Queen Rock Montreal
jueves, 12 de febrero de 2026
Reestrenos de la semana: 12 de febrero
“La cruz de hierro”, una de las grandes películas del cine bélico
La cruz de hierro (Cross of Iron, 1977) es una película bélica dirigida por Sam Peckinpah con James Coburn, James Mason, Maximilian Schell, David Warner, Senta Berger, que aborda el frente oriental de la Segunda Guerra Mundial desde una perspectiva que rompe con todos los mitos. Ambientada en 1943, la historia se centra en una unidad de infantería alemana desplegada en territorio soviético, un escenario donde el desgaste moral y físico ha sustituido cualquier atisbo de épica militar. Lejos de glorificar el combate, la película se instala en la rutina brutal de una guerra prolongada, marcada por el barro y el frío.
El relato se construye en torno a dos figuras antagónicas. Por un lado está el sargento Rolf Steiner, interpretado por James Coburn, un soldado experimentado que ejerce un liderazgo basado en la competencia y la lealtad hacia sus hombres. Steiner es un combatiente eficaz, pero profundamente escéptico respecto a la jerarquía militar y a los discursos heroicos que emanan del alto mando. En el extremo opuesto se sitúa el capitán Stransky, encarnado por Maximilian Schell, un aristócrata prusiano obsesionado con obtener la Cruz de Hierro como símbolo de prestigio personal, más que como reconocimiento al mérito en el campo de batalla. La tensión entre ambos personajes estructura la trama.
Más allá de su argumento, La cruz de hierro destaca por su enfoque poco convencional dentro del cine bélico de la época. Al situar el punto de vista en soldados alemanes sin convertirlos en héroes ni caricaturas ideológicas, la película plantea una reflexión sobre la degradación moral que produce la guerra. El resultado es un retrato sombrío y desencantado que cuestiona la noción misma de honor militar y convierte la Cruz de Hierro en un símbolo vacío, tan oxidado como el frente en el que se disputa.
Sam Peckinpah, que filmó esta película en 1977, hace honor a su fama de director violento y ofrece una visión absolutamente antirromántica de la guerra, con escenas brutales y una intención clara: mostrar el sinsentido de la guerra. Magnífico James Coburn.
Las 30 mejores películas de la historia del cine ambientadas en la Edad Media y dónde verlas (I)
Un recorrido por las obras maestras que retrataron la época feudal en el cine y que consolidaron a Kurosawa como uno de los grandes directores de la historia.
La grandeza del cine ambientado en la Edad Media no puede entenderse sin la figura de Akira Kurosawa, un director cuya mirada humanista y su dominio absoluto de la puesta en escena transformaron para siempre la manera de representar la épica, el honor y el choque entre poder y destino. Películas como Los siete samuráis, Trono de sangre, La fortaleza escondida, o Ran (todas presentes en esta entrada) demuestran cómo Kurosawa convirtió el Japón feudal en un laboratorio visual y narrativo que influiría en cineastas de todos los géneros y épocas, desde el western clásico hasta el blockbuster moderno, elevando el periodo medieval a un territorio universal donde se entremezclan tragedia, aventura, violencia e historia.
1. La pasión de Juana de Arco (La Passion de Jeanne d'Arc, 1928)
Director: Carl Theodor Dreyer. Reparto: Renée Jeanne Falconetti, Eugène Silvain, André Berley.
Guerra de los Cien Años, siglos XIV y XV. En 1431, Juana de Arco afronta su juicio final acusada de herejía. La película se centra en su sufrimiento psicológico, la crueldad del proceso inquisitorial y la fe inquebrantable de una joven que se enfrenta sola a un sistema implacable que ya ha decidido su destino.
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| Maria Falconetti en La pasión de Juana de Arco (1928) |
Curiosidades: Durante décadas se dio por perdida la versión original tras un incendio en los laboratorios de la UFA en Berlín. La situación cambió en 1981, cuando apareció una copia prácticamente íntegra en un hospital psiquiátrico de Oslo, olvidada en un armario, permitiendo recuperar el montaje concebido por Dreyer. Disponible en Rakuten TV.
