Retrospectiva: Cloud Atlas

El atlas de las nubes (Cloud Atlas, 2012), dirigida por dirigida por Tom Tykwer (también compositor de la banda sonora) y Lilly y Lana Wachowsk con Tom Hanks, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Halle Berry, Susan Sarandon, Hugh Grant, Keith David, Ben Whishaw, Jim Broadbent, James D'Arcy, Bae Doona, Zhou Xun, David Gyasi, Robert Fyfe, Martin WuttkeEstá basada en la novela homónima de 2004 escrita por David Mitchell y fue estrenada en Estados Unidos el 26 de octubre de 2012.

La película se compone de seis historias interrelacionadas y entrelazadas que llevan al espectador desde el Pacífico Sur en el siglo XIX, hasta un futuro posapocalíptico. A diferencia de la novela original, la película se estructura, de acuerdo con el novelista David Mitchell, “como una especie de mosaico puntillista: Nos mantenemos en cada uno de los seis mundos solo el tiempo suficiente para que el gancho se hunda, y de ahí que los dardos de la película de un mundo a otro vayan a la velocidad de un plato giratorio, revisando cada narrativa durante el tiempo suficiente para impulsarlo hacia adelante”.

Resumen de las 6 historias:

The Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing)

editarThe Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing).

Sur del océano Pacífico, 1849. Adam Ewing, un abogado estadounidense de San Franciscodurante la fiebre del oro de California, ha llegado a las islas Chatham para concluir un acuerdo comercial con el reverendo Gilles Horrox por su suegro, Haskell Moore. Es testigo de la paliza dada a un esclavo moriori, Autua, que se esconde en la embarcación de Ewing, y lo convence para mantenerlo oculto, entonces Ewing aboga por él para que se uniera a la tripulación como un hombre libre. Mientras tanto, el Dr. Henry Goose lentamente envenena a Ewing, alegando que era la cura para un gusano parásito, con el objetivo de robar objetos valiosos de Ewing.

Letters from Zedelghem (Cartas desde Zedelghem).

Cambridge (Inglaterra) y Edimburgo (Escocia). En 1936, Robert Frobisher, un joven músico británico que es bisexual, encuentra trabajo como un copista para el famoso compositor Vyvyan Ayrs, lo que le permite el tiempo y la inspiración para componer su propia obra maestra, el Sexteto del atlas de las nubes. Una vez terminada esta, Ayrs quiere atribuirse el mérito de la obra, y amenaza con exponer el pasado escandaloso de Frobisher si no cumple. Frobisher se suicida poco antes de que llegue su amante, Rufus Sixsmith.

Half-Lives: The First Luisa Rey Mystery (Semivida: el primer misterio de Luisa Rey).

San Francisco, California, 1973. Luisa Rey es una periodista que por casualidad se encuentra con un viejo Sixsmith, ahora un físico nuclear. Rey apunta hacia Sixsmith por una conspiración en relación con la seguridad de un reactor nuclear nuevo, pero este es asesinado por el sicario Bill Smoke antes de que pueda darle a Luisa Rey el informe que lo demuestra.

The Ghastly Ordeal of Timothy Cavendish (El horrible calvario de Timothy Cavendish)

Reino Unido, 2012. Timothy Cavendish, un editor de 65 años de edad, tiene un golpe de suerte cuando Dermott Hoggins, el autor gánster cuyo libro él ha publicado, tristemente asesina a un crítico y es enviado a la cárcel. Cuando los socios del autor amenazan la vida de Cavendish para conseguir parte de los beneficios, Cavendish se dirige hacia su hermano Denholme por ayuda. Su hermano lo engaña y lo convence de esconderse en un asilo de ancianos, donde es retenido en contra de su voluntad y maltratado por la enfermera tirana Noakes.

An Orison of Sonmi-451 (Una oración de Sonmi-451)

Neo Seúl, Corea, 2144. Sonmi-451, una mujer fabricada por ingeniería genética (clon) que trabajaba en un restaurante de comida rápida, es entrevistada antes de su ejecución. Ella relata cómo fue liberada de su vida de servidumbre por el comandante Hae-Joo Chang, miembro de un movimiento rebelde conocido como Unión. Mientras está en la clandestinidad, ve una película basada en la aventura de Cavendish. Los rebeldes de la Unión le revelan que las clones como ella son sacrificados y «reciclados» como alimento para clones futuros.

