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viernes, 3 de abril de 2026
Películas de la semana: 1 de abril
“Licorice Pizza”: ¿Por qué quedarse sin gasolina es la secuencia más brillante de la película de Paul Thomas Anderson?
Un repaso a una secuencia magistral donde los dos héroes de la película, Alana y Gary, se suben a un camión para escapar de un villano (interpretado por Bradley Cooper)... que conduce marcha atrás. Licorice Pizza está disponible en Prime Video y HBO Max.
Es imposible olvidar la persecución final de coches en Una batalla tras otra (One Battle After Another, 2025). La carretera sube y baja, haciendo que los coches desaparezcan como "veleros engullidos por las olas". Recuerda a otra secuencia de Paul Thomas Anderson, esta vez sin colisión, en Licorice Pizza (2021) . Recapitulemos la historia. Gary Valentina (15) y Alana Kane (25) se aman pero no están juntos. Porque ella se niega a estar con él y porque los giros y vueltas de la vida siempre han retrasado su unión. Un día, entregan una cama de agua king-size a una villa en el Valle de San Fernando, en las colinas sobre Los Ángeles. Se topan con Jon Peters, el productor de Barbara Streisand, interpretado por Bradley Cooper. Drogado con cocaína, es tan odioso y amenazante que Gary se venga inundando su sala de estar y luego destrozando su Ferrari. Mientras huyen, se quedan sin gasolina. Aquí es donde comienza la secuencia brillantemente original, gracias al suspense que crea y a su riqueza simbólica.
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| Alana Haim y Cooper Hoffman en Licorice Pizza (2021) |
Alana está al volante. Y no cualquier automóvil sino de un enorme camión de reparto. Ya hemos visto que se siente cómoda al volante. Entonces, ¿qué hace? ¡Deja que el vehículo ruede... marcha atrás! Un descenso vertiginoso desde las empinadas colinas. Sin motor, sin potencia ruidosa. Un sensual slalom en la sinuosa cinta de asfalto. Los ojos de Alana pegados a los dos espejos retrovisores. Cualquier otro cineasta le habría añadido música. No Anderson. Es en un majestuoso silencio nocturno, interrumpido solo por el chirrido de los neumáticos en las curvas, que el sigiloso vehículo acelera. Un cruce donde la carretera vuelve a ascender le da a la conductora la oportunidad de volver a la marcha adelante y continuar el descenso a gran velocidad, saltarse una señal de stop y terminar el recorrido sin problemas en Ventura Boulevard.
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| Alana Haim y Cooper Hoffman en Licorice Pizza (2021) |
Esta pieza magistral revela el coraje, la responsabilidad y la fuerza de Alana, pero también su rendición de cuentas. Aún se está recuperando de lo que ha hecho. Vean la siguiente escena. Amanece, está en la acera, abatida. A lo lejos, ve a Gary y a sus hermanos excitándose al imitar actos sexuales. Detrás de ella, Jon Peters reaparece, rompe el escaparate de una tienda, choca con dos jóvenes y las confronta de inmediato. Fanfarronería, machismo, violencia. Es precisamente en oposición a todo esto que el hada de la nariz divina ha huido en la noche.
Para ver: “Silentium”, una película tunecina que denuncia la violencia contra las mujeres
La trama: Túnez. Malek vive sola en la planta baja de un edificio antiguo y aislado junto al mar. Al caer la noche, las violentas discusiones que oye tras la puerta cerrada de sus vecinos la sumen en ataques de pánico. Atormentada por oscuros recuerdos, se convence de que un monstruo habita en su edificio...
Con una voz en off literaria que lastra la historia, esta película, con sus loables intenciones, explota hábilmente su belleza decadente. Sin embargo, es durante una huida cuando la tensión alcanza su punto álgido, concretamente en la comisaría, donde el testimonio de una víctima de violación se convierte en un interrogatorio humillante. La lucha continúa, y Silentium desempeña su papel.