2. Robin de los bosques (The Adventures of Robin Hood, 1938)
Director: Michael Curtiz, William Keighley. Reparto: Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone.
Robin de Locksley regresa a Inglaterra tras combatir contra los infieles en las Cruzadas.Mientras tanto Juan sin Tierra, el hermano del Rey Ricardo I, ha usurpado el trono y gobierna despóticamente, por lo que el noble sajón decide refugiarse en el bosque de Sherwood y luchar contra él para devolverle la corona a Ricardo.
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| Errol Flynn en Robin de los bosques (1938) |
Curiosidades: Aunque Errol Flynn quedó inmortalizado como un consumado espadachín, su destreza real era limitada y muchas coreografías se adaptaron a su físico, además de emplear dobles en las más complicadas. La película tuvo una ambiciosa puesta en escena en Technicolor a tres bandas, una apuesta costosa que reforzó su impacto visual y su condición de clásico. Disponible en Amazon Prime Video, Netflix y Apple TV.
3. El halcón y la flecha (The Flame and the Arrow, 1950)
Director: Jacques Tourneur. Reparto: Burt Lancaster, Virginia Mayo, Nick Cravat.
El Duque Urbis, alias "El Halcón", ha secuestrado a la mujer y al hijo de Dardo (Burt Lancaster). Este noble ejerce, en nombre del emperador, una auténtica tiranía sobre los habitantes de los pueblos de Lombardía. Para vengarse de él, Dardo secuestra a su sobrina. Un acróbata convertido en rebelde lidera la resistencia popular contra un cruel señor feudal. Con espectaculares escenas de acción y espíritu aventurero, la película retrata la lucha de los campesinos por la libertad en una Italia medieval dominada por la opresión.
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| Burt Lancaster en El halcón y la flecha (1950) |
Curiosidades: La historia se apoyó en el físico de Burt Lancaster, antiguo acróbata de circo, que asumió personalmente la mayoría de las escenas de acción, aportando una energía poco habitual en el género. El rodaje en localizaciones italianas permitió abaratar costes y dotar a la película de escenarios medievales más creíbles. Disponible en Amazon Prime Video, Gogle Play Películas y Apple TV.
4. Ivanhoe (1952)
Director: Richard Thorpe. Reparto: Robert Taylor, Elizabeth Taylor, Joan Fontaine, George Sanders.
A su vuelta de las Cruzadas, el Rey Ricardo Corazón de León es apresado en Austria. Su hermano Juan se niega a pagar la elevada suma de dinero que exigen a cambio de su libertad, ya que así puede seguir usurpando el trono de Inglaterra. El caballero Ivanhoe, uno de los partidarios de Ricardo, intentará por todos los medios conseguir el dinero del rescate. En su camino se cruzan torneos, rivalidades, romances imposibles y conflictos entre normandos y sajones en la Inglaterra medieval.
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| Elizabeth Taylor y Robert Taylor en Ivanhoe (1952) |
Curiosidades: Con solo 20 años, Elizabeth Taylor afrontó el papel de Rebecca en un momento clave de su carrera, aportando una presencia que trascendía su rol secundario. El éxito de la película reforzó su proyección internacional y contribuyó de forma decisiva a consolidarla como una de las grandes estrellas de Hollywood. Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV.
5. Los siete samuráis (1954)
Director: Akira Kurosawa. Reparto: Toshirô Mifune, Takashi Shimura, Keiko Tsushima
Japón, Siglo XVI. Una aldea de campesinos indefensos es repetidamente atacada y saqueada por una banda de forajidos. Aconsejados por el anciano de la aldea, unos aldeanos acuden a la ciudad con el objetivo de contratar a un grupo de samuráis para protegerlos. A pesar de que el único salario es comida y techo, varios samuráis se van incorporando uno a uno al singular grupo que finalmente se dirige a la aldea. A través del sacrificio, la estrategia y la convivencia, la película muestra el honor, la desigualdad social y la dureza de la vida en el Japón feudal.
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| Los siete samuráis (1954) |
Curiosidades: Para las escenas clave bajo la lluvia, Kurosawa recurrió a aguaceros artificiales generados con camiones de bomberos, una decisión técnica pensada para reforzar el dramatismo del clímax final. El director llegó incluso a añadir tinta al agua para que la lluvia fuese más visible en blanco y negro. Disponible en Amazon Prime Video, Rakuten y Apple TV.