Sloosha's Crossin' an' Ev'rythin' After (El cruce de Slusha, y todo lo que vino después)

Islas Hawaianas, en una tierra posapocalíptica, en 2321 (106 años después de la Caída). Un nativo, de nombre Zachry, lleva una vida primitiva después de que la mayor parte de la humanidad muriera en la llamada «Caída», acechado por constantes visiones de un «diablo», conocido por su gente como Old Georgie (Viejo Georgie). Este diablo parece alguna clase de entidad olvidada que existe solo dentro de la mente de Zachry. Después de que su cuñado fuera asesinado por el líder caníbal de la tribu rival kona, Georgie se le aparece seguidamente en varias visiones para manipularlo y hacerlo sucumbir al miedo. Luego de un tiempo, Zachry es visitado por Meronym, un miembro de los "Prescientes", los últimos sobrevivientes de una civilización tecnológicamente avanzada. A cambio de salvar a su joven sobrina envenenada, Zachry accede a guiar a Meronym a través de las montañas hasta el Mauna Kea en busca del "Cloud Atlas", una estación de comunicaciones desde donde se podría enviar un mensaje de ayuda a la gente que dejó la Tierra y que ahora vive en otros planetas colonizados.

Ghost Elephants,

Ghost Elephants (2025), de Werner Herzog

El venerable Werner retoma el tema del viaje hacia la vanidad. Aquí, observa (con sus aforismos que cambian el mundo) la descabellada búsqueda de un entusiasta de los elefantes y una manada que podría existir o no en Angola.

Si hay un cineasta aventurero, ese es Werner Herzog. El alemán se adentra en la meseta angoleña a la búsqueda de unos elefantes que parecen ser solo una leyenda. Pero esta empresa suscita otra cuestión: ¿sería mejor, acaso, que estos animales fantasmales permanecieran en la sombra para siempre? El nuevo viaje de Herzog es también una reunión: de sueños imposibles, de reflexiones esenciales y de imágenes extraordinarias.

Cinco películas basadas en libros (IV)

Cadena perpetua (The Shawshank Redemption, 1994), de Frank Darabont

Esta película está basada en Rita Hayworth y la redención de Shawshank (1982), una novela corta de Stephen King  Stephen King. Lo curioso detrás de esta obra es que el conocido como "maestro del misterio" vendió los derechos de su historia por un dólar a un cineasta emergente que ya había adaptado en un cortometraje una de sus novelas. Es una obra que, a pesar de ser hoy en día un clásico ineludible, fracasó estrepitosamente en la taquilla: tan solo logró recaudar un total de 16 millones de dólares frente a un presupuesto de 25 millones. Sin embargo, gracias a sus nominaciones a los Oscar y a su posterior lanzamiento en VHS, vivió una segunda vida, convirtiéndose en el clásico de culto que es hoy.

Sin duda, destaca por la calidad del guion, de sus interpretaciones y por una fotografía expresiva que logra transformar el carácter opresivo del drama carcelario en una bandera de esperanza. En el centro de la trama encontramos a Andrew Dufresne (interpretado por Tim Robbins), un hombre acusado y condenado por el asesinato de su mujer a la cárcel de Shawshank, en Maine, a pesar de clamar incansablemente su inocencia.

Hace 100 años: The Devil Horse

El 4 de julio de 1926 se estrenó la película El caballo del diablo (The Devil Horse), dirigida por Fred Jackman e interpretada por Rex, Yakima Canutt, Gladys McConnell, Bob Kortman, Roy Clements, Fred Jackman Jr., Lady the Horse. Productora: Hal Roach Studios. Duración: 68 minutos. 

Sinopsis argumental: En 1874, en Montana, los nativos americanos atacan a un grupo de colonos, dejando como únicos supervivientes al joven Dave Carson y a un potro llamado Rex. Rex es torturado por dos indígenas, pero logra escapar. Ambos crecen y Rex se convierte en un semental que pisotea a los indígenas hasta la muerte, ganándose el apodo de "El Caballo del Diablo". Carson se convierte en explorador del ejército, destinado en un fuerte comandado por el mayor Morrow. Carson y la hija del mayor, Marion, se encuentran en un arroyo, pero un grupo de indígenas liderado por Lobo Merodeador secuestra a Carson en un intento fallido de raptar a Marion para convertirla en su esposa. Ella escapa. Rex, recordando a Carson de su juventud, lo libera y ambos se hacen amigos. Lobo Merodeador va al fuerte y proporciona información falsa al mayor Morrow en otro intento de hacer que Marion sea lo suficientemente vulnerable como para secuestrarla. Esta vez lo consigue. Sin embargo, Carson, Rex y el mayor Morrow la rescatan. Los indígenas atacan el fuerte al día siguiente. El ejército lucha con valentía, pero parece que van a perder al quedarse sin munición. A Carson y Rex se les encomienda la peligrosa tarea de conseguir más de una caravana que se encuentra a cierta distancia. Durante la misión, Morrow se pelea con Lobo Merodeador, quien lo deja inconsciente. Entonces Rex lo mata a pisotones. Justo cuando los indios empiezan a infiltrarse en el fuerte, Rex, Carson y la caravana regresan a tiempo para ahuyentarlos.

