“Solo una ilusión”, de Tolédano y Nakache: “Una película con canciones populares” que “se siente como un gran abrazo”

Para esta película, Éric Toledano y Olivier Nakache se inspiraron en sus propios recuerdos de adolescencia. ¿Qué tal una dosis de nostalgia?

Es 1985, Vincent, a punto de cumplir trece años, vive en un suburbio parisino de clase media con un hermano mayor distante y unos padres en constante conflicto. Ya no es tan niño, pero tampoco un adulto. La historia sigue a Vincent en esta particular etapa de su vida, descubriendo sus pensamientos y dudas sobre la identidad, la amistad, la familia, la religión, el deseo y los primeros indicios del amor. Una comedia dramática sobre un momento de la infancia en el que la esperanza de cambiar el mundo no era "sólo una ilusión".

En esta ocasión, la película nos transporta a los años 1980 a través de los ojos de un adolescente y las tribulaciones de su familia. Encontramos la dinámica del cine coral, con sus recursos narrativos ya conocidos: la historia se centra en lo que une a los personajes y resalta cómo logran superar sus diferencias, discusiones y desacuerdos.
Para dar vida a este "viaje nostálgico", los dos directores se adentraron en sus historias personales, fusionando esencialmente a sus dos familias en una sola para contar la historia de la vida de un adolescente en 1985. La tienda de videos juega un papel importante en la película, ilustrando el nacimiento de su amor por el cine. Desde cintas VHS hasta radio FM, todos los elementos característicos de los años 1980 están presentes, permitiendo que los espectadores que crecieron en estos barrios de clase media se reconozcan a sí mismos. La ambientación y la banda sonora se encargan del resto: Imagination, Téléphone, The Cure, Simply Red, Francis Cabrel…

“El brillo de la televisión”, sur Netflix : una joya queer y terrorífica sobre el poder de las narraciones televisivas

El brillo de la televisión (I Saw the TV Glow, 2024), escrita y dirigida por Jane Schoenbrun e interpretada por Justice Smith y Jack Haven, con Ian Foreman, Helena Howard, Fred Durst y Danielle Deadwyler, Lindsey Jordan, Amber Benson, Conner O'Malley, Emma Portner, Michael C. Maronna, Danny Tamberelli. En la película aparecen como ellos mismos Phoebe Bridgers, Haley Dahl y su banda Sloppy Jane, así como Kristina Esfandiari y su banda King Woman.

En los suburbios estadounidenses de los años noventa, dos adolescentes solitarios se enganchan a una serie que recuerda a Buffy, la cazavampiros" Su influencia, al igual que la de Twin Peaks, impregna esta hermosa y merecidamente aclamada película.

Netflix no se lo pone fácil a los cazadores de tesoros: cuando intentas desenterrar esta joya de las profundidades del catálogo, te encuentras con un póster sin título. El brillo de la televisión se presenta disfrazada, ¡qué ironía!... El tercer largometraje de Jane Schoenbrun, una revelación cuya próxima película acaba de ser seleccionada para Cannes, cuenta la historia de la agonía de Owen (Justice Smith), obligado a ocultar su identidad queer en los suburbios estadounidenses de los años 1990, hasta el punto de sufrir "como si le hubieran vaciado las entrañas con una pala". No tan desconocida —la película está producida por Emma Stone. 

Nathalie Baye, una gran actriz en doce papeles (II)

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5. El membrillo (La balance, 1982), de Bob Swaim

En su momento, este thriller policíaco, en el que los agentes emplean métodos poco ortodoxos, cautivó al público. Sin embargo, la película en sí es olvidable, pero Nathalie Baye ganó su primer premio César a la mejor actriz por su papel de una prostituta de lengua afilada.

6. Habitaciones separadas (Notre histoire, 1984), de Bertrand Blier 

En esta comedia burlesca e inquietante, los personajes se ven envueltos en una cascada de aventuras surrealistas, generando tanta inquietud como sorpresa. Frente a un deprimido Delon, Baye brilla, pero con demasiada frecuencia se la utiliza como contrapunto de su prestigioso coprotagonista.

