viernes, 5 de junio de 2026

Homenaje a Marjane Satrapi, autora de "Persépolis"

Persépolis (Persepolis, 2007), escrita y dirigida por Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, adaptado la novela gráfica homónima de Marjane Satrapi. 
La tramaNarra la conmovedora historia de una niña iraní desde la revolución islámica hasta nuestros días. Cuando los fundamentalistas toman el poder, forzando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas, y mientras tiene lugar la guerra entre Irak e Irán, Marjane descubre el punk, ABBA y Iron Maiden. Cuando llega a la adolescencia sus padres la envían a Europa, donde conoce otra cultura que nada tiene que ver con la de su país. La protagonista se adapta bien a su nueva vida, pero no soporta la soledad y vuelve con su familia, aunque eso signifique ponerse el velo y someterse a una sociedad tiránica. Voces originales en francés de Catherine Deneuve y Chiara Mastroianni.
Esta película animada que cautiva por su dibujo sencillo y estilizado, de líneas simples e incluso ingenuas, lo que sirve de marcado contraste para contar las penalidades de la protagonista. Ganó el Premio del Jurado en Cannes en 2007.
Más que jugar a las comparaciones entre los bienes y males de Oriente y Occidente, Satrapi pretende sobre todo que conozcamos su estado anímico, las penalidades que le tocó sufrir, que le llevaron a encararse con Dios, o con los ideales que aprendió en su familia. Ésta –sus padres, y de modo particular, su abuela– se convierten en grandes apoyos en los momentos difíciles, por ejemplo respetando su ruego de que no le pregunten nada acerca de su estancia en Austria. 
La película plantea el peso de ser extranjero –y encima, iraní– en otro país, la discriminación que sufre la mujer en Irán... Es condescendiente con el divorcio, piensa que existe un derecho a volver a empezar en el matrimonio las veces que hagan falta. Las diversas cuestiones las presenta sin una gran fundamentación, únicamente como sirviendo de modo didáctico un fresco histórico de sus vivencias personales. Aunque domina el elemento trágico, hay algunos momentos de humor suave con un punto de crueldad; hay que sonreír, por no llorar.

Películas de la semana: 5 de junio

He-Man y los Masters del universo

Título original: Masters of the Universe. Dirección: Travis Knight. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 132 minutos. Género: Fantástico. Acción. Aventuras. Fantasía medieval. Magia. Reboot. Interpretación: Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Alison Brie, James Purefoy, Morena Baccarin, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Charlotte Riley, Jared Leto, Idris Elba. Guion: Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee, David Callaham. Historia: Aaron Nee, Adam Nee, Alex Litvak, Michael Finch. Personajes: Roger Sweet. Producción: Jason Blumenthal, Steve Tisch. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Fabian Wagner. Productora: Escape Artists, Laika Entertainment, Mattel. Distribuidora: Sony. Estreno en España: 5 de junio de 2026. Sinopsis: El Príncipe Adam herederá el trono de Eternia, un lugar donde nadie ve extraño que convivan espadachines con armadura, hechiceros con cara de lunes perpetuo y tecnología avanzada. Por desgracia, el pérfido Skeletor trata de hacerse con la Espada del Poder, arma mágica muy poderosa que puede dar habilidades extraordinarias a quien la use, que pertenece a la familia del chaval. Tras un ataque sorpresa poco amistoso, la Hechicera del reino decide que lo mejor para salvar a Adam y la reliquia es mandarlos lejos, muy lejos, concretamente a la Tierra. Eso sí, el plan tiene un pequeño detalle técnico: en el viaje interdimensional la espada se pierde. Quince años después, Adam ya no vive entre dragones ni castillos flotantes, sino entre correos electrónicos y horarios de oficina. La jefa de recursos humanos empieza a sospechar que quizá, solo quizá, está un poco obsesionado con “recuperar una espada mágica procedente de otra dimensión”, algo que no aparece precisamente en los objetivos trimestrales del equipo.

Scary Movie

Dirección: Michael Tiddes. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 95 minutos. 
GéneroComedia. Terror. Terror adolescente. Comedia de terror. Parodia. Secuela. Reboot. Interpretación: Marlon Wayans, Shawn Wayans, Anna Faris, Regina Hall, Damon Wayans Jr., Gregg Wayans, Kim Wayans, Benny Zielke, Cameron Scott Roberts, Cheri Oteri, Chris Elliott, Dave Sheridan, Heidi Gardner, Lochlyn Munro, Olivia Rose Keegan, Ruby Snowber, Savannah Lee Nassif, Sydney Park. Guion: Marlon Wayans, Shawn Wayans, Keenen Ivory Wayans, Craig Wayans, Rick Alvarez. Producción: Rick Alvarez, Marlon Wayans, Shawn Wayans, Keenen Ivory Wayans. Fotografía: Haim Mazar. ProductoraMiramax, Original Film, Ugly Baby Productions. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 5 de junio de 2026. SinopsisSexta entrega de la saga de Scary Movie. Veintiséis años después de conseguir escapar de un asesino enmascarado sospechosamente familiar (Ghostface), el Core Four están de vuelta en el punto de mira del asesino y ninguna película de terror está a salvo. Marlon Wayans (Shorty), Shawn Wayans (Ray), Anna Faris (Cindy), y Regina Hall (Brenda) se reúnen en Scary Movie junto a favoritos que vuelven y nuevas caras frescas para acuchillar sin piedad reboots, remakes, requels, precuelas, secuelas, spin-offs, terror elevado, historias de origen, todo lo que tenga la palabra legacy en el título y cada capítulo final que, por supuesto, no es final. Nada es sagrado. Ningún tópico sobrevive. Se cruzan todas las líneas. Los Wayans están de vuelta para cancelar la cultura de cancelación.

