Retrospectiva: “Río Bravo”

El 18 de marzo de 1959, en New York, EEUU, se estrenaba la película "Rio Bravo" - dirigida por Howard Hawks e interpreatada por John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson, Angie Dickinson, Walter Brennan, Ward Bond, John Russell, Pedro Gonzalez, Estelita Rodríguez, Claude Akins, Malcolm Atterbury, Harry Carey Jr. y Bob Steele. Con música de Dimitri Tiomkin: Fue ganadora del Globo de Oro a la mejor actriz joven (Angie Dickinson).

Ricky Nelson y John Wayne en Río Bravo (1959)

La trama: El sheriff Chance (John Wayne) encarcela por asesinato al hermano de un poderoso terrateniente que intentará liberarlo por todos los medios. Para impedirlo, Chance cuenta con la colaboración de un sheriff alcohólico (Dean Martin) y un viejo tullido (Walter Brennan), a los que se une un joven llamado Colorado (Ricky Nelson). Todos ellos se encierran en la oficina del sheriff para impedir que el preso pueda ser liberado antes de que llegue la autoridad estatal para llevárselo.

John Wayne, Walter Brennan y Dean Martin en Río Bravo (1959)

Río Bravo es una obra maestra de principio a fin. De hecho su primera secuencia es ya de las que podría visionar en bucle, una y otra vez. Uno de los grandes western de la historia del cine que relega la acción a un segundo plano y apuesta por mostrar el perfil psicológico de unos personajes arquetípicos. Hawks, que realizó este western modélico como respuesta a las pretensiones intelectuales de Solo ante el peligro, de Fred Zinneman, volvería posteriormente sobre el mismo tema en El Dorado, una película igualmente brillante.

John Wayne y Angie Dickinson en Río Bravo (1959)

Era muy común en esta época de los westerns que aprovechando las locaciones y los extras se filmaran kilómetros de celuloide de mas para utilizar en futuras películas. Río Bravo utilizo escenas desechadas de Solo ante el peligro (High Noon) de 1952 y parte de su material se reutilizó en El Dorado de 1966.

Para ver: "Les Rayons et les ombres”, de Xavier Giannoli:un fresco impresionante sobre los colaboracionistas

La ocupación, vista desde la perspectiva de los colaboracionistas. El director nos ofrece una película épica con una dirección espectacular, muy alejada del maniqueísmo. Una ambiciosa obra magistralmente llevada a cabo por Jean Dujardin y la joven actriz Sastya Golubeva.

El título del nuevo largometraje de Xavier Giannoli —una alusión a los haces de luz del proyector que iluminan el teatro a oscuras— es ya un comienzo prometedor para el cine. Pero Les Rayons et les ombres (2026) es, ante todo, un homenaje a la literatura. 

Más precisamente, al poema Sagesse (XLIV) perteneciente a la colección de Victor Hugo, Les Rayons et Les Ombres (1840), del que el director de La aparición (L'apparition, 2018) extrajo los siguientes versos: "Todo hombre en la tierra tienedos caras, buena/ y mala. Culpar a todo es no entender nada./Las almas humanas están hechas de oro y plomo. La mente del sabio es seria, y sobre cada cabeza/no lanza su rayo al azar en fragmentos”, que abogan por los matices, la tolerancia y la comprensión de la complejidad de la naturaleza humana, una mezcla de bien y mal, e instan a no juzgar. La frase "Culpar a todo es no entender nada" invita a la empatía y a la comprensión de la complejidad humana, en lugar de una condena moral simplista. La persona "sabia" es aquella que, consciente de esta dualidad, demuestra moderación ("seria") y evita la condena ciega ("no lanza sus rayos al azar"). La película rechaza todo maniqueísmo, como los versos del poeta.

Jean Dujardin despliega todo su talento interpretativo en el papel de Jean Luchaire (1901-1946), periodista y activista pacifista seducido por la ideología nazi

La trama: Años 1930. Jean y Otto, un periodista francés y un joven alemán francófilo, luchan por la paz en Europa. La hija de Jean, Corinne, comienza una prometedora carrera como actriz de cine pero estalla la II Guerra Mundial y Francia es ocupada. Los dos amigos desempeñan un papel importante en esta nueva Francia. Jean se convierte en un gran magnate de la prensa y Otto es nombrado embajador del Reich en París. Corinne, por su parte, se ve inmersa en una situación muy complicada. Tres destinos trágicos, inextricablemente unidos, se desarrollan a lo largo de tres horas en una narrativa cautivadora de principio a fin.

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (VII)

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19. Memorias de un asesino (Salinui chueok, 2003)

Director: Bong Joon-ho. Reparto:  Song Kang-ho, Kim Sang-kyung, Kim Roe-ha, Song Jae-ho, Ko Seo-hie, Byun Hee-bong, Ryu Tae-ho, Park No-shik, Park Hae-il, Jeon Mi-seon, Shin Hyun-jong, Seo Young-hwa.

La trama: Corea del Sur, 1986. Una joven aparece brutalmente violada y asesinada. Dos meses después, se producen una serie de violaciones y asesinatos en circunstancias similares. Para buscar al asesino, se organiza un destacamento especial, encabezado por un detective de la policía local (Park Doo-man) y un detective de la policía de Seúl (Seo Tae-yoon), que ha solicitado ser asignado al caso. Basada en hechos reales, sigue a dos detectives enfrentados a un caso sin resolver. El contraste entre métodos y la atmósfera opresiva elevan un retrato humano del fracaso y la frustración policial.

Curiosidades: Bong Joon-ho se adentró en Hwaseong para reconstruir el caso con precisión: habló con vecinos, periodistas y policías que vivieron la investigación original, recorrió los escenarios reales y tomó notas sobre un clima social marcado por la impotencia y el miedo. Ese compromiso adquiría una dimensión aún más inquietante al recordar que, cuando la película se estrenó, el caso seguía sin resolverse; solo décadas después, gracias a nuevas técnicas de ADN, se identificó al responsable, aunque los crímenes ya habían prescrito. Disponible en Prime Video, Filmin.

20. Mr. Brooks (2007)

Director: Bruce A. Evans. Reparto: Kevin Costner, Demi Moore, Dane Cook, Marg Helgenberger, Ruben Santiago-Hudson, William Hurt, Reiko Aylesworth, Danielle Panabaker, Aisha Hinds, Jason Lewis, Matt Schulze, Lindsay Crouse, Yasmine Delawari.