(cont.)
miércoles, 11 de febrero de 2026
Efemérides de cine: Calmos
El 11 de febrero de 1976 se estrenó la película francesa Calmos AKA Femmes Fatales, dirigida por Bertrand Blier e interpretada por Jean-Pierre Marielle, Jean Rochefort, Bernard Blier, Brigitte Fossey, Claude Piéplu, Pierre Bertin, Michel Peyrelon, Dora Doll, Micheline Kahn, Jacques Rispal, Jacques Denis, Sylvie Joly, Claudine Beccarie, Gérard Jugnot, Dominique Davray, Michel Fortin, Liliane Rovère, Rita Maiden. Productora: Agence Mediterraneens de Location de Films, Les Films Christian Fechner, Renn Productions. Duración: 102 minutos.
Sinopsis argumental: Jean-Pierre Marielle y Jean Rochefort interpretan a un ginecólogo y un gigoló agotados de cualquier sugerencia sexual femenina. El doctor no soporta ver una vagina más, mientras que el gigoló está exhausto de la exigencia sexual de las mujeres. Ambos deciden refugiarse en una villa con la única compañía de los sacerdotes del lugar, pero el casto encierro se torna en pesadilla al presentarse un regimiento de mujeres armadas.
Comentario: La visión de Blier sobre la guerra entre hombres y mujeres es fresca y original, y probablemente tan válida y esclarecedora como cualquier análisis académico de la batalla de los sexos, solo que mucho más divertida. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
"Les Enfants de la Résistance", un recurso clave para explicar la Segunda Guerra Mundial
La trama: En 1940, durante la Segunda Guerra Mundial , tres niños —François, Eusèbe y Lisa— viven en un pequeño pueblo francés cerca de la línea de demarcación . Empiezan vandalizando carteles de propaganda nazi . Poco después, inspirados por sus parientes mayores de la Resistencia , se embarcan con valentía en una aventura secreta: resistir a las fuerzas del Tercer Reich en la Francia ocupada . A través de su red, "Le Lynx" (El Lince), el trío lleva a cabo numerosos sabotajes y misiones clandestinas.
Combina realidad y ficción, con Artus y Gérard Jugnot junto a los jóvenes actores, para entretener y educar. El objetivo esta vez es "capturar el idealismo y la impetuosidad de estos niños resistentes para que el público joven de hoy pueda identificarse con ellos".
“El día del fin del mundo: Migración”, película estadounidense postapocalíptica de supervivencia y desastre
El día del fin del mundo: Migración (Greenland 2: Migration, 2026), dirigida por BRic Roman Waugh, es la secuela de la película apocalíptica de 2020, Greenland: El último refugio (Greenland), protagonizada por Gerard Butler como un sobreviviente que conduce a su familia a la salvación, que tuvo éxito pese a que llegó a plataformas y pago por visión sin paso previo por cines, en plena pandemia, cuando el público tenía hambre de catástrofes.
La trama: Después de sobrevivir al fin del mundo por la caída de un cometa, Jeff Garrity (Gerard Butler), junto con su mujer Allison (Morena Baccarin) y su hijo Nathan (Roman Griffin Davis), deciden abandonar el búnker que les ha mantenido a salvo cinco años para buscar una zona en Europa que podría ser habitable. Así, el último refugio es el principio de un nuevo comienzo. Juntos emprenderán un viaje donde los desastres naturales y los humanos que sobrevivieron han convertido el mundo en un auténtico infierno.
