Efemérides de cine: Todos los hombres del presidente

El 4 de abril de 1976 se estrenó la película estadounidense Todos los hombres del presidente (All the President's Men), dirigida por Alan J. Pakula e interpretada por Robert Redford, Dustin Hoffman, Jack Warden, Jason Robards, Martin Balsam, Hal Holbrook, Jane Alexander, Neva Patterson, Stephen Collins, Robert Walden, Ned Beatty, Meredith Baxter, Penny Fuller, John McMartin, Frank Wills, Richard Venture, James Karen, Dominic Chianese, Gene Dynarski, Richard Herd, David Arkin, F. Murray Abraham. Productora: Wildwood Enterprises, Warner Bros. Duración: 136 minutos. 

Sinopsis argumental: En 1972, dos jóvenes periodistas del diario The Washington Post, Bob Woodward (Robert Redford) y Carl Bernstein (Dustin Hoffman), comienzan a investigar lo que parece ser un simple allanamiento del cuartel general del Partido Demócrata en Washington. Sus descubrimientos desencadenan el llamado 'caso Watergate', que provocó la dimisión del presidente Richard Nixon. 

Nominaciones y premios: 4 Oscar: Secundario (Robards), guion ad., dir. artística, sonido. 8 nominaciones; Globo de Oro: 4 nominaciones a drama, director, actor secundario, guion; Premios BAFTA: 10 nominaciones incluyendo película, director y actor (Hoffman); Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, director y actor sec. (Robards); National Board of Review: Película, director, secundario (Robards), Top 10; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director. 

Comentario: El especialista en thrillers políticos Alan J. Pakula adapta el libro homónimo, en el que los propios Bernstein y Woodward exponen su investigación. Se trataba de un film muy difícil, porque Pakula corría el riesgo de que el espectador se perdiera en un mar de datos, pero el cineasta filma con fuerza, aprovecha el carisma de sus protagonistas y secundarios, y exprime el inteligente guión de William Goldman, que resume con maestría el asunto. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Kiki

El 4 de abril de 1926 se estrenó la película estadounidense Kiki, dirigida por Clarence Brown e interpretada por Norma Talmadge, Ronald Colman, Gertrude Astor, Marc McDermott, George K. Arthur, William Orlamond, Erwin Connelly. Productora: Norma Talmadge Film Corporation. Duración: 108 minutos. 

Sinopsis argumental: Kiki se gana la vida vendiendo periódicos por las calles de París. Cuando se entera que una chica del coro ha sido despedida de la revista Folies Barbes dirigida por Víctor Renal, encuentra un camino para realizar su sueño y solicita el trabajo. Kiki se gasta todo su dinero en comprar ropa adecuada, pero es expulsada de la prueba ya que no ha sido recomendada por la Agencia de colocación. Pero no ceja en su empeño. Mientras está en la sala esperando para otra prueba, es confundida con la secretaria de Renald por una solicitante de la Agencia, quien le da a Kiki su carta de recomendación. Ésta se apropia de la carta y se la presenta a Renald, quien le procura otra audición... 

Comentario: Disparatada comedia del cine mudo según una obra de teatro de André Picard, que volvería a ser llevada al cine en 1931 en una versión interpretada por la mismísima Mary Pickford.  La película tuvo algunos cambios con respecto a la obra original, si bien el ritmo de comedia de Clarence Brown resulta tan brillante que apenas el público se dio cuenta de ello. A destacar la buena coreografía existente en los números de baile.

Hace 100 años: Los bateleros del Volga

El 4 de abril de 1926 se estrenó la película estadounidense Los bateleros del Volga (The Volga Boatman), dirigida por Cecil B. DeMille e interpretada por William Boyd (II), Elinor Fair, Robert Edeson, Julia Faye, Theodore Kosloff, Arthur Rankin, Gino Corrado, Eugene Pallette. Productora: DeMille Pictures Corporation. Duración: 120 minutos. 

Sinopsis argumental: En la Rusia zarista, los bateleros del Volga viven una vida dura, caminando arriba y abajo por el río, por la orilla del agua, arrastrando pesadas cargas. Un día, mientras el príncipe Dimitri y su prometida, la princesa Vera, se detienen para que les echen la suerte en un campamento tártaro a lo largo del río, se encuentran con un grupo de bateleros que están descansando un poco. Uno de ellos, el osado Fiódor, provoca una confrontación hostil con los dos aristócratas. Más tarde, cuando estalla la Revolución, Fiódor se convierte en un líder en el Ejército Rojo, y encuentra de nuevo a Dimitri y Vera, sólo que esta vez con estacas más grandes. 