Comentario: Rex, el caballo protagonista, apareció en más de 20 películas entre 1924 y 1938. La película sobrevive. 

"In Wave", melancolía en estado puro

In Waves (2026), de Phuong Mai Nguyen

Adaptación cinematográfica animada de la novela gráfica autobiográfica de AJ Dungo, dedicada a la cultura hawaiana y al amor de una joven surfista californiana que sucumbió al cáncer. Más vibrante que el cómic, pero igual de conmovedora. Ópera prima en largometraje de animación de la directora franco-vietnamita Phuong Mai Nguyen.

La trama comienza en Los Ángeles cuando AJ, un adolescente tímido y aficionado al dibujo, conoce a Kristen, una joven vibrante que vive para el surf. Juntos se enamoran profundamente y visualizan un futuro feliz, pero sus vidas cambian drásticamente cuando a Kristen le diagnostican una enfermedad repentina. La película narra cómo la pareja y su entorno enfrentan esta adversidad apoyados en su amor y el surf.

Cinco películas basadas en libros (III)

El padrino (The Godfather, 1972), de Francis Ford Coppola

No muy a menudo se puede decir que una película haya definido un género, pero nunca es tan cierto como en el caso de El padrino. Desde su estreno en 1972, ha determinado el baremo de calidad para todas las producciones de gánsteres posteriores. De hecho, tan solo hace falta fijarse en sus nominaciones y premios para darse cuenta de que, sin duda, fue una obra que logró conquistar al público con unanimidad: obtuvo diez nominaciones al Oscar, ganando tres de ellos (entre ellos, mejor película).

Fue la primera película de la serie de Francis Ford Coppola basada en la novela de Mario Puzo; una epopeya llena de actuaciones hipnóticas que reinventó a los criminales de la mafia como actores de un psicodrama dinástico. Sin duda, la obra destaca por su narrativa y guion magistrales, logrando equilibrar el ritmo entre las secuencias íntimas y los momentos de pura tensión. Además, cuenta con actuaciones icónicas como la de Marlon Brando, que logró darle a la figura del mafioso una vulnerabilidad paterna, y la de Al Pacino, quien ofreció otra actuación perfecta.

Retrospectiva: La esclava libre

La esclava libre (Band of Angels, 1957), dirigida por Raoul Walsh con Clark Gable, Yvonne De Carlo, Sidney Poitier, Torin Thatcher, Ray Tesla, Efrén Zimbalist Jr., Patric Knowles, Tommie Moore. 

Sinopsis: Amantha Starr ( Yvonne De Carlo) es una joven rica y atractiva que vive con su poderoso padre en una lujosa plantación del sur de Estados Unidos. La vida de ambos parece encarrilada hasta que el padre de Amantha fallece. Cuando las autoridades del Estado se enteran de que el señor Starr ha fallecido, acuden a la casa para verificar la herencia y la identidad de Amantha. Después de investigar sobre su origen, llegan a la conclusión de que Amantha es hija de una esclava negra, por lo que su derecho a heredar las tierras de su padre queda instantáneamente anulado. Despojada de sus tierras y de su apellido, Amantha es convertida en una esclava más. Tras ser trasladada a Nueva Orleans para ser subastada, Hamish Bond (Clark Gable), un rico y atractivo caballero, la comprará para convertirla en su mujer, aunque vaya en contra de la ley.

Adaptación de la novela de Robert Penn Warren, que cuenta con una excelente fotografía en color de Lucien Ballard y una poderosa partitura de Max Steiner. Fue la tercera película consecutiva de Clark Gable para Raoul Walsh, tras Los implacables (1955) y Un rey para cuatro reinas (1956). Ambos trabaron una buena amistad, sobre todo en sus largas cacerías por las praderas, y estuvieron a punto de volver a trabajar juntos en Vidas rebeldes, dirigida finalmente por John Huston.