Repite como realizador Ric Roman Waugh, que tiene a sus órdenes a la estrella por quinta vez. No tiene intención de filosofar sobre la vida, aunque se asoman temas como refugiados y emigración. Al final se decanta por crear tensión, a través de secuencias de efectos especiales, algunas destacables, como la travesía por un cañón mediante un puente de cuerda y la confrontación con tormentas cósmicas, por lo que se disculpa en cierta medida que el guión tenga más agujeros que un queso suizo, mientras que las motivaciones de los personajes no siempre se exploran con profundidad.
martes, 10 de febrero de 2026
“Pelham 1, 2, 3”, una mejores thrillers de la historia del cine
Pelham 1, 2, 3 (The Taking of Pelham One Two Three, 1974), dirigida por Joseph Sargent con Walter Matthau, Robert Shaw, Martin Balsam, Hector Elizondo, Earl Hindman, James Broderick, Dick O'Neill, Jerry Stiller, Tom Pedi, Lee Wallace, Beatrice Winde, Julius Harris, Doris Roberts, Kenneth McMillan, Nathan George. Emociones al rojo vivo en un absorbente film basado en el best seller de John Godey.
La trama: Bajo las calles de Manhattan, en una tarde como cualquier otra, cuatro hombres armados (Azul, Verde, Marrón y Gris) secuestran un vagón de metro, exigiendo un rescate de un millón de dólares en una hora, o comenzarán a ejecutar a sus rehenes. Arriba, en la sala de control de la Autoridad de Tránsito de Nueva York, el teniente Garber (Walter Matthau), un policía de tránsito cansado del mundo, se ve obligado a participar en un juego mortal del gato y el ratón con el frío y calculador "Sr. Blue" (Robert Shaw), esquivando las demandas tanto de los secuestradores como de las autoridades de la ciudad mientras el reloj cuenta regresivamente para la fatídica hora límite.
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Una de las películas policíacas más influyentes de Nueva York de los años 1970, rodada en exteriores y rezumando detalles y autenticidad de la época, Pelham 1, 2, 3 cuenta con actuaciones perfectas, humor negro, un ritmo implacable y una banda sonora inolvidable de David Shire. A menudo imitada, nunca superada, esta escarpada joya del cine de atracos de Hollywood sigue siendo un clásico perenne del género, y un gran viaje.
En 1998 se realizó un telefilm protagonizado por Edward James Olmos en el papel de Matthau y Vincent D'Onofrio en el lugar de Shaw. Aunque no fue bien vista por los críticos y los televidentes, fue la adaptación más fiel a la del libro a pesar de tener que adaptar la serie a la tecnología moderna de aquellos tiempos. En 2009 se produjo otro remake dirigido por Tony Scott y protagonizada por Denzel Washington y John Travolta.
Disponible en Apple TV, Amazon Prime Video y Filmin.
Un clásico de la ciencia-ficción: “Horizonte final”
La película británica Horizonte final (Event Horizon, 1997) fue dirigida por Paul W.S. Anderson e interpretada por Laurence Fishburne, Sam Neill, Kathleen Quinlan, Joely Richardson, Richard T. Jones, Jack Noseworthy, Jason Isaacs, Sean Pertwee, Peter Marinker, Holley Chant.
La trama: En el año 2047, la nave de rescate "Lewis and Clark" es enviada a investigar la misteriosa reaparición en la órbita de Neptuno de una nave experimental, la "Horizonte Final", desaparecida años antes con toda su tripulación. En el año 2040, la nave "Horizonte Final" fue lanzada al espacio para explorar los confines del universo, pero desapareció sin dejar rastro. Mientras la misión de rescate intenta averiguar cuál ha sido el destino de los desaparecidos, a bordo de la nave tienen lugar extraños sucesos.
Aunque fue nº1 de taquilla en Estados Unidos, Horizonte final en el resto del mundo se estrenó sin provocar pasiones... o más bien escalofríos. Se trata de una cinta de ciencia-ficción que esconde una inmersión a los infiernos de la mente humana, un tenebroso buceo interior -y exterior- con un punto de terror realmente conseguido: algunas imágenes y escenas enteras son bastante angustiosas, al menos para su época (y para ser cine americano). La intriga, con muchas semejanzas iniciales a Alien, progresa de forma inverosímil, pero si disfrutan con el morbo de pasarlo un rato mal, no se la pierda.
El nombre de la nave, Event Horizon, viene de un término astronómico. Se conoce como "event horizon" al punto en que la luz y la materia son absorbidos por el inmenso campo gravitacional de un agujero negro. Algunos científicos juegan con la idea de que los agujeros negros podrían ser portales a una galaxia lejana. La película que comentamos juguetea igualmente con esta hipótesis.