Comentario: Basada en la novela de Konrad Bercovici, es el trigésimo novena película dentro de la filmografía de Cecil B.DeMille que ya venía de rodar una de sus obras más populares, Los diez mandamientos (1923). 

Películas de la semana: 1 de abril

Noche de bodas 2

Título original: Ready or Not 2: Here I Come. Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 108 minutos. Género: Thriller. Terror. Intriga. Comedia. Secuela. Comedia negra. Slasher. Familia. Interpretación: Samara Weaving, Kathryn Newton, Sarah Michelle Gellar, Shawn Hatosy, Elijah Wood, Kevin Durand, David Cronenberg, Nestor Carbonell, Olivia Cheng, Dan Beirne. Guion: Guy Busick, R. Christopher Murphy. Producción: James Vanderbilt. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Productora: Searchlight Pictures, Vinson Films, Radio Silence, Mythology Entertainment. Distribuidora: Walt Disney Pictures. Estreno en España: 1 de abril de 2026. Sinopsis: Momentos después de sobrevivir a un ataque de la familia Le Domas, Grace descubre que ha alcanzado el siguiente nivel del juego, y esta vez acompañada por su hermana Faith, con quien mantiene una relación distante. Grace tiene una oportunidad para sobrevivir, mantener con vida a su hermana y reclamar el Alto Trono del Consejo que controla el mundo. Cuatro familias rivales la persiguen para hacerse con el trono, y quien gane lo gobernará todo. Es la secuela del aclamado thriller de horror y comedia negra Noche de bodas (Ready or Not, 2018). 

Lapönia

Dirección: David Serrano. País: España. Año: 2026. Duración: 89 minutos. Género: Comedia. Drama. Familia. Navidad. Interpretación: Natalia Verbeke, Julián López, Ángela Cervantes, Vebjørn Enger. Guion: Cristina Clemente, Marc Angelet. Obra: Cristina Clemente, Marc Angelet, Jordi Casanovas. Música: Joan Martorell. Fotografía: Joan Bordera. Productora: The MediaPro Studio, Movistar Plus+, RTVE, 3Cat. Distribuidora: A Contracorriente Films. Premios y nominaciones: Festival de Málaga: Nominada a Mejor película - Biznaga de Oro. Estreno en España: 1 de abril de 2026. Sinopsis: Después de varios años sin celebrar las fiestas juntas, Nuria (Ángela Cervantes), asentada en Laponia junto a su marido Olavi (Vebjørn Enger) y su hija, decide invitar a su hermana Mónica (Natalia Verbeke), a su marido (Julián López) y al hijo de ambos a celebrar una Navidad de ensueño en su casa de Romanievi. El plan se presenta perfecto hasta que la hija de Nuria le cuenta a su primo pequeño la verdad sobre la existencia de Papá Noel. La que estaba destinada a ser la más especial de las navidades, se convierte de golpe en una batalla campal entre hermanas, cuñados y primos. Una noche que sacará a relucir secretos inconfesables en medio de un debate sobre qué es más adecuado, si contar la verdad a toda costa o mantener la ilusión, aunque sea a base de mentiras.

Calle Málaga

Dirección: Maryam Touzani. País: Marruecos. Año: 2025. Duración: 116 minutos. Género: Drama. Vejez. Madurez. Familia. Maternidad. Interpretación: Carmen Maura, Marta Etura, Ahmed Boulane, María Alfonsa Rosso, Miguel Garcés. Guion: Maryam Touzani, Nabil Ayouch. Música: Franziska Henke. Fotografía: Virginie Surdej. Productora: Coproducción Marruecos-España-Francia-Alemania-Bélgica; Les films du nouveau monde, Mod Producciones, ONE TWO Films, Velvet Films, Ali n' Productions, Pyrene Films. Distribuidora: Caramel Films. Premios y nominaciones: Festival de Venecia: Premio del Público; Festival Internacional de Mar del Plata: 3 premios; Festival de Málaga: Nominada a mejor película - Biznaga de Oro; Festival de Göteborg: Mejor film internacional; Seleccionada por Marruecos como candidata al Oscar 2026 a Mejor Película Internacional. Estreno en España: 1 de abril de 2026. Sinopsis: María Ángeles (Carmen Maura) es una española de 79 años que vive sola en Tánger, en el norte de Marruecos, donde disfruta de su ciudad y de su vida diaria. Su vida da un giro cuando su hija Clara (Marta Etura) llega desde Madrid para vender el apartamento en el que siempre ha vivido. Decidida a quedarse en la ciudad que la vio crecer, hará todo lo posible para mantener su hogar y recuperar los objetos de toda una vida. Por el camino, redescubre, contra todo pronóstico, el amor y el deseo.