Backrooms

AKA The Backrooms. Dirección: Kane Parsons. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 105 minutos. Género: Intriga. Terror. Fantástico. Thriller psicológico. Años 90. Creepypasta. Espacios liminales. Interpretación: Renate Reinsve, Chiwetel Ejiofor, Mark Duplass, Lukita Maxwell, Finn Bennett, Avan Jogia, Chelah Horsdal, Philip Granger, Toby Hargrave, Milania Kerr. Guion: William Bromell, Kane Parsons. Historia: Kane Parsons. Producción: Dan Levine, Shawn Levy, James Wan, Kane Parsons. Música: Edo Van Breemen, Kane Parsons. Fotografía: Jeremy Cox. Productora: North Road Films, 21 Laps Entertainment, Atomic Monster, Phobos, Oddfellows Entertainment. Distribuidora: Elástica Films. Estreno en España: 5 de junio de 2026. Sinopsis: Una serie de perturbadores vídeos caseros documenta fenómenos sobrenaturales que sumen a sus testigos en el miedo y la angustia. Este filme de terror se inspira en los cortometrajes virales The Backrooms de Kane Parsons, que se hicieron famosos en YouTube por su inquietante representación de espacios infinitos y laberínticos. Combinando la estética del metraje encontrado con el terror psicológico, la película explora los límites de lo desconocido, donde entornos cotidianos se tornan hostiles y la línea entre lo natural y lo sobrenatural desaparece. Cada fragmento de vídeo desvela nuevas capas de horror, sumergiendo al espectador en un mundo laberíntico y desasosegante, donde la sensación de amenaza acecha en cada sombra y lo familiar se vuelve inquietantemente extraño.

Cada día nace un listo

Dirección: Arantxa Echevarria. País: España. Año. 2026. Duración: 97 minutos. Género: Comedia. Comedia negra. Sátira. Robos. Atracos. Interpretación: Hugo Silva, Susi Sánchez, Dafne Fernández, Jaime Olías, Ginés García Millán, Diego Anido, Belén Rueda, Pedro Casablanc, Gonzalo de Castro, Marcos Marín, Marina Ostolaza, Sofía Otero, Javier Tolosa. Guion: Arantxa Echevarria, Patricia Campo. Producción: Gonzalo Salazar-Simpson. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Pilar Sánchez Díaz. Productora: LaZona Producciones, Atresmedia Cine, LAZONA, Olarizu Films, Lamia Producciones Audiovisuales. Distribuidora:  A Contracorriente Films. Estreno en España: 5 de junio de 2026. SinopsisHa muerto un potentado empresario. Luis Caballero se ha suicidado. Era un corrupto, saltó el escándalo y se ha quitado de en medio. Su hijo Junior podría acabar en la cárcel. A no ser que... a no ser que aprovechando que están desmantelando su casoplón, su “amigo” Toni Lomas, un guaperas pringado que se ha hecho famoso en un concurso televisivo de talentos, robe un valioso Rembrandt propiedad de la familia, y lo vendan en el mercado negro, mientras además cobran el seguro. La cosa se complica porque Toni es un inútil, y pide ayuda a la granuja de la Mari, que trafica con pescado “de lujo”, y con su socio el Gallego, supuesto experto en obras de arte. Por si fuera poco, Toni se beneficia a la prometida de Junior, y el sucesor del suicidado vigila desde la distancia.

Todo lo que nunca fuimos

Dirección: Jorge Alonso. País: España. Año: 2026. Duración: 107 minutos. Género: Romance. Drama. Drama romántico. Pintura. Familia. Interpretación: Maxi Iglesias, Margarida Corceiro, Sebastián Zurita, Natalia Rodríguez, Adriana Hormigos, Clarice Alves, Richard Holmes, Marta Solaz, Javier Tolosa. Guion: Jorge Alonso, Sara Belloso. Novela: Alice Kellen. Producción: Jorge Alonso, Alejandro Miranda. Música: Sergio de la Puente. Fotografía: Néstor Calvo. Productora: Versus Entertainment, LyO Media, Bixagu Entertainment, 3SIX9 Studios. Distribuidora: Warner. Estreno en España: 5 de junio de 2026. SinopsisLeah, una joven aspirante a pintora, está destrozada. Desde el trágico accidente que se llevó a sus padres se ha convertido en una sombra de lo que solía ser. Cuando a Oliver, el hermano mayor de Leah, le ofrecen un trabajo lejos de casa, le pide a su mejor amigo Axel que cuide de ella. Sin saber que Leah siempre ha estado enamorada de él y que la vida de ambos está a punto de cambiar radicalmente, Axel promete cuidar de ella. A medida que su atracción mutua crece, Leah y Axel deben decidir si reprimir su amor o dejar que suceda.

La luz

Dirección: Fernando Franco. País: España. Año: 2026. Duración: 118 minutos. Género: Drama. Religión. Abusos sexuales. Interpretación: Alberto San Juan, Pedro Casablanc, Miguel Rellán, María Galiana, Luis Callejo, Ramón Barea, Itziar Aizpuru, Nacho Sánchez, Iñigo de la Iglesia, Pablo Gómez-Pando, Santiago Mayorga, Carolina Montoya, Antonio Zafra. Guion: Fernando Franco. Música: Maite Arroitajauregi. Fotografía: Santiago Racaj. Productora: Morena Films, Ferdydurke, RTVE. Distribuidora: Buena Vista. Estreno en España: 5 de junio de 2026. SinopsisEl padre Manuel Monsalve es un sacerdote triste, o un triste sacerdote, que aquí viene a ser lo mismo. Aunque su trabajo en la parroquia es apreciado, ha pedido secularizarse porque desea iniciar una nueva vida. Siente una inclinación homosexual hacia un feligrés sudamericano, sentimiento que lleva discreta y castamente, no lo comparte con nadie. Sus superiores le han ido dando largas, e incluso están investigando su historial. Motivo por el que viaja a su pueblo natal en el sur, con la excusa de visitar a su anciana madre, pero en realidad para aclarar si andan preguntando por su etapa de profesor en un colegio. Y es que en efecto hay una denuncia contra él por abusos sexuales, que él no niega, tres niños habrían sido víctimas de su deseo sexual. Pero han transcurrido dos décadas, está arrepentido y cree haber dejado ese pasado atrás. Ahora trata de dar con el paradero de los chicos ya adultos, aunque la rectitud de intención, que sea para pedirles perdón, no está clara, quizá lo que desea es su silencio. Al tiempo se siente maltratado por su obispo, que no le concede enseguida la deseada salida.

