Retrospectiva: "Novecento", una película fundamental...

Novecento (1900) (1976), dirigida por Bernardo Bertolucci e interpretada por Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Laura Betti, Stefania Casini, Francesca Bertini, Werner Bruhns, Sterling Hayden, Anna Henkel, Burt Lancaster, Donald Sutherland, Alida Valli, Stefania Sandrelli.  un fresco histórico de extraordinaria belleza visual, a ratos épico, intimista en otros, poético siempre. 

Gérard Depardieu y Robert De Niro en Novecento (1900) (1976)

La trama: Impresionante fresco histórico que recorre la historia italiana del siglo XX a través de la historia de dos hombres que, naciendo el mismo día, pertenecen a clases sociales diferentes: Robert De Niro interpreta al hijo de un rico terrateniente y Gérard Depardieu al de uno de los obreros de su finca. Juntos vivirán experiencias sexuales en su juventud, los horrores de la Guerra en su madurez y seguirán discutiendo ya ancianos en uno de los finales más extravagantes que nunca ha tenido una película.

Donald Sutherland en Novecento (1900) (1976)

Tan irregular como poderosa, esta producción de Alberto Grimaldi cuenta con un reparto excepcional.Donald Sutherland en el papel de un fascista que dejó boquiabierto a los espectadores cuando aplasta con su cabeza a un gato y luego despedaza a un niño. Debido a su exagerada duración la película fue estrenada en dos partes. La música de Ennio Morricone y la fotografía de Vittorio Storaro están cerca de la perfección.

La saga de “Un lugar tranquilo”, de John Krasinski (I)

Aclamada saga de terror y suspense postapocalíptico centrada en la supervivencia en silencio absoluto frente a criaturas ciegas con oído ultrasensible. Iniciada por John Krasinski en 2018, la franquicia abarca tres películas destacadas por su tensión narrativa.

A continuación, la cronología de la saga:

- Un lugar tranquilo (A Quiet Place, 2018): Presenta a la familia Abbott (Emily Blunt y John Krasinski) tratando de sobrevivir en una granja, más de un año después del inicio.

- Un lugar tranquilo 2 (A Quiet Place: Part II, 2021): Continuación directa, donde la familia busca refugio fuera de su hogar, enfrentando nuevas amenazas.

- Un lugar tranquilo: Día 1 (A Quiet Place: Day One AKA A Quiet Place: Part III, 2024): Precuela que muestra el inicio de la invasión alienígena en Nueva York, dirigida por Michael Sarnoski y protagonizada por Lupita Nyong'o.

Para 2027 se espera el estreno de la tercer entrega A Quiet Place: Part III, de nuevo dirigida por John Krasinski. 

La saga destaca por el uso del sonido (y la ausencia de este) como principal herramienta narrativa, creando una atmósfera de terror constante. 

La primera de la saga fue Un lugar tranquilo (A Quiet Place, 2018), dirigida por John Krasinski e interpretada por Emily Blunt, John Krasinski, Noah Jupe, Millicent Simmonds, Cade Woodward, Doris McCarthy, Leon Russom.

La trama: Cuanto menos se sepa, mejor. Día 89 de una crisis global. Lee y Evelyn Abbot tratan de sobrevivir con sus tres retoños, aunque parecen haberse quedado solos en la Tierra, si existen más supervivientes no los han visto. Deben tener cuidado de no producir ningún ruido, pues el más mínimo sonido atrae a unos depredadores brutales… En este contexto supone una ventaja que su hija mayor, Regan, naciera sordomuda, pues pueden comunicarse entre ellos con el lenguaje de signos.

Conocido en Estados Unidos por su sarcástico personaje de The Office, John Krasinski ya tenía dos películas como realizador, la poco conocida Brief Interviews with Hideous Men, y la excelente comedia dramática Los Hollar, que presagiaba que tenía por delante una prometedora carrera en esta faceta. Después se consagró en el campo del terror, género sobreexplotado con producciones casposas, o que abusan de las vísceras y la casquería barata, dejando sin palabras a crítica y público con uno de los pocos productos originales en este terreno en lustros.