La trama: Earl Brooks (Kevin Costner), un brillante hombre de negocios que lleva una vida aparentemente tranquila, es en realidad un asesino en serie. Brooks se esfuerza por reprimir sus instintos homicidas, pero su alter ego (William Hurt) se lo impide. Una dura y tenaz detective (Demi Moore) capta la atención del misterioso asesino al que persigue. Una figura respetada oculta una doble vida marcada por un impulso oscuro. La tensión aumenta cuando alguien descubre su secreto, obligándolo a enfrentar consecuencias que amenazan su frágil equilibrio.

Curiosidades: La anécdota: Costner recibió un personaje escrito a su medida, un retrato oscuro que los guionistas concibieron pensando en su capacidad para sostener la doble vida de Brooks, y que él mismo definió como uno de los mejores guiones que había leído, lo bastante sugerente como para impulsarlo a producir la película. Aquella convicción inicial explicaba también la ambición del proyecto: Mr. Brooks debía ser solo el primer capítulo de una trilogía que explorara a fondo la adicción al asesinato y la fractura moral del protagonista. Disponible en Google Play, Rakuten TV y Prime Video.

21. Zodiac (2007)

Director: David Fincher. Reparto: Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Anthony Edwards, Robert Downey Jr., Brian Cox, John Carroll Lynch, Chloë Sevigny, Elias Koteas, Adam Goldberg, Dermot Mulroney, Philip Baker Hall, Clea DuVall, Donal Logue, John Getz, Candy Clark, John Terry, Ed Setrakian, Zach Grenier, Paul Schulze, John Mahon, Jimmi Simpson, Pell James.

La trama: Thriller sobre el famoso "Asesino del Zodiaco", un asesino en serie que, entre 1966 y 1978, mató a numerosas personas en San Francisco, al tiempo que enviaba a los medios de comunicación cartas con pistas. La acción se centra en las largas pesquisas de dos detectives que intentaron darle caza y en las investigaciones de dos periodistas que trataron de averiguar su identidad. La obsesión y el paso del tiempo marcan una investigación compleja y llena de incertidumbre.

Curiosidades: La policía tuvo que reabrir el caso por el renovado interés público y por el nivel de documentación que Fincher y su equipo habían reunido durante su propia investigación, tan exhaustiva que ayudó a destapar detalles que habían pasado desapercibidos en su momento. Estuvieron dieciocho meses reconstruyendo el caso con entrevistas, archivos oficiales y un escrutinio forense de cada prueba disponible. Disponible en Filmin

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Retrospectiva: El árbol del ahorcado

En 1959, Delmer Daves dirigió El árbol del ahorcado (The Hanging Tree), un western psicológico. La pareja protagonista  la forman Gary Cooper y Maria Schell, a los que acompañan Karl Malden, George C. Scott, Karl Swenson, Virginia Gregg, John Dierkes, King Donovan, Ben Piazza.

La trama: En la época de la fiebre del oro, a un poblado minero de Montana llega Joe Frail (Gary Cooper), un extraño y contradictorio médico sobre el que parece pesar un oscuro pasado. Tras el asalto de unos bandoleros a la diligencia, la única superviviente resulta ser una inmigrante suiza (Maria Schell) que, a causa de una insolación, se queda ciega. De cuidarla hasta que recupera la vista se ocupará Frail.

Noveno y último western de Delmer Daves. Escrito por Wendell Mayes y Halsted Welles, adapta el relato breve The Hanging Tree (1957), de Dorothy M. Johnson. El film suma drama, romance y western. Focaliza la atención en un personaje infrecuente e insólito, un médico convertido en héroe y protagonista de un relato de frontera. Intensamente dramático, se enmarca en un contexto social de penurias, apremios, ambiciones, codicia, inseguridad y desesperación. La colonia de buscadores de oro forma una sociedad sin pasado, sin ley y sin servicios esenciales. En ella impera la violencia, el individualismo y la caprichosa voluntad del más fuerte. Los conflictos se resuelven con los puños, las pistolas o la horca. Destaca la música de Max Steiner y el fantástico clímax final.

Para ver: "Proyecto Salvación", encuentros cercanos en la tercera fase (I)

En unos pocos días llegará la Semana Santa, con todo lo que eso significa, además del trasunto religioso, vacaciones, hijos en casa, tal vez algún viaje, etc. Pero, También podremos salvaguardar algunos períodos de tiempo para disfrutar de un buen cine, actual o pasado. He aquí, nuestras recomendaciones. Comenzamos con...

Proyecto Salvación (Project Hail Mary, 2026), de Phil Lord y Christopher Miller con  Ryan Gosling, Sandra Hüller, Lionel Boyce, Ken Leung, Milana Vayntrub, Liz Kingsman, James Wright. Los directores Phil Lord y Christopher Miller regresan con una cautivadora película de ciencia ficción, rebosante de humor y encanto, en la que Ryan Gosling entabla amistad con un extraterrestre. Y nos lo creemos. 

La trama: El profesor de ciencias Ryland Grace (Ryan Gosling) se despierta en una nave espacial a años luz de casa sin recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí. A medida que recupera la memoria, empieza a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del sol. Deberá recurrir a sus conocimientos científicos y a sus ideas poco ortodoxas para salvar todo lo que hay en la Tierra de la extinción... pero una amistad inesperada significa que quizá no tenga que hacerlo solo.

Basada en la novela homónima de  Andy Weir de 2021, es una producción que reivindica el cine como experiencia física, colectiva y emocional y retrata a un profesor de ciencias de secundaria, sin vocación heroica, que se despierta solo en una nave espacial, lejos de la Tierra y sin recuerdos. No hay épica en el personaje, sólo miedo, desconcierto y sorpresa.

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (VI)

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16. Tesis (1996)

Director: Alejandro Amenábar. Reparto: Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Xabier Elorriaga, Miguel Picazo, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Paco Hernández, Rosa Ávila,. 

