas se empeña en transmitir los aspectos más positivos y divertidos de las situaciones, apoyándose en un guion ágil y divertido escrito por el propio Mouret junto a Carmen Leroi, una puesta en escena luminosa, un tono amable y ligero y un reparto que se mueve con precisión en el punto exacto entre el drama y la comedia.
Tres amigas es una película llena de luz y de sol. Incluso en los momentos más dramáticos su tono es ligero y leve a lo que también contribuye una banda sonora compuesta por piezas sencillas para un solo instrumento. Todo parece leve y casual. Mouret no permite que la película pierda su tono positivo. Por muchas infidelidades, sensaciones de culpa, traiciones y deslealtades que ocurran.

Armisticio del 11 de noviembre: diez películas conmovedoras sobre Primera Guerra Mundial (I)

El 11 de noviembre de 1918, a las 5:20 de la mañana, en un vagón de tren en el bosque de Compiègne (noreste de Francia) representantes del Imperio alemán se rinden ante los Aliados. El Armisticio de Compiègne entró en vigor a las 11:00 del día 11 del mes 11. Terminó así la Primera Guerra Mundial. 

Y recordamos el Armisticio que puso fin a los combates de la Primera Guerra Mundial en 1918. La oportunidad de sumergirnos en este fragmento de la historia con películas que exploran la Gran Guerra.

Inmediatamente después de la guerra o incluso hoy en día, muchas películas se centran en la Primera Guerra Mundial. De Stanley Kubrick a Bertrand Tavernier, imágenes impactantes y desgarradoras: las trincheras, la barbarie, la vida de los infantes, los rostros destrozados, la batalla del Marne... Para recordar del 14 al 18, entre los horrores de la guerra, acusación por la paz y El deber de la memoria, hemos seleccionado diez películas actualmente disponibles en las plataformas.

1. Novela por entregas: Nos vemos allá arriba (Au revoir là-haut, 2017), de Albert Dupontel

La Primera Guerra Mundial ha terminado. Albert Maillard y Edouard Péricourt, compañeros de armas del ejército francés, han sobrevivido. Pero a un alto coste en el caso del segundo, con la boca completamente destrozada, y la capacidad de habla notablemente mermada. Para un artista ilustrador como él de gusto exquisito, es una tragedia. Distanciado además de su familia de clase alta, especialmente de su padre Marcel, intercambia su identidad con la de un caído para simular su muerte y se oculta en un desván, con la complicidad de Albert. Éste, contable, tiene dificultades para volver a trabajar en lo suyo, y tiene que conformarse con modestos oficios, como el de hombre-anuncio. Finalmente, los dos amigos, con la complicidad de una jovencita huérfana, arman una estafa en torno al diseño de supuestos monumentos patrióticos para honrar a los muertos por la patria. Y entretanto, el sádico oficial que les hizo la vida imposible en las trincheras, el teniente Henri d'Aulnay-Pradelle, va a cruzarse inesperadamente con ellos. Adaptación de la novela homónima de Pierre Lemaitre, ganadora del prestigioso Premio Goncourt en 2013. Posteriormente fue adaptada al cómic, lo que puede haber influido en la soberbia concepción visual de la película, desde las escenas bélicas del arranque, con un perfecto diseño de las trincheras, al París de los años 1920, los dibujos y máscaras del protagonista, la cuidada concepción de los planos... Dirige, firma el guión y coprotagoniza Albert Dupontel, quien ya dio muestras de habilidad tras la cámara en filmes como 9 meses... ¡de condena!.

2. Bienvenidos al infierno: 1917 (2019), de Sam Mendes

Primera Guerra Mundial, conocida en su momento como la Gran Guerra. En el frente occidental, el general británico Erinmore (Colin Firth) encomienda a los cabos Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman), dos jóvenes soldados británicos, una misión estrictamente imposible. Deberán entregar un mensaje urgente y decisivo al coronel MacKenzie (Benedict Cumberbatch). Para realizar esta misión deberán abandonar la trinchera a plena luz del día y avanzar por el campo francés ocupado por los alemanes. Sin respiro, en una carrera a contrarreloj, los dos soldados atravesarán angostas trincheras, alambradas y campo a través en un entorno de muerte y destrucción, rodeado de cadáveres de hombres y animales. Solo disponen de unas pocas horas para cumplir su cometido y evitar a toda costa un violento ataque. Si no llegan a tiempo, 1.600 soldados perderán la vida, entre ellos el hermano de uno de los dos jóvenes soldados. Filmada en un largo plano secuencia, la sorprendente odisea de dos soldados de la Gran Guerra, por el particularmente inspirado director de Skyfall. Y ésta es la caída en un caos largo y abrumador. En su octavo largometraje como realizador, Sam Mendes parece haber rodado la antítesis de su anterior incursión en la temática bélica. Si Jarhead, el infierno espera, de 2005, retrataba sobre todo a soldados descerebrados, que sólo pensaban en obscenidades y manifestaban poco apego a sus lazos familiares, aquí se recurre a dos protagonistas honrados, y afectuosos, que se convierten en auténticos héroes, pese a que hacer lo correcto a veces vaya en su contra. Como consecuencia, su mensaje en contra de las guerras resulta más sólido, unos jóvenes de buen corazón como sus personajes no merecen estar viviendo un auténtico infierno, pasando continuamente junto a cuerpos destrozados. Inspirado por el recuerdo de su abuelo, al que dedica el film, el propio Mendes ha escrito un guión sin fisuras junto a Krysty Wilson-Cairns –forjada en la serie Penny Dreadful, donde él ejercía como productor ejecutivo– que muestra que la Primera Guerra Mundial fue peor que la Segunda, mucho más recreada por el cine, porque aún se podían ver los ojos de los adversarios.

3. Súplica por la paz: Johnny cogió su fusil (Dalton Trumbo's Johnny Got His Gun, 1971), de Dalton Trumbo

Joe, excombatiente americano, es víctima de una tremenda explosión durante la I Guerra Mundial. El soldado sufre secuelas mucho peores que la propia muerte y se queda impedido para siempre sobre una cama. Sin extremidades, ojos, boca ni oídos. El paciente consigue mantenerse con vida gracias a la rememoración de sus recuerdos, pero le cuesta saber si está durmiendo o si vive en una realidad paralela semejante al infierno. Joe aprenderá a comunicarse con sus cuidadores con movimientos cortos de cabeza. Su mensaje es claro y conciso: no quiere vivir más. Su deseo, sin embargo, no es atendido y tendrá que hacer frente a un futuro peor si cabe. Su cuerpo servirá para la investigación científica. El director Dalton Trumbo lleva al cine su novela homónima publicada en papel, consiguiendo mostrar en pantalla su posición antibelicista y su defensa de la eutanasia. Destaca la realización del film; en color los recuerdos de Joe, y en blanco y negro su presente en el hospital. Dalton Trumbo escribió también el guión basándose en su propia novela de 1939. Violenta, desgarradora e impactante. Gran Premio Especial del Jurado en Cannes en 1972, una película que sigue siendo tan poderosa como siempre.