La Grazia

Dirección: Paolo Sorrentino. País: Italia. Año: 2025. Duración: 133 minutos. Género: Drama. Comedia. Comedia dramática. Política. Interpretación: Toni Servillo, Anna Ferzetti, Orlando Cinque, Massimo Venturiello, Milvia Marigliano, Giuseppe Gaiani, Giovanna Guida, Linda Messerklinger, Vasco Mirandola, Rufin Doh Zeyenouin, Alexandra Gottschlich, Simone Colombari, Roberto Zibetti. Guion: Paolo Sorrentino. Producción: Paolo Sorrentino. Fotografía: Daria D'Antonio. Productora: Fremantle, The Apartment, Numero 10, PiperFilm. Distribuidora: MUBI. Premios y nominaciones:  Festival de Venecia: Copa Volpi - Mejor actor. 2 nominaciones; Premios del Cine Europeo (EFA): 2 nominaciones; Festival de Chicago: Mejor guion - Hugo de plata. Estreno en España: 1 de abril de 2026. Sinopsis:  El presidente (ficticio) de la República Italiana, Mariano de Santis, afronta sus últimos seis meses de mandato. Jurista de profesión, De Santis es un hombre que se toma su tiempo para tomar decisiones, por lo que es tachado de inmovilista y es conocido con el apodo de “Cemento armado”. Vive con su hija Dorotea, su mano derecha en terrenos legales y jurídicos, y mantiene una cierta relación amistosa con el Papa. En sus últimos coletazos como presidente habrá que decidir sobre dos cuestiones sobre las que se siente presionado: firmar la ley de eutanasia (contra la que tiene muchas reticencias por ser católico) y conceder el indulto a dos asesinos.

Noise (Ruidos)

Título original: Noijeu. Dirección: Kim Soo-jin. País: Corea del Sur. Año: 2024. Duración: 95 minutos. Género: Terror. Thriller. Sobrenatural. Interpretación: Lee Sun-bin, Han Soo-a, Kim Min-Seok, Ryu Kyung-Soo, Jeon Ik-ryeong, Lee Hyoung-hoon, Baek Joo-Hee. Guion: Lee Je-hui. Fotografía: Hong-Gyu Jeon. Productora: Fine Cut, BY4M Studio, KC Ventures. Distribuidora: Marmitako Films. Premios y nominaciones: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película (Sección Panorama);  Blue Dragon Film Awards (Corea del Sur): 3 nominaciones. Estreno en España: 1 de abril de 2026. Sinopsis: Ju-young, una mujer con discapacidad auditiva, recibe la inquietante noticia de que su hermana menor, Ju-hee, ha desaparecido sin dejar rastro. Al ir a preguntar a los vecinos de su hermana, todos reaccionan histéricamente, suplicando paz y tranquilidad. Los vecinos permanecen extrañamente callados por la noche, y una presencia extraña aparece ante Ju-young. Pronto, se ve acosada por sonidos inexplicables que atraen una presencia malévola relacionada con la desaparición de su hermana…

Super Mario Galaxy: La película

Título original: The Super Mario Galaxy Movie. Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic. País: Estados Unidos. Año: 2026. Duración: 98 minutos. Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Cine familiar. Videojuego. Secuela. Reparto: Animación. Guion: Matthew Fogel. Videojuego: Nintendo, Shigeru Miyamoto. Música: Brian Tyler. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Estados Unidos-Francia-Japón; Illumination Entertainment, Nintendo, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 1 de abril de 2026. Sinopsis: Los fontaneros neoyorquinos Mario y Luigi, inseparables hermanos, se han gastado todo su dinero en un anuncio televisivo para promocionar su negocio. Por desgracia, su primer encargo profesional acaba en desastre por culpa de un perro enojado. Cuando un escape de agua está a punto de inundar la ciudad, ambos acuden para tratar de solucionar la situación, piensan que aparecer como héroes en las noticias promocionará su trabajo. Mientras rastrean el origen del problema se verán absorbidos por un portal oculto en una tubería que les transportará a un reino mágico, poblado de champiñones parlantes, regidos por Peach, una princesa humana. Están a punto de invadir el lugar las tropas de la malvada tortuga Bowser. Secuela de Super Mario Bros: La película', basada en la saga Mario Galaxy. 

“Licorice Pizza”: ¿Por qué quedarse sin gasolina es la secuencia más brillante de la película de Paul Thomas Anderson?

Un repaso a una secuencia magistral donde los dos héroes de la película, Alana y Gary, se suben a un camión para escapar de un villano (interpretado por Bradley Cooper)... que conduce marcha atrás. Licorice Pizza está disponible en Prime Video y HBO Max.