Ana Torrent en Tesis (1996)

La trama: Ángela, estudiante de Imagen, está preparando una tesis sobre la violencia audiovisual. Como complemento a su trabajo, su director de tesis se compromete a buscar en la videoteca de la facultad material para ella, pero al día siguiente es hallado muerto. Ángela conoce a Chema, un compañero experto en cine gore y pornográfico, y a Bosco, un extraño chico, amigo íntimo de una joven asesinada en una snuff movie. La tensión crece a medida que se adentra en un mundo oscuro donde realidad y grabación se confunden de forma inquietante.

Curiosidades: Amenábar bautizó al profesor implicado en las cintas snuff con el nombre real de un docente que lo había suspendido, una pequeña revancha que encaja con el tono crítico y casi doméstico del relato. Ese gesto, propio de un director aún en formación, contrasta con el éxito fulgurante que alcanzó la ópera prima de un estudiante de 24 años que todavía no había acabado la carrera y que terminó convertida en fenómeno de público y en gran triunfadora de los Goya. Disponible en Netflix, HBO Max, Disney+, Movistar+, FlixOlé. 

17. Funny Games (1997)

Director: Michael Haneke. Reparto: Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch, Frank Giering, Stefan Clapczynski, Doris Kunstmann.

Arno Frisch, Frank Giering y Ulrich Mühe en Funny Games (1997)

La trama: Anna, Georg y su hijo Georgie van a pasar las vacaciones a su bonita casa a orillas de un lago. Sus vecinos Fred y Eva han llegado antes que ellos. Las dos parejas quedan para jugar al golf al día siguiente. Mientras padre e hijo preparan el velero, Anna prepara la cena. De repente, Peter, un joven muy educado que se aloja en casa de los vecinos, se presenta para pedir que le presten algunos huevos porque a Eva no le queda ninguno. De repente, Anna se pregunta cómo ha podido entrar en la casa. El joven le explica que Fred le ha enseñado un agujero que hay en la cerca. El metacine y la ruptura de expectativas crean un retrato brutal sobre la violencia y la pasividad del espectador.

Curiosidades: Lothar afrontaba cada escena desgarradora entrando en un estado de agotamiento emocional real: se obligaba a llorar durante largos minutos antes de rodar y terminó completamente drenada en secuencias como la oración, que Haneke repitió 28 veces hasta alcanzar esa fragilidad extrema que buscaba para el personaje. Disponible en Acontra+.

18. American Psycho (2000)

Director: Mary Harron. Reparto: Christian Bale, Jared Leto, Samantha Mathis, Willem Dafoe, Justin Theroux, Josh Lucas, Chloë Sevigny, Reese Witherspoon, Bill Sage, Matt Ross, Guinevere Turner, Cara Seymour, Stephen Bogaert, Marie Dame. 

Christina Bale en American Psycho (2000)

La trama: En un mundo moralmente plano en el que la ropa tiene más sentido que la piel, Patrick Bateman es un espécimen soberbiamente elaborado que cumple todos los requisitos de Master del Universo, desde el diseño de su vestuario hasta el de sus productos químicos. Es prácticamente perfecto, como casi todos en su mundo e intenta desesperadamente encajar en él. Cuando más intenta ser como cualquier otro hombre adinerado de Wall Street, más anónimo se vuelve y menos control tiene sobre sus terribles instintos y su insaciable sed de sangre, que lo arrastra a una vorágine en la que los objetos valen más que el cuerpo y el alma de una persona. Su rutina impecable oculta impulsos violentos, mostrando una crítica ácida al consumismo y la identidad vacía.

Curiosidades: Bale encontró en una entrevista de Tom Cruise esa cordialidad intensa y vacía que luego trasladó a Patrick Bateman: “Era una amabilidad intensísima sin nada detrás de los ojos”. Ese gesto definió la máscara social del personaje y le dio esa inquietante sensación de perfección mecánica que atraviesa toda la película. Ese mismo trabajo de desorientación se amplificó con el detective de Willem Dafoe, cuyas escenas fueron rodadas en tres registros distintos: convencido, dubitativo y completamente ajeno, para que el montaje mezclara matices. Disponible en: Netflix, Lionsgate+. 

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Efemérides de cine: La trama

El 21 de marzo de 1976 se estrenó la película estadounidense La trama (Family Plot), dirigida porAlfred Hitchcock e interpretada por Karen Black, Bruce Dern, Barbara Harris, William Devane, Ed Lauter, Cathleen Nesbitt, Katherine Helmond, Marge Redmond, Warren J. Kemmerling, Edith Atwater, William Prince, Nicholas Colasanto. Productora: Universal Pictures. Duración: 120 minutos.

Sinopsis argumental: La señora Julia Rainbird (Cathleen Nesbit) guarda fuertes sentimientos de culpa porque, hace 40 años, hizo que una hermana -que quedó embarazada estando soltera- abandonara a su hijo al momento de nacer, y fallecida ella, ahora quiere encontrarlo para convertirlo en heredero. Por tal motivo, ha buscado la ayuda de la "psíquica", Blanche Tyler (Barbara Harris), quien al oír que le ofrecen ¡diez mil dólares! por encontrar al dichoso heredero, se aliará con su amigo George Lumley (Bruce Dern), para procurar hacer el milagro. 

Nominaciones y premios: Globos de Oro: Nominada mejor actriz musical/comedia (Barbara Harris); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado comedia; Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a mejores 10 películas del año.

Comentario: Última película del maestro del suspense, Alfred Hitchcock, quien volvió a realizar una de sus entretenidas intrigas con un punto de humor. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Un sportman de ocasión

El 26 de marzo de 1926 se estrenó la película estadounidense Un sportman de ocasión (Tramp, Tramp, Tramp), dirigida por Harry Edwards e interpretada por Alec B. Francis, Carlton Griffin, Edward Davis, Harry Langdon, Joan Crawford, Tom Murray. Productora: Harry Langdon. Duración: 62 minutos. 

Sinopsis argumental: Harry compite en una carrera campo a través para poder pagar el alquiler de su padre… y ganarse a la hija del patrocinador.

Comentario: La primera realización de Frank Capra -aunque no fue acreditado oficialmente- fue un típico vehículo para Harry Langdon, uno de los cómicos más importantes del cine mudo, injustamente olvidado pese a repetidas y fieles reivindicaciones, para el que ya llevaba trabajando unos años como guionista y gagman. Las desventuras deportivas de un personaje tirando a torpe daban pie a felices situaciones dentro de un conjunto de notable agilidad.