4. La cara oculta de la guerra: El pabellón de los oficiales (La Chambre des officiers, 2001), de François Dupeyron

Agosto de 1914, comienzo de la Primera Guerra Mundial. Adrian, un joven y apuesto teniente, se dispone a hacer un reconocimiento a caballo cuando le explota un proyectil en pleno rostro. Inmediatamente después, Adrian es trasladado al hospital militar de Val de Grâce, a un pabellón separado del resto de enfermos donde se recuperan los oficiales que han sufrido heridas como las del joven teniente. En ese lugar no existen los espejos, pues la realidad de sus rostros es demasiado dolorosa como para aceptarla. El herido pasará allí cinco años, durante los cuales trabará amistad con el resto de enfermos. Además les prepararán para enfrentarse a sus nuevas vidas... La película se concentra en la parte de la convalecencia del protagonista en un hospital militar narrada en la novela original, y enfatiza el horror a las heridas sufridas por los camaradas en el campo de batalla. Mientras que la novela continúa narrando las experiencias de los oficiales hasta Segunda Guerra Mundial y más allá, la película culmina justo después de la Gran Guerra. Esta adaptación del libro de Marc Dugain está basada en una historia real: la de uno de estos soldados que regresó de la Gran Guerra con el rostro destrozado para siempre. Y la reconquista de su humanidad.

5. Masacre absurda: Senderos de gloria (Paths of Glory, 1957), de Stanley Kubrick

Año 1916. Europa está inmersa en la Gran Guerra. Las tropas francesas se ven dirigidas hacia un ataque suicida cuando el mando general da la orden directa al coronel Dax (Kirk Douglas) de tomar, al coste que sea, "la colina de las hormigas" (Ant Hill). Después del fracaso estrepitoso que supone la incursión, los altos cargos intentar cubrir sus errores alegando fallos en las tropas, por lo que deciden detener a tres soldados y acusarlos de amotinamiento. Dax, que antes de iniciarse el conflicto trabajaba como abogado, decide presentarse como defensa particular, pero pronto descubrirá que se encuentra en un punto muerto. Salvo que pueda demostrar que los cargos que se han presentado contra los soldados son falsos, y que la verdadera culpa recae en las directrices hechas por los generales, no podrá impedir que los tres jóvenes mueran ante un pelotón de fusilamiento. Un castillo donde viven los generales; Trincheras embarradas donde languidecen los soldados... Una sinfonía macabra del cinismo de los oficiales. Una película incomprendida y prohibida tras su estreno en Francia y basada en la novela homónima de Humphrey Cobb, publicada en 1935.

(cont.)

Jason Schwartzman, el adalid del cine independiente neoyorquino: “Wes Anderson es mi mentor”

El cine lo distrajo de su objetivo: convertirse en cantante… Jason Schwartzman nos cuenta su génesis como actor, y más recientemente como productor de Entre los templos (Between the Temples, 2024), de Nathan Silver, con Carol Kane.

Durante veinticinco años, Jason Schwartzman ha interpretado con gusto papeles cómicos y poco convencionales, tanto en las películas de su amigo Wes Anderson (Rushmore, Asteroid City, Moonrise Kingdom), como de su prima Sofia Coppola (María Antonieta) y de Tim Burton (Ojos grandes), Edgar Wright (Scott Pilgrim) y Judd Apatow (Gente divertida).

Entre los templos (2024)

En Entre los templos, el actor cambia radicalmente de registro. Cara hinchada, pelo corto y ojos tristes: está irreconocible en la piel de Ben, un cantor judío que perdió la fe tras un trauma. Sin embargo, su reencuentro con Carla, una antigua profesora de música, le devolverá el gusto por la vida, por el amor y, sobre todo, por la religión...

Muerte de la actriz Teri Garr, gran secundaria cómica, desde “Tootsie” hasta “Friends”

Aunque rara vez fue una estrella de cartel, la actriz estadounidense ha dejado su huella en varias generaciones de espectadores con sus actuaciones en la pequeña y gran pantalla y su sentido de la réplica que estalló en los "late shows" de televisión. Murió el 29 de octubre, a la edad de 79 años.

Teri Garr en El jovencito Frankenstein (1974)

Teri Garr rara vez fue la protagonista de los aproximadamente ciento cincuenta largometrajes, películas para televisión o episodios de series que interpretó en casi medio siglo de carrera. Pero ella era una de esas actrices de reparto (o actrices de reparto, como se dice en Hollywood) que igualan a las primeras, o incluso les roban el protagonismo gracias a su cómico abatimiento.

Hija de un diseñadora de vestuario y de un actor, Teri Garr debutó en el cine como… bailarina en cuatro películas A Swingin' Affair (1963), de Jay O. Lawrence; con Elvis Presley, como El ídolo de Acapulco (Fun in Acapulco, 1963), de Richard Thorpe, Primos queridos (Kissin' Cousins, 1964), de Gene Nelson, Cita en Las Vegas (Love in Las Vegas, 1964), de Gene Nelson. Diez años más tarde, saltó a la palestra gracias a su actuación como una atrevida asistente de laboratorio en la hilarante parodia El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein, 1974), de Mel Brooks. Teri Garr relata en sus memorias, Speedbumps (2005), como consiguió el papel rellenando su sostén con calcetines para ocultar su relativa falta de senos (la operación de cirugía estética más económica y lucrativa de la historia, ella bromeó). Al mismo tiempo, Francis Ford Coppola se fijó en ella, quien la convirtió en la novia de Gene Hackman en La conversación (The Conversation), Palma de oro en 1974 y la impuso en varias películas que produjo, entre ellas El corcel negro (The Black Stallion, 1979), de Carroll Ballard. También interpreta a la escéptica esposa de Richard Dreyfuss, el hombre que vio ovnis, en Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977), de Steven Spielberg, uno de los grandes éxitos de los años 1970.