El propio autor de la cinta ha intervenido en el guión, a priori muy complicado de llevar a la pantalla, pues apenas tiene tres o cuatro diálogos, lo que quiere decir que se trata prácticamente de otra recuperación del cine mudo, al estilo de The Artist; se tienen que dar todos los datos y mantener el interés del espectador, con imágenes que apuestan por sugerir. Por ejemplo, todo lo que le ha ocurrido a la humanidad se insinúa con unos recortes de periódico, dejando mucho espacio a la imaginación. Por otro lado, los efectos de sonido están utilizados de forma modélica para crear tensión, hasta niveles angustiosos, pues cualquier cosa que suene puede poner de los nervios al respetable. Algunos momentos, como el de los niños en el granero, serán recordadas por los aficionados.

Pese a su punto de partida de producto de serie B, y a sus modestas pretensiones de entretener y poco más, incluye elementos de fábula sobre la unidad y el apoyo familiar en circunstancias extremas; en este sentido recuerda un poco a La carretera, la novela de Cormac McCarthy  llevada al cine por John Hillcoat, sobre todo su retrato alegórico del amor por los hijos, que representan la esperanza en el futuro incluso cuando todo pueda parecer perdido. Aquí pone los pelos de punta que la madre esté embarazada durante la mayor parte del metraje, pues nunca se ha visto un parto silencioso, y los bebés lloran, pero aún así se debe seguir adelante, no queda otra…

Disponer únicamente de siete actores en el reparto –cuatro que tengan peso real– trae consigo el riesgo de que deben ser todos excelentes por necesidad. El propio John Krasinski realiza un buen trabajo, aunque quizás tiene más importancia su esposa en la vida real y en la ficción, Emily Blunt, y está a la altura el pequeño Noah Jupe, inolvidable amiguete con el que se enfada el protagonista de Wonder (vaya carrerón que se ha labrado en poco tiempo). Aunque quizás la revelación sea Millicent Simmonds, vista en Wonderstruck. El museo de las maravillas, una niña que realmente padece discapacidad auditiva.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (III)

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5. E.T., el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982)

Reparto: Henry Thomas, Dee Wallace, Peter Coyote, Robert McNaughton, Drew Barrymore, Erika Eleniak, C. Thomas Howell, K.C. Martel, Sean Frye. 

La trama: Un pequeño ser de otro planeta se queda abandonado en la Tierra cuando su nave, al emprender el regreso, se olvida de él. Está completamente solo y tiene miedo, pero se hará amigo de un niño, que lo esconde en su casa. El pequeño y sus hermanos intentan encontrar la forma de que el pequeño extraterrestre regrese a su planeta antes de que lo encuentren los científicos y la policía. La historia combina ternura, descubrimiento y emoción, logrando una conexión universal basada en la inocencia y el deseo de regresar a casa.

Drew Barrymore en E. T., el extraterrestre (1982)

Curiosidades: La historia nació de una cicatriz personal: Spielberg la apoyó en el amigo imaginario que se inventó tras el divorcio de sus padres, y esa raíz explica el pulso doméstico de todo el relato. Para facilitar interpretaciones convincentes en el reparto infantil, rodó en un orden casi cronológico, de manera que cada escena llegara cuando la relación ya estaba asentada. Steven Spielberg no sería quien es si no hubiera rodado esta película. Si ya antes había sorprendido con una visión favorable de la vida más allá de la Tierra en Encuentros en la tercera fase, su siguiente película fue directamente a destrozar el mito del marciano con malas pulgas que viene a nuestro planeta para sembrar la destrucción. Disponible en Prime Video, SkyShowtime, Disney+, Movistar+, Filmin. 

6. Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984)

Reparto: Harrison Ford, Kate Capshaw, Ke Huy Quan, Amrish Puri, Roshan Seth, Dan Aykroyd, Philip Stone, Roy Chiao, David Yip, Ric Young. 

La trama: 1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras meterse en jaleos en un local nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras un accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados. Esta peligrosa misión lo arrastra a rituales oscuros, persecuciones y una de las aventuras más intensas y frenéticas de toda la saga.

Jonathan Ke Quan y Harrison Ford en Indiana Jones y el templo maldito (1984)

Curiosidades: La secuencia de la cámara de insectos fue tan real como parece: Kate Capshaw aceptó rodar cubierta por más de dos mil insectos vivos y, para vencer el miedo inicial, tomó sedantes antes de entrar en el set. Ella misma reconoció que le ayudaron a dar el paso. Se trata de la película con más elementos fantásticos de la serie de Indiana Jones. Las escenas se suceden a una velocidad de vértigo en varios continentes distintos. El sentido del humor es un elemento constante, y está reforzado por la presencia del joven Jonathan Ke Quan. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify. 