7. Un week-end sur deux (1990), de Nicole Garcia

El retrato de una antigua estrella, ahora alejada del ojo público y viviendo de trabajos ocasionales. Una noche, sube a su coche y se lleva a los niños en secreto… Un descenso a la desesperación, seguido de un regreso a la vida. Finalmente, una perspectiva femenina sobre Nathalie Baye, transformada y cautivadora solo con su interpretación.

8. Venus, salón de belleza (Vénus beauté (Institut), 1999), de Tonie Marshall

La película ganadora del César que relanzó de forma espectacular la carrera de Nathalie Baye, en la que interpreta a una mujer soltera que trabaja en un salón de belleza. Este melodrama burlesco rebosa de ferocidad, pero sobre todo, de mucha ternura y humor. Y una atención prodigiosa a cada gesto de la gran actriz.

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Hace 100 años: Nana

El 27 de abril de 1926 se estrenó la película francesa Nana, dirigida por Jean Renoir e interpretada por Catherine Hessling, Jean Angelo, Werner Krauss, Raymond Guérin-Catelain, Pierre Lestringuez, Jacqueline Forzane, Claude Autant-Lara, Pierre Champagne. Productora: Les Films Jean Renoir. Duración: 150 minutos. 

Sinopsis argumental: Naná aspira a triunfar en el teatro. Después de un fracaso estrepitoso al interpretar el papel de dama distinguida, decide a aceptar las reiteradas proposiciones del Conde Muffat. Al mismo tiempo que se convierte en su amante se transforma también en una mujer cruel, indiferente y escandalosa.

Comentario: La segunda película del maestro Jean Renoir, correspondiente a su etapa muda, es una larga y cuidada adaptación de la clásica novela homónima de Émile Zola. Se puede apreciar la influencia del cine de Erich Von Stroheim. A pesar de la dificultad de conservar la fuerza del texto original de Zola sin poder recurrir a la palabra hablada, hay momento de gran fuerza, sobre todo a la hora de expresar Hessling el carácter caprichoso y superficial de su personaje. En Nana es indiscutible la influencia de Esposas frívolas, (Foolish Wives, 1922), de Erich von Stroheim, donde la codicia se presenta como la pasión más destructiva del ser humano. Renoir le añade la abismal diferencia social entre criados y señores. El fracaso de la película dejó a Renoir completamente arruinado.

Nathalie Baye, una gran actriz en doce papeles (I)

La actriz, fallecida el pasado viernes 17 de abril de 2026, participó en cerca de un centenar de películas, desde Truffaut hasta Spielberg, hasta hace pocos años. Aquí presentamos una selección de aquellas en las que, ya sea en papeles protagónicos o secundarios, dejó una huella imborrable en la pantalla.

1. La noche americana (La nuit américaine, 1973), de François Truffaut

Detrás de las cámaras de un rodaje, un ballet virtuoso donde la vida real y la ficción se entrelazan. Bajo las imponentes gafas del supervisor de guion, impuestas por François Truffaut, Nathalie Baye despliega una cualidad única, una dicción melodiosa, un aura discreta… El nacimiento de una actriz.

Nathalie Baye y Jacqueline Bisset en La noche americana (1973)

2. La boca abierta (La gueule ouverte, 1974), de Maurice Pialat 

Un marido, su hijo (Philippe Léotard) y la novia de este (Nathalie Baye) acompañan a su madre enferma en sus últimos momentos. Esta película, radicalmente pesimista e intransigente, fue rechazada en su estreno, pero le permitió a la joven actriz conocer a una futura figura clave de la dirección cinematográfica.

Nathalie Baye y Philippe Léotard en La boca abierta (1974)

3. Salve quien pueda (la vida) (Sauve qui peut (la vie), 1980), de Jean-Luc Godard 

Sofisticada, cruda y centrada en el trabajo en equipo, esta obra maestra, que incluía una escandalosa escena de tocamientos grupales, marcó el regreso triunfal de Godard a la gran pantalla. Le valió a la actriz su primer premio César (a la mejor actriz de reparto).