"Laissez-nous les clés", una experiencia estimulante de gestión ciudadana colectiva en Marsella

Laissez-nous les clés (2026), de Yacine Helali

En 2021, tras la quiebra de un McDonald's en los barrios del norte de Marsella, Kamel Guemari —el último empleado que quedaba— transformó el espacio en un centro de solidaridad colectiva: L'Après M (Después de M). Durante un año, la cámara siguió de cerca este experimento social sin precedentes. El colectivo distribuyó 2000 raciones de comida semanales, alimentó a cientos de personas sin hogar y desarrolló un ambicioso proyecto: recuperar el edificio mediante una cooperativa ciudadana con 50 000 socios. Ante las amenazas de desahucio de McDonald's y la realidad política, el colectivo supo conciliar las necesidades sociales inmediatas con la construcción de un proyecto a largo plazo. Filmado de cerca con los protagonistas, sin filtros ni idealizaciones, "Laissez-Nous les Clés" (Déjanos las llaves) capta los debates, las dudas y el empoderamiento de ciudadanos comunes que reinventan la propiedad colectiva, desafían el poder de las multinacionales y abren las posibilidades de la autogestión.

Durante un año, el documentalista Yacine Helali se sumergió en una iniciativa colectiva nacida en los barrios del norte de Marsella, donde un antiguo restaurante McDonald's fue transformado en un centro de apoyo comunitario por Kamel Guemari, su último empleado. Evitando la retórica activista simplista, la película sigue de cerca a quienes se esfuerzan por mantener vivo este espacio, fundado en la solidaridad y la gestión colectiva. Entre la distribución de alimentos, las incertidumbres legales y las ambiciones cooperativas, el director destaca los animados debates entre los voluntarios y la constante tensión entre atender las necesidades sociales urgentes y garantizar la viabilidad a largo plazo de un proyecto tan frágil.

Cinco películas basadas en libros (II)

Ben-Hur (1959), de William Wyler

Una obra cinematográfica que nace de la novela homónima Ben-Hur: una historia de Cristo (título original en inglés: Ben-Hur: A Tale of the Christ), escrita por el autor y militar estadounidense Lewis Wallace. Se ambienta en la antigua Roma, bajo el régimen de los emperadores Augusto y Tiberio (s. I d.C.). Judá Ben-Hur, que proviene de una familia noble de la ciudad de Jerusalén, tiene una amistad con Mesala, un tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación. Sin embargo, un accidente romperá definitivamente esta amistad, convirtiéndola en una enemistad profunda e irreversible. De ahí en adelante su vida cambia radicalmente: el joven es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, lo que le valdrá el encarcelamiento a él y a toda su familia. Mesala lo condena a una vida de galeras; sin embargo, un hombre desconocido llamado Jesús se apiada de él y le da de beber.

Tras sobrevivir como esclavo durante años, el cónsul romano Quinto Arrio le salva la vida y le otorga la libertad, lo que le permite regresar a Judea convertido en un hombre nuevo que emprende una búsqueda sin descanso para encontrar a su madre y a su hermana. Esta obra es, sin duda, una historia de superación y perdón en la que el director hace uso de un despliegue técnico sin precedentes y una puesta en escena magistral, haciendo de ella una obra que hay que ver de manera indispensable.

Hace 100 años: Las aventuras del príncipe Achmed

El 2 de julio de 1926 se estrenó la película alemana Las aventuras del príncipe Achmed (Die Abenteuer des Prinzen Achmed), dirigida por Lotte Reiniger. Reparto: Animación. Productora: Comenius-Film GmbH. Duración: 65 minutos. 

Sinopsis argumental: El día en que se celebra en la ciudad el cumpleaños del gran Califa, aparece el poderoso brujo y presenta su obra milagrosa: un caballo que puede volar por los aires. El Califa quiere poseer a toda costa dicho corcel mágico.

Comentario: Considerada en algunas listas como una de las 1000 mejores películas de la historia del cine, Las aventuras del príncipe Achmed fue creada en un período de tres años por Lotte Reiniger, quien diseñó el guion de la historia, recortó las figuras (300.000 imágenes individuales) y los trasfondos y configuró sus movimientos con ayuda de Alexander Kardan y Walter Türck. Su marido, Carl Koch, se ocupó de la dirección ejecutiva y el control técnico, Walter Ruttmann experimentó con las configuraciones del cine y creó la lucha con los demonios de Wak Wak, Berthold Bartosch compuso los movimientos de las olas para el temporal que sorprende a Aladino durante su huida. Para su configuración se inspiró en el rico tesoro de Las mil y una noches.