7. El color púrpura (The Color Purple, 1985)

Reparto: Danny Glover, Whoopi Goldberg, Margaret Avery, Oprah Winfrey, Willard E. Pugh, Dana Ivey, Akosua Busia, Laurence Fishburne, Desreta Jackson, Adolph Caesar, Rae Dawn Chong, Leonard Jackson, Bennet Guillory, Carl Anderson, John Patton Jr., Susan Beaubian, James Tillis, Phillip Strong. 

La trama: Principios del siglo XX. Historia ambientada en Estados Unidos, en el sur rural. Whoopi Goldberg interpreta a una joven muchacha negra, obligada por su padre a casarse con un hombre odioso al que no quiere. Sólo encuentra consuelo en su hermana, a quien escribe puntualmente, aunque sus cartas de respuesta sean retenidas por su malvado marido. Un viaje emocional que combina dolor y esperanza con una sensibilidad profunda.

Whoopi Goldberg en El color púrpura (1985)

Curiosidades: La respuesta inicial fue un no: Spielberg se veía inseguro, dudaba de su mirada para retratar el Sur profundo y sentía que la historia pedía otra voz. Quincy Jones le desmontó el miedo con una frase perfecta, recordándole que no hacía falta “ser un extraterrestre” para dirigir a uno, y ese empujón lo metió de lleno en la película. Algunas escenas han pasado a la historia del cine, por su maestría y sutileza. Está basada en la novela homónima de Alice Walker, ganadora del Premio Pulitzer. A pesar de contar con un montón de nominaciones al Oscar, el film se fue sin ninguna estatuilla a casa, era la época en que no se toma muy en serio a Spielberg. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify.

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Citas de cine…

 “O mueres como un héroe o vives lo suficiente para verte convertido en un villano”.

Jonathan Nolan

Sugiere que la integridad es difícil de mantener con el tiempo y que, si se vive demasiado, las buenas personas pueden corromperse o ser vistas como villanos. Harvey Dent representa al héroe que intenta salvar Gotham, pero al sobrevivir a sus traumas, se convierte en el villano Dos Caras.

El personaje de Harvey Dent (Dos Caras), interpretado por Aaron Eckhart, fue el encargado de pronunciar estas palabras, y lo hizo en El Caballero Oscuro (2008), película sobre Batman que dirigió Christopher Nolan. Una buena reflexión sobre la corrupción del idealismo y la fragilidad de la reputación humana.

Retrospectiva: “La batalla de Argel”, una obra maestra del cine bélico

Hoy traemos a colación un joya del cine bélicoLa batalla de Argel (La battaglia di Algeri, 1966), de Gillo Pontecorvo e interpretada por Jean Martin, Yacef Saadi, Brahim Haggiag, Fusia El Kader, Samia Kerbash, Ugo Paletti, Mohamed Ben Kassen, Michele Kerbash, Tommaso Neri. Reconstrucción del conflicto bélico que llevó a Argel a su independencia de Francia, repleto de espectaculares secuencias bélicas.

La trama: Se basa en la acción emprendida por los rebeldes durante la guerra de Argelia (1954-1962) contra el gobierno francés en el norte de África, la más destacada es la batalla de Argel, la capital de Argelia. Se rodó en exteriores al estilo de los noticiarios inspirados en Roberto Rossellini: en blanco y negro con un montaje de tipo documental para aumentar su sensación de autenticidad histórica, con actores en su mayoría no profesionales que habían vivido la batalla real. 

La película se centra en el luchador revolucionario Ali La Pointe durante los años comprendidos entre 1954 y 1957, cuando los guerrilleros del FLN entraron en Argel. Sus acciones fueron respondidas por paracaidistas franceses que intentaban recuperar territorio. La película, de gran dramatismo, trata sobre la organización de un movimiento guerrillero y los métodos ilegales, como la tortura, utilizados por los franceses para detenerlo. Argelia logró independizarse de los franceses, algo que Pontecorvo aborda en el epílogo de la película.