Teri Garr en Encuentros en la tercera fase (1977)

Una nominación al Oscar

Teri Garr se reunió de nuevo con Coppola en 1982 para ser uno de los dos personajes principales de su Corazonada (One from the Heart, 1982), que supuestamente revolucionaría la forma en que se producían y dirigían las películas en Hollywood. Su sensible interpretación y una sensual escena de tango con Raúl Julia no son suficientes, este hermoso melodrama musical sobre las canciones de Tom Waits fue un fracaso mortal, con consecuencias devastadoras para el cineasta, arruinado... pero no para Teri Garr quien, a los pocos meses después se proyecta con Sydney Pollack en Tootsie (1982) un triunfo de público en las salas. Su interpretación de una buena amiga enamorada de Dustin Hoffmann sin saber que se travestiza le valió su única nominación al Oscar.

Teri Garr y Dustin Hoffman en Tootsie (1982)

Su popularidad, pero también su humor y su sentido de la réplica le aseguraron una presencia regular en los últimos programas de televisión de Johnny Carson y luego de David Letterman, así como en el programa satírico Saturday Night Live. También causó sensación en Jo, ¡qué noche! (After Hours, 1985), de Martin Scorsese, y luego en el casting de lujo de Prêt-à-porter (1994), de Robert Altman. 

Pero los persistentes rumores sobre su salud disuadirán gradualmente a los cineastas de contratarla: después de dieciséis años de síntomas inexplicables, descubrió en 1999 que padecía esclerosis múltiple, una enfermedad que hizo pública en 2002, en la CNN. La década de 1990 estuvo, sin embargo, marcada por su participación en la serie Friends, en la que, durante tres episodios que se convirtió en culto, interpretó a la indigna madre de Lisa “Phoebe” Kudrow.

En 2006, Teri Garr sobrevivió una semana en coma tras un derrame cerebral. Después de una larga rehabilitación, pudo volver a trabajar, por ejemplo prestando su voz a episodios de Scooby-Doo. Antes de retirarse definitivamente de los sets y estudios de doblaje en 2011.

¿Sara Connor? : sí, ella efectivamente es la verdadera heroína de la saga “Terminator”, y contamos por qué (IV)

(cont.)
Terminator: Génesis

En la película Terminator: Génesis (Terminator Genisys AKA Terminator 5, 2015), se crea una nueva línea de tiempo cuando un T-1000 es enviado para matar a Sarah cuando esta tenía nueve años. Sus padres mueren, pero ella es rescatada y posteriormente criada por un T-800 enviado para salvarla. Desde entonces ambos se preparan para la llegada de Kyle Reese y el T-800 en 1984 como en The Terminator. Con el conocimiento del T-800 que la crio, bautizado Pops o El abuelo en Latinoamérica, construyen un dispositivo de desplazamiento temporal, el cual activan con la CPU del T-800 de 1984. Habiendo cambiado la línea de tiempo, la guerra nuclear se postergó hasta el año 2017. Sarah y Kyle llegan a ese año con la máquina del tiempo, luego de los eventos de la película, recomienzan su vida en esa nueva época.

Emilia Clarke (Sarah Connor) en Terminator Génesis (2015)

Terminator: Destino oscuro

Cuando la joven Dani Ramos discute con el supervisor de la fábrica en la que trabaja, para que no echen a su hermano a la calle, sustituyéndole por un robot, aparece de improviso un individuo idéntico a su padre, pero en realidad resulta ser una máquina con la capacidad de cambiar de apariencia que pretende acabar con su vida. Le salva una mujer con fuerza sobrehumana que advierte a Dani que debe dejarlo todo y salir corriendo junto a ella porque el agresor no parará hasta lograr su objetivo. En su huida recibirán la ayuda de una madura mujer, con enorme experiencia en luchar contra asesinos llegados del futuro y de un extraño personaje arrepentido por un acto que cometió en el pasado. Terminator: Destino oscuro (Terminator: Dark Fate, 2019) recupera a Sarah Connor, el personaje central, de nuevo interpretado por Linda Hamilton. 

Linda Hamilton en Terminator: Destino oscuro (2019)

(cont.)

“Flow, el gato que ya no le tenía miedo al agua”: pura maravilla de esta insólita historia de un arca sin Noé

En un mundo que pronto quedará sumergido, sin humanos ni palabras pero lleno de vida, un gato y sus amigos sobreviven en un barco a la deriva. Un choque estético y una hipnótica oda a la naturaleza. Esta es la primera vez que los animales son los héroes de una película del fin del mundo. Su universo animado es un tesoro de poesía. Tras una primera película realizada en solitario, el director Gints Zilbalodis crea una distopía animal sublime. Él nos brinda los secretos para crear esta gran aventura cinematográfica.

En el corazón de entornos fabulosos e hipnotizantes, una oda a la convivencia. 

Una casa abandonada por su dueño, en lo profundo de un bosque. A su alrededor, extrañas estatuas felinas y un río que crece y vuelve a crecer, hasta convertirse en torrente, luego en río, amenazando con sumergir la pantalla... ¿Dónde estamos? A mil kilómetros de todas las tierras habitadas y habituales de la animación, a las puertas de un mundo tan fascinante como enigmático, poco a poco engullido por una inexorable subida de las aguas. No hay humanos, sólo los restos de una civilización ahogada, ruinas desproporcionadas y otros artefactos flotantes, en el corazón de una naturaleza grandiosa y peligrosa. ¿El fin de todo? Ciertamente no. Este ensueño monumental sin el más mínimo diálogo está repleto de vida, plantas y animales.

Celebrando la promoción del "99" (XXIV)

Crueles intenciones (Cruel Intentions), de Roger Kumble

Por qué es importante: A pesar de lo que digan la casta generación Z, el sexo vende, y cuando los tráilers de Crueles intenciones con rostros famosos como Sarah Michelle Gellar, Ryan Phillippe, Reese Witherspoon, Selma Blair y Joshua Jackson llegaron a la pantalla, los adolescentes se dieron cuenta. Lo que comenzó como una película independiente sobre sociópatas adinerados que manipulaban a vírgenes inocentes se convirtió en una sensación de taquilla modesta, recaudando 75,9 millones de dólares en todo el mundo durante su estreno inicial en primavera.

Reese Witherspoon y Ryan Phillippe en Crueles intenciones

Por qué se mantiene: Los tiempos han cambiado desde que el director Roger Kumble se propuso adaptar la novela de Pierre Choderlos de Laclos de 1782, Las amistades peligrosas (Les liaisons dangereuses), pero el mundo caótico de la escuela secundaria siempre resonará en el público y los artistas.