Cinco películas de Paul Thomas Anderson que hay que ver (I)
Paul Thomas Anderson se consolidó como uno de los directores más audaces y técnicamente dotados de su generación. Sus historias no suelen ser complacientes: exploran la soledad, el poder, las familias disfuncionales y esa búsqueda incansable de pertenencia en un mundo que parece siempre a punto de desmoronarse.
1. Magnolia (1999)
La trama: Un mosaico ambicioso de vidas cruzadas en el Valle de San Fernando, en Los Ángeles: un niño prodigio, el presentador de un concurso de televisión, un ex-niño prodigio, un moribundo, su hijo perdido, la mujer y el enfermero del moribundo. Son historias aparentemente independientes, pero que guardan entre sí una extraña relación. A través de nueve tramas que convergen de forma casi mística, Anderson explora el perdón y las coincidencias imposibles.
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| Tom Cruise en Magnolia (1999) |
Comentario: Fue celebrada como una obra maestra del exceso emocional. Aunque su duración y su final surrealista dividieron las opiniones, la prensa destacó su valentía narrativa y una banda sonora de Aimee Mann que funciona como el corazón latente de la película. La actuación de Tom Cruise como un gurú de la seducción es, para muchos, la cima de su carrera. Disponible en Apple TV+ y Google TV.
2. Pozos de ambición (There Will Be Blood, 2007)
La trama: Texas, principios del siglo XX. Una historia sobre la familia, la avaricia y la religión. Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) se traslada a una miserable ciudad con el propósito de hacer fortuna, pero, a medida que se va enriqueciendo, sus principios y valores desaparecen y acaba dominado por la ambición. Tras encontrar un rico yacimiento de petróleo en 1902, se convierte en un acaudalado magnate. Cuando, años después, intenta apoderarse de un nuevo yacimiento, tiene que enfrentarse al predicador Eli Sunday (Paul Dano).
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| Daniel Day-Lewis en Pozos de ambición (2007) |
Comentario: Adaptación de la novela de Upton Sinclair Petróleo, escrita en 1927. Daniel Day-Lewis interpreta a Daniel Plainview, un minero convertido en magnate petrolero cuya ambición lo consume por completo. Es una épica oscura sobre el nacimiento del capitalismo moderno y el enfrentamiento entre la fe y el dinero. Considerada unánimemente como una de las mejores películas del siglo XXI. Los especialistas alabaron la dirección milimétrica de Paul Thomas Anderson y la atmósfera opresiva lograda por la música de Jonny Greenwood (Radiohead). Disponible en Netflix y Movistar TV.
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jueves, 2 de abril de 2026
Retrospectiva: Cuando el alba se tiñe de rojo
La trama: Gannon, un cowboy errante con gran pericia con el revólver, salva de una acusación de homicidio a un joven llamado Jess. Éste, atraído por la personalidad del vaquero, decide acompañarle en sus aventuras. Juntos se instalan en una nueva ciudad donde Jess empieza a trabajar como capataz en un rancho propiedad de una amiga de Gannon. Sin embargo, la amistad de los dos hombres será puesta a prueba cuando la jefa de Jess intente cercar un terreno utilizado como pasto por otros ganaderos, algo a lo que Gannon se opondrá.
Correcta y entretenida muestra de película del oeste, con uno de los temas clave del género, las luchas derivadas de las tierras abiertas y el ganado. Los protagonistas están convincentes, sobre todo un Tony Franciosa que da muestras de su carisma en pantalla. Fue elaborado en la época en que Hollywood intentó reactivar el género tras el éxito en Europa de las películas del oeste de Sergio Leone y Clint Eastwood.
Para ver: "Les Chaillées de l'enfer", la vida en el viñedo
La trama: Esta ópera prima del director francés Léo Boudet nos sumerge en el corazón de una tierra ancestral, las viñas del valle del Ródano, donde se cultivan los prestigiosos vinos de Condrieu y Côte-Rôtie. A lo largo de un año entero, la película retrata el duro trabajo del equipo de Christine Vernay, reconocida enóloga que elabora algunos de los mejores vinos de la actualidad -varias veces galardonados con 100 puntos en la lista de Robert Parker-, que lucha contra las duras condiciones climáticas y los desafíos cotidianos para sacar adelante la cosecha.