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (V)

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13. Ocurrió cerca de su casa (C'est arrivé près de chez vous, 1992)

Director: Rémy Belvaux. Reparto: Benoît Poelvoorde, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Nelly Pappaert, Hector Pappaert, Malou Madou, Willy Vandenbroeck, Rachel Deman. 

Benoît Poelvoorde en Ocurrió cerca de su casa (1992)

La trama: Un asesino en serie es seguido a todas horas por un equipo de televisión, que registra todas sus acciones y reflexiones para mostrarlas en un documental, al tiempo que el psicópata prosigue con sus criminales actividades.  La mirada directa a la cámara intensifica el impacto y cuestiona la complicidad del espectador.

Curiosidades: Belvaux, Bonzel y Poelvoorde levantaron la película asumiendo casi todas las tareas (dirección, guion, producción e incluso la interpretación del propio Ben), un enfoque artesanal que reforzó su tono realista y duro. Ese impulso creativo encontró reconocimiento inmediato cuando ganó en Sitges y empezó a consolidarse como obra de culto. Película que ganó, entre otros premios, el de mejor película y mejor actor en el Festival de cine de Sitges. Repleta de humor negro, se trata de una profunda denuncia de la insensibilidad del público ante la violencia que aparece diariamente en los medios de comunicación. Disponible en Movistar+.

14. Asesinos natos (Natural Born Killers, 1994)

Director: Oliver Stone. Reparto: Woody Harrelson, Juliette Lewis, Everett Quinton, Pruitt Taylor Vince, Edie McClurg, Jared Harris, Russell Means, O-Lan Jones, Rodney Dangerfield, Tom Sizemore, Lanny Flaherty, Robert Downey Jr., Maria Pitillo, Richard Lineback, Kirk Baltz, Sean Stone. 

Woody Harrelson y Juiette Lewis en Asesinos natos (1994)

La trama: Micky y Mallory, una pareja poco convencional de jovenes amantes, sienten que han nacido para matar: son dos despiadados criminales que tienen atemorizada a la población. El presentador de un programa sensacionalista decide aprovechar la fascinación que su personalidad ejerce sobre el público para convertir a los asesinos en héroes televisivos. La crítica social se mezcla con un estilo visual provocador.

Curiosidades: Tarantino terminó repudiando su guion al ver cómo Stone reformulaba su historia y desplazaba el enfoque hacia el espectáculo mediático, una decisión que lo llevó a exigir que su nombre quedara reducido a un simple “historia de”. Esa ruptura coincidió con la apuesta formal más radical de Stone, que desplegó un mosaico de formatos, texturas y distorsiones visuales para subrayar la crítica a unos medios capaces de convertir la violencia en entretenimiento. Disponible en Disney+.

15. Seven (Seven (Se7en), 1995)

Director: David Fincher. Reparto: Brad Pitt, Morgan Freeman, Kevin Spacey, Gwyneth Paltrow, R. Lee Ermey, John Cassini, Daniel Zacapa, Reg E. Cathey, John C. McGinley, Richard Roundtree, Richard Portnow, Peter Crombie. 

Brad Pitt, Kevin Spacey y Morgan Freeman en Seven (1995)

La trama: El veterano teniente Somerset (Morgan Freeman), del departamento de homicidios, está a punto de jubilarse y ser reemplazado por el ambicioso e impulsivo detective David Mills (Brad Pitt). Ambos tendrán que colaborar en la resolución de una serie de asesinatos cometidos por un psicópata que toma como base la relación de los siete pecados capitales: gula, pereza, soberbia, avaricia, envidia, lujuria e ira. Los cuerpos de las víctimas, sobre los que el asesino se ensaña de manera impúdica, se convertirán para los policías en un enigma que les obligará a viajar al horror y la barbarie más absoluta. La atmósfera oscura y la tensión constante crean un thriller potente y emocionalmente devastador.

Curiosidades: Spacey aceptó desaparecer por completo de la promoción, ni nombre en los créditos iniciales ni rastro en la campaña, para que la identidad de John Doe estallara fuera una sorpresa. Ese compromiso con el impacto se repitió al defender el final: cuando el estudio quiso suavizarlo, Brad Pitt dejó claro que no habría película si se tocaba. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, Filmin. 

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Películas de la semana: 20 de marzo

Amarga Navidad

Título alternativo: Bitter Christmas. Dirección: Pedro Almodóvar. País: España. Año: 2026. Duración: 115 minutos. Género: Drama. Navidad. Familia. Interpretación: Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Vicky Luengo, Patrick Criado, Milena Smit, Quim Gutiérrez, Carmen Machi, Rossy de Palma, Belén Riquelme, Amaia Romero, Gloria Muñoz. Guion: Pedro Almodóvar. Producción: Agustín Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Pau Esteve Birba. Productora: El Deseo, Movistar Plus+. Distribuidora: Warner. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Elsa es una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre. Encuentra refugio en el trabajo, aunque es más bien una huida hacia adelante. Trabaja sin parar y, sin darse cuenta, no se concede el tiempo necesario para guardar el duelo por la ausencia materna. Hasta que una crisis de pánico la obliga a detenerse e imponerse un descanso. Su pareja, Bonifacio, es su tabla de salvación en esos momentos de crisis. Elsa decide viajar a la isla de Lanzarote acompañada por su amiga Patricia, que también necesita alejarse de Madrid, mientras que Bonifacio se queda en la ciudad. La historia de estos tres personajes, y algunos más, se narran paralelamente a la del guionista y director de cine Raúl Durán, entremezclando ficción y realidad.

Whistle: El silbido del mal

Título original: Whistle. Dirección: Corin Hardy. País: Canadá. Año: 2025. Duración: 85 minutos. Género: Terror. Slasher. Sobrenatural. Terror adolescente. Interpretación: Dafne Keen, Sophie Nélisse, Sky Yang, Percy Hynes White, Nick Frost, Ali Skovbye, Michelle Fairley, Lanette Ware, Mika Amonsen. Guion: Owen Egerton. Producción: Whitney Brown, David Gross, Macdara Kelleher. Música: Doomphonic. Fotografía: Björn Charpentier. Diseño de producción: Jennifer Spence. Montaje: Nick Emerson. Productora: Coproducción Canadá-Irlanda; No Trace Camping, Wild Atlantic Pictures. Distribuidora: Beta Fiction. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Un grupo de estudiantes inadaptados encuentra por accidente un objeto maldito: un antiguo silbato de la muerte azteca. Al soplarlo, descubren que el terrorífico sonido que produce invoca a sus propias muertes futuras para perseguirlos. Mientras las víctimas aumentan, los amigos intentan descubrir el origen del artefacto y detener la terrible cadena de sucesos que han provocado. Adaptación del relato corto escrito por el propio guionista. 