Rebuilding

DirecciónMax Walker-Silverman. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración95 minutos. Género: Drama. Incendios. Familia. Interpretación Josh O'Connor, Lily LaTorre, Meghann Fahy, Kali Reis, Amy Madigan, Jefferson Mays. GuionMax Walker-Silverman. Música: James Elkington, Jake Xerxes Fussell. Fotografía: Alfonso Herrera Salcedo. Productora: Cow Hip Films, Present Company, Cinema Inutile, Cinereach, Dead End Pictures, Fit Via Vi Film Productions, MacPac Entertainment, Sons of Rigor Films, Spark Features, The Sakana Foundation. Distribuidora: La Aventura Audiovisual. Premios y nominaciones: Premios Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor interpretación de reparto; Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a Premio Punto de Encuentro; Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a Mejores películas independientes del año (en orden alfabético). Festival de Karlovy Vary: Gran Premio del Jurado Ecuménico. 2 nominaciones Estreno en España: 5 de junio de 2026. SinopsisDusty es un cowboy que ha visto reducido a cenizas su rancho en Colorado. No es la única víctima de los incendios, otros como él han debido realojarse en caravanas dispuestas en un terreno por el gobierno. Separado de su mujer, Ruby, y con una niña en común, Callie-Rose, algo bueno puede salir de la desgracia, pues de descuidar a la pequeña empieza a pasar ratos con ella, compartiendo cuentos, buscando wi-fi en el exterior de la biblioteca local siempre cerrada, o enseñándole a montar a caballo. Además, en la pequeña comunidad de roulets, conoce a la viuda Mila, madre de una adolescente, que perdió al marido en el fuego, a varias ancianas, a un tipo taciturno, o a aquel que le hace de fontanero para disponer de agua.

La ironía del amor

Título original: Mile End Kicks. Dirección: Chandler Levack. País: Canadá. Año: 2025. Duración: 105 minutos. Género: Romance. Comedia. Comedia romántica. Música. Interpretación: Barbie Ferreira, Pat Kiely, Emma Cheuk, Brent Skagford, Nicolas Wright, Jay Baruchel, Aurora Browne, Alain Goulem, Robert Naylor, Juliette Gariépy, Sabrina Jalees, Emily Lê. Guion: Chandler Levack. Música: David Carriere, Jane Penny. Fotografía: Jeremy Cox. Productora: Banner House Productions, IPR.VC, New Visions, Rhombus Media, Téléfilm Canada, XYZfilms, Zapruder Films. Distribuidora: Adso Films. Premios y nominaciones: Canadian Screen Awards: Mejor montaje. 7 nominaciones.  Estreno en España: 5 de junio de 2026. Sinopsis: En 2011, la crítica musical Grace Pine (interpretada por Barbie Ferreira) se traslada a Montreal con el objetivo de escribir un libro sobre el emblemático álbum Jagged Little Pill de Alanis Morissette. Sin embargo, sus planes toman un giro inesperado cuando comienza a enamorarse de los integrantes de una banda indie para la que trabaja como publicista. Lo que debía ser un proyecto profesional se convierte en un viaje de descubrimiento personal, mezclando pasión, música y relaciones complejas, mientras Grace aprende a equilibrar su carrera, sus emociones y los desafíos de seguir su corazón en un entorno creativo y estimulante.

Los ilusos 13+13

Dirección: Jonás Trueba. País: España. Año: 2026. Duración: 93 minutos. Género: Drama. Cine dentro del cine. Interpretación: Francesco Carril, Aura Garrido, Vito Sanz, Mikele Urroz, Isabelle Stoffel, Luis Miguel Madrid. Guion: Jonás Trueba. Producción: Javier Lafuente, Jonás Trueba. Fotografía: Santiago Racaj. Montaje Marta Velasco. Dirección artísticaMiguel Ángel Rebollo. Vestuario: Laura Renau.  Productora: Los Ilusos Films. Estreno en España: 5 de junio de 2026. SinopsisLos ilusos 13+13 es una película sobre el deseo de hacer cine, o sobre lo que hacen algunos cineastas cuando no hacen cine; sobre perder el tiempo y el tiempo perdido; sobre conversaciones, borracheras, comidas y rutinas; sobre los paseos al salir del cine; sobre estar enamorado; sobre estar solo y estar con amigos, construyendo futuros recuerdos para una película futura. Nueva versión de Los ilusos (2013). Incorpora el color original rodado en su momento, hasta ahora inédito, y plantea un diálogo entre ambos materiales. En palabras de Jonás Trueba: La ecuación 13+13 en el nuevo título responde a la fecha de estreno, en 2013, de la versión anterior en blanco y negro, más los trece años transcurridos, hasta 2026, para esta nueva versión en color. Tuvimos la tentación de enfrentar ambas versiones, pero finalmente hemos decido que podían convivir y sumar, y el resultado es una película que nos parece más justa.