Disponible en Apple TV y Amazon Prime Video.
"Salto a la gloria", homenaje a la medicina
La trama: Tras la campaña de Cuba (1898), el joven Ramón y Cajal regresa a España enfermo y decepcionado. Antes de ir a la guerra había estudiado Medicina en la Facultad de Zaragoza; era tímido con las mujeres y un apasionado del microscopio. En España le aguardan nuevas decepciones: su novia lo abandona y tropieza con enormes dificultades para dedicarse a la investigación. Después de ganar una cátedra en Valencia, se casa y, gracias a un descubrimiento suyo, consigue erradicar el cólera que asolaba la ciudad. Siendo ya catedrático en Madrid, sigue con sus investigaciones sobre el sistema nervioso. Pero, al mismo tiempo, tiene que enfrentarse a la pobreza y a la incomprensión general. Su principal descubrimiento científico coincide dramáticamente con la pérdida de su hija: un hecho más en una vida dominada por el infortunio.
Extraordinaria biografía del científico español Ramón y Cajal, injustamente olvidada y en la que descuella una buenísima interpretación de Adolfo Marsillach que se mete en la piel del científico y parece su doble. Merecido premio a mejor actor en el festival de San Sebastián así como Medallas del CEC: Mejor actor principal; Fotogramas de Plata: Mejor intérprete de cine y Premios Sant Jordi. Puede disfrutarse en Movistar Plus+.
lunes, 9 de febrero de 2026
“Ella McCay”, en Disney+: la nueva tragicomedia de James L. Brooks le hará mucho bien
Está protagonizada por Emma Mackey, Woody Harrelson, Kumail Nanjiani, Spike Fearn, Ayo Edebiri, Jack Lowden, Rebecca Hall, Julie Kavner, Becky Ann Baker, Joey Brooks, Albert Brooks, Jamie Lee Curtis.
"¿Qué más puedo hacer?", pregunta el padre (Woody Harrelson), quien ha arruinado la vida de su familia con sus aventuras sexuales, pero exige un indulto rápido. "¡Que te castren!", replica su hermana (Jamie Lee Curtis). Nadie se anda con rodeos en esta brillante tragicomedia de una leyenda viva, discreta y atípica de Hollywood, James L. Brooks. Ya octogenario, el director de La fuerza del cariño (ganadora del Óscar a la mejor película en 1984), quien también codirigió Los Simpson para televisión, sigue dando en el clavo, dieciséis años después de su anterior película.
“Good Luck, Have Fun, Don’t Die”, Una película de ciencia-ficción
La trama: Un hombre del futuro llega a una cafetería con una misión urgente: reclutar a la combinación exacta de clientes para embarcarse en una aventura nocturna que podría salvar al mundo. La amenaza es una inteligencia artificial maligna que pone en riesgo la existencia humana, y cada persona elegida tiene un papel crucial en la misión. Entre conversaciones inesperadas, habilidades ocultas y situaciones absurdas, se desarrolla una historia de acción, humor y suspenso, donde la supervivencia depende de la colaboración de un grupo de desconocidos. En España tiene previsto su estreno a partir del 1 de abril de 2026. Una sátira oscura e irreverente, una comedia absurda, apocalíptica y muy original sobre las películas de bucles en el tiempo.
Cien años de cine y acrobacias con Buster Keaton, “el aristócrata de la caída” (V)
(cont.)
“Todos los gags se derivan de las leyes del espacio y el tiempo”, afirmó Buster Keaton. “Una buena escena de comedia contiene más cálculos matemáticos que un libro de mecánica”. Pero los cálculos se despliegan ante nuestros ojos con tal rapidez que olvidamos la secuencia de eventos posteriores, viendo solo el deslumbrante y surrealista conjunto de consecuencias. Somos como los estudiantes desconcertados, y algo abrumados, de un profesor de geometría espacial impresionante.
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| Buster Keaton y Ernest Torrence en El héroe del río (1928) |
Esta precisión matemática no excluye la poesía. Al contrario, la enriquece. Al releer las películas de Buster Keaton, una vez superada la sorpresa cómica inicial, podemos apreciar profundamente el refinamiento de un arte que, como dice Judith Erèbe, “alcanza lo absoluto mediante la simplificación”.