Es imposible olvidar la persecución final de coches en Una batalla tras otra (One Battle After Another, 2025). La carretera sube y baja, haciendo que los coches desaparezcan como "veleros engullidos por las olas". Recuerda a otra secuencia de Paul Thomas Anderson, esta vez sin colisión, en Licorice Pizza (2021) . Recapitulemos la historia. Gary Valentina (15) y Alana Kane (25) se aman pero no están juntos. Porque ella se niega a estar con él y porque los giros y vueltas de la vida siempre han retrasado su unión. Un día, entregan una cama de agua king-size a una villa en el Valle de San Fernando, en las colinas sobre Los Ángeles. Se topan con Jon Peters, el productor de Barbara Streisand, interpretado por Bradley Cooper. Drogado con cocaína, es tan odioso y amenazante que Gary se venga inundando su sala de estar y luego destrozando su Ferrari. Mientras huyen, se quedan sin gasolina. Aquí es donde comienza la secuencia brillantemente original, gracias al suspense que crea y a su riqueza simbólica.

Alana Haim y Cooper Hoffman en Licorice Pizza (2021)

Alana está al volante. Y no cualquier automóvil sino de un enorme camión de reparto. Ya hemos visto que se siente cómoda al volante. Entonces, ¿qué hace? ¡Deja que el vehículo ruede... marcha atrás! Un descenso vertiginoso desde las empinadas colinas. Sin motor, sin potencia ruidosa. Un sensual slalom en la sinuosa cinta de asfalto. Los ojos de Alana pegados a los dos espejos retrovisores. Cualquier otro cineasta le habría añadido música. No Anderson. Es en un majestuoso silencio nocturno, interrumpido solo por el chirrido de los neumáticos en las curvas, que el sigiloso vehículo acelera. Un cruce donde la carretera vuelve a ascender le da a la conductora la oportunidad de volver a la marcha adelante y continuar el descenso a gran velocidad, saltarse una señal de stop y terminar el recorrido sin problemas en Ventura Boulevard. 

Alana Haim y Cooper Hoffman en Licorice Pizza (2021)

Esta pieza magistral revela el coraje, la responsabilidad y la fuerza de Alana, pero también su rendición de cuentas. Aún se está recuperando de lo que ha hecho. Vean la siguiente escena. Amanece, está en la acera, abatida. A lo lejos, ve a Gary y a sus hermanos excitándose al imitar actos sexuales. Detrás de ella, Jon Peters reaparece, rompe el escaparate de una tienda, choca con dos jóvenes y las confronta de inmediato. Fanfarronería, machismo, violencia. Es precisamente en oposición a todo esto que el hada de la nariz divina ha huido en la noche.

Para ver: “Silentium”, una película tunecina que denuncia la violencia contra las mujeres

Silentium (2025), de Nidhal Chatta con Mohamed Dahech, Rym Hayouni, Abdelmonem Chouayet, Lamine Belkhodja, Basma El Euchi, Oumaima Bahri, Fatma Felhi, Maissa Ouesleti, Yasmine Hkiri, Lotfi Abdelli, Kadhem Nadim, Karim Akrimi, Anis Manai, Mhirsi Aymen, Haythem Mhamdi, Racem Haj Kacem, Baha Lazzem, Lotfi Kasdalli, Kien Chatta.

La trama: Túnez. Malek vive sola en la planta baja de un edificio antiguo y aislado junto al mar. Al caer la noche, las violentas discusiones que oye tras la puerta cerrada de sus vecinos la sumen en ataques de pánico. Atormentada por oscuros recuerdos, se convence de que un monstruo habita en su edificio...

Con una voz en off literaria que lastra la historia, esta película, con sus loables intenciones, explota hábilmente su belleza decadente. Sin embargo, es durante una huida cuando la tensión alcanza su punto álgido, concretamente en la comisaría, donde el testimonio de una víctima de violación se convierte en un interrogatorio humillante. La lucha continúa, y Silentium desempeña su papel.

Cinco películas de Paul Thomas Anderson que hay que ver (I)

Paul Thomas Anderson se consolidó como uno de los directores más audaces y técnicamente dotados de su generación. Sus historias no suelen ser complacientes: exploran la soledad, el poder, las familias disfuncionales y esa búsqueda incansable de pertenencia en un mundo que parece siempre a punto de desmoronarse. 

1. Magnolia (1999)

La trama: Un mosaico ambicioso de vidas cruzadas en el Valle de San Fernando, en Los Ángeles: un niño prodigio, el presentador de un concurso de televisión, un ex-niño prodigio, un moribundo, su hijo perdido, la mujer y el enfermero del moribundo. Son historias aparentemente independientes, pero que guardan entre sí una extraña relación. A través de nueve tramas que convergen de forma casi mística, Anderson explora el perdón y las coincidencias imposibles.