Mi cielo tu infierno

Título original: Cel meu infern teu. Título alternativo: My Heaven, Your Hell. Dirección: Alberto Evangelio. País: España. Año: 2025. Duración: 101 minutos. Género: Drama. Romance. Homosexualidad. Años 1960. Años 1970. Drama romántico. Interpretación: Tània Fortea, Sandra Cervera, Victor Palmero, Vicent Domingo, Rosanna Espinòs, Antonio Hortelano, Enric Benavent. Guion: Ana Piles, Noelia Martinez. Música: Joana Subirats Ivern. Fotografía: Guillem Oliver. Productora: Beniwood Producciones, Dacsa Produccions, Benecé Produccions, Institut Valencià de Cultura, À Punt.  Premios y nominaciones: Premis Lola Gaos: Mejor actor de reparto. Estreno en España: 5 de junio de 2026. SinopsisEn la España de los años 60 y 70, bajo una sociedad opresiva y marcada por la represión, Adela y Victoria viven una apasionada historia de amor prohibido. A pesar de la persecución constante por parte de la ley y el fuerte rechazo social hacia su relación, las dos mujeres se enfrentan a los castigos impuestos por su entorno, que busca separarlas y condenarlas por su amor. A lo largo de los años, Adela y Victoria luchan contra un destino que parece estar en su contra, resistiendo los obstáculos que intentan apartarlas.

N.I.M.: Inteligencia Artificial

AKA TantumDirección: Rubén Arnaiz. País: España. Año: 2026. Duración: 81 minutos. GéneroDrama. Ciencia-ficción. Thriller. Terror. Inteligencia artificial. Futuro postapocalíptico. Paternidad. Interpretación: Boris Chrestia, Lucía Vargas, Steven Dasz, Andrew Dasz, Eva Arasa. Guion: Rubén Arnaiz. Música: QuasarSonic. Fotografía: Andrew Dasz, Gerard Ponce, Jordi J. Recort. ProductoraCoproducción España-Andorra; Amblost Media, Lira Produccions, RJ Digital HUB SLU. DistribuidoraMoon Entertainment. Estreno en España: 5 de junio de 2026. Sinopsis: N.I.M: Inteligencia artificial nos sitúa en un futuro distópico en el que el cambio climático ha llegado a tal extremo que se han tenido que construir estaciones medioambientales de limpieza del aire. Estas estaciones son gestionadas por una inteligencia artificial llamada N.I.M, y supervisadas por humanos. Marc se encarga de administrar una de las estaciones, donde vive con su hija Valeria. No obstante, el pasado reciente atormenta a Marc y N.I.M parece entenderle mejor que nadie… incluso mejor que su propia hija. Película de ciencia ficción dirigida y escrita por Rubén Arnaiz, que expande este universo en una serie de libros llamada Las crónicas de Bouden

Las estaciones

Título originalAs EstaçõesDirección: Maureen Fazendeiro. PaísPortugal. Año2025. Duración83 minutos. Género: Documental. Vida rural. Reparto: Documental. Intervenciones: Simão Ramalho, Cláudio da Silva, Ana Potra, Manuel Leitão, António Sozinho voces: Gerti Drassl, Michaela Kaspar, Raphael von Bargen, Toni Slama, António Abel, Simão Romeu. GuionMaureen Fazendeiro. ProducciónLuís Urbano, Sandro Aguilar, Valentina Novati, Beli Martínez, Lukas Valenta Rinner. MúsicaLuís J. Martins. FotografíaRobin Fresson, Marta Simões. ProductoraCoproducción Portugal-Francia-España-Austria; Filmika Galaika S.L, Nabis Filmgroup S.R.L, Norte Productions, O Som e a Fúria. Distribuidora: Atalante. Premios y nominaciones: Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a Gran Premio Tiempo de Historia; Festival de Locarno: Nominada a mejor película; Premios Sophia: Nominada a mejor documental. Estreno en España: 5 de junio de 2026. SinopsisEl primer largometraje en solitario de Maureen Fazendeiro (codirectora de Diarios de Otsoga (2021) y coguionista de Grand Tour (2024), ambas de Miguel Gomes) nos sumerge en un viaje por los distintos tiempos del Alentejo, los históricos y los meteorológicos, a partir de los vínculos que los humanos han tejido y siguen manteniendo con esta región del sur de Portugal. Fazendeiro recopila la memoria oral del lugar a través de cartas, canciones y relatos de campesinos, pastores y niños, así como la correspondencia entre unos arqueólogos alemanes del siglo XIX, para elaborar una genealogía no lineal de las tensiones entre quienes trabajan, estudian y cuidan la tierra y aquellos que se apoderan de ella. Una película que desborda las fronteras del documental para desplegar los diferentes estratos de la historia colectiva y compartida de los territorios que habitamos.   

Este cuerpo es mío

Dirección: Afioco Gnecco, Carolina Yuste. País: España. Año: 2025. Duración: 86 minutos. Género: Documental. Amistad. Transexualidad. Transgénero. Reparto: Documental. Intervenciones: Afioco Gnecco, Carolina Yuste. Guion: Afioco Gnecco, Raquel Zas. Fotografía: Samuel Rojo. Productora: Potenza Producciones. Premios y nominaciones: Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a Gran Premio Tiempo de Historia. Estreno en España: 5 de junio de 2026. SinopsisEn los primeros segundos de Este cuerpo mío, Carolina Yuste y Afioco Gnecco se posan frente a La mujer barbuda, el cuadro de José de Ribera. “¿Tú crees que alguien le ha querido de verdad?”, pregunta Gnecco en un prólogo que introduce los temas de identidad, género, amistad y amor propio sobre los que orbita el film. La reconocida actriz, ganadora del Goya en dos ocasiones (Carmen y Lola, La infiltrada), documenta la transición de su mejor amigo, realizador y activista queer. La dirección a cuatro manos enfatiza la mirada intimista que ya se observaba en el cortometraje previo, Ciao bambina, premiado en el Festival de Málaga y nominado a los Premios Goya. Yuste y su cámara se presentan como testigos del proceso de transición de Gnecco, retratado en forma de diario filmado. Pero también ellos sirven de espejo en el que Gnecco logra reconocerse a sí mismo. Un lugar al que solo puede llegar a través de aquellos que le acompañan y aman incondicionalmente.