Retrospectiva: El fugitivo

El fugitivo (The Fugitive, 1993), dirigida por Andrew Davis con Harrison Ford, Tommy Lee Jones, Julianne Moore, Sela Ward, Joe Pantoliano, Andreas Katsulas, Jeroen Krabbé, Daniel Roebuck, Nick Searcy, L. Scott Caldwell, Jane Lynch, Tom Wood, Ron Dean

Sinopsis: La vida del doctor Richard Kimble, un reputado cirujano con una bella esposa y una lujosa casa en un elegante barrio de Chicago, se desmorona el día en que su mujer es brutalmente asesinada por un misterioso manco. Kimble es acusado del crimen y condenado a muerte. Mientras lo trasladan a la cárcel, el autobús donde viaja sufre un accidente que facilita la fuga de varios presos, entre ellos el propio Kimble. El detective Samuel Gerard consigue atrapar a todos los prófugos excepto al escurridizo Kimble. Una vez en libertad, Kimble sabe muy bien que si quiere probar su inocencia, tendrá que encontrar al misterioso manco, pero, al mismo tiempo, tendrá que eludir la implacable persecución del detective Gerard.

Magnífica adaptación de la famosa serie de TV del mismo título, y dirigida por Andrew Davis, nos encontramos ante una magnífica película de acción, con imágenes memorables. Sirva de ejemplo aquella en la que el Doctor Kimble se deja caer por un embalse para huir de su infatigable perseguidor. La película tiene una espléndida puesta en escena y un buen pulso narrativo. Harrison Ford y Tommy Lee Jones hacen dos magníficas interpretaciones (Tommy Lee Jones sería premiado con el Oscar en la categoría de mejor actor secundario). La película obtuvo en total siete nominaciones al Oscar.

Cinco películas basadas en libros (I)

Desde dramas carcelarios de culto hasta epopeyas bélicas y mafiosas, las obras literarias que se transformaron en películas de visionado obligatorio.

Algunas novelas han dado vida a producciones cinematográficas memorables. Muchas de ellas destacan por sus elementos visuales, bandas sonoras envolventes y actuaciones magistrales, mientras que otras pasan a la historia por su sólida trama o por marcar un antes y un después en la industria. Sin embargo, todas comparten un punto en común: se han convertido en películas completamente ineludibles.

Lo que el viento se llevo (Gone with the Wind, 1939), de Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood

La película que narra la historia de amor entre Scarlett O'Hara y Rhett Butler está basado en la novela homónima escrita por Margaret Mitchell. Es una historia de amor intensa, marcada por el orgullo, la supervivencia y la guerra civil, que incluso llega a ser una obsesión no correspondida. Scarlett O'Hara, una joven bella pero caprichosa que vive en una elegante mansión sureña, anhela el amor de Ashley, que no es otro que el prometido de su prima. Sin embargo, en la noche de la última fiesta antes del estallido de la Guerra de Secesión, la joven conoce a Rhett Butler, un egoísta vividor que tan solo desea hacerse rico y ve en la conquista de Scarlett una manera de llegar a su objetivo.

En esta obra, el amor y el odio son casi personajes propios en una narrativa de corte épico sobre la guerra civil estadounidense. Es una película de casi cuatro horas que destaca por su producción y éxito histórico, además de por la profundidad y complejidad de los personajes.

Retrospectiva: Delicioso

Delicioso (Delicieux, 2021), dirigida por Éric Besnard con Grégory Gadebois, Isabelle Carré, Benjamin Lavernhe, Guillaume De Tonquedec, Lorenzo Lefèbvre, Christian Bouillette, Marie-Julie Baup, Laurent Bateau, Manon Combes, Félix Fournier, Antoine Gouy, Chloé Astor.

Sinopsis: En 1789, antes de la Revolución Francesa, Pierre Manceron (Grégory Gadebois) es el cocinero de un aristócrata gastronómico. Despedido por reclamar una parte de libertad creativa en estos platos, se instala en la casa abandonada de su padre con Jacob (Christian Bouillette), un amigo de la familia, y con su hijo, Benjamin (Lorenzo Lefèbvre). El tiempo pasa y pierde su motivación culinaria. Una mujer (Isabelle Carré) viene a ofrecerse como aprendiz. Ella le devolverá la pasión por la cocina y además, le ayuda a abrir el primer restaurante en Francia y en el mundo.

El guionista y director Éric Besnard confecciona esta película que hace hincapié en las diferencias de clase que estaban a punto de desaparecer con la llegada de la Revolución Francesa. El mundo de la cocina ofrece el marco ideal para prestar atención al mérito y el talento de cada uno, más allá de privilegios no adquiridos por el trabajo y el esfuerzo.