Qué ver a continuación: La serie Euphoria es una versión moderna de la naturaleza caótica y compleja de la vida adolescente y una mirada interesante a la evolución del lado más oscuro de las historias de mayoría de edad.

Cumplió 25 años: Sleepy Hollow

El 17 de noviembre de 2024 la película estadounidense Sleepy Hollow, dirigida por Tim Burton e interpretada por Johnny Depp, Christina Ricci, Miranda Richardson, Michael Gambon, Casper Van Dien, Jeffrey Jones, Ian McDiarmid, Richard Griffiths, Christopher Walken, Lisa Marie, Christopher Lee, Michael Gough, Marc Pickering, Steven Waddington, Claire Skinner, Alun Armstrong, Jessica Oyelowo, Tony Maudsley. Productora: Mandalay Pictures, Scott Rudin Productions, American Zoetrope. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: Estados Unidos, año 1799. El agente Ichabod Crane (Johnny Depp) pertenece a un cuerpo de policía de jurisdicción a nivel estatal y que tiende a ser un precursor ficticio de la Policía Estatal de Nueva York. Crane tras varias discrepancias con sus superiores por su afición a anteponer las ideas de la razón a los métodos criminológicos anticuados que se seguían empleando, es enviado por estos a la aldea Sleepy Hollow, un lugar aislado en el estado de Nueva York donde un asesino en serie decapita a sus víctimas, entre ellas un terrateniente con su hijo y una viuda relacionada con este. Al llegar allí, los aldeanos le cuentan la leyenda de un jinete sin cabeza que había sido en vida un mercenario hessiano durante la guerra de Independencia de Estados Unidos, que deambula por los alrededores y que es el culpable de los asesinatos. Para resolver el misterio, el agente de policía, que no cree en absoluto en la leyenda, contará con la ayuda del joven Masbath (Marc Pickering), un niño huérfano que quiere vengar la muerte de su padre. No obstante, conforme avanza la investigación, el agente Crane, que acabó agotando los métodos pioneros de la medicina forense, irá descubriendo una oscura y aterradora conspiración en torno a la leyenda del Jinete, que pondrá a prueba su fe y que le obligará a confrontar algunos fantasmas de su pasado. El agente verá por sí mismo que el jinete es real, y que está a las órdenes de alguien que desea controlar la aldea, viéndose obligado a admitir que lo natural y lo sobrenatural rigen la vida como las dos caras de una misma moneda.

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor dirección artística. 3 nominaciones; 2 Premios BAFTA: Mejor vestuario y diseño de producción. 3 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor fotografía; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor diseño de producción; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor fotografía; Asociación de Críticos de Boston: Mejor fotografía. 

Comentario: Basada en el relato de terror La leyenda de Sleepy Hollow de Washington Irving. El título significa oquedad soñolienta en inglés, un término utilizado como nombre de una municipalidad en varios lugares.

Hace 100 años: El diablo santificado

El 17 de noviembre de 1924 se estrenó la película estadounidense El diablo santificado (A Sainted Devil), dirigida por Joseph Henabery e interpretada por Rudolph Valentino, Nita Naldi, Helena D'Algy, Dagmar Godowsky, Jean Del Val, Antonio D'Algy, George Siegmann, Rogers Lytton, Isabel West, Louise Lagrange, Rafael Bongini, Frank Montgomery, William Betts, Edward Elkas, A. De Rosa, Ann Brody, Evelyn Axzell, Marie Dille, Genevieve Belasco. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 90 minutos. 

Sinopsis argumental: de acuerdo con la costumbre, Castro arregla el matrimonio de su hijo, Don Alonzo (Valentino), con Julietta (Helena D'Algy), la hija de una orgullosa familia española, y ella viene al estado sudamericano para la boda. Carlotta (Naldi), hija del mayordomo, está celosa y con su padre se arregla con un bandido, El Tigre (Siegmann), quien saquea la finca en la noche de bodas de Don y secuestra a Julietta. Don va a rescatarla, pero cree que ella es infiel cuando ve a El Tigre abrazando a Carlotta, quien usa la mantilla de Julietta. Don se disgusta con las mujeres y busca vengarse de El Tigre. Julietta y Carmelita (Lagrange), una bailarina, escapan y Julietta va a un convento. Finalmente, Don se encuentra con El Tigre y su amigo, Don Luis (Antonio D'Algy), lo apuñala en una pelea. Carmelita, que ama a Don, le oculta la verdad, pero finalmente lo lleva con Carmelita y comienzan una nueva vida juntos.

Comentario: Al no encontrarse copias de El diablo santificado en ningún archivo cinematográfico, se trata de una película perdida .

Celebrando la promoción del "99" (XXIII)

El proyecto de la bruja de Blair (The Blair Witch Project), de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez

Por qué fue importante: Aunque se puede argumentar que hubo películas de “metraje encontrado” antes de El proyecto de la bruja de Blair, los coguionistas y directores Daniel Myrick y Eduardo Sánchez cambiaron el curso de la historia del cine cuando su película de 60.000 dólares sobre estudiantes de cine en el bosque se compró por 1,1 millones de dólares y recaudó 248,6 millones de dólares en todo el mundo. El éxito de la película allanó el camino para el modelo de negocio del terror de micropresupuesto que todavía domina la industria hasta el día de hoy, y el elenco sigue haciendo campaña para recibir una compensación justa por su impacto.

Por qué se mantiene: Claro, ahora todos sabemos que la película, la leyenda de la bruja de Blair y el sitio web que Sánchez creó para promocionarlas eran todos ficción, pero el impacto de la creación de Myrick y Sánchez nunca ha disminuido. Con su diálogo en gran parte improvisado y sus imágenes granuladas de 16 mm, El proyecto de la bruja de Blair todavía tiene el poder de dejarte preguntándote “¿Debería estar viendo esto?”.

Qué ver a continuación: A primera vista, Creep (2014, de Patrick Brice, puede no parecerse en nada a El proyecto de la bruja de Blair, pero una vez que pases un poco de tiempo con Aaron, Josef y Peachfuzz, seguramente verás cómo la película original de metraje encontrado influyó en esta pequeña e inquietante película independiente.

Cumplió 25 años: El fin de los días

El 16 de noviembre de 1999 se estrenó la película El fin de los días (End of Days), dirigida por Peter Hyams e interpretada por Arnold Schwarzenegger, Gabriel Byrne, Kevin Pollak, Robin Tunney, CCH Pounder, Derrick O'Connor, David Weisenberg, Mark Margolis, Rod Steiger, Miriam Margolyes, Udo Kier, Rainer Judd, Michael O'Hagan, Jack Shearer, Luciano Miele. Productora: Beacon Communications, Lucifilms. Duración: 121 minutos. 