Una película de miedo

Dirección: Sergio Oksman. País: España. Año: 2025. Duración: 72 minutos. Género: Documental. Terror. Paternidad. Reparto: Documental. Intervenciones:  Sergio Oksman, Nuno Oksman, Daniel Blaufuks, Ana Moreira. Guion: Sergio Oksman. Producción: João Matos, Fernando Franco, Sergio Oksman. Música: Amy Fajardo. Fotografía: Francisco Marise, Jorge Rojas. Montaje: Sergio Oksman,  Ana Pfaff, Moncho Fernández.  Dirección artística: Nadia Henriques. ProductoraCoproducción España-Portugal; Dok Films, Ferdydurke, Terratreme Filmes. Distribuidora: Silencio Cinema. Estreno en España: 5 de junio de 2026. Sinopsis: Una película de miedo acompaña a un cineasta y su hijo de doce años durante unas vacaciones en Lisboa. Los dos se alojan en un hotel abandonado que recuerda al de El resplandor. Durante el juego inocente entre padre e hijo de fingir que están en el espacio de una película de terror, Oksman reflexiona sobre las relaciones paterno filiales y los fantasmas que cargamos en nuestras espaldas.

Películas para celebrar el amor maternal (incluso el amor disfuncional) (III)

Perspectivas complejas, oscuras y alternativas

12. Hijo de la novia (2001), dirigida por Juan José Campanella. Intérpretes: Ricardo Darín, Héctor Alterio, Norma Aleandro, Eduardo Blanco, Natalia Verbeke, Gimena Nóbile, David Masajnik, Carlos Álvarez-Nóvoa. 
Sinopsis: Rafael Belvedere regenta un restaurante, el heredado negocio familiar. Divorciado, hace lo que puede para sacar el trabajo adelante y dedicar tiempo a su hijo. Su padre jubilado, Nino, visita cada día a su esposa, internada en una residencia, aquejada del mal de Alzheimer. Conmovido por el estado en que se encuentra, decide acceder a un deseo expresado por ella hace más de cuarenta años, y que nunca atendió: casarse por la Iglesia. Pero la cosa no es tan sencilla. 
Esta emotiva película argentina explora el amor hacia una madre que padece Alzheimer, y cómo su familia reencuentra el amor y los recuerdos compartidos.
13. El laberinto del fauno (2006), de Guillermo del Toro con Ivana Baquero, Maribel Verdú, Sergi López, Ariadna Gil, Álex Angulo, Federico Luppi, Doug Jones, César Vea, Roger Casamajor, Ivan Massagué, Manolo Solo, Francisco Vidal, Fernando Albizu, Juanjo Cucalón, Gonzalo Uriarte, Eusebio Lázaro, Chani Martín, Milo Taboada 
SinopsisUna viuda de la guerra española, con una hija pequeña, se ha casado con un comandante de la guardia civil en busca de seguridad. Encinta de su nuevo esposo, la familia se instala en una casa en medio del bosque, donde el comandante y sus hombres tratan de acabar con el maquis, hombres que se refugian en la montaña y que no admiten la derrota de la pasada contienda bélica. La pequeña, ajena a ese entorno de enfrentamiento político y amante de los cuentos, se internará en un misterioso mundo mágico habitado por un fauno. Éste le hace una sorprendente revelación a la niña: Ofelia es en realidad una princesa. Para poder regresar a su verdadero mundo, y recuperar su estatus real, deberá superar tres pruebas.
El amor de la madre embarazada de Ofelia, y el sacrificio de la propia niña para proteger a su hermano menor en tiempos de guerra, son el núcleo emocional de la fantasía.
14. Mother (Madeo, 2009), dirigida por Bong Joon-ho con Kim Hye-ja, Won Bin, Jin Ku, Jin Goo, Moon Hee-ra, Yoon Je-moon, Jeon Mi-seon, Song Sae-byeok,Chun Woo-hee, Ko Kyu-pil.
Sinopsis: Hye-ia es una madre soltera. Do-Joon, su hijo de 27 años, es tan ingenuo e inmaduro que sigue dependiendo de ella. Su conducta es estúpida o simplemente peligrosa. Es una constante fuente de preocupación para todos. Un día, aparece una joven muerta en un edificio abandonado y Do-joon es acusado de su muerte. Seleccionada por Corea del Sur como candidada al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa. 
Un thriller surcoreano sobre los extremos a los que puede llegar una madre para limpiar el nombre de su hijo, acusado injustamente de asesinato.
15. Tenemos que hablar de Kevin (We Need to Talk About Kevin, 2011), de  Lynne Ramsay con John C. Reilly, Tilda Swinton, Ezra Miller, Siobhan Fallon Hogan, Ashley Gerasimovich, Leslie Lyles, Lauren Fox, Aaron Blakely. 
Sinopsis: Eva, una mujer satisfecha consigo misma, es autora y editora de guías de viaje. Casada desde hace años con Franklin, un fotógrafo que trabaja en publicidad, decide, con casi cuarenta años y tras muchas dudas, tener un hijo. Así nacerá Kevin. Pero, ya desde el principio, empiezan a surgir dificultades... Adaptación de la novela homónima de Lionel Shriver. 
Una mirada oscura y perturbadora a la maternidad. Una madre lucha por amar a su hijo a pesar de la naturaleza sociópata y siniestra del niño.
16. La hija oscura (The Lost Daughter, 2021), dirigida por Maggie Gyllenhaal con Olivia Colman, Jessie Buckley, Dakota Johnson, Ed Harris, Peter Sarsgaard, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Alba Rohrwacher. 
Sinopsis: Sola en unas vacaciones junto al mar, Leda se ve consumida por una joven madre y su hija mientras las observa en la playa. Intrigada por su atractiva relación (y por su estridente y amenazante familia), Leda se siente abrumada por sus propios recuerdos del terror, la confusión y la intensidad de la maternidad temprana. Un acto impulsivo lleva a Leda al extraño y ominoso mundo de su propia mente, donde se ve obligada a enfrentarse a las decisiones poco convencionales que tomó como madre joven y a sus consecuencias.
Basada en la novela de Elena Ferrante, ofrece una mirada honesta y sin tapujos sobre las ambivalencias, culpas y sombras del amor maternal. 