Tom Cruise en Magnolia (1999)

Comentario: Fue celebrada como una obra maestra del exceso emocional. Aunque su duración y su final surrealista dividieron las opiniones, la prensa destacó su valentía narrativa y una banda sonora de Aimee Mann que funciona como el corazón latente de la película. La actuación de Tom Cruise como un gurú de la seducción es, para muchos, la cima de su carrera. Disponible en Apple TV+ y Google TV.

2. Pozos de ambición (There Will Be Blood, 2007)

La trama: Texas, principios del siglo XX. Una historia sobre la familia, la avaricia y la religión. Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) se traslada a una miserable ciudad con el propósito de hacer fortuna, pero, a medida que se va enriqueciendo, sus principios y valores desaparecen y acaba dominado por la ambición. Tras encontrar un rico yacimiento de petróleo en 1902, se convierte en un acaudalado magnate. Cuando, años después, intenta apoderarse de un nuevo yacimiento, tiene que enfrentarse al predicador Eli Sunday (Paul Dano). 

Daniel Day-Lewis en Pozos de ambición (2007)

Comentario: Adaptación de la novela de Upton Sinclair Petróleo, escrita en 1927. Daniel Day-Lewis interpreta a Daniel Plainview, un minero convertido en magnate petrolero cuya ambición lo consume por completo. Es una épica oscura sobre el nacimiento del capitalismo moderno y el enfrentamiento entre la fe y el dinero. Considerada unánimemente como una de las mejores películas del siglo XXI. Los especialistas alabaron la dirección milimétrica de Paul Thomas Anderson y la atmósfera opresiva lograda por la música de Jonny Greenwood (Radiohead). Disponible en Netflix y Movistar TV. 

(cont.)

Retrospectiva: Cuando el alba se tiñe de rojo

Cuando el alba se tiñe de rojo (A Man Called Gannon, 1968), dirigida por James Goldstone e interpretada p Anthony Franciosa, Michael Sarrazin, Judi West, Susan Oliver, John Anderson, David Sheiner, James Westerfield, Gavin MacLeod, Eddie Firestone, Ed Peck. Basada en la novela Man without a Star publicada en 1952 por Dee Linford. Llevada al cine en 1955 con el mismo título (en España, La pradera sin ley), dirigida por King Vidor y protagonizada por Kirk Douglas.

La trama: Gannon, un cowboy errante con gran pericia con el revólver, salva de una acusación de homicidio a un joven llamado Jess. Éste, atraído por la personalidad del vaquero, decide acompañarle en sus aventuras. Juntos se instalan en una nueva ciudad donde Jess empieza a trabajar como capataz en un rancho propiedad de una amiga de Gannon. Sin embargo, la amistad de los dos hombres será puesta a prueba cuando la jefa de Jess intente cercar un terreno utilizado como pasto por otros ganaderos, algo a lo que Gannon se opondrá.

Correcta y entretenida muestra de película del oeste, con uno de los temas clave del género, las luchas derivadas de las tierras abiertas y el ganado. Los protagonistas están convincentes, sobre todo un Tony Franciosa que da muestras de su carisma en pantalla. Fue elaborado en la época en que Hollywood intentó reactivar el género tras el éxito en Europa de las películas del oeste de Sergio Leone y Clint Eastwood.

Para ver: "Les Chaillées de l'enfer", la vida en el viñedo

The Hills of Wrath (Les Chaillées de l'enfer, 2025), de Léo Boudet. Reparto documental. Su primer largometraje documental, se estrenó mundialmente en el Millennium Docs Against Gravity de Polonia. 

La trama: Esta ópera prima del director francés Léo Boudet nos sumerge en el corazón de una tierra ancestral, las viñas del valle del Ródano, donde se cultivan los prestigiosos vinos de Condrieu y Côte-Rôtie. A lo largo de un año entero, la película retrata el duro trabajo del equipo de Christine Vernay, reconocida enóloga que elabora algunos de los mejores vinos de la actualidad -varias veces galardonados con 100 puntos en la lista de Robert Parker-, que lucha contra las duras condiciones climáticas y los desafíos cotidianos para sacar adelante la cosecha. 

La prodigiosa banda sonora de Alexandre Desplat -ganador de dos premios Oscar a mejor banda sonora por El gran hotel Budapest (2015) y La forma del agua (2018)- conduce este delicado documental sobre la paciencia, el amor por la tierra, la situación actual de los agricultores y el compromiso con la producción de vinos ecológicos en tiempos de crisis medioambiental.

Películas que mejoraron el libro en el que se basan (VII)

(cont.)