Sinopsis argumental: Nueva York, 1979. En un hospital de Manhattan acaba de nacer Christine, una niña preciosa. Ese mismo día, en el Vaticano, un joven sacerdote le comunica al Papa que esa niña lleva la marca del Anticristo. En 1999, Jericho Cane, un ex-policía amargado, salva a Christine del asalto de unos ladrones. Desde entonces Cane será víctima de la persecución de terribles fuerzas sobrenaturales.

Nominaciones y premios: 3 Nominaciones a los Premios Razzie: Peor director, actor y actor secundario. 

Comentario: Interesante película de terror con buenas secuencias de acción. 

Hace 100 años: La frivolidad de una dama

El 16 de noviembre de 1924 se estrenó la película estadounidense La frivolidad de una dama (Forbidden Paradise), dirigida por Ernst Lubitsch e interpretada por Pola Negri, Rod La Rocque, Adolphe Menjou, Pauline Starke, Fred Malatesta, Nick De Ruiz, Clark Gable. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 69 minutos. 

Sinopsis argumental: Alexei, un joven oficial, salva a la zarina de un pequeño reino de unos conspiradores revolucionarios, y ella le recompensa con su amor. Él deja entonces a Anna, la chica de quien estaba enamorado y que es dama de honor de la zarina. Pero ésta le es infiel y el despechado Alexei se une a los conspiradores. El canciller corta la revolución de raíz y la zarina hace que detengan a Alexei. 

Comentario: Tercera película de Ernst Lubitsch en Estados Unidos, que supuso una nueva colaboración con Pola Negri, una de sus actrices favoritas a la que ya había dirigido en Alemania en filmes como El gato montés (1921) y Montmartre (1922). En esta ocasión, la película se rodó a todo lujo con decorados de Hans Dreier recreando un palacio real hasta el mínimo detalle. Su argumento procedía de la obra teatral La zarina, de Lajos Biró y Melchior Lengyel. En un breve papel como extra encontramos a Clark Gable. Producida por el propio Lubitsch y dirigida por Otto Preminger, en 1945 se realizó nueva versión sonora llamada La zarina.

Celebrando la promoción del "99" (XXII)

Star Wars. Episodio I: La amenaza fantasma (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace), de George Lukas

Por qué fue importante: La primera película de La guerra de las galaxias de George Lucas desde El regreso del Jedi de 1983 recaudó 194 millones de dólares en todo el mundo durante su estreno inicial y se convirtió en la película más taquillera de 1999. La película también abrió nuevos caminos en los efectos visuales con su incipiente proceso de captura de movimiento y fondos totalmente digitales.

Cómo se mantiene: Las críticas a La amenaza fantasma han sido duras en todo, desde los personajes (como el niño Anakin ("¡Yippee!") y la creación de los gungans ("Meesa llamó a Jar Jar Binks")) hasta toda la trama que gira en torno a un embargo comercial. Pero el tiempo cura todas las heridas, y una nueva generación parece estar abrazando "las precuelas" para las series de aventuras que siempre debieron ser.

Qué ver a continuación: Tiene sentido ver Star Wars. Episodio II: El ataque de los clones (Star Wars. Episode II: Attack of the Clones, 2002), después de La amenaza fantasma, aunque sea solo para escuchar esa gloriosa frase que comienza con "No me gusta la arena..."

Películas de la semana: 15 de noviembre

Gladiator II

Dirección: Ridley Scott. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 148 minutos. Género: Acción. Aventuras. Drama. Antigua Roma. Cine épico. Secuela. Interpretación: Paul Mescal, Pedro Pascal, Denzel Washington, Connie Nielsen, Joseph Quinn, Fred Hechinger, Derek Jacobi, Peter Mensah, Lior Raz, Yuval Gonen, Alexander Karim, Tim McInnerny, Rory McCann, Matt Lucas, May Calamawy, Alec Utgoff, Lee Charles, Chi Lewis-Parry. Guion: David Scarpa. Personajes: David Franzoni. Producción: Ridley Scott, David Franzoni. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: John Mathieson. Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Scott Free Productions, Red Wagon Productions, Paramount Pictures. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Continúa la epopeya de poder, intriga y venganza ambientada en la Antigua Roma. Años después de presenciar la muerte del admirado héroe Máximo a manos de su tío, Lucio (Paul Mescal) se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, Lucio debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.

Nunca te sueltes

Título original: Never Let Go. Dirección: Alexandre Aja. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 101 minutos. Género: Terror. Sobrenatural. Maternidad. Interpretación: Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins, Matthew Kevin Anderson, William Catlett, Kathryn Kirkpatrick, Georges Gracieuse, Cadence Compton. Guion: Kevin Coughlin, Ryan Grassby. Producción: Alexandre Aja, Shawn Levy, Dan Levine. Música: Robin Coudert. Fotografía: Maxime Alexandre. Productora: 21 Laps Entertainment, Media Capital Technologies, Lions Gate Films, HalleHolly. Distribuidora: Vértice 360. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Un bosque habitado por presencias maléficas, en un mundo distópico poco explicitado. Una madre vive con sus hijos gemelos, los niños Samuel y Nolan, y un perro. La única forma de sobrevivir, les ha enseñado, es estar amarrados por una cuerda cuando salen al exterior de su cabaña, porque de este modo están protegidos por el amor del hogar. Pero los chavales empiezan a tener edad suficiente para preguntarse si pasaría algo si se movieran desatados por el bosque, y si su madre no estará algo chiflada. Se trata, por supuesto, de la misma duda que debe apoderarse del espectador.

Polvo serán

Dirección: Carlos Marques-Marcet. País: España. Año: 2024. Duración: 106 minutos. Género: Romance. Drama. Musical. Enfermedad. Interpretación: Ángela Molina, Alfredo Castro, Mònica Almirall, Patrícia Bargalló, Alván Prado, Manuela Biedermann, Emma Corbacho. Guion: Carlos Marques-Marcet, Clara Roquet, Coral Cruz. Música: Maria Arnal. Fotografía: Gabriel Sandru. Productora: Coproducción España-Suiza-Italia; Lastor Media, Kino Produzioni, Alina Film, RTVE, Movistar Plus+. Distribuidora: Elástica Films, Wanda. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Claudia y Flavio son una pareja talludita, que se han dedicado profesionalmente al mundo del teatro y de la danza. A ella le diagnostican un enfermedad terminal y su drástica decisión es Suiza, “suizidio”, o sea, suicidio asistido en ese país. Y Flavio no sólo la apoya, sino que él mismo se apunta a la solución final. Lo que descoloca a Violeta, la hija de ambos, que había renunciado a su trabajo en una orquesta para cuidar a la madre. Optan antes por casarse, la excusa de la boda servirá para comunicar la noticia a Lea y Manuel, hijos de los anteriores matrimonios de ella y él.