La prodigiosa banda sonora de Alexandre Desplat -ganador de dos premios Oscar a mejor banda sonora por El gran hotel Budapest (2015) y La forma del agua (2018)- conduce este delicado documental sobre la paciencia, el amor por la tierra, la situación actual de los agricultores y el compromiso con la producción de vinos ecológicos en tiempos de crisis medioambiental.
Películas que mejoraron el libro en el que se basan (VII)
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Una batalla tras otra (One Battle After Another, 2025)
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| Leonardo Di Caprio en Una batalla tras otra (2025) |
Para ello, eso sí, ha tenido que tomar varias decisiones drásticas. La ganadora al Oscar a la mejor película de 2026 es, en realidad, una adaptación muy pulida de Vineland (1990). Básicamente, Una batalla tras otra es un gran ejercicio de síntesis, que si bien recoge todas las ideas planteadas por el escritor en el libro, consigue reordenarlas para construir una historia mucho más comprensible y depurada. Las actuaciones soberbias de Leonardo Di Caprio, Benicio del Toro, Teyana Taylor y Sean Penn, éste último también galardonado con un Oscar, hacen el resto.
miércoles, 1 de abril de 2026
“Wild Horse Nine”, la nueva película
El estudio fijó la fecha de estreno exclusivo en cines internacionales para el 6 de noviembre de 2026, una marca relevante que consolida el retorno de McDonagh al largometraje tras “Los espíritus de la isla”, su colaboración previa con Blueprint Pictures y Film4. La distribuidora no ha confirmado fechas para su lanzamiento en cines nacionales.
La producción de Wild Horse Nine se ha presentado como una comedia dramática oscura que explora la zona de contacto entre el thriller político y el humor a través del seguimiento de dos agentes de la CIA, Chris y Lee, interpretados por John Malkovich y Sam Rockwell, enviados a Rapa Nui en los días inmediatos al golpe de Estado en Chile de 1973. El elenco se completa con Steve Buscemi, Mariana di Girolamo, Ailín Salas, Tom Waits y Parker Posey. Entre los elementos de industria destacados se cuenta la participación local de la productora chilena Fabula y el respaldo de los habitantes de la isla, quienes aportaron asesoría en el rodaje y validaron acuerdos de filmación.
La película marca la tercera colaboración consecutiva de McDonagh con Searchlight Pictures y Blueprint Pictures, después de un ciclo que incluyó “Tres anuncios por un crimen” (2017) y “Los espíritus de la isla” (2022), esta última nominada a nueve Premios de la Academia®. El propio director indicó que la producción de “Wild Horse Nine” se realizó el año pasado en Rapa Nui, una decisión motivada por la experiencia personal de un viaje que realizó a la isla trece años atrás.
La trama de Wild Horse Nine sitúa la acción “poco antes del golpe de Estado chileno de 1973”, e incorpora elementos de espionaje y conspiración a partir de la orden de MJ (Steve Buscemi) que destina a Chris y Lee desde Santiago hacia la Isla de Pascua. En diálogo con Vanity Fair, McDonagh describió la ambientación como “una meditación sobre la memoria, el legado y las consecuencias de las propias acciones bajo la sombra de la historia”. El director remarcó que los paisajes y los moáis en la isla funcionan como “un eco visual de los temas de la película”.
estructura narrativa combina episodios de humor negro, relaciones tensas y una progresiva complejidad entre los personajes principales y las estudiantes rebeldes encarnadas por Mariana di Girolamo y Ailín Salas. El tráiler del filme anticipa escenas grabadas en ubicaciones emblemáticas de Santiago, incluyendo el Palacio de la Moneda antes de su bombardeo, la Plaza de Armas y referencias visuales a la extinta aerolínea LAN CHILE. Esta aproximación refuerza el abordaje de McDonagh sobre cómo las decisiones políticas impactan tanto en el paisaje natural como en la psicología de sus protagonistas.