Una hija en Tokio

Título original: Une part manquante. Título alternativo: A Missing Part. Dirección: Guillaume Senez. País: Francia. Año: 2024. Duración: 98 minutos. Género: Drama. Familia. Interpretación: Romain Duris, Judith Chemla, Mei Cirne-Masuki, Tsuyu Shimizu, Shungiku Uchida, Yumi Narita, Patrick Descamps, Shinnosuke Abe, Morio Agata, Toshihiro Yashiba, Eriko Takeda, Masayuki Shida. Guion: Guillaume Senez, Jean Denizot. Música: Olivier Marguerit. Fotografía: Elin Kirschfink. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Les Films Pelléas, Savage Film, Versus Production. Distribuidora: A Contracorriente Films. Premios y nominaciones: Festival de Sevilla: Nominada a Giraldillo de Oro - mejor película. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Jay, de origen francés, trabaja como taxista en Tokio, y presta apoyo en una red de padres que han experimentado lo mismo que él. Que, casados con una persona de nacionalidad japonesa, ven que en un momento de crisis conyugal se llevan a su prole, y las autoridades locales le conceden la custodia total y exclusiva, impidiendo las visitas e incluso obligando a costear la manutención. De modo que guía en situación tan injusta a Jessica, casada con un diplomático nipón. Tal tesitura coincide con que en una de sus carreras debe llevar a una colegiala con muletas, en la que advierte algo familiar: en efecto, reconoce a su hija Lily, a la que no ve desde hace años, porque también ha sido víctima de la legislación japonesa. Mientras piensa sobre cómo proceder, de momento disfruta llevándola al colegio todos los días sin revelarle su identidad, y tratando de hablar con ella y recuperar el tiempo perdido.

La sonrisa del mal

Título original: La valle dei sorrisi. Dirección: Paolo Strippoli. País: Italia. Año: 2025. Duración: 122 minutos. Género: Drama. Terror. Posesiones. Exorcismos. Interpretación: Michele Riondino, Romana Maggiora Vergano, Roberto Citran, Giulio Feltri, Sergio Romano, Anna Bellato, Sandra Toffolatti, Gabriele Benedetti, Diego Nardini, Paolo Pierobon, Vincenzo Tosetto. Guion: Jacopo Del Giudice, Paolo Strippoli, Milo Tissone. Música: Federico Bisozzi, Davide Tomat. Fotografía: Cristiano Di Nicola. Productora: Coproducción Italia-Eslovenia; Fandango Produzione, NIghtswim, SPOK Films, Vision Distribution, Ministero della Cultura, Friuli Venezia Giulia Film Commission, Intromagine Pictures. Distribuidora: Alfa Pictures. Premios y nominaciones: Paris International Fantastic Film Festival 2025: Premio de Cine+Frisson (Mejor película). Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Remis es un pequeño pueblo enclavado en un valle aislado en las montañas. Sus habitantes son excepcionalmente felices. Parece el destino perfecto para el nuevo profesor de educación física Sergio Rossetti, atormentado por un pasado misterioso. Al poco tiempo de llegar, el profesor descubre que tras esta aparente serenidad se esconde un ritual inquietante: una noche a la semana, los aldeanos se reúnen para abrazar a Matteo Corbin, un adolescente capaz de absorber el dolor ajeno. El intento de Sergio por salvar al joven despertará el lado oscuro de la comunidad.

Elegir mi vida

Título original: Partir un jour. Título alternativo: Leave One Day. Dirección: Amélie Bonnin. País: Francia. Año: 2025. Duración: 94 minutos. Género: Musical. Comedia. Drama. Romance. Comedia dramática. Interpretación: Juliette Armanet, Bastien Bouillon, François Rollin, Tewfik Jallab, Dominique Blanc, Mhamed Arezki, Pierre-Antoine Billon, Amandine Dewasmes. Guion: Amélie Bonnin, Dimitri Lucas. Música: Thomas Krameyer. Fotografía: David Cailley. Productora: Topshot Films, Les Films du Worso, Pathé, France 3 Cinéma, Canal+. Distribuidora: Syldavia Cinema. Premios y nominaciones: Premios César (Francia): 4 nominaciones. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Tras ganar un concurso televisivo de cocina, la chef de éxito Cécile se dispone a abrir su propio restaurante con su marido. Su vida parece encarrilada: reconocimiento profesional, estabilidad sentimental y, además, está embarazada. La noticia de que su padre ha sufrido un infarto la obliga a regresar al pueblecito donde creció. Allí, vuelve a cruzarse con Raphaël, antiguo compañero de colegio con el que compartió una relación adolescente nunca del todo resuelta, y que permanece anclado en el mismo lugar, viviendo una vida sencilla que contrasta con la carrera brillante de ella en la ciudad. Largometraje que adapta el cortometraje homónimo de 2021.

Tafiti y sus amigos

Título original: Tafiti - Ab durch die Wüste. Título alternativo: Tafiti: Across the Desert. Dirección: Nina Wels, Timo Berg. País: Alemania. Año: 2025. Duración: 81 minutos. Género: Animación. Aventuras. Comedia. Animales. Cine familiar. Reparto: Animación. Guion: Julia Boehme, Nicholas Hause. Música: Carsten Rocker. Fotografía: Animación. Productora: Little Dream Entertainment, Red Parrot Studios, Tradewind Pictures. Distribuidora: Vercine. Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Cuando Tafiti, una joven suricata conoce a Bristles, el cerdo salvaje, sabe que no pueden ser amigos. "¡Las suricatas se quedan con los suyos!" es lo que siempre le ha dicho el abuelo, ya que, la vida en el desierto está llena de peligros. Pero cuando Bristles es atacado por un águila, es Tafiti quien corre a rescatarlo. En busca desesperada de un amigo, el divertido cerdo salvaje sigue a Tafiti hasta su casa, provocando sin querer un desafortunado accidente: el abuelo de Tafiti es mordido por una serpiente venenosa mortal. Sólo una mítica flor azul del desierto podrá salvarlo. Tafiti emprende un peligroso viaje para encontrar la flor, convencida de que debe hacerlo ella sola. ¡Depende de Bristles demostrar que las aventuras siempre son mejores con amigos!