Los últimos románticos

Título original: Los últimos románticos (Azken erromantikoak). Dirección: David P. Sañudo. País: España. Año: 2024. Duración: 102 minutos. Género: Drama. Comedia. Comedia dramática. Interpretación: Miren Gaztañaga, Maica Barroso, Erik Probanza, Itziar Aizpuru, Ignacio Mateos. Guion: David P. Sañudo, Marina Parés. Argumento: Novela de Txani Rodríguez. Música: Beatriz Lopez-Nogales. Fotografía: Víctor Benavides. Productora: La Claqueta PC, Irusoin. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Irune, una mujer insegura, solitaria y con tendencias hipocondríacas, trabaja en una fábrica de papel situada en las afueras de un pueblo industrial en Álava. Su vida se limita a un reducido círculo de conocidos: sus compañeros de trabajo, una vecina con la que comparte algo parecido a una amistad y un operador de Renfe a quien consulta horarios de trenes que nunca toma. Su frágil equilibrio estallará cuando se detecte un bulto en un pecho, lo que coincidirá con un conflicto laboral en el que se ve implicada. Es entonces cuando su vida toma un giro inesperado, ofreciéndole la oportunidad que, quizás sin saberlo, siempre había estado esperando. El director David Pérez Sañudo (Ane) hace un retrato deprimente de una mujer de mediana edad que vive una existencia sin alicientes, solitaria, infeliz.

El baño del diablo

Título original: Des Teufels Bad AKA The Devil's Bath. Dirección: Severin Fiala, Veronika Franz. País: Austria. Año: 2024. Duración: 120 minutos. Género: Terror. Drama. Siglo XVIII. Folk Horror. Vida rural. Interpretación: Anja Plaschg, David Scheid, Maria Hofstätter, Tim Valerian Alberti, Natalija Baranova, Elias Schützenhofer, Franziska Holzer, Elmar Kurz, Agnes Lampl, Claudia Martini, Camilla Schilia, Annemarie Schwarzenberger, Lukas Walcher. Guion: Severin Fiala, Veronika Franz. Música: Anja Plaschg. Fotografía: Martin Gschlacht. Productora: Coproducción Austria-Alemania; Ulrich Seidl Film Produktion GmbH, ARTE, Bayerischer Rundfunk (BR), Heimfilm Gmbh, Österreichischer Rundfunk (ORF). Distribuidora: Caramel Films. Premios y nominaciones: Festival de Berlín: Oso de Plata - Contribución artística sobresaliente. 2 nominaciones; Festival de Sitges: Mejor película. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Austria, siglo XVIII. Pueblos rodeados de profundos bosques. En lo alto de una colina, una mujer ha sido ejecutada y expuesta a la vista de todos tras matar a un bebé. Como prueba. Como advertencia. ¿Cómo un presagio? Agnes, profundamente religiosa y muy sensible, se casa con su amado Wolf y se prepara cándidamente para una vida de esposa. Poco después, su cabeza y su corazón empiezan a sentirse pesados. Día tras día, se ve cada vez más atrapada en un camino turbio y solitario que la conduce a malos pensamientos. Quizá, no sólo pensamientos. 

En la alcoba del sultán

Dirección: Javier Rebollo. País: España. Año: 2024. Duración: 97 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Cine dentro del cine. África. Años 1900. Interpretación: Félix Moati, Pilar López de Ayala, Ilies Kadri, Jan Budar, Farouk Saidi. Guion: Javier Rebollo, Luis Bértolo. Fotografía: Santiago Racaj. Productora: Coproducción España-Francia; Sideral Films, Paraiso Production, Eddie Saeta S.A, Noodles Production. Distribuidora: Sideral. Premios y nominaciones: Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a Mejor Película - Espiga de Oro. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Singular homenaje a los pioneros del cine, imaginando algunas peripecias de Gabriel Veyre, operador de cámara de los hermanos Lumière, que recorrió todo el mundo promocionando el cinematógrafo y capturando en celuloide imágenes de todo tipo. La acción le ubica en el país de Nour, Marruecos, para aclararnos, y entendiéndose con el sultán a través de Abraham, un intérprete, para introducirle en el poder de las imágenes en movimiento, rodando y con proyecciones donde también disfrutan sus esposas, aunque Gabriel debe vendarse los ojos. Además, Gabriel tendrá oportunidad de compartir la experiencia con su amada Jeanne, que acude a visitarla. Javier Rebollo escribe y dirige un film minimalista, que en modo experimental combina el exotismo de los países árabes con lo que supone de descubrimiento ver en funcionamiento el invento de los Lumière.

Góndola

Título original: Gondola. Dirección: Veit Helmer. País: Alemania. Año: 2023. Duración: 82 minutos. Género: Romance. Drama. Comedia. Naturaleza. Homosexualidad. Interpretación: Nino Soselia, Mathilde Irrmann, Zuka Papuashvili, Niara Chichinadze, Vachagan Papovian, Elene Shavadze, Luka Tsetskladze. Guion: Veit Helmer. Música: Malcolm Arison, Sóley Stefánsdóttir. Fotografía: Goga Devdariani. Productora: Veit Helmer Filmproduktion, Natura Film, Saarländischer Rundfunk (SR), Westdeutscher Rundfunk (WDR), Bayerischer Rundfunk (BR). Distribuidora: reverso Films. Premios y nominaciones: Festival Internacional de Tokyo: Nominada a Mejor película. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Un estación de teleférico une dos montañas separadas por un ancho valle. Cada día las dos cabinas surcan el aire, una y otra vez, trasladando algunos pocos viajeros y cruzándose cada viaje de ida y vuelta. En una de ellas trabaja la azafata Nino, y la otra ha sido ocupada por una nueva empleada, Iva. Al comienzo ambas se irán saludando en cada trayecto, pero poco a poco la relación entre ellas se irá haciendo más estrecha, más íntima, hasta llegar al enamoramiento, y dejarán volar la imaginación para que cada encuentro en el aire sea una sorpresa.