Ganadora del León de Oro en 1966 en el Festival de Venecia, recibió tres nominaciones al Oscar. Gillo Pontecorvo la rodó en blanco y negro, en las calles reales de la Casbah de Argel, con miles de extras locales y un puñado de actores no profesionales. El resultado fue tan convincente que los anuncios de la película avisaban de que las imágenes no procedían de archivos documentales. La película reconstruye los años más intensos del conflicto argelino contra la colonización francesa, entre 1954 y 1957. Pontecorvo la basó en las memorias del comandante del FLN Saadi Yacef, que además actuó en la propia película interpretando un personaje inspirado en sí mismo. 

El director pasó un mes entero haciendo pruebas antes de rodar una sola escena, usó múltiples cámaras para que las multitudes parecieran más grandes y llegó a repetir algunas tomas más de veinte veces para conseguir que los actores quedaran exhaustos. La música, firmada por Ennio Morricone, coquetea con la percusión tradicional norteafricana y las marchas militares tradicionales. Y finalmente, la película destaca por su negativa a ofrecer una perspectiva moral clara: tanto los guerrilleros del FLN como los paracaidistas franceses cometen atrocidades, y nadie hace el papel de héroe inequívoco.

En el mundo del cine, Nolan la citó como influencia cuando estrenó El caballero oscuro: La leyenda renace (The Dark Knight Rises, 2012) y Dunquerque (Dunkirk, 2017). 

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (II)

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2. Tiburón (Jaws, 1975)

Reparto: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Carl Gottlieb, Jeffrey Kramer, Susan Backlinie, Chris Rebello, Jonathan Filley, Jay Mello, Lee Fierro. 

La trama: En la costa de un pequeño pueblo del este de Estados Unidos, un enorme tiburón blanco ataca a varias personas. Por temor a los nefastos efectos que este hecho podría tener sobre el negocio turístico, el alcalde se niega a cerrar las playas y a difundir la noticia. Pero un nuevo ataque del tiburón termina con la vida de un bañista. Cuando el terror se apodera de todos, un veterano cazador de tiburones, un oceanógrafo y el jefe de la policía local se unen para intentar capturar al escualo. La tensión, la música icónica y el ritmo convirtieron esta obra en un fenómeno cultural.

Roy Scheider en Tiburón (1975)

Curiosidades: El rodaje se torció porque el tiburón mecánico, apodado Bruce, se averiaba sin descanso a causa del agua salada y los circuitos corroídos, obligando a levantar la amenaza desde la sugerencia y el fuera de campo. A esa sensación también ayudó la música de John Williams. En un principio cuando le tocó al piano el motivo de dos notas. Spielberg creyó que era una broma hasta que entendió su sentido. Disponible en Disney, Filmin, Tivify. 

3. Encuentros en la tercera fase (Close Encounters Of The Third Kind, 1977)

Reparto: Richard Dreyfuss, François Truffaut, Teri Garr, Melinda Dillon, Bob Balaban, J. Patrick McNamara, Warren J. Kemmerling, Roberts Blossom, Gene Dynarski. 

La trama: Una noche, cerca de su casa, en Indiana, Roy Neary (Richard Dreyfuss) observa en el cielo unos misteriosos objetos voladores. Desde entonces vive tan obsesionado por comprender lo que ha visto que se distancia de su esposa (Teri Garr). Encuentra apoyo en una mujer que también ha sido testigo de los mismos hechos, y juntos intentan encontrar una respuesta al misterio que ha alterado sus vidas. Al mismo tiempo, un nutrido grupo de científicos internacionales comienza a investigar las apariciones de ovnis y otros extraños fenómenos en la zona. La historia combina misterio, ciencia ficción y emoción humana en un relato sobre la necesidad de contacto.

Richard Dreyfuss en Encuentros en la tercera fase (1977)

Curiosidades: El famoso ‘saludo’ de cinco notas no fue fruto de una inspiración súbita, sino de una intensa criba: John Williams probó cientos de combinaciones y, al descubrir que en una escala cromática había alrededor de 134.000 posibles, él y Spielberg se quedaron con las 350 variantes ya compuestas hasta dar con la definitiva, pensada como un mensaje breve y memorizable. Disponible en Movistar+.

4. En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981)

Reparto: Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman, Ronald Lacey, John Rhys-Davies, Alfred Molina, Denholm Elliott, Wolf Kahler, George Harris. 