Reestrenos de la semana: 20 de marzo

Your Name

Título original: Kimi no Na wa. Dirección: Makoto Shinkai. País: Japón. Año: 2016. Duración: 106 minutos. Género: Animación. Drama. Romance. Fantástico. Drama romántico. Adolescencia. Viajes en el tiempo. Película de culto. Reparto: Animación. Guion: Makoto Shinkai. Producción: Katsuhiro Takei, Kôichirô Itô. Música: Radwimps. Fotografía: Animación, Makoto Shinkai. Productora: CoMix Wave Films. Distribuidora: Selecta Visión. Premios y nominaciones: Premios Annie: Nominada a mejor director y película independiente; Festival de Sitges: Mejor film de animación; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor largometraje de animación; Satellite Awards: Nominada a mejor largometraje de animación; London Film Festival: Nominada a mejor película; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor film de animación. Reestreno en España: 20 de marzo de 2026. Sinopsis: Se trata de una historia con un componente mágico incomprensible, por el cual Taki y Mitsuha, que no se conocen y viven en sitios diferentes, se despiertan en determinados días con sus cuerpos intercambiados, por lo cual, debido a este extraño fenómeno, él y ella viven en parte la vida del otro. El problema es que cuando cada cual vuelve a su yo normal, no saben lo que ocurrió en su ausencia, aunque arbitrarán un sistema de comunicación mínimo con mensajes. Las vidas de ambos se enriquecen, aunque un trágico suceso va a marcar sus vidas, trauma que podría ser superado por el amor creciente que intuyen entre ellos, a pesar de que nunca se han visto. Anime de Makoto Shinkai, director y guionista, que reincide en los temas mostrados en títulos como Viaje a Agartha. Your Name fue un éxito rotundo en taquilla, colocándose como la cuarta película más exitosa de la historia en Japón (por detrás de El viaje de Chihiro, Titanic y Frozen) con más de 172 millones de dólares recaudados a fecha de diciembre de 2016, tras nueve semanas en primera posición del ranking. En China, es la película de animación 2D más taquillera de la historia, con 81 millones recaudados."

Las 30 mejores películas basadas en psicópatas y dónde verlas (IV)

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10. Henry: Retrato de un asesino (Henry: Portrait of a Serial Killer, 1986)

Director: John McNaughton. Reparto: Anne Bartoletti, Denise Sullivan, Michael Rooker, Ray Atherton, Tom Towles, Tracy Arnold.

Michael Rourke en Henry: retrato de un asesino (1986)

La trama: Henry Lee Lucas tuvo una infancia muy desgraciada y acabó en la cárcel por acuchillar a su madre. Una vez en libertad, se convierte en un asesino que escoge a sus víctimas al azar y cada vez utiliza un método distinto con el fin de no ser descubierto. Otis, un tipo que conoció en prisión, es su cómplice. Un día llega Becky, la hermana de Otis, y se queda a vivir con ellos. Pronto entre ella y Henry surge un sentimiento mutuo de atracción. Una noche, Otis y Henry salen de juerga y matan a dos prostitutas en un callejón. Desde entonces, la sed de sangre que se apodera de ellos no conoce límites. La cámara observa sin adornos, creando un retrato incómodo de frialdad emocional y destrucción.

Curiosidades: Rodada en apenas 28 días y con un presupuesto mínimo, la película se apoyó en amigos, familiares y localizaciones personales para levantar un retrato tan crudo como directo de la violencia cotidiana. Esa lógica de supervivencia marcó incluso el reparto: María Dimas interpretó a tres víctimas distintas, un recurso que acentúa el carácter casi documental de la película y su insistencia en mostrar el horror sin artificios de un asesino real: Henry Lee Lucas. Disponible en Filmin. 

11. El silencio de los corderos (The Silence of the Lambs, 1991)

Director: Jonathan Demme. Reparto:  Jodie Foster, Anthony Hopkins, Scott Glenn, Anthony Heald, Ted Levine, Brooke Smith, Diane Baker, Frankie Faison, Charles Napier, Daniel von Bargen, Kasi Lemmons, Don Brockett. 

Anthony Hopkins en El silencio de los corderos (1991)

La trama: El FBI busca a "Buffalo Bill", un asesino en serie que mata a sus víctimas, todas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Para poder atraparlo recurren a Clarice Starling, una brillante licenciada universitaria, experta en conductas psicópatas, que aspira a formar parte del FBI. Siguiendo las instrucciones de su jefe, Jack Crawford, Clarice visita la cárcel de alta seguridad donde el gobierno mantiene encerrado al Dr. Hannibal Lecter, antiguo psicoanalista y asesino, dotado de una inteligencia superior a la normal. Su misión será intentar sacarle información sobre los patrones de conducta del asesino que están buscando. El juego psicológico entre ambos impulsa una pesquisa llena de tensión.

Curiosidades: Basada en la novela homónima de Thomas Harris. Hopkins aceptó leer el guion creyendo que se trataba de un cuento infantil, pero pronto entendió que estaba ante un personaje capaz de redefinir su carrera, y la paradoja es que su presencia en pantalla apenas supera los 24 minutos, un tiempo mínimo que, sin embargo, le bastó para construir una de las interpretaciones más memorables y ganar el Oscar a mejor actor. Disponible en Filmin, MGM+.

12. El cabo del miedo (Cape Fear, 1991)

Director: Martin Scorsese. Reparto: Robert De Niro, Nick Nolte, Juliette Lewis, Jessica Lange, Joe Don Baker, Robert Mitchum, Gregory Peck, Illeana Douglas. 

Robert de Niro en El cabo del miedo (1991)

La trama: Max Cady (de Niro), un delincuente que acaba de ser puesto en libertad tras catorce años entre rejas, busca al abogado Sam Bowden (Nolte), para vengarse de él, pues lo considera responsable de su condena. La presión y el acoso que ejerce sobre la familia Bowden es cada vez más intensa y amenazadora. La amenaza crece con cada aparición, elevando la tensión y mostrando el alcance del deseo de venganza.