La zona vacía

Dirección: Kurro González. País: España. Año: 2024. Duración: 107 minutos. Género: Drama. Interpretación: Francisco Conde, Alba Loureiro, Silvia Castellón, Alejandra Lorente, Abraham Montufo, Marcos Cascón. Guion: Kurro González. Música: Isabel Latorre. Fotografía: Alberto Muñoz. Productora: 32historias Producciones. Distribuidora: Begin Again Films. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Luis es un astrofísico que estudia la llamada “zona vacía” en busca de algo que dé consistencia a sus esperanzas de encontrar un orden en el caos. Para evitar el suyo, lleva una vida ordenada y rutinaria, en la que sólo parece haber espacio para su trabajo y para Ángela, la mujer con la que comparte su vida. Pero todo cambia cuando llegan sus nuevos vecinos, una pareja amigable que tiene una hija risueña y pizpireta. Luis se verá desbordado por el recuerdo de un amor adolescente que se truncó de una forma dramática. Todo cuanto intenta para controlar sus emociones parece inútil, y, cuanto más lucha por mantenerlas a raya, más se resquebraja la vida que tanto le ha costado construir.

Piezas

Dirección: Pilar Ordóñez. País: España. Año: 2024. Duración: 85 minutos. Género: Drama. Abusos sexuales. Películas de episodios. Interpretación: Ariel Castro, Elisa Forcano, Sofía Cortés, Natalia Llorente, José Sabarga, Jorgelina Ferlise, Paula Cortés, Laura Fité, Fanny Condado, Pilar Ordóñez. Guión: Pilar Ordóñez. Música: Pablo Miyar. Fotografía: Jerónimo Molero. Productora: Manuela Films.  Distribuidora: Maravillas Distribuciones. España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: La película es un drama de contenido social que sigue nueve historias de nueve personajes que se encuentran en un momento de encrucijada en sus vidas. Se trata de nueve experiencias personales contadas mediante un plano secuencia que denuncia temas tan globales como la xenofobia, el abuso sexual, el aborto, la anorexia, la intolerancia, el acoso, el papiloma humano, el maltrato doméstico y la violencia de género. Estas historias de relaciones tóxicas culminarán con un final en el que se unirán los personajes. Acostumbrada a formar a actores, esta vez, Pilar Ordóñez, no solo actúa, sino que también ha escrito y dirigido la que es su ópera prima. Película que ha sido seleccionada en el 46th Festival Internacional de Cine de Moscú (MIFF), uno de los foros cinematográficos más antiguos del mundo, para que se estrene mundialmente en su sección oficial. Ha recibido, además, una decena de premios en festivales internacionales y dos menciones de Honor, consolidándose así como una obra reconocida y de denuncia social. Este proyecto se ha desarrollado de manera cooperativa con un grupo de profesionales tanto artísticos como técnicos. Participan, por tanto, intérpretes como Ariel Castro, Elisa Forcano, Sofía Cortés, Natalia Llorente, José Sabarga, Jorgelina Ferlise, Paula Cortés, Laura Fité y Fanny Condado.

Mitología de barrio

Dirección: Antonio Llamas, Alejandro Pérez Castellanos, Jorge Rojas. País: España. Año: 2024. Duración: 70 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental, Intervenciones de: Jun Tang, Mingjun Huang, Zhang Yan, Fang Bing Ling, Huaji Yu, Bin Zhang. Guion: Antonio Llamas, Alejandro Pérez Castellanos, Jorge Rojas, Ximo Peris. Música: Guillermo Rojo. Fotografía: Jorge Rojas. Productora: Entre las piedras, Gonita. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: A través de una punzante observación, complejos habitacionales bajos, altos, anchos, angostos, amarillos, anaranjados, marrones, de cortinas verdes, o de ventanales blancos, unidos por ropas colgantes, o separados por plazas con fuentes, algunas con agua y otras con palomas, en una periferia. El mito se construye en un espacio, en una ciudad específica, pero que podría ser cualquier ciudad. En un barrio. En ese barrio, un hombre dormita en su tienda de alimentación durante una calurosa tarde de verano. Los edificios también dormitan. Pero un sueño premonitorio sobresalta al hombre de la tienda. Al día siguiente, la ciudad habrá cambiado para siempre y nadie recordará cómo volver a casa. Hace falta un mapa para entrar, o un mapa para escapar. Como en los mitos y leyendas, hay un laberinto que se levanta ante nosotros. 

Lola y el piano rompecabezas

Título original: Lola et le piano à bruits. Dirección: Augusto Zanovello. País: Francia. Año: 2024. Duración: 25 minutos. Género: Animación. Infantil. Musical. Cortometraje. Reparto: Animación. Guion: Augusto Zanovello, Jean-Charles Finck. Música: Christian Perret. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Francia-Polonia-Suiza; Folimage. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Lola, de 11 años, es hermana de Simón, de 5, que vive en su propio mundo. Observándole, se da cuenta de lo sensible que es a los pequeños sonidos ocultos. Junto con su amiga Rolih, deciden construir una máquina de ruidos para comunicarse con él. Estreno en cines con el programa de cortometrajes Lola y el piano rompecabezas, que explora las posibilidades del lenguaje en la comunicación y las relaciones interpersonales. El conjunto del programa hace valer las diferentes capacidades y propone romper con algunos de los estigmas asociados a las personas con diversidad intelectual o funcional, de hecho, celebra la interdependencia, las redes de apoyo y la cooperación. En Ser hermanas nos adentramos en la extraordinaria relación entre dos hermanas, mientras que en El hombre de bolsillo se pone de manifiesto el valor en la diferencia. La panadería de Boris nos habla sobre cómo sortear una dificultad para convertirla en virtud y en La jaula vemos cómo la relación entre un pájaro y un elefante se nutren a lo largo del tiempo y la amistad también funciona como red de apoyo mutuo. En el cortometraje Lola y el piano rompecabezas conocemos a Simón, un niño con características del espectro autista. Su hermana mayor, Lola, explora la manera de generar códigos comunes que les permita comunicarse. Los lenguajes artísticos – el dibujo, la música y la danza – son la clave en esta búsqueda.