Nathalie Baye en Salve quien pueda (la vida) (1980)

4. Une semaine de vacances (1980), de Bertrand Tavernier 

Una crónica naturalista sobre un tema social atemporal (la vida cotidiana de los docentes) con una galería de personajes frágiles, entre ellos Nathalie Baye, cuya interpretación de una maestra que se derrumba llega a su punto álgido. Desarrolla una imagen de excesiva amabilidad, de la que más adelante intentará desprenderse.

Nathalie Baye en Une semaine de vacances (1980)

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Para ver: “Weapons”, el miedo como fuerza social

Weapons (2025), película estadounidense dirigida por Zach Cregger e interpretada por Josh Brolin, Julia Garner, June Diane Raphael, Benedict Wong, Austin Abrams, Amy Madigan, Alden Ehrenreich, Melissa Ponzio, Toby Huss, Whitmer Thomas, Cary Christopher, Sarah Kopkin, Sergio Duque, Khalani Simon-Barrow, Clayton Farris, Aubrey Brockwell. 

La trama: En el aparentemente tranquilo pueblo de Maybrook, Pensilvania, diecisiete niños desaparecen exactamente a las 2:17 de la madrugada, sin dejar rastro, salvo uno: Alex Lilly (Cary Christopher), un niño callado que sí acude a clase al día siguiente como si nada hubiera pasado. La policía y el FBI entran en acción, los padres revisan grabaciones de seguridad, pero lo inquietante es que todos los niños parecen haber salido por voluntad propia. La tensión se desborda y pronto la maestra Justine Gandy (Julia Garner) se convierte en el blanco del miedo colectivo.

Tras el éxito de Barbarian (2022), Zach Cregger regresa con una apuesta aún más ambiciosa, violenta y salvaje. Comparte su espíritu: una voluntad juguetona de romper las reglas, descolocar al espectador y reinventar el cine de terror desde dentro, con una narrativa fragmentada, mezcla de tonos, personajes al borde del colapso y giros oscuros pero absurdamente brillantes. Lo que parece que va a ser un thriller psicológico rural se transforma poco a poco en otra cosa: un rompecabezas esotérico, paranoico y ultraviolento que recuerda a Stephen King, y los cuentos de los hermanos Grimm Hay segmentos narrados desde distintos puntos de vista: padres destrozados, policías en crisis existencial, adictos, directores de escuela que ocultan cosas y, claro, tías perturbadas que entran en escena como si vinieran directamente de una función escolar del infierno. Disponible en HBO MAX, Movistar Plus+, Amazon Prime Video, YouTube, Google Play, Rakuten TV, Apple TV. 

Efemérides de cine: ¿Quién puede matar a un niño?

El 26 de abril de 1976 se estrenó la película española ¿Quién puede matar a un niño? (Who Can Kill a Child?), dirigida por Narciso Ibáñez Serrador e interpretada por Lewis Flander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, Miguel Narros, Luis Ciges, Marisa Porcel, María Luisa Arias, Antonio Canal, Juan Cazalilla. Productora: Penta Films. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Tom y Evelyn son una pareja de turistas ingleses que viaja a una población costera española para disfrutar al fin de una tardía luna de miel. Sin embargo, cuando llegan, se quedan decepcionados: el lugar es demasiado bullicioso para pasar las tranquilas vacaciones que ellos habían planeado. Deciden entonces alquilar una barca para visitar una pequeña isla en la que Tom había estado cuando era más joven. Su sorpresa será mayúscula cuando descubran que los únicos habitantes de la isla son niños, unos niños que, animados por una misteriosa fuerza, se rebelan contra los adultos.
Nominaciones y premios: Festival de cine fantástico de Avoriaz: Premio de la crítica. 2 nominaciones. 
Comentario: Adaptación de la novela El juego de los niños de Juan José Plans y con música compuesta por Waldo de los Ríos, es el segundo y último largometraje dirigido por Ibáñez Serrador tras su debut en La Residencia (1969). Pese a que su recepción comercial en España, no así en el extranjero, no fue tan buena como otros proyectos de Ibáñez Serrador actualmente se la considera una de las películas más celebrados del fantaterror