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| Buster Keaton y Anita Page en Free and Easy (1930) |
Sus películas, cuya única ambición era hacernos reír, nos brindan una sensación de asombro aún más pura por ser espontáneas. La belleza está ahí, en el corazón de la eficiencia y la precisión. La poesía, como en el caso de los grandes maestros de la pantalla —Murnau, Mizoguchi—, se asienta en la neutralidad y la indiferencia. La pequeña figura de Buster Keaton se sitúa con frecuencia frente a grandiosos escenarios naturales. La relación del hombre con las montañas, las llanuras, el bosque, parece trivial, pero al mismo tiempo, es su movimiento el que nos revela estas bellezas y nos permite apreciarlas en toda su extensión.
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| Buster Keaton en Nothing But Pleasure (1940) |
Desde 1930, con la llegada del cine sonoro, Buster Keaton nunca volvió a encontrar los medios para ejercer plenamente su arte, aunque apareció en diversas obras de esa década y en las dos siguientes. Ciertamente, podría haberse adaptado al cine sonoro, como Charlie Chaplin. Pero carecía de la independencia financiera que le permitió a Chaplin continuar su carrera. A pesar de que afirmó que el período creativo de un comediante no supera los cuatro o cinco años.
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| Buster Keaton en El crepúsculo de los dioses (1950) |
Volvimos a ver su figura desvanecida en El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950) y en Candilejas (Limelight, 1952), Charles de Chaplin.
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| Buster Keaton y Charles Chaplin en Candilejas (1952) |
domingo, 8 de febrero de 2026
Efemérides de cine: Taxi Driver
El 8 de febrero de 1976 se estrenó la película estadounidense Taxi Driver, dirigida por Martin Scorsese e interpretada por Robert De Niro, Jodie Foster, Harvey Keitel, Cybill Shepherd, Peter Boyle, Frank Adu, Albert Brooks, Leonard Harris, Norman Matlock. Productora: Columbia Pictures. Duración: 113 minutos.
Sinopsis argumental: Travis Bickle, ex marine que ha regresado de la guerra de Vietnam, es un tipo marginal y desarraigado, que sufre graves problemas de insomnio. Acaba ejerciendo el turno de noche en una compañía de taxis. En su taxi atraviesa las peores zonas de la ciudad, y recoge a yonquis, prostitutas, personajes deprimidos, que le hacen darse cuenta de que vive en una sociedad amoral y putrefacta. Un día lleva en su taxi a una atractiva mujer, Betsy, de la que se enamora. Betsy trabaja en la campaña electoral de un destacado político. Aunque consigue que ella acepte una cita, ambos son tan incompatibles que Betsy acaba huyendo de él. Bickle también se encuentra con Iris, una prostituta adolescente tiranizada por su chulo. Aunque ella asegura que no quiere cambiar de vida, Bickle llega a la conclusión de que encontrará su propia redención si libera a la muchacha.
Nominaciones y premios: Premios Oscar: nominada mejor película, actor (De Niro), secundaria (Foster) y música; Festival de Cannes: Palma de Oro - mejor película; Globos de Oro: nominada a actor en drama (De Niro) y guión; remios BAFTA: Mejor actriz secundaria. (Foster), actriz revelación (Foster) y música. 7 nominaciones:; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (De Niro). 4 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor, banda sonora y Premio Nueva generación.