La trama: Año 1936. Indiana Jones es un profesor de arqueología, dispuesto a correr peligrosas aventuras con tal de conseguir valiosas reliquias históricas. Después de una infructuosa misión en Sudamérica, el gobierno estadounidense le encarga la búsqueda del Arca de la Alianza, donde se conservan las Tablas de la Ley que Dios entregó a Moisés. Según la leyenda, quien las posea tendrá un poder absoluto, razón por la cual también la buscan los nazis. La mezcla de humor, acción y un ritmo impecable definió un nuevo estándar para el cine de aventuras moderno.

Harrison Ford en En busca del arca perdida (1981)

Curiosidades: Spielberg recupera con esta sensacional película el espíritu de los viejos seriales de aventuras de los años 1930 y 1940. El legendario duelo del mercado se resolvió con un disparo por pura supervivencia del rodaje: la coreografía prevista exigía látigo y tempo, pero Harrison Ford estaba enfermo por una intoxicación alimentaria y no tenía fuerzas. Tras varios intentos fallidos, propuso ‘dispararle’ y Spielberg dio el visto bueno a la solución de emergencia. Disponible en Netflix, Prime Video, HBO Max, Movistar+ Ficción Total, SkyShowtime, Tivify. 

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“Máquina de guerra”, un thriller bélico de ciencia-ficción

Máquina de guerra (War Machine) es una película de acción y ciencia-ficción de 2026 dirigida, coproducida y coescrita por Patrick Hughes. Está protagonizada por Alan Ritchson, Dennis Quaid, Stephan James, Jai Courtney, Esai Morales, Keiynan Lonsdale y Daniel Webber.

Alan Ritchson en Máquina de guerra (2026)

La trama: Alan Ritchson es el principal protagonista de la cinta que dirige Patrick Hughes, la cual nos traslada a Afganistán, país que está siendo territorio de un conflicto entre los talibanes y el ejército de los Estados Unidos. Todo se va al garete cuando el sargento que interpreta Ritchson sufre la pérdida de su hermano. Consigue ser condecorado con la Estrella de Plata, pero queda totalmente marcado por el síndrome de estrés postraumático, así como una lesión de rodilla. Con el firme propósito de honrar la memoria de su hermano, dos años más tarde se presenta al proceso de selección de los Army Rangers, pero con una actitud que comienza a inquietar a sus superiores. Sin embargo, todo se tuerce cuando una máquina alienígena aparece durante la fase de reclutamiento. Todos los compañeros y candidatos de son diezmados de forma implacable por una aeronave de origen desconocido que parece impenetrable. El blindaje no puede ser atravesado por armas convencionales, por lo que el personaje de Ritchson toma el control de los supervivientes y lidera a todos para librar la batalla de sus vidas.

Alan Ritchson en Máquina de guerra (2026)

Patrick Hughes, director y coguionista con el desconocido James Beaufort, ofrecen una entretenida película de acción bélica, que no inventa la pólvora, pero que contiene bastantes escenas vistosas, especialmente las que tienen lugar en un peligroso río de aguas rápidas, que los rangers tratan de sortear con una tirolina. De algún modo combina las típicas películas de entrenamiento en academia militar con la saga Depredador, y el resultado es el apetecible

Próximo estreno: 'Buena suerte, pásalo bien, no mueras“, la mejor película de viajes en el tiempo de los últimos años

Una aventura de ciencia ficción que trae de vuelta a un director muy infravalorado. Escrita por Matthew Robinson, la historia de Buena suerte, pásalo bien, no mueras (Good Luck, Have Fun, Don't Die, 2025), dirigida por Gore Verbinski e interpretada por Sam Rockwell, Juno Temple, Michael Peña, Zazie Beetz, Haley Lu Richardson, Tom Taylor, Asim Chaudhry, Dino Fetscher. 

Sam Rockwell en Buena suerte, pásalo bien, no mueras (2025)

La trama: Una noche oscura. Un restaurante abarrotado. Un hombre con un detonador irrumpe proclamando que viene del futuro. Es la 117.ª vez que regresa con la misma misión. Antes de que se acabe el tiempo, debe reclutar a un grupo de clientes del restaurante claramente no cualificados para detener el inminente apocalipsis de la inteligencia artificial y salvar a la humanidad de los peligros de las redes sociales. ¿El problema? Todo está en su contra, desde extraños escépticos y adolescentes con el cerebro podrido hasta monstruosidades algorítmicas que escapan a su control. Pero si este grupo lo consigue, el mundo podría salir adelante. ¿O no?