Elon Musk comparte en X la película “Citizen Vigilante”: un fracaso ultrarracista

En sus redes sociales, el multimillonario de extrema derecha promocionó la última película del director alemán Uwe Boll. Un thriller tan terrible como lamentable, ambientado en una ciudad invadida por inmigrantes indocumentados procedentes de África.

El actor estadounidense Armie Hammer, que ha intervenido en películas como La red social y Call Me by Your Name, intenta un nuevo regreso al cine. Una mala decisión profesional…

 

Es difícil fingir que algo no existe cuando Elon Musk, el magnate multimillonario de la red X, decide lanzarlo —gratis y sin una palabra de explicación— a unos 240 millones de suscriptores. El equivalente cinematográfico de un charco de vómito, Citizen Vigilante lleva el sello de un productor alemán de bodrios, Uwe Boll, un habitual en nuestro circuito de "directo a DVD", o incluso directamente y con razón ignorado. Ante esta producción independiente germano-estadounidense absolutamente espantosa, filmada en Zagreb, Croacia, y estrenada el 19 de junio en Estados Unidos, uno entiende inmediatamente por qué nos llamó la atención.

“L’Étrangère”: Gaya Jiji, directora: “Siria tardará tiempo en reconstruirse y recuperar su identidad

Como continuación de su primera película, Mon tissu préféré (2018), su segundo largometraje narra la historia del exilio de una joven siria y su anhelo de vivir. Gaya Jiji, que ahora reside en Francia, se inspira en su propia experiencia y en el trauma de la guerra civil.

Zar Amir-Ebrahimien en L'étrangère (2026)

Sinopsis: Selma huye de la Siria devastada por la guerra, dejando atrás a su hijo de 8 años, Rami, y a su esposo, Iyad, que desapareció en las cárceles del régimen. Tras un peligroso viaje, llega a Burdeos y acepta una serie de trabajos no declarados para sobrevivir. Pero su verdadera lucha comienza al enfrentarse al proceso de asilo y al intento de reunirse con su hijo.

Zar Amir-Ebrahimien en L'étrangère (2026)

La película L'étrangère, en cartelera desde el 24 de junio, no es la primera en retratar la cruel experiencia del exilio. Sin embargo, su decisión de seguir a una migrante siria que llega sola a Burdeos es única. Esta película, serena y perspicaz, no es obra de una directora desconocida: Gaya Jiji, cineasta siria, ya había dirigido un notable primer largometraje, Mon tissu préféré (2018), un despertar sensual y complejo de una joven en el contexto de la guerra. Ella nos relata su viaje.

Efemérides de cine: Mahoma, el mensajero de Dios

El 30 de junio de 1976 se estrenó la película libanesa Mahoma, el mensajero de Dios (The Message), dirigida por Moustapha Akkad e interpretada por Anthony Quinn, Irene Papas, Michael Ansara, Johnny Sekka, Michael Forest, Donald Burton, Ewen Solon, André Morell, Wolfe Morris, Rosalie Crutchley, Damien Thomas, Bruno Barnabe. Productora: Coproducción Líbano-Libia-Kuwait-Marruecos-Reino Unido; Filmco International Productions. Duración: 174 minutos. 

Sinopsis argumental: Siglo VII. Férreamente determinado a acabar con las injusticias de los líderes de la Meca, Mohammad, que afirma haber tenido una visión del ángel Gabriel, les persuade para que abandonen la adoración de los 300 ídolos de Kaaba en favor de uno sólo. Además de desoir sus ruegos, las reuniones de Mohammad y sus partidarios son respondidas con persecuciones y crueles torturas. Su expulsión de la Meca desencadena la sed de justicia de éstos hasta que Mohammad accede a tomar las armas y luchar para instaurar el monoteísmo.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor banda sonora original. 

Comentario: Una historia del Islam en forma de gran superproducción, que pese a su título no muestra a Mahoma. Y es que ni él ni Alí pueden ser representados, como bien ha averiguado Occidente en fechas muy recientes. Así, el rostro visible del film es Hamza, tío del profeta, y de éste sólo se muestra su punto de vista subjetivo. Se abarca el período comprendido entre los años de nacimiento del Islam (el 610, con la revelación del arcángel Gabriel) hasta la muerte de Mahoma en Medina en el 632. Anthony Quinn realiza una vibrante interpretación. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Retrospectiva: El nombre de la rosa

El nombre de la rosa (Der Name Der Rose, 1986), de Jean-Jacques Annaud con Sean Connery, Christian Slater, Helmut Qualtinger, Elya Baskin, Michael Lonsdale, Volker Prechtel, Feodor Chaliapin Jr., Ron Perlman, Michael Habeck, F. Murray Abraham, Vernon Dobtcheff, Valentina Vargas, William Hickey, Urs Althaus, Leopoldo Trieste, Andrew Birkin, Franco Valobra, Donald O'Brien. 