Comentario: Una de las grandes películas de los años 1970, y la mejor tarjeta de presentación del cineasta Martin Scorsese, que en su cuarto trabajo partió de un guión de Paul Schrader. Al parecer, éste pasaba por uno de los peores momentos de su vida, al estar divorciándose de su mujer, por lo que algunos de los problemas de soledad del protagonista están sacados de su propia experiencia personal. Schrader asegura que escribió el guión de un tirón, en pocos días y que apenas hubo que realizar cambios finales. En uno de sus trabajos más estudiados en las escuelas de cine, Scorsese supo retratar la soledad del hombre moderno en las gigantescas urbes que sirven de germen a todo tipo de corrupciones. Recorre temas que están presentes en toda su filmografía, como la génesis de la violencia, los prejuicios y el rechazo social. El cineasta se luce con una utilización modélica de la voz en off del protagonista, unas dinámicas secuencias de éste recorriendo las calles, y sobrecogedores planos que muestran una violencia descarnada y terrible. Además, supo aprovechar la excelente partitura de Bernard Herrmann, habitual compositor de Hitchcock, que murió antes de poder ver el resultado de su trabajo. Robert De Niro se consagró definitivamente con esta película. Pero su interpretación de Travis Bickle le supuso mucho trabajo. Al parecer, llegó a ejercer de taxista para preparar el papel, y se documentó exhaustivamente sobre psicopatías y distintas enfermedades mentales, para saber cuáles podrían afectar a sus personaje. Harvey Keitel, que por entonces era el gran rival de De Niro se juntó con grupos de chulos neoyorquinos, para preparar su papel. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
Hace 100 años: Entre naranjos
El 8 de febrero de 1926 se estrenó la película estadounidense El torrente (Entre naranjos) (Torrent), dirigida por Monta Bell e interpretada por Ricardo Cortez, Greta Garbo, Gertrude Olmstead, Edward Connelly, Lucien Littlefield, Martha Mattox, Lucy Beaumont, Tully Marshall, Mack Swain, Arthur Edmund Carewe, Lillian Leighton, Mario Carillo, André Cheron, Jocko the Monkey, Dorothy Sebastian, Viola Webster. Productora: Cosmopolitan Production, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 87 minutos.
Sinopsis argumental: Tras la muerte de su padre, un político corrompido, Rafael Brull, hijo único de la familia más poderosa de Alcira (Valencia), decide hacerse cargo del negocio familiar (la plantación y distribución de naranjas) y dedicarse a la política. A diferencia de su padre, Rafael es un hombre culto y honrado, pero en poco tiempo alcanza el éxito tanto en los negocios como en la política. Sin embargo, lo único que lo hace feliz es estar con Leonora, una enigmática cantante de ópera que, tras varios años de estancia en Italia, regresa a Alcira para curarse de las heridas del pasado.
Comentario: Adaptación de la novela Entre naranjos de Vicente Blasco Ibáñez.Primer papel de Greta Garbo en Hollywood.
Cien años de cine y acrobacias con Buster Keaton, “el aristócrata de la caída” (IV)
(cont.)
Uno bien podría preguntarse: "¿Qué impulsa a Buster Keaton?". Y entonces, descubre que su maravillosa concentración física y mental solo se justifica en sí misma. Todo el absurdo y la dignidad de la condición humana aparecen simultáneamente en sus esfuerzos, a la vez ridículos y necesarios, inútiles y eficaces, cómicos y nobles. Buster Keaton es el primer hombre en la aurora de los tiempos. No tiene ideas preconcebidas. Su mirada está libre de toda premeditación. Actúa, fracasa, lo vuelve a intentar. Solo unos pocos parpadeos, que sin duda valen más que muchos gritos de asombro, delatan la intensidad de su pensamiento.
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| El maquinista de La General (1926) |
Buster Keaton, el director, se centró en su trabajo con la misma tenacidad que Buster Keaton, el actor. Ambos compartían también su pasión por la mecánica. “La antesala de su bungalow en la Metro-Goldwyn Mayer estaba llena, según André Martin, de extraños y vergonzosos artilugios construidos con materiales de Mecano: cascanueces, máquinas expendedoras de cigarrillos, que él intentaba mejorar constantemente”.
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| Marion Mack y Buster Keaton en El maquinista de La General (1926) |
Un impresionante profesor de geometría en el espacio
Del mismo modo, perfeccionaba constantemente sus gags. En El maquinista de La General (The General, 1926), se encuentra solo al frente de su locomotora. El enemigo ha colocado un pesado tablón sobre las vías para descarrilar su tren. La situación parece desesperadamente comprometida. El tren se dirige inevitablemente hacia el obstáculo. Buster, sin embargo, encuentra la manera de despejar la vía sin detener el tren. Lanza otro tablón al final del que bloqueaba los raíles. El impacto levanta el trozo de madera y se aparta. El tren pasa. Toda la operación se desarrolla en mucho menos tiempo del que se necesita para describirla.