Para ver: "Ato noturno", erótico y queer
Ato noturno (2025), de Filipe Matzembacher y Marcio Reolon e interpretada por Gabriel Faryas, Cirillo Luna, Henrique Barreira, Ivo Müller, Kaya Rodrigues, Larissa Sanguiné, Gabriela Grecco. Dirigido por un dúo de cineastas brasileños, este thriller explora la interacción entre la ambición y los límites del deseo. Un drama inteligente sobre el precio insensato que una persona queer tiene que pagar para alcanzar un nivel de éxito en el ojo público.
La trama: Matías, un ambicioso actor de 23 años, está ensayando una obra con una prestigiosa compañía de teatro. Él y su compañero de piso Fabio, también de 23 años, interpretan los papeles principales. Los dos llaman la atención de la agente de casting Pamela, que está buscando actores para una gran producción de una serie que se rodará en la ciudad. Sin embargo, sólo Fabio es invitado a la audición porque, a pesar de su talento, el comportamiento de Matías fuera de la pantalla no es bien recibido. Devastado, Matías se consuela al conocer a Rafael, un hombre misterioso de 35 años que se niega a revelar mucho sobre sí mismo. Juntos, descubren su fetiche por tener sexo en lugares públicos. Matías pronto descubre que Rafael es un político encubierto que se presenta a la alcaldía. Después de grandes esfuerzos, Matías finalmente gana el papel protagonista de la serie y Rafael gana ventaja en las encuestas. Pero cuanto más se acercan ambos a su ansiada fama, más temerarios se vuelven. Los amantes despiertan celos en Fabio y preocupación entre los patrocinadores de la campaña de Rafael y comienza un peligroso juego de éxito, placer y muerte.
Películas que mejoraron el libro en el que se basan (VI)
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El club de la lucha (1999)
Chuck Palahniuk es un escritor de culto por su espíritu nihilista y lo salvaje de sus manuscritos. Sin embargo, o quizá precisamente por ello, no se trata de un autor amable de leer. Su estilo es muy personal; repleto de frases cortas y repeticiones. Algo que puede hacerse pesado de leer. Además, en ocasiones, peca de no centrar sus ideas por completo. Por ello, adaptar sus obras parecía algo imposible. Sin embargo, David Fincher no solo logró llevar El club de la lucha (Flight Club) a la gran pantalla, sino que convirtió su adaptación en un icono generacional.
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| Edward Norton y Brad Pitt en El club de la lucha (1999) |
El director estadounidense no solo consiguió mantener el espíritu y mensaje de Palahniuk, sino que lo hizo más digerible. De hecho, su película toma algunas decisiones que mejorar el material original. Por ejemplo, la gran revelación está llevada mucho mejor llevada en la película, tanto por las semillas que va plantando a lo largo del metraje como por el montaje subliminal que realiza. También el final es más satisfactorio, con una imagen icónica, potenciada por el Where is my mind? de los Pixies, que cierran la historia con una profunda carga simbólica. Una conclusión redonda que no posee la novela.
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martes, 31 de marzo de 2026
Efemérides de cine: El juez y el asesino
El 31 de marzo de 1976 se estrenó la película francesa El juez y el asesino (Le juge et l'assassin), dirigida por Bertrand Tavernier e interpretada por Philippe Noiret, Michel Galabru, Isabelle Huppert, Jean-Claude Brialy, Renée Faure, Cécile Vassort. Productora: Lira Films,Société Française de Production et de Création Audiovisuelles, FR3. Duración: 128 minutos.
Sinopsis argumental: Francia, 1893. Cuando Joseph Bouvier, un sargento francés, es rechazado por su novia, la mata y después se pega un tiro en la cabeza. Milagrosamente ambos sobreviven, y él es internado en un centro psiquiátrico. Con las facultades mentales aún perturbadas, sale del hospital y lleva una vida errante por las carreteras. Durante cinco años viola y mata a una docena de adolescentes en las granjas que va encontrando a su paso. Cuando, por fin, lo detienen, se declara un "anarquista de Dios". El ambicioso juez Rousseau se hará cargo del caso.
Nominaciones y premios: Premios César: Mejor actor (Galabru) y mejor guion y seis nominaciones incluyendo mejor película.