Divertida, intelectual y perfeccionista: Marilyn Monroe, mucho más que un símbolo sexual (V)

(cont.)
“Mi corazón le pertenece a papá”
En El multimillonario (Let's Make Love, 1960), de George Cukor, Marilyn canta a Cole Porter con una ironía deliciosamente ambigua frente a Yves Montand, con quien más tarde tendría un breve y muy sonado romance. Es como si Marilyn hubiera pasado su vida buscando figuras protectoras, a quienes llamaba cariñosamente "papá".
Nembutal
El 5 de agosto de 1962, Marilyn Monroe fue hallada muerta en su casa de Los Ángeles, víctima de una sobredosis de Nembutal, el barbitúrico que llevaba años tomando. ¿Sobredosis accidental, suicidio? ¿Asesinato vinculado a los Kennedy? Durante más de sesenta años, Estados Unidos ha intentado reescribir sin cesar esta tragedia de Hollywood.
Arte pop
Con las serigrafías de Andy Warhol (a partir de 1962), Marilyn se convirtió en una imagen mítica. Luego llegaron las canciones (Elton John, Madonna), las obras de ficción y, más tarde, los pósteres, las tazas, los GIF y los filtros de Instagram. La avalancha de productos transformó a Marilyn en un logotipo infinitamente reproducible, muy alejado de la artista que fue.
“Something's Got to Give”
Este es el título de su última película, dirigida por George Cukor en 1962, que quedó inconclusa. Retrasos, enfermedad, adicción a las drogas, tensiones catastróficas con Fox: Marilyn estaba al borde del abismo. Una escena en la que nada desnuda en una piscina ya había provocado un escándalo mediático. Pocas semanas después, falleció. Es imposible no estremecerse ante este título, que suena ya a epitafio: "Algo tiene que cambiar".

jueves, 4 de junio de 2026

Películas de la semana: 4 de junio

The Amazing Digital Circus: El último acto

AKA El asombroso circo digital: El último acto. Título original: The Amazing Digital Circus: The Last Act. Dirección: Gooseworx (Creadora), Gooseworx. País: Australia. Año: 2026. Duración: 93 minutos. Género: Animación. Aventuras. Fantástico.  Reparto: Animación. Guion: Serry Jane. Música: Evan Alderete, Neil Cicierega, Gooseworx. Fotografía: Animación, James Bailey, Jackson Hu. Productora: Coproducción Australia-Estados Unidos; Glitch Productions. Estreno en España: 4 de junio de 2026. Sinopsis: ¡La sensación viral de internet “The Amazing Digital Circus” llega a su tan ansiado final en un lanzamiento cinematográfico en formato largometraje! Este “Último acto” combina el episodio 8 con el nuevo episodio 9 de una hora para que los fans sean los primeros del mundo en verlo. Con la partida de Caine y el circo en penumbras, al elenco solo le queda la compañía de los errores y traumas de su pasado. Mientras el horizonte de la eternidad se desvanece ante sus ojos, descubren la verdad del circo digital y su historia. ¿Aceptarán lo que descubren? ¿O tomarán... el camino alternativo? Además, posiblemente, en algún momento alguien diga algo gracioso, porque este final no puede ser tan lúgubre, ¿no?

Películas para celebrar el amor maternal (incluso el amor disfuncional) (II)

 La maternidad en situaciones extremas y la protección

7. Kramer contra Kramer (Kramer vs. Kramer, 979), dirigida por Robert Benton con Dustin Hoffman, Meryl Streep, Jane Alexander, Justin Henry, Howard Duff, George Coe, JoBeth Williams, Bill Moore, Howland Chamberlain.
Sinopsis: Cuando Ted Kramer (Hoffman), un ejecutivo de publicidad, es abandonado por su mujer (Streep), tiene que hacerse cargo por primera vez de su hijo: deberá conquistar el afecto del niño y hacer de padre y madre a la vez, sin descuidar su carrera profesional.
Aunque aborda el divorcio y la paternidad, el rol de la madre (interpretada por Meryl Streep) y el amor por su hijo es el motor central del conflicto y la posterior resolución.
8. Erin Brockovich (2000), de Steven Soderbergh con Julia Roberts, Albert Finney, Aaron Eckhart, Marg Helgenberger, Cherry Jones, Peter Coyote, Michael Harney, Conchata Ferrell, David Brisbin, Dawn Didawick, Jamie Harrold, Valente Rodríguez.
Sinopsis: Erin Brockovich, una madre soltera y sin empleo, sufre un accidente de automóvil. Por culpa de unos abogados desbordados de trabajo pierde la indemnización a que tenía derecho. Su enfado es comprensible, pero le conduce a una petición ciertamente original: ya que le han hecho perder el caso, pide trabajo en el bufete de abogados. Su testarudez es premiada con el empleo. Erin se sumerge en papeles, y nota algo extraño en los correspondientes a una inmobiliaria: los terrenos y viviendas tienen un suministro de agua contaminada. Lo cual ha provocado daños en la salud de varias familias.
Basada en hechos reales. Una mujer con ganas de trabajar y una vida sentimental y familiar complicada, que viste de modo llamativo...
9. Mommy (2014). Del director Xavier Dolan con Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon, Suzanne Clément, Patrick Huard, Alexandre Goyette, Michèle Lituac.
Sinopsis: En una Canadá ficticia, se aprueba una ley que permite que los padres incapaces de controlar a sus hijos problemáticos les internen en un centro especial. Sin embargo, Diane "Die" Despres, una madre viuda con carácter, decide educar ella misma a su hijo adolescente Steve, que padece ADHD y que puede llegar a resultar violento. Kyla, la vecina de enfrente de su casa, le ofrece su ayuda a Die. La relación entre los tres se hará cada vez más estrecha, surgiendo preguntas sobre el misterio de su vida
Muestra la relación visceral, apasionada y caótica entre una madre viuda y su hijo adolescente que sufre TDAH y arranques de violencia.
10. Madre (2019). Dirigida por Rodrigo Sorogoyen con Marta Nieto, Álex Brendemühl, Jules Porier, Anne Consigny, Frédéric Pierrot, Guillaume Arnault, Raúl Prieto, Blanca Apilánez. 
Sinopsis: Elena recibe una llamada de Iván, su hijo de seis años, quien le dice que está perdido en una playa en Francia y que no encuentra a su padre. Esas palabras desesperadas de su hijo fueron lo último que supo de él. Diez años más tarde, Elena vive en la misma playa donde desapareció su hijo, trabaja de encargada en un restaurante y está empezando a salir de ese oscuro túnel donde lleva anclada tanto tiempo. Su vida se agita de nuevo cuando conoce casualmente a Jean, un adolescente francés que le recuerda a su hijo. Entre ellos surge una fuerte conexión que acabará sembrando el caos y la desconfianza a su alrededor.
Un thriller psicológico tenso y profundamente emocional que sigue la desesperada búsqueda de una madre cuyo hijo pequeño ha desaparecido en una playa.