Haley Lu Richardson en Buena suerte, pásalo bien, no mueras (2025)

La película plantea desde el inicio una crítica directa a la relación actual con la tecnología, las redes sociales y el desarrollo de la inteligencia artificial, señalando el temor y la incertidumbre generados por su creciente capacidad para sustituir tareas humanas. La película presenta una visión distópica en la que la sociedad aparece dominada por las pantallas y los algoritmos, utilizando la comedia y la exageración para retratar a una juventud dependiente del móvil, arrogante y despreocupada. Sin embargo, su enfoque pesimista y su insistencia en el humor reducen la profundidad del análisis, limitando la reflexión aunque ocasionalmente logra resultar graciosa. Estreno en España a partir del 10 de abril de2026.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (I)

Nacido el 18 de diciembre de 1946 en Cincinnati (Ohio, Estados Unidos), Steven Spielberg no solo es una de los directores más reconocibles del cine contemporáneo, sino también un arquitecto clave del imaginario popular: un cineasta capaz de convertir el entretenimiento en acontecimiento y, a la vez, de tensar el plano emocional cuando la historia exige otra gravedad. Desde su irrupción en la era del Nuevo Hollywood hasta su consolidación como el cineasta más taquillero de la historia, su carrera ha marcado el pulso industrial y creativo de varias generaciones, alternando el cine como gran espectáculo con un instinto narrativo que, para muchos, lo sitúa entre los grandes narradores del medio.

En términos de trayectoria y palmarés, su peso es difícil de discutir: ha ganado tres Oscar, incluidos mejor director y mejor película por La lista de Schindler y mejor director por Salvar al soldado Ryan, y su filmografía como realizador recorre más de cinco décadas de cine en permanente diálogo con el público y con la propia historia del cine. Esa continuidad también se mide en números, ha dirigido 37 películas, un recorrido que va desde Firelight hasta proyectos recientes como El día de la revelación, y que explica por qué su nombre funciona como sinónimo de evento cultural y de oficio narrativo en su forma más depurada.

1. El diablo sobre ruedas (Duel, 1971)

Reparto: Dennis Weaver, Jacqueline Scott, Eddie Firestone. 

La trama: En una carretera californiana, David Mann, un vendedor de componentes electrónicos, conduce su coche en viaje de negocios. En su camino se encuentra un camión de grandes dimensiones que avanza muy despacio. Mann lo adelanta, pero el conductor del camión vuelve a pasarlo y ralentiza la marcha. El vendedor lo adelanta por segunda vez y lo deja atrás. El camión sigue a Mann hasta una estación de servicio próxima. De vuelta a la carretera, el viajante vuelve a toparse con el camión, que le bloquea el paso cada vez quiere pasarlo. Finalmente el misterioso conductor le hace una señal para que le supere, cuando el vendedor lo intenta se encuentra con un coche que viene de frente. El viajante advierte las intenciones del conductor del camión y lo adelanta de nuevo. A partir de ese momento se inicia una peligrosa persecución en la que el vendedor se ve obligado a huir a toda velocidad para no morir. El relato convierte un viaje cotidiano en una pesadilla asfixiante que muestra el talento temprano de Spielberg para el suspense.

Dennis Weaver en El diablo sobre ruedas (1971)

Curiosidades: La película le llegó casi por casualidad: su secretaria, Nona Tyson, le plantó en la mesa un Playboy con el relato de Richard Matheson y le pidió que leyera el cuento. Él lo vio claro, se lo vendió al productor George Eckstein como material de cine y, aun así, terminó convertido en telefilme para la ABC. Sin embargo, su brillantez estética e intrigante pulso narrativo consiguieron que esta primera y barata obra de un jovencísimo Steven Spielberg fuera exhibida en la pantalla grande. Convertida hoy casi en una película de culto, se trata de un trepidante relato que narra la persecución por carretera a la que se ve sometida un conductor por parte de un misterioso camión al que no consigue perder de vista. Esta es una imprescindible primera lección de un director magistral. Disponible en Amazon Prime Vídeo, Google Play y Apple TV.

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Hace 100 años: ¿Debemos callarnos?