Comentario: Historia basada en hechos reales, habla del oportunismo de un personaje que se aprovecha de la desgracia ajena para intentar sacar tajada política. Tavernier, que consultó los recuerdos del juez, conservados en la Biblioteca Nacional francesa, reconocía haber mezclado lirismo e ironía en su narración. Y afirma el cineasta que el resultado final responde a su idea de que "una sociedad puede ser juzgada en función de la manera como trata a sus enfermos mentales". Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
Para ver: "Allo la France", una road movie telefónica
Allo La France (2023), de Floriane Devigne. Reparto: Documental. Siguiendo la pista de las últimas cabinas telefónicas que quedan, Floriane Devigne nos ofrece un documental inesperado y de gran éxito, un viaje por las regiones francesas tan divertido como profundo. El telón de fondo explora el futuro de los servicios públicos y el concepto de "convivencia" y también una mirada divertida, crítica e irónica a nuestra sociedad en constante cambio.
La trama: La historia de la inocua desaparición de un servicio público que en cuarenta años se ha convertido en una antigualla: la cabina telefónica. Al ir en busca de la última de ellas, en la llamada 'periferia' de Francia, se exhuman estas ruinas del siglo XX para cuestionar nuestro tiempo y su evolución. Un entrañable y fantasioso documental de viajes por carretera.
Películas que mejoraron el libro en el que se basan (V)
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Starship Troopers: Las brigadas del espacio (Starship Troopers, 1997)
Starship Troopers, el libro, escrito por Robert A. Heinlein en 1959, es una novela filofascista que glorifica el militarismo y el autoritarismo. Una oda a la guerra de la que Paul Verhoeven se mofa en su adaptación. El director neerlandés tomó el material original y, en lugar de trasladarlo a la pantalla tal cual, decidió subvertirlo por completo en una sátira ácida que funciona a dos niveles. Es divertida como película de aventuras, con algunas imágenes icónicas y visualmente impactantes. Pero, al mismo tiempo, posee un subtexto político muy profundo que, por si fuese poco, confronta las ideas que deseaba trasladar el libro. Algo que le convierte en una obra única.
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| Denise Richards, Jake Busey y Casper Van Dien en Starship Troopers: Las brigadas del espacio (1997) |
La intención de Verhoeven es clara, aunque nunca resulta panfletaria. De hecho, la película fue en gran medida incomprendida en el momento de su estreno. Todo su discurso se construye a través de una ironía muy fina, visible, por ejemplo, en el tratamiento de los personajes: su perfección física y moral los convierte en una parodia evidente de la propaganda en tiempos de guerra. Asimismo, la película expone con crudeza el funcionamiento de los conflictos armados, donde quienes toman las decisiones rara vez son quienes pagan las consecuencias.
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lunes, 30 de marzo de 2026
Retrospectiva: “Cerco roto”, la secuela espiritual de “La cruz de hierro”
El cine bélico no dudó en retratar historias potentes dentro del bando perdedor. Películas como La cruz de hierro y Land of Mine (Bajo la arena) (Under Sandet, 2015), son exponentes de una forma de hacer cine que deja espacio lejos de la gloria épica. Precisamente la película que tratamos hoy se considera secuela de la segunda mencionada. Aunque las valoraciones del público fueron muy moderadas.
Cerco roto (Steiner - Das eiserne Kreuz, 2. Teil, 1979), dirigida por Andrew V. McLaglen e interpretada por Richard Burton, Rod Steiger, Helmut Griem, Klaus Löwitsch, Michael Parks, Werner Pochath, Robert Mitchum, Curd Jürgens, Véronique Vendell, Horst Janson, Joachim Hansen, Dieter Schidor, Sonja Jeannine, Bruno Dietrich, Walter Ullrich, Günter Meisner, funciona como continuación espiritual de La cruz de hierro (Cross of Iron, 1977). Aunque cambia de equipo creativo y tono, la película retoma el personaje del sargento Steiner en el contexto del frente oriental durante la Segunda Guerra Mundial.