Curiosidades: Remake de la película de J. Lee Thompson El cabo del terror, de 1962. De Niro llevó los tatuajes vegetales de Max Cady durante meses después del rodaje, una huella física de un personaje que había construido a base de observar a hombres del sur de EE. UU. con acentos ásperos y violencia latente, hasta encontrar un modo de hablar aterrador. La identificación fue tan extrema que se dedicó a llamar a Scorsese con la voz de Cady para ponerle nervioso. Disponible en SkyShowtime, Movistar+ Ficción Total, Filmin.

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Películas de la semana: 19 de marzo

Dhurandhar: The Revenge

AKA Dhurandhar 2. Dirección: Aditya Dhar. País: India. Año: 2026. Duración: 210 minutos. Género: Acción. Thriller. Secuela. Espionaje. Interpretación: Ranveer Singh, Sanjay Dutt, Madhavan, Arjun Rampal, Sara Arjun, Rakesh Bedi, Gaurav Gera, Manav Gohil, Akash Khurana.  Guion: Aditya Dhar.  Producción: Aditya Dhar. Música. Shashwat Sachdev. Fotografía: Vikash Nowlakha. Productora: B62 Studios, Jio Studios. Distribuidora:  Lighthouse Distribution, Estreno en España: 19 der marzo de 20026.  Sinopsis: Bajo la identidad de Hamza Ali Mazari, el agente de inteligencia indio Jaskirat Singh Rangi (interpretado por Ranveer Singh) se adentra aún más en el peligroso submundo criminal de Pakistán, manteniendo su fachada mientras sigue la pista de Majo, una figura envuelta en secretos y traiciones. Cada paso que da lo acerca a una red de conspiraciones más compleja de lo que había anticipado, donde aliados y enemigos se confunden y donde cualquier descuido podría ser fatal. Mientras desentraña pistas, se enfrenta a dilemas morales y a desafíos que pondrán a prueba no solo su astucia como espía, sino también su resistencia física y emocional. 

Retrospectiva: El graduado, una película icónica, reflejo de una generación

El graduado (The Graduate, 1967), dirigida por Mike Nichols. Con Anne Bancroft, Dustin Hoffman, Katharine Ross, William Daniels, Murray Hamilton, Elizabeth Wilson, Buck Henry, Brian Avery, Walter Brooke, Norman Fell, Alice Ghostley, Marion Lorne, Eddra Gale. Basada en la novela 

La trama: El joven e inseguro Ben acaba de graduarse y ha llegado a su casa de California para pasar unos días. Allí recibe el agasajo de sus padres y amigos de éstos, algo tan desproporcionado que le resulta abrumador. Una noche, la mujer del mejor amigo de su padre, la sexy señora Robinson, lo seduce, y Ben cae inevitablemente en sus redes. El joven y la mujer madura inician una relación sexual a espaldas de todos, yendo a contracorriente de lo establecido y de las normas morales. Pero un día llega a la ciudad la hija de la señora Robinson, Elaine, y los padres de Ben insisten para que quede con ella...

Película rompedora de los tiempos en que la revolución sexual exponía sus argumentos a la sociedad estadounidense, con la que Mike Nichols recibió un Oscar al mejor director. Fue la película más taquillera en USA en el año 1968 convirtiéndose rápidamente en un icono para los jóvenes estadounidenses. El graduado mostraba a la familia media-alta americana de puertas para dentro: divorcio, adulterio, alcoholismo... situaciones políticamente incorrectas durante la América de Jonhson. Por ello, aunque ahora parezca un poco desfasada, impactó como un obús en los cerebros más conservadores de la América profunda. American Beauty se inspiró, sin duda, en el clásico, para convertirse en su revisión de los años 1990.

Destaca un magnífico guión, muy escandaloso y audaz, y plagado de sutilezas visuales, donde se reflexiona sobre las dudas propias de la juventud, el deseo de rebeldía y placer, y la incomunicación que surge, muchas veces, entre padres e hijos. La sensualidad que desprende Anne Bancroft no es vulgar u obscena, sino sutil; la escena en la que se coloca la media en la pierna ha quedado como icono lleno de significado. Bancroft, Hoffman y Ross, entre otros, también recibieron nominaciones para el Oscar. Destacan las inolvidables canciones de Simon y Garfunkel, con el tema principal Mrs. Robinson.

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7. La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971)

Director: Stanley Kubrick. Reparto: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Warren Clarke, John Clive, Adrienne Corri, Carl Duering, Clive Francis, Miriam Karlin, Paul Farrell, Aubrey Morris, Sheila Raynor, Godfrey Quigley, Michael Gover, James Marcus, Madge Ryan, Anthony Sharp, John Savident.

Malcolm McDowell en La naranja mecánica (1971)

La trama: Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial. 

Curiosidades: Basada en la novela homónima de Anthony Burgess. Kubrick retiró la película del Reino Unido durante décadas tras comprobar cómo ciertos crímenes eran asociados a su influencia, un gesto tan drástico como revelador de su preocupación por el impacto social de la obra, y esa misma sensibilidad lo llevó también a introducir una serpiente en escena para acentuar el malestar real de McDowell, explotando su fobia para reforzar la perturbación que transmite el personaje. Disponible en HBO Max, Movistar+, Filmin. 

8. Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986)

Director: David Lynch. Reparto: Isabella Rossellini, Kyle MacLachlan, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange, Dean Stockwell, George Dickerson, Frances Bay, Priscilla Pointer, Brad Dourif, Jack Nance. 

Laura Dern, Isabella Rossellini y Kyle MacLachlan en Terciopelo azul (1986)

La trama: Una mañana, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), después de visitar a su padre en el hospital, encuentra entre unos arbustos una oreja humana. La guarda en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía, donde le atiende el detective Williams (George Dickerson), que es vecino suyo. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en una pequeña localidad de Carolina del Norte. El contraste entre apariencia y realidad sostiene un misterio inquietante lleno de atmósferas densas y personajes turbios.