Divertida, intelectual y perfeccionista: Marilyn Monroe, mucho más que un símbolo sexual (IV)

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Friki
Un símbolo sexual puede esconder a una lectora voraz, una apasionada amante de la cultura. Desde Fiódor Dostoievski hasta Walt Whitman y James Joyce, Marilyn vivía literalmente con un libro en la mano. Sobre todo, soñaba con ser reconocida como una verdadera artista. En 1955, dejó Hollywood para unirse al famoso Actors Studio de Nueva York, donde trabajó con una intensidad casi obsesiva: dicción, improvisación, escenas ensayadas una y otra vez, reinventándose constantemente.
Don Murray y Marilyn Monroe en Bus Stop (1956)
Masters de Nueva York
En el Actors Studio, Marilyn buscó un nuevo comienzo artístico con el director Lee Strasberg, creador del famoso "método". Su esposa, Paula, se volvió indispensable: entrenadora, confidente, figura materna... A partir de entonces, ninguna película con Marilyn era posible sin Paula Strasberg, a quien los horrorizados técnicos apodaron rápidamente "champiñón negro" o "bruja".
Lawrence Olivier y Marilyn Monroe en El príncipe y la corista (1957)
Arthur Miller
Su tercer matrimonio, de 1956 a 1961, fue con el gran dramaturgo estadounidense. Marilyn inspiró a Arthur Miller, quien escribió el guion de Vidas rebeldes (The Misfits, 1961) para ella. Durante este período, apareció en Bus Stop (1956), de Joshua Logan y en El príncipe y la corista (The Prince and the Showgirl, 1957) de Laurence Olivier.
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miércoles, 3 de junio de 2026

Retrospectiva: “Taxi Driver”… Travis Bickle, la versión beta del peligroso masculinista solitario

El 28 de mayo de 1976, la magistral Palma de Oro de Martin Scorsese conmocionó a la Croisette. Cincuenta años después, Robert De Niro fue visto como la primera representación de un incel (involuntary celibate), mucho antes de que existiera el término para designar a un machista violento. 
La trama: Para sobrellevar el insomnio crónico que sufre desde su regreso de Vietnam, Travis Bickle (Robert De Niro) trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Es un hombre insociable que apenas tiene contacto con los demás, se pasa los días en el cine y vive prendado de Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva rubia que trabaja como voluntaria en una campaña política. Pero lo que realmente obsesiona a Travis es comprobar cómo la violencia, la sordidez y la desolación dominan la ciudad. Y un día decide pasar a la acción.
Una “historia de un habitante de la ciudad llevado a la locura por las tensiones urbanas”. Después de su proyección en Cannes en 1976, los críticos oscilaron entre la admiración y el disgusto, llegando incluso a acusar a la película de Martin Scorsese de “glorificar el terrorismo individual”. Verla hoy, mientras celebramos el 50 aniversario de su Palma de Oro el 28 de mayo, sigue siendo deslumbrante. Los bucles musicales de Bernard Herrmann, las luces y sombras de las noches neoyorquinas, el poético e inquietante flujo de conciencia de Travis Bickle, el monólogo de Robert De Niro...
Una de las grandes películas de los años 1970, y la mejor tarjeta de presentación del cineasta Martin Scorsese, que en su cuarto trabajo partió de un guión de Paul Schrader. Recorre temas que están presentes en toda su filmografía, como la génesis de la violencia, los prejuicios y el rechazo social. El cineasta se luce con una utilización modélica de la voz en off del protagonista, unas dinámicas secuencias de éste recorriendo las calles, y sobrecogedores planos que muestran una violencia descarnada y terrible.

Películas para celebrar el amor maternal (incluso el amor disfuncional) (Ib)