Sinopsis: Siglo XIV. Fray Guillermo de Baskerville (Sean Connery), monje franciscano y antiguo inquisidor, y su inseparable discípulo, el novicio Adso de Melk (Christian Slater), visitan una abadía benedictina, situada en el norte de Italia, para esclarecer la muerte del joven miniaturista Adelmo de Otranto. Durante su estancia, desaparecen misteriosamente otros monjes que después aparecen muertos.

Adaptación a la pantalla de la célebre novela de Umberto Eco, Il nome della rosa. Tiene el atractivo de presentar una trama detectivesca en un monasterio del medievo, pero ofrece un dibujo oscurantista de la época, en que los frailes parecen, en su totalidad, gente deforme y degenerada. Destaca el trabajo de un estupendo Sean Connery, a modo de Sherlock Holmes con hábito, bien respaldado por el entonces prometedor Christian Slater, que sería el equivalente al doctor Watson.

La deuda de Eco con sir Arthur Conan Doyle y su detective Sherlock Holmes está fuera de toda duda. No sólo tenemos una pareja investigadora, formada por Guillermo de Baskerville, experto sabueso en resolver misterios y, Adso de Melk, ayudante novicio, sino que el nombre del personaje principal es un homenaje al más célebre título de Conan Doyle, El perro de Baskerville.

Cinco películas de Derek Jarman, un visionario del pasado (V)

War Requiem (1989)

Como en la mayoría de sus películas, Derek Jarman introduce en War Requiem elementos de diferentes artes: la música de War Requiem de Britten, la poesía de guerra de Wilfred Owen y las referencias pictóricas de cuadros de John Martin, William Blake y Piero della Francesca. Además, la película integra elementos de teatro, iconografía religiosa, alusiones del cine mudo y bélico, la poesía de John Keats y fragmentos de documentales y de telediario.

De forma casi clásica, esta película es, sin embargo, como todas las demás, una obra cinematográfica única. Derek Jarman, el pintor, se pone al servicio del director para crear escenas vívidas y vibrantes en las que resuena el El Réquiem de guerra, Op. 66 (título original: War Requiem), de Benjamin Britten. Una poderosa evocación de todas las guerras, impregnada de la mirada consoladora de la musa de Tilda Swinton .

Tom, un gato virtuoso del piano

Tom y Jerry: Un concierto gatuno (Tom y Jerry: a cat concert, 1947), dirigida por William Hanna y Joseph Barbera. Reparto: Animación. 

Tom y Jerry: Un concierto gatuno es un cortometraje animado de la serie Tom y Jerry, producido en Technicolor y estrenado el 22 de abril de 1947 por Metro-Goldwyn-Mayer. Fue producido por Fred Quimby, con la supervisión musical de Scott Bradley y animación de Kenneth Muse, Ed Barge y Irven Spence.

El corto ganó el Oscar al mejor cortometraje animado de 1946, siendo el cuarto de Tom y Jerry. En 1994 apareció en el puesto número 42 de la lista 50 Greatest Cartoons, la cual se basó en los votos de aproximadamente 1.000 personalidades de la industria de la animación. 

La historia transcurre durante un elegante recital de piano en el que Tom es el virtuoso solista. Interpreta magistralmente la Rapsodia húngara n.º 2 de Franz Liszt. Sin embargo, Jerry, que estaba durmiendo plácidamente dentro del piano, es despertado por la música y decide salir. El ratón interrumpe el concierto e intenta dirigir la orquesta, lo que desata una guerra de trucos, trampas y persecuciones sobre el escenario, todo ello perfectamente sincronizado con el ritmo de la famosa pieza. 

Este corto generó gran controversia en su época. La Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) acusó a los estudios rivales de la Warner Bros. de plagio, ya que estos últimos estrenaron el corto Rabbit Rhapsody del Pato Lucas, el cual utilizaba casi los mismos gags visuales y la misma pieza de Liszt.