Una batalla tras otra (One Battle After Another, 2025)

Thomas Pynchon es uno de los escritores más prestigiosos de la literatura contemporánea. Se trata, además, de un personaje fascinante, ya que rehuye el foco mediático de manera constante y sus obras son tan complejas y profundas que requieren de una lectura concienzuda para poder ser comprendidas. Su figura lleva décadas fascinando a propios y extraños, entre ellos al director de cine Paul Thomas Anderson. De hecho, aunque durante años las novelas de Pynchon se han considerado inadaptables al cine, este ya llevó a la pantalla Puro vicio en 2014. Aunque, sin duda, ha logrado cuadrar el círculo con Una batalla tras otra. 

Leonardo Di Caprio en Una batalla tras otra (2025)

Para ello, eso sí, ha tenido que tomar varias decisiones drásticas. La ganadora al Oscar a la mejor película de 2026 es, en realidad, una adaptación muy pulida de Vineland (1990). Básicamente, Una batalla tras otra es un gran ejercicio de síntesis, que si bien recoge todas las ideas planteadas por el escritor en el libro, consigue reordenarlas para construir una historia mucho más comprensible y depurada. Las actuaciones soberbias de Leonardo Di Caprio, Benicio del Toro, Teyana Taylor y Sean Penn, éste último también galardonado con un Oscar, hacen el resto. 

“Wild Horse Nine”, la nueva película

Escrita y dirigida por Martin McDonagh y Que reúne a John Malkovich y Sam Rockwell en una intriga ambientada en la Isla de Pascua y la historia chilena.

El estudio fijó la fecha de estreno exclusivo en cines internacionales para el 6 de noviembre de 2026, una marca relevante que consolida el retorno de McDonagh al largometraje tras “Los espíritus de la isla”, su colaboración previa con Blueprint Pictures y Film4. La distribuidora no ha confirmado fechas para su lanzamiento en cines nacionales.

La producción de Wild Horse Nine se ha presentado como una comedia dramática oscura que explora la zona de contacto entre el thriller político y el humor a través del seguimiento de dos agentes de la CIA, Chris y Lee, interpretados por John Malkovich y Sam Rockwell, enviados a Rapa Nui en los días inmediatos al golpe de Estado en Chile de 1973. El elenco se completa con Steve Buscemi, Mariana di Girolamo, Ailín Salas, Tom Waits y Parker Posey. Entre los elementos de industria destacados se cuenta la participación local de la productora chilena Fabula y el respaldo de los habitantes de la isla, quienes aportaron asesoría en el rodaje y validaron acuerdos de filmación.

La película marca la tercera colaboración consecutiva de McDonagh con Searchlight Pictures y Blueprint Pictures, después de un ciclo que incluyó “Tres anuncios por un crimen” (2017) y “Los espíritus de la isla” (2022), esta última nominada a nueve Premios de la Academia®. El propio director indicó que la producción de “Wild Horse Nine” se realizó el año pasado en Rapa Nui, una decisión motivada por la experiencia personal de un viaje que realizó a la isla trece años atrás.

La trama de Wild Horse Nine sitúa la acción “poco antes del golpe de Estado chileno de 1973”, e incorpora elementos de espionaje y conspiración a partir de la orden de MJ (Steve Buscemi) que destina a Chris y Lee desde Santiago hacia la Isla de Pascua. En diálogo con Vanity Fair, McDonagh describió la ambientación como “una meditación sobre la memoria, el legado y las consecuencias de las propias acciones bajo la sombra de la historia”. El director remarcó que los paisajes y los moáis en la isla funcionan como “un eco visual de los temas de la película”.

 estructura narrativa combina episodios de humor negro, relaciones tensas y una progresiva complejidad entre los personajes principales y las estudiantes rebeldes encarnadas por Mariana di Girolamo y Ailín Salas. El tráiler del filme anticipa escenas grabadas en ubicaciones emblemáticas de Santiago, incluyendo el Palacio de la Moneda antes de su bombardeo, la Plaza de Armas y referencias visuales a la extinta aerolínea LAN CHILE. Esta aproximación refuerza el abordaje de McDonagh sobre cómo las decisiones políticas impactan tanto en el paisaje natural como en la psicología de sus protagonistas.

Para ver: "Ato noturno", erótico y queer

Ato noturno (2025), de Filipe Matzembacher y Marcio Reolon e interpretada por Gabriel Faryas, Cirillo Luna, Henrique Barreira, Ivo Müller, Kaya Rodrigues, Larissa Sanguiné, Gabriela Grecco. Dirigido por un dúo de cineastas brasileños, este thriller explora la interacción entre la ambición y los límites del deseo. Un drama inteligente sobre el precio insensato que una persona queer tiene que pagar para alcanzar un nivel de éxito en el ojo público. 