El 6 de abril de 2026 se estrenó la película alemana ¿Debemos callarnos? (Dürfen wir schweigen?), dirigido por Richard Oswald  e interpretado por Conrad Veidt, Walter Rilla, Henri de Vries, Mary Parker, Elga Brink, Frida Richards, Ernst Laskowski, María West, Fritz Kortner, John Gottowt, María Forescu, Else Plessner, Betty Astor, Ernst Verebes, Albert Paulig, Ernst Stammer, Bella Pollini. 

Sinopsis argumental: El reputado venereólogo Dr. Georg Mauthner recibe un mensaje de su asistente informándole que su prometida, Leonie, hija del concejal, quiere ir a la ópera con él. Sin embargo, le pide a su asistente que le diga que tiene que hacer una visita a domicilio. Unos días después, Leonie acude a la consulta y se queja con el asistente de sentirse ignorada. Finalmente, logra convencer a Mauthner para que la acompañe a una fiesta de disfraces en casa del pintor Paul Hartwig. Impresionado por ella, más tarde le pinta un retrato a petición suya. Justo cuando desea a la reticente Leonie, llega su padre. Los dos se declaran comprometidos de inmediato. Paul acude ahora a la consulta de Georg.El test de Wassermann da positivo, confirmando que Paul ha contraído sífilis. Georg le ofrece tratamiento, tras el cual podrá casarse en dos años. Sin embargo, Paul prefiere buscar tratamiento con el emprendedor profesor Miller y se casa con Leonie unas semanas después. Tras varios años, Georg se casa con su asistente y es padre de un hijo sano. Sin embargo, la hija de Paul y Leonie está enferma. Paul se desespera cada vez más y sucumbe por completo a los vicios y al alcohol. Cuando su esposa Leonie fallece a causa de su enfermedad, Georg acoge a Inge, la hija de Paul, en su guardería. Años después, Paul trabaja como pintor de casas en una obra. El hijo de Georg está enamorado de Inge, la hija de Paul, que ya es adulta. Inge goza de buena salud, pero Georg sigue considerando a su hijo demasiado joven para casarse y lo envía a la universidad. Paul se desmaya en un bar subterráneo mientras bebe aguardiente, lo llevan al hospital y pide ver al Dr. Mauthner. Georg contacta con su hija y, tras asegurarle a Paul que está sana, este puede fallecer en paz.

Comentario:  Es una nueva versión de la primera parte de la exitosa serie de películas de Oswald ¡Que se haga luz! (Es werde Licht! 1. Teil, 1917). De la película original de 2686 metros (89 minutos) de duración, solo quedan 1241 metros (47 minutos). La película fue reconstruida por el Archivo Cinematográfico de los Archivos Federales Alemanes utilizando versiones rusas y francesas que se conservaban. Allí se almacena una copia digital; tiene una duración de 1 hora y 47 minutos.

Volvimos a ver “Los pacientes de un psiquiatra en apuros”…

…Y nos encantó Dan Aykroyd en esta película tan disparatada comedia de 1988, el actor interpreta a un estafador que finge estar loco, pero también ser psiquiatra… Y aunque está llena de cosas inverosímiles, es entretenida de ver.

¿Nunca ha oído hablar de esta película? Los pacientes de un psiquiatra en apuros (The Couch Trip), dirigida por Michael Ritchie, que narra como el célebre terapeuta sexual George Maitlin sufre una crisis nerviosa necesita urgentemente un psiquiatra que lo sustituya en su programa de radio. Por su parte, John Burns, que necesita una nueva identidad, pues se ha fugado del centro psiquiátrico de la prisión de Cicero, ocupa el puesto de Maitlin en y obtiene un éxito insospechado con sus descabellados consejos.

Es bastante normal. Se dijo de ella: “A menudo nos reímos de la representación de esta América desorientada donde los más locos no son quienes pensamos", “Un entretenimiento agradable que, sin embargo, no pasará a la historia del cine". Incluso treinta y ocho años después, ahora que Prime Video la rescata del olvido, no es fácil encontrarla: escriba su título en la barra de búsqueda de la plataforma, lo más probable es que no encuentre nada. A veces tiene que usar un navegador diferente… 

Cinco películas de Paul Thomas Anderson que hay que ver (II)

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3. The Master (2012)

La trama: Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones, crea una organización religiosa que empieza a hacerse popular en Estados Unidos hacia 1952. Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convierte en su mano derecha. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer a numerosos y fervientes seguidores, a Freddie le surgirán dudas. La tensión entre ambos es el eje de esta pieza psicológica.

Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman en The Master (2012)

Comentario: Drama sobre la Iglesia de la Cienciología. La prensa destacó el "duelo actoral de titanes". Es una película densa, visualmente bellísima (filmada en 70mm) y críptica, que requiere de varios visionados para desentrañar todas sus capas. Disponible en Amazon Prime Video y Movistar TV.

4. El hilo fantasma (Phantom Thread, 2017)

La trama: En el Londres de la posguerra, en 1950, el famoso modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Lesley Manville) están a la cabeza de la moda británica, vistiendo a la realeza y a toda mujer elegante de la época. Un día, el soltero Reynolds conoce a Alma (Vicky Krieps), una dulce joven que pronto se convierte en su musa y amante. Y su vida, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada, se ve alterada por la irrupción del amor. Lo que parece un drama romántico tradicional pronto se transforma en un juego de poder gótico y retorcido.

Vicky Krieps y Daniel Day-Lewis en El hilo invisible (2017)

Comentario: Fue aplaudida por su elegancia y sutileza. Los críticos señalaron que es la película más "madura" de Anderson, donde el diseño de vestuario y la música son tan protagonistas como los diálogos. Disponible en Apple TV+ y Google TV

5. Licorice Pizza (2021)

La trama: En 1970, San Fernando Valley, Los Ángeles. Gary es un adolescente de 15 años que estudia en el instituto de la ciudad, donde conoce a Alana, una joven judía de 25 años que trabaja en un estudio de fotos que se encarga de realizar cada año la orla de los estudiantes del centro. Cuando Gary y Alana se cruzan por primera vez, rápidamente surge una conexión entre ellos que será muy difícil de romper. Mientras tratan de descubrir hacia donde les lleva esta nueva amistad, Gary poco a poco se va enamorando más de ella, pero la diferencia de edad será una barrera que Alana no dejará a un lado. Va pasando el tiempo y Gary y Alana irán formando parte de la vida del otro de alguna manera, desde ser socios de un negocio de camas de agua hasta cómplices de vandalismo. 

Alana Haim y Cooper Hoffman en Licorice Pizza (2021)

Comentario: Una carta de amor a la juventud y a los años 1970. Es, quizás, la película más luminosa y accesible del director. Recibida como una bocanada de aire fresco. La crítica resaltó la química natural de sus protagonistas (ambos debutantes en cine) y la capacidad de Anderson para capturar la nostalgia sin caer en clichés. Disponible en Amazon Prime Video.

Efemérides de cine: Cara a cara al desnudo

El 5 de abril de 1976 se estrenó la película sueca Cara a cara al desnudo, también conocida como Cara a Cara (Ansikte mot ansikte), dirigida por Ingmar Bergman e interpretada por Liv Ullmann, Erland Josephson, Aino Taube, Gunnar Björnstrand, Sif Ruud, Sven Lindberg, Tore Segelcke, Kari Sylwan, Ulf Johanson, Gösta Ekman, Kristina Adolphson, Marianne Aminoff, Gösta Pruzelius, Birger Malmsten, Göran Stangertz, Rebecca Pawloy, Lena Olin. Productora: Cinematograph AB, Sveriges Radio Productions. Duración: 136 minutos. 

Sinopsis argumental: ¿Quién no ha sentido alguna temporada una enorme angustia y ansiedad sin causa aparente?. En esta película, el maestro sueco Ingmar Bergman establece un paralelismo entre su vida y la de Jenny Isaksson, una joven psiquiatra, acusada por uno de sus pacientes de necesitar tratamiento por su imposibilidad de expresar amor. Jenny se muda a casa de sus abuelos que la criaron cuando perdió a sus padres y allí, su autocontrol empieza a resquebrajarse. La depresión y alucinaciones la llevarán a intentar suicidarse. Solución no recomendable.

Nominaciones y premios: Premios Oscar: Nominada a mejor director y mejor actriz (Liv Ullmann); Globos de oro: Mejor película extranjera. 2 nominaciones; Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz (Liv Ullmann); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Liv Ullmann); Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Ullmann) y película extranjera

Comentario: Dramática cinta, en que Bergman se debate angustiado ante cuestiones dolorosas para las que no encuentra respuesta. Liv Ullmann, una de sus actrices fetiche, ofrece un trabajo memorable. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.