“La Bataille de Gaulle: J’écris Tom nom”: una segunda parte, más política pero igualmente interesante

La Bataille de Gaulle: J’écris ton nom (2026), dirigida por Antonin Baudry con Simón Abkarian, Simón Beale, Florian Lesieur, Benoît Magimel, Mathieu Kassovitz, Loïc Corbery, Thierry Lhermitte, Anamaria Vartolomei, Niels Schneider, Félix Kysyl, Karim Leklou, Tom Mison, Kacey Mottet-Klein…

Campbell Scott y Simón Abkarian en La Batalle de Gaulle: J’écris ton nom (2026)

Sinopsis: Segunda parte de La bataille de Gaulle, Junio de 1940. Francia se derrumba y firma el armisticio. En medio del caos, un hombre se niega a rendirse. Solo contra todo pronóstico, este general desconocido huye a Londres para salvar lo que queda de libertad. Sin ejército, sin apoyo, sin esperanza. Pero con una convicción irracional: Francia, su Francia, no ha depuesto las armas. En una apuesta arriesgada, intenta convencer al mundo de que la batalla por Francia no ha terminado ni está perdida. La realidad, sin embargo, es inflexible y parece decidida a demostrar que está equivocado. Sin embargo, poco a poco, resistentes, estudiantes rebeldes y soldados decididos se alzan en Inglaterra, Francia y África para unirse a la causa. Su fe, su audacia y su sed de libertad desafían lo que la Historia parecía haber escrito de antemano.

Thierry Lhermitte y Niels Schneider en La Bataille de Gaulle: J'écris ton nom (2026)

Tres semanas después del estreno de la primera entrega, De Gaulle: Tilting Iron, llega la segunda parte. ¿Conseguirá convencer a los ochocientos mil espectadores de la primera película? ¿O al menos persuadir a nuevos espectadores para que sigan, durante cinco horas, la épica historia del general De Gaulle y los combatientes de la Francia Libre, desde 1940 hasta 1945?

¿Qué podemos esperar de una película sobre De Gaulle? Algo más que un homenaje oficial. De Gaulle: Tilting Iron lo evitó parcialmente, gracias a un enfoque inesperado: una narrativa similar a la de un cómic, donde la comedia se mezclaba con lo épico. El general fue retratado como una figura excéntrica y anticuada, imponente y rígida, cuya obstinación ante la adversidad rozaba el delirio de un payaso delirante, defendiendo contra viento y marea (o casi contra viento y marea) un elevado ideal de Francia.

Thierry Lhermitte en La Bataille de Gaulle (2026)

La película destaca por su dimensión monumental y su gran apuesta visual. Sin embargo, por el enfoque grandilocuente de su puesta en escena y su música, ha generado debates entre los historiadores, dividiendo opiniones sobre el tratamiento de una figura tan compleja y controvertida de la historia contemporánea.

Cinco películas de Derek Jarman, un visionario del pasado (IV)

El fin de Inglaterra (The Last of England, 1987)

El comentario personal del artista sobre el declive de su país en un lenguaje más cercano a la poesía que a la prosa. Una oscura meditación sobre Londres bajo Thatcher. Allí donde Jubilee era rabia e ira punk, El fin de Inglaterra es frustración y melancolía.

Diez años después, Derek Jarman regresa a su país, esta vez en llamas, con una película de visiones impactantes y meditativas. La amenaza totalitaria ha adquirido la dimensión de una operación militar; la libertad ahora solo se encarna en un joven yonqui rebelde y un portador de antorchas que busca esperanza en la oscuridad. Atormentado por el fin de los tiempos, el director logra encontrar, en el lenguaje de las imágenes, la última armonía posible. Una película que late como un corazón, luchando contra la aniquilación.

Retrospectiva: Horizontes de grandeza

Horizontes de grandeza (The Big Country, 1958), de William Wyler con Gregory Peck, Jean Simmons, Charlton Heston, Carroll Baker, Burl Ives, Charles Bickford, Chuck Connors, Alfonso Bedoya, Dorothy Adams. 

Sinopsis: James McKay (Peck), un capitán de navío retirado, viaja desde el Este a las vastas llanuras de Texas para casarse con Pat Terrill (Baker), la hija de un rico ganadero. El choque entre McKay, hombre pacífico, culto y educado, y los violentos y toscos rancheros es inevitable. No sólo tendrá que enfrentarse con el capataz Steve Leech (Heston), sino que incluso su novia se sentirá decepcionada por su comportamiento. Mientras tanto, el padre de Pat y el clan de los Hannassey luchan encarnizadamente por el control del agua para abrevar el ganado.

Uno de los grandes westerns de William Wyler, que destapa su sabiduría frente a la cámara, abre grandes espacios y muestra como nadie a unos personajes pasionales. Romance, aventura y el aroma salvaje del legendario Oeste.