La trama: Matías, un ambicioso actor de 23 años, está ensayando una obra con una prestigiosa compañía de teatro. Él y su compañero de piso Fabio, también de 23 años, interpretan los papeles principales. Los dos llaman la atención de la agente de casting Pamela, que está buscando actores para una gran producción de una serie que se rodará en la ciudad. Sin embargo, sólo Fabio es invitado a la audición porque, a pesar de su talento, el comportamiento de Matías fuera de la pantalla no es bien recibido. Devastado, Matías se consuela al conocer a Rafael, un hombre misterioso de 35 años que se niega a revelar mucho sobre sí mismo. Juntos, descubren su fetiche por tener sexo en lugares públicos. Matías pronto descubre que Rafael es un político encubierto que se presenta a la alcaldía. Después de grandes esfuerzos, Matías finalmente gana el papel protagonista de la serie y Rafael gana ventaja en las encuestas. Pero cuanto más se acercan ambos a su ansiada fama, más temerarios se vuelven. Los amantes despiertan celos en Fabio y preocupación entre los patrocinadores de la campaña de Rafael y comienza un peligroso juego de éxito, placer y muerte.

Películas que mejoraron el libro en el que se basan (VI)

(cont.)

El club de la lucha (1999)

Chuck Palahniuk es un escritor de culto por su espíritu nihilista y lo salvaje de sus manuscritos. Sin embargo, o quizá precisamente por ello, no se trata de un autor amable de leer. Su estilo es muy personal; repleto de frases cortas y repeticiones. Algo que puede hacerse pesado de leer. Además, en ocasiones, peca de no centrar sus ideas por completo. Por ello, adaptar sus obras parecía algo imposible. Sin embargo, David Fincher no solo logró llevar El club de la lucha (Flight Club) a la gran pantalla, sino que convirtió su adaptación en un icono generacional. 

Edward Norton y Brad Pitt en El club de la lucha (1999)

El director estadounidense no solo consiguió mantener el espíritu y mensaje de Palahniuk, sino que lo hizo más digerible. De hecho, su película toma algunas decisiones que mejorar el material original. Por ejemplo, la gran revelación está llevada mucho mejor llevada en la película, tanto por las semillas que va plantando a lo largo del metraje como por el montaje subliminal que realiza. También el final es más satisfactorio, con una imagen icónica, potenciada por el Where is my mind? de los Pixies, que cierran la historia con una profunda carga simbólica. Una conclusión redonda que no posee la novela.  

(cont.)

Efemérides de cine: El juez y el asesino

El 31 de marzo de 1976 se estrenó la película francesa El juez y el asesino (Le juge et l'assassin), dirigida por Bertrand Tavernier e interpretada por Philippe Noiret, Michel Galabru, Isabelle Huppert, Jean-Claude Brialy, Renée Faure, Cécile Vassort. Productora: Lira Films,Société Française de Production et de Création Audiovisuelles, FR3. Duración: 128 minutos.

Sinopsis argumental: Francia, 1893. Cuando Joseph Bouvier, un sargento francés, es rechazado por su novia, la mata y después se pega un tiro en la cabeza. Milagrosamente ambos sobreviven, y él es internado en un centro psiquiátrico. Con las facultades mentales aún perturbadas, sale del hospital y lleva una vida errante por las carreteras. Durante cinco años viola y mata a una docena de adolescentes en las granjas que va encontrando a su paso. Cuando, por fin, lo detienen, se declara un "anarquista de Dios". El ambicioso juez Rousseau se hará cargo del caso.

Nominaciones y premios: Premios César: Mejor actor (Galabru) y mejor guion y seis nominaciones incluyendo mejor película. 

Comentario: Historia basada en hechos reales, habla del oportunismo de un personaje que se aprovecha de la desgracia ajena para intentar sacar tajada política. Tavernier, que consultó los recuerdos del juez, conservados en la Biblioteca Nacional francesa, reconocía haber mezclado lirismo e ironía en su narración. Y afirma el cineasta que el resultado final responde a su idea de que "una sociedad puede ser juzgada en función de la manera como trata a sus enfermos mentales". Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Para ver: "Allo la France", una road movie telefónica

Allo La France (2023), de Floriane Devigne. Reparto: Documental. Siguiendo la pista de las últimas cabinas telefónicas que quedan, Floriane Devigne nos ofrece un documental inesperado y de gran éxito, un viaje por las regiones francesas tan divertido como profundo. El telón de fondo explora el futuro de los servicios públicos y el concepto de "convivencia" y también una mirada divertida, crítica e irónica a nuestra sociedad en constante cambio.