Curiosidades: Lynch incorporó In Dreams pese al rechazo inicial de Roy Orbison, que descubrió su uso por sorpresa en una sala de cine, un gesto que subraya la confianza del director en la fuerza emocional de la escena. Utilizada para intensificar la atmósfera onírica y siniestra de la película. Su uso en la escena del club de Ben (Dean Stockwell), donde sincroniza los labios con la canción, crea un contraste inquietante entre el romanticismo melancólico y la obsesión oscura. Esa misma determinación lo llevó a pelear durante años con estudios que rehuían el guion por su violencia y su tono perturbador, hasta que De Laurentiis aceptó asumir el riesgo y darle forma a su visión. Disponible en Apple TV y Rakuten TV.

9. Carretera al infierno (The Hitcher, 1986)

Director: Robert Harmon. Reparto: Rutger Hauer, C. Thomas Howell, Jennifer Jason Leigh, John M. Jackson, Billy Green Bush, Jeffrey DeMunn.

Rutger Hauer en Carretera al infierno (1986)

La trama: El joven Jim Hasley (C. Thomas Howell) recoge con su cadillac a un autoestopista, John Ryder (Rutger Hauer), en una carretera de Texas. Cuando John le confiesa a Jim que es un asesino y que espera que le recojan y le lleven para matar, Jim lo deja en la cuneta y sigue adelante, pensando que lo ha dejado atrás. A partir de este momento, los dos empiezan a jugar al gato y al ratón. El asesino sigue matando y dejando pistas que inculpan al joven Jim de los asesinatos. La tensión se incrementa con cada encuentro, mostrando el miedo creciente y la imposibilidad de escapar del peligro.

Curiosidades: Rutger Hauer convirtió a John Ryder en un villano inolvidable gracias a una presencia que imponía incluso antes de hablar, un depredador sin fisuras que marcó la identidad visual y emocional de la película. Esa decisión de mantenerlo sin pasado ni motivaciones responde a la apuesta de Harmon por un mal absoluto, inexplicable y por eso mismo más inquietante. Carretera al infierno provocó en 1986 más de una pesadilla. La película se inscribe en la tradición de historias de miedo que transcurre en esas interminables carreteras rectas donde apenas circula un alma, tan abundantes en Estados Unidos. Con una historia así, El diablo sobre ruedas (1971), dio el golpe Steven Spielberg cuando era un desconocido. Y títulos recientes como Nunca juegues con extraños (2001) y Jeepers Creepers (2002) siguen esta estela terrorífica. Incluso esta película dio lugar a una secuela en 2003, Carretera al infierno II. Disponible en: Prime Video, Filmin. 

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"Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!"; una versión ligera de un psicodrama orientado a resolver un complejo de Edipo

Guillaume y los chicos, ¡a la mesa! (Les Garçons et Guillaume, à table!, 2013), escrita, dirigida e interpretada por Guillaume Gallienne con la participación de Guillaume Gallienne, André Marcon, Françoise Fabian, Nanou Garcia, Diane Kruger, Reda Kateb, Götz Otto, Brigitte Catillon. 

Mientras regresa a los cines con Asesinato en la tercera planta (Le crime du 3e étage, 2026), redescubamos en streaming la ópera prima de Guillaume Gallienne como director, inspirada en su propia vida, ¡en la que interpreta tanto al protagonista como a su madre! Una pequeña joya, tan divertida como conmovedora, que rápidamente se convirtió en un clásico.

La trama: Película biográfica con toques de comedia sobre el cineasta y artista Guillaume Gallienne. Se centra sobre todo en la estrecha relación que tenía con su madre. Un recorrido por las emociones, los recuerdos y la familia. El primer recuerdo que tengo de mi madre es de cuando tenía cuatro o cinco años: nos llamaba a mis dos hermanos y a mi a la mesa diciendo: «Niños, Guillaume, ¡a cenar!» y la última vez que hablé con ella por teléfono, colgó diciendo: «Cuídate, mi niña grande.» Y, bueno, entre estos dos momentos hubo un buen número de malentendidos.

Es una adaptación de la obra de teatro homónima y la primera película dirigida por el actor Guillaume Gallienne, miembro de la Comédie-Française.

La película se estructura como si fuera la escenificación gráfica de los capítulos de un monólogo biográfico que el propio Galliene interpreta en el escenario. Así da cuenta de un sinfín de situaciones, a menudo esperpénticas y siempre humorísticas, que ejemplifican el descomunal desconcierto vital del protagonista –él mismo–, sus dificultades para ser amado, sus dubitativos acercamientos sexuales, sus traumas edípicos y sus desventuras emotivas en diferentes lugares –un pueblo andaluz, un colegio religioso, un college de Oxford, unas vacaciones en Marruecos, una clínica–, en diversas épocas y con distintas personas, especialmente con su adorada madre. El material tiene mucho de 'sketch', donde prevalece el gesto corporal acompañado del diálogo cómico o la voz en off, sobre cualquier otro elemento externo. La libertad narrativa de Galliene se manifiesta en multitud de detalles, aunque destacan las proyecciones materno-mentales del protagonista y también las logradas transiciones que van del monólogo del escenario a su correspondiente recreación cinematográfica. Disponible en varias plataformas de streaming. 

Efemérides de cine: El hombre que cayó a la Tierra

El 18 de marzo de 1976 se estrenó la película británica El hombre que cayó a la Tierra (The Man Who Fell to Earth), dirigida por Nicolas Roeg e interpretada por David Bowie, Rip Torn, Candy Clark, Buck Henry, Bernie Casey, Jackson D. Kane, Rick Riccardo, Tony Mascia. Productora: British Lion Film Corporation, Columbia Pictures. Duración: 140 minutos. 

Sinopsis. argumental: Thomas Jerome (David Bowie) es un extraterrestre de apariencia humanoide que viaja a la Tierra con el objetivo de conseguir agua para remediar la escasez que hay en su planeta y asegurar así, la supervivencia de los suyos. En su visita al planeta azul, el alienígena sufre los desvaríos de una raza desconocida. Sus avanzados conocimientos en el ámbito de la tecnología beneficiarán su estancia al mismo tiempo que levantará sospechas entre los habitantes de la tierra.   

Nominaciones y premios: Saturn Awards: Mejor actor. 2 nominaciones; Premios Hugo: Nominada a mejor presentación dramática.

Comentario: Una de las películas de culto más grandes de la historia de la cultura pop. El hombre que cayó a la Tierra, basada en la novela homónima de Walter Tevis, se ha convertido en un clásico de ciencia-ficción. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.