La trama: Rusia, junio de 1944. La ofensiva rusa obliga al ejército alemán a abandonar la cabeza del puente Kwai y la Península de Crimea. Aunque la división del sargento Steiner ha sufrido terribles bajas, logra reunir a los supervivientes y deslizarse a través de las líneas americanas para reunirse con el capitán Stransky. Ambos librarán una dura batalla en una ciudad francesa el mismo día en que el general Patton rompe las líneas alemanas en Avranche.
El eje narrativo se construye en torno a un grupo de soldados atrapados tras las líneas enemigas que deben abrirse paso a través de territorio hostil para reunirse con sus fuerzas. Esta situación de cerco convierte la película en un relato de supervivencia donde cada decisión implica un riesgo extremo. La misión no responde a grandes objetivos estratégicos, sino a la necesidad inmediata de escapar de un entorno donde la derrota parece inevitable.
En paralelo, la película introduce tensiones entre oficiales y soldados, reflejando la fractura interna de un ejército sometido a la presión constante del frente y a la pérdida de confianza en el mando. Steiner, como figura central, encarna una actitud pragmática frente a la guerra, alejada de la ideología y centrada en la supervivencia de sus hombres.
Cerco roto adopta un enfoque más convencional dentro del cine bélico, con mayor presencia de acción y enfrentamientos a gran escala, incluyendo combates con tanques y secuencias de batalla más abiertas. Sin embargo, mantiene un tono sombrío que subraya la inutilidad del conflicto en sus etapas finales. Ofrece una visión desencantada de la guerra, centrada en hombres atrapados en un conflicto que ya no pueden ganar, pero del que aún deben intentar salir con vida.
Para ver: “Précieuse(s)”, de Fanny Guiard-Norel, Molière reinterpretado
Al adaptar la conocida comedia en un acto de Molière, escrita en prosa, con sus alumnas, Cécile pensó que rehabilitaría a las Preciosas, aquellas primeras feministas del siglo XVII injustamente olvidadas. Nunca imaginó que este proyecto la sacaría de su propia insidiosa invisibilidad.
La película intenta narrar simultáneamente el viaje personal de Cécile, profesora de literatura de secundaria, su revisión de la obra de un acto de Molière, Las preciosas ridículas, y el hecho de transmitir conocimientos a su clase de teatro, a quienes intenta introducir tanto en la literatura como en una crítica feminista de la misma.
Películas que mejoraron el libro en el que se basan (IV)
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¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988)
¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit) es una obra maestra. Un prodigio de orfebrería. Su mezcla de animación y acción real no solo estaba increíblemente adelantada a su tiempo, sino que resiste perfectamente el paso del tiempo. Se trata, además, de una película conceptualmente muy extravagante. Canónicamente es un noir, con todos los tropos del género, aunque lo mezcla con el cartoon más loco imaginable. No debería funcionar, pero lo hace. ¡Si hasta aparecen el Pato Lucas, símbolo de Warner Bros, y Donald el pato, de Disney, juntos en una escena! Algo que solo ha ocurrido en esa ocasión en la historia.
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| Bob Hoskins & Roger Rabbit en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) |
La producción de la cinta fue una locura, pero salió adelante con brillantez. La historia está basada en la novela Who Censored Roger Rabbit?, escrita por Gary K. Wolf en 1981. Un libro de misterio que, sin embargo, está lejos de ser la obra catedralicia que sí es su adaptación a la pantalla grande. En este caso, el ver a los dibujos animados coexistir con las personas de carne y hueso resultó mucho más impactante que el leerlo en el libro. De hecho, solo un par de frases de la novela se utilizaron en la película, aunque sí es cierto que la más mítica de todas, el “no soy mala, es que me han dibujado así” de Jessica Rabbit, sí aparece en el manuscrito.
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| Bob Hoskins y Jessica Rabbit en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) |
La superioridad de la película es tal que el propio Wolf no tuvo problemas en reconocerlo. De hecho, en su secuela Who P-P-P-Plugged Roger Rabbit?(1991), escrita a raíz del éxito de la película, no dudó en utilizar el argumento de la cinta dirigida por Robert Zemeckis, reduciendo los hechos acaecidos en la novela a un sueño de Jessica Rabbit.
(cont.)
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