La trama: La historia de la inocua desaparición de un servicio público que en cuarenta años se ha convertido en una antigualla: la cabina telefónica. Al ir en busca de la última de ellas, en la llamada 'periferia' de Francia, se exhuman estas ruinas del siglo XX para cuestionar nuestro tiempo y su evolución. Un entrañable y fantasioso documental de viajes por carretera. 

Películas que mejoraron el libro en el que se basan (V)

 (cont.)

Starship Troopers: Las brigadas del espacio (Starship Troopers, 1997)

Starship Troopers, el libro, escrito por Robert A. Heinlein en 1959, es una novela filofascista que glorifica el militarismo y el autoritarismo. Una oda a la guerra de la que Paul Verhoeven se mofa en su adaptación. El director neerlandés tomó el material original y, en lugar de trasladarlo a la pantalla tal cual, decidió subvertirlo por completo en una sátira ácida que funciona a dos niveles. Es divertida como película de aventuras, con algunas imágenes icónicas y visualmente impactantes. Pero, al mismo tiempo, posee un subtexto político muy profundo que, por si fuese poco, confronta las ideas que deseaba trasladar el libro. Algo que le convierte en una obra única.

Denise Richards, Jake Busey y Casper Van Dien en Starship Troopers: Las brigadas del espacio (1997)

La intención de Verhoeven es clara, aunque nunca resulta panfletaria. De hecho, la película fue en gran medida incomprendida en el momento de su estreno. Todo su discurso se construye a través de una ironía muy fina, visible, por ejemplo, en el tratamiento de los personajes: su perfección física y moral los convierte en una parodia evidente de la propaganda en tiempos de guerra. Asimismo, la película expone con crudeza el funcionamiento de los conflictos armados, donde quienes toman las decisiones rara vez son quienes pagan las consecuencias.

(cont.)

Retrospectiva: “Cerco roto”, la secuela espiritual de “La cruz de hierro”

El clásico infravalorado de la Segunda Guerra Mundial que habló de los alemanes derrotados en Rusia que ya está en streaming. Se la considera la secuela espiritual de La cruz de hierro. 

El cine bélico no dudó en retratar historias potentes dentro del bando perdedor. Películas como La cruz de hierro y Land of Mine (Bajo la arena) (Under Sandet, 2015), son exponentes de una forma de hacer cine que deja espacio lejos de la gloria épica. Precisamente la película que tratamos hoy se considera secuela de la segunda mencionada. Aunque las valoraciones del público fueron muy moderadas.

Cerco roto (Steiner - Das eiserne Kreuz, 2. Teil, 1979), dirigida por Andrew V. McLaglen e interpretada por Richard Burton, Rod Steiger, Helmut Griem, Klaus Löwitsch, Michael Parks, Werner Pochath, Robert Mitchum, Curd Jürgens, Véronique Vendell, Horst Janson, Joachim Hansen, Dieter Schidor, Sonja Jeannine, Bruno Dietrich, Walter Ullrich, Günter Meisner, funciona como continuación espiritual de La cruz de hierro (Cross of Iron, 1977). Aunque cambia de equipo creativo y tono, la película retoma el personaje del sargento Steiner en el contexto del frente oriental durante la Segunda Guerra Mundial.

La trama: Rusia, junio de 1944. La ofensiva rusa obliga al ejército alemán a abandonar la cabeza del puente Kwai y la Península de Crimea. Aunque la división del sargento Steiner ha sufrido terribles bajas, logra reunir a los supervivientes y deslizarse a través de las líneas americanas para reunirse con el capitán Stransky. Ambos librarán una dura batalla en una ciudad francesa el mismo día en que el general Patton rompe las líneas alemanas en Avranche.

El eje narrativo se construye en torno a un grupo de soldados atrapados tras las líneas enemigas que deben abrirse paso a través de territorio hostil para reunirse con sus fuerzas. Esta situación de cerco convierte la película en un relato de supervivencia donde cada decisión implica un riesgo extremo. La misión no responde a grandes objetivos estratégicos, sino a la necesidad inmediata de escapar de un entorno donde la derrota parece inevitable.

En paralelo, la película introduce tensiones entre oficiales y soldados, reflejando la fractura interna de un ejército sometido a la presión constante del frente y a la pérdida de confianza en el mando. Steiner, como figura central, encarna una actitud pragmática frente a la guerra, alejada de la ideología y centrada en la supervivencia de sus hombres.

Cerco roto adopta un enfoque más convencional dentro del cine bélico, con mayor presencia de acción y enfrentamientos a gran escala, incluyendo combates con tanques y secuencias de batalla más abiertas. Sin embargo, mantiene un tono sombrío que subraya la inutilidad del conflicto en sus etapas finales. Ofrece una visión desencantada de la guerra, centrada en hombres atrapados en un conflicto que ya no pueden ganar, pero del que aún deben intentar salir con vida.