4. La habitación (Room, 2015), de Lenny Abrahamson con Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, Sean Bridgers, William H. Macy, Cas Anvar, Tom McCamus, Amanda Brugel, Joe Pingue, Wendy Crewson. 
SinopsisPara Jack, un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero, el lugar donde nació, donde come, juega y aprende con su madre. Por la noche, mamá lo pone a dormir en el armario, por si viene el viejo Nick. La habitación es el hogar de Jack, mientras que para su madre es el cubículo donde lleva siete años encerrada, secuestrada desde los diecisiete años. Con gran tesón e ingenio, la joven ha creado en ese reducido espacio una vida para su hijo, y su amor por él es lo único que le permite soportar lo insoportable. Sin embargo, la curiosidad de Jack va en aumento, a la par que la desesperación de su madre, que sabe que la habitación no podrá contener ambas cosas por mucho más tiempo. 
Una historia de supervivencia extrema. Una madre cría a su hijo pequeño en un cobertizo cerrado, protegiendo su inocencia mientras planea una peligrosa fuga. 
5. Lion (2016), dirigida por Garth Davis e interpretada por Rooney Mara, Nicole Kidman, Dev Patel, David Wenham, Benjamin Rigby, Nawazuddin Siddiqui, Pallavi Sharda, Tannishtha Chatterjee, Eamon Farren, Menik Gooneratne, Sunny Pawar. 
Sinopsis: Narra la historia real de cómo el pequeño Saroo Brierley, con tan sólo cinco años, se montó solo en un tren para, dos días después, perderse en las calles de Calcuta, a miles de kilómetros de casa. Tras un largo periplo acabó siendo adoptado por una pareja australiana. Veinticinco años después, con la única ayuda de Google Earth, Saroo intentará encontrar a su familia biológica...
Basada en una historia real. Narra el viaje desgarrador de un niño indio perdido, pero pone un peso fundamental en el amor incondicional de su madre adoptiva australiana. 
6. Lady Bird (2017): Escrita y dirigida por Greta Gerwig con Saoirse Ronan, Odeya Rush, Danielle Macdonald, Jordan Rodrigues, Laurie Metcalf, Kathryn Newton, Jake McDorman, Timothée Chalamet, Laura Marano, Lois Smith, Beanie Feldstein, Lucas Hedges, Kristen Cloke. 
Sinopsis: Christine (Saoirse Ronan), que se hace llamar "Lady Bird", es una adolescente de Sacramento en su último año de instituto. La joven, con inclinaciones artísticas y que sueña con vivir en la costa Este, trata de ese modo encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre (Laurie Metcalf).
Retrata con enorme realismo y ternura la compleja, a veces turbulenta pero profundamente amorosa, relación entre una madre y su hija adolescente. 

Divertida, intelectual y perfeccionista: Marilyn Monroe, mucho más que un símbolo sexual (III)

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Chica divertida
Nunca reduzcas a Marilyn a su poder de seducción. La rubia explosiva era una fuerza cómica, una de las mejores actrices cómicas de su época. Su genialidad residía en una mezcla milagrosa de sensualidad, torpeza infantil y precisión musical. En Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen Prefer Blondes, 1953), de Howard Hawks, transformó la canción Diamonds Are a Girl's Best Friend en un éxito pop adelantado a su tiempo. En La tentación vive arriba (The Seven Year Itch, 1955), de Billy Wilder, jugó con picardía con su imagen como la encarnación de la fantasía. Y en Con faldas y a lo loco (también de Billy Wilder, 1959), cada mirada soñadora, cada pequeño paso, cada gesto espontáneo creaba un personaje inolvidable, divertido y conmovedor, libre y preciso como una partitura de jazz.
Tom Ewell y Marilyn Monroe en La tentación vive arriba (1955)
Clark Gable
A principios de la década de 1960, el rodaje de Vidas rebeldes (The Misfits, 1961) de John Huston se asemejó a un ocaso hollywoodiense en toda regla. Clark Gable estaba exhausto. Marilyn también. Sin embargo, entre ellos surgió una ternura genuina. Él intentaba tranquilizarla durante sus ataques de ansiedad; ella admiraba a este gran actor de otra época del cine. Pocos días después de finalizar el rodaje, él falleció de un ataque al corazón. Marilyn quedó devastada.
Thelma Ritter, Clark Gable y Marilyn Monroe en Vidas rebeldes (1961)
Happy Birthday, Mr. President"
Mayo de 1962. Un vestido color carne, cosido directamente a su cuerpo. Marilyn parece casi desnuda mientras le canta "Feliz cumpleaños" a John F. Kennedy en el Madison Square Garden. Un susurro irreal y erótico, una extraña confesión de intimidad con el Presidente de los Estados Unidos, ante una multitud y un sinfín de cámaras. Detrás del mito, se cierne también la sombra de su hermano, Bob Kennedy, otro romance, otra experiencia vertiginosa de poder y secretismo.
Marilyn Monroe cantando "Happy Birthday, Mr. President"
(cont.)

martes, 2 de junio de 2026

Mostra del Cine Periférico

Mostra Internacional de Cinema Periférico nace en 2010 en la ciudad de La Coruña, en Galicia, al norte de España. El principal foco del festival es desde esa primera edición el cine experimental y la creación contemporánea, con especial atención a la realizada en formatos de cine analógico. El (S8) es una muestra no competitiva que en sus dos primeras ediciones se celebró en la Antigua Cárcel de La Coruña, con algunas variaciones de emplazamiento hasta llegar a nuestra actual configuración que se articula principalmente entre la Sala PALEXCO, el Centro Galego das Artes de Imaxe – Filmoteca de Galicia y la Fundación Luis Seoane, entre otras sedes repartidas por la ciudad. 

Retrospectiva: "El decamerón", la farsa definitiva de Pier Paolo Pasolini

Estrenada en 1971, esta adaptación muy libre, animalística y anticlerical de la colección de Boccaccio representó un punto de inflexión en la obra del cineasta.
En la película de Pier Paolo Pasolini, abundan los penes y los dientes podridos. El decamerón (Il Decameron, 1971) se regodea en su irreverencia obscena, que, más de cincuenta años después, sigue impresionando. La obra ha envejecido bien: su crueldad y su descarada bajeza, además, son superadas por muy pocas comedias actuales.
Más que un capricho pasajero, es un punto de inflexión en la obra de Pasolini. Había terminado de rehacer su retrato burgués (Teorema, en 1968, y Pocilga, en 1969) y acababa de terminar de filmar Medea (1969), su anti-peplum con Callas. 
Pasolini recrea con su personal estilo los divertidos cuentos eróticos de "El Decamerón" de Boccaccio. Entre otros, está el cuento de Andreuccio de Perugia, que se deja convencer por unos ladrones para quitarle un rubí al cadáver de un arzobispo. Entre los cuentos de carácter licencioso está, por ejemplo, el de Masetto de Lamporecchio, un hortelano que se finge sordomudo y loco para entrar al servicio de las monjas de un convento y disfrutar con ellas de las delicias del lecho compartido.