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| Buster Keaton en El maquinista de La General (1926) |
(cont.)
sábado, 7 de febrero de 2026
Hace 100 años: El camino de la gloria
El 7 de febrero de 1926 se estrenó la película estadounidense El espejo del alma, también conocida como, El camino de la gloria (The Road to Glory), dirigida por Howard Hawks e interpretada por May McAvoy, Leslie Fenton, Ford Sterling, Rockliffe Fellowes, Milla Davenport, John MacSweeney. Productora: Fox Film Corporation. Duración: 93 minutos.
Sinopsis argumental: May McAvoy es una mujer que ha perdido la vista en un accidente automovilístico y se basa en la oración para recuperarla.
Comentario: Primer trabajo de Howard Hawks, que la recordaba como una obra menor, aunque fue bien recibida por la crítica. Él mismo coescribió el argumento, basándose en su experiencia real con una frívola mujer a la que invitó a beber alcohol de contrabando en su casa. Al parecer, se han perdido todas las copias de esta película. El mismo Hawks rodó una película hablada titulada igual, Camino a la gloria (1936), de argumento completamente diferente.
Hace 100 años: La mujer del Rajah
El 7 de febrero de 1926 se estrenó la película danesa La mujer del Rajah (Maharadjahens yndlingshustru III AKA Maharajahens Yndlingshustru), dirigida por A.W. Sandberg e interpretada por Gunnar Tolnæs, Anton de Verdier, Karina Bell, Carsten Wodschow, Erik Winther, Torben Meyer, Aage Hertel, Aage Hertel, Karen Caspersen, Tore Lange, Astrid Steffensen, Amarentino, Karen Thisted. Productora: Nordisk Film. Duración: 96 minutos.
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Sinopsis argumental: La hija de un terrateniente danés se enamora del maharajá de Jodhpur y viaja con él al Este para ser aceptada en su harén.
Comentario: Remake del gran éxito de taquilla de Nordisk Film de 1917, The favorite of Maharadjah I (Maharadjahens yndlingshustru I), de Robert Dinesen y también protagonizada por Gunnar Tolnæs.
Hace 30 años heló a millones de fans de la ciencia-ficción…
Es uno de los mayores villanos de la historia del cine. En 1994, se estrenaría en cines una película de ciencia ficción que estaba a punto de marcar su época: Stargate, puerta a las estrellas (Stargate), dirigida por Roland Emmerich, el largometraje estaba protagonizado por Kurt Russell y James Spader, entre otros.
El primero destaca especialmente con su papel del coronel Jack O'Neil, un militar experimentado y duro. En cuanto al segundo, está perfecto como un gran científico un tanto torpe. Sin embargo, hay otro personaje que sobresale y que es injustamente infravalorado: el gran villano Ra. Interpretado por Jaye Davidson, es uno de los mejores antagonistas de la ciencia ficción. Sin embargo, no suele citarse cuando se mencionan a los villanos memorables del género. Ra inspiró en particular a toda una serie de adversarios Goa'uld en la serie Stargate SG-1.
Los Goa'uld son una especia ficticia de extraterrestres parásitos. Al apoderarse de cuerpos humanos, se convierten en los principales antagonista de la franquicia Stargate. En la película, Ra es por tanto un alienígena que se hace pasar por un dios egipcio. En la historia, utiliza la tecnología avanzada de la Puerta de las Estrellas para someter a la población de Abydos. Como todos los Goa'uld, se sirve de esa imagen divina para imponer su autoridad. Con sus ojos que brillan de forma intermitente, su máscara de dios egipcio y su sorprendente físico andrógino, Ra impone rápidamente una sensación de incomodidad teñida de terror.
Jaye Davidon, que aquí interpreta el papel de su vida, desapareció por completo de las pantallas, centrándose más tarde en su carrera en la moda. Pero éste aporta en la película una presencia singular, fría pero magnética, lo que hace que incluso hoy en día Ra siga siendo un personaje que deja huella.
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