Reestrenos de la semana: 15 de noviembre

El señor de los anillos: La comunidad del anillo

Título original: The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2001. Duración: 180 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico. Película de culto. Interpretación: Elijah Wood, Viggo Mortensen, Ian McKellen, Sean Astin, Cate Blanchett, Sean Bean, Liv Tyler, Orlando Bloom, Ian Holm, John Rhys-Davies, Christopher Lee, Dominic Monaghan, Billy Boyd, Hugo Weaving, Marton Csokas, Andy Serkis. Guion: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson. Argumento: Novela de J.R.R. Tolkien. Música: Howard Shore. Tema: Enya. Fotografía: Andrew Lesnie. Productora: Coproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos; Wingnut Films. Distribuidora: eOne. Premios y nominaciones: 4 Oscar: mejor fotografía, banda sonora original, efectos visuales y maquillaje. 13 nominaciones; 4 nominaciones al Globo de Oro: Mejor director, película - drama, banda sonora original, canción; 4 Premios BAFTA, incluyendo mejor película y director. 12 nominaciones; 2001: 2 premios National Board of Review: Diseño de producción, dirección artística; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor banda sonora. 2 nominaciones; Saturn Awards: Mejor película de fantasía, director, actor secundario (McKellen). 9 nominaciones.  Reestreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: En la Tierra Media, el Señor Oscuro Sauron ordenó a los Elfos que forjaran los Grandes Anillos de Poder. Tres para los reyes Elfos, siete para los Señores Enanos, y nueve para los Hombres Mortales. Pero Saurón también forjó, en secreto, el Anillo Único, que tiene el poder de esclavizar toda la Tierra Media. Con la ayuda de sus amigos y de valientes aliados, el joven hobbit Frodo emprende un peligroso viaje con la misión de destruir el Anillo Único. Pero el malvado Sauron ordena la persecución del grupo, compuesto por Frodo y sus leales amigos hobbits, un mago, un hombre, un elfo y un enano. La misión es casi suicida pero necesaria, pues si Sauron con su ejército de orcos lograra recuperar el Anillo, sería el final de la Tierra Media.

El señor de los anillos: Las dos torres

Título original: The Lord of the Rings: The Two Towers. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2002. Duración: 179 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico. Secuela. Película de culto. Interpretación: Elijah Wood, Viggo Mortensen, Ian McKellen, Sean Astin, Orlando Bloom, Cate Blanchett, Miranda Otto, Billy Boyd, Dominic Monaghan, Liv Tyler, John Rhys-Davies, Christopher Lee, David Wenham, Bernard Hill, Andy Serkis, Hugo Weaving, Brad Dourif, Karl Urban, Bruce Hopkins, John Noble, Bruce Allpress. Guion: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens, Stephen Sinclair. Argumento: Novela de J.R.R. Tolkien. Música: Howard Shore. Fotografía: Andrew Lesnie. Productora: Coproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos; Wingnut Films. Distribuidora: eOne. Premios y nominaciones: 2 Oscar: mejores efectos sonoros y mejores efectos visuales. 6 nominaciones; Globos de Oro: 2 nominaciones: Mejor director y película - drama; 2 Premios BAFTA: Mejor diseño de vestuario y efectos visuales. 9 nominaciones; American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año; Critics' Choice Awards: Nominada a mejor película y compositor (Shore); Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película. Reestreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Tras la disolución de la Compañía del Anillo, Frodo y su fiel amigo Sam se dirigen hacia Mordor para destruir el Anillo Único y acabar con el poder de Sauron, pero les sigue un siniestro personaje llamado Gollum. Mientras, y tras la dura batalla contra los orcos donde cayó Boromir, el hombre Aragorn, el elfo Legolas y el enano Gimli intentan rescatar a los medianos Merry y Pipin, secuestrados por los orcos de Mordor. Por su parte, Saurón y el traidor Sarumán continúan con sus planes en Mordor, a la espera de la guerra contra las razas libres de la Tierra Media.

El señor de los anillos: El retorno del rey

Título original: The Lord of the Rings: The Return of the King. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2003. Duración: 201 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico. Secuela. Película de culto. Interpretación: Viggo Mortensen, Elijah Wood, Sean Astin, Ian McKellen, Liv Tyler, Cate Blanchett, Orlando Bloom, John Rhys-Davies, Andy Serkis, Miranda Otto, Ian Holm, Marton Csokas, Billy Boyd, Hugo Weaving, Dominic Monaghan, Karl Urban, David Wenham, Bernard Hill, John Noble. Guion: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens. Argumento: Novela de J.R.R. Tolkien. Música: Howard Shore. Fotografía: Andrew Lesnie. Productora: Coproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos; Wingnut Films. Distribuidora: eOne. Premios y nominaciones: 11 premios Oscar, incluyendo mejor película y director. 11 nominaciones; 4 Globos de Oro: Mejor película dramática, director, banda sonora original y canción; 4 premios BAFTA, incluyendo mejor película y guión adaptado. 12 nominaciones; National Board of Review: Mejor reparto; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película. 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor director y diseño de producción. Reestreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Las fuerzas de Saruman han sido destruidas, y su fortaleza sitiada. Ha llegado el momento de decidir el destino de la Tierra Media, y, por primera vez, parece que hay una pequeña esperanza. El interés del señor oscuro Sauron se centra ahora en Gondor, el último reducto de los hombres, cuyo trono será reclamado por Aragorn. Sauron se dispone a lanzar un ataque decisivo contra Gondor. Mientras tanto, Frodo y Sam continuan su camino hacia Mordor, con la esperanza de llegar al Monte del Destino.

One Direction: This Is Us

Título original: 1D3D: This Is Us AKA One Direction 3D AKA 1D3D. Dirección: Morgan Spurlock. País: Estados Unidos. Año: 2013. Duración: 92 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Conciertos. 3-D. Reparto: Documental. Música: One Direction, Simon Franglen. Fotografía: Neil Harvey. Productora: Syco Entertainment, TriStar Pictures, Warrior Poets. Productor: Simon Cowell. Reestreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Documental sobre la banda musical británica de adolescentes One Direction. Dirigida por Morgan Spurlock (Super Size Me, Freakonomics), narra los orígenes de los 5 miembros del grupo -Niall Horan, Zayn Malik, Liam Payne, Harry Styles y Louis Tomlinson- y como Simon Cowell los juntó tras haber concursado todos en la versión británica del programa de televisión Factor X del 2010. La banda rápidamente se ganó una legión de seguidores, y la actuación final donde participaban tres concursantes se convirtió en la más popular de todos los tiempos. En marzo de 2012, el álbum debut de One Direction “Up All Night” hizo historia en Estados Unidos y fue la primera vez que un primer álbum de un grupo británico entrara en primera posición en las listas de los 200 más escuchados en Estados Unidos. En el documental conocemos sus familias, exploraremos sus sueños y ahondaremos en cómo se sienten tras su meteórica subida al estrellato. El concierto principal en la película es el que dieron en el London O2 Arena, en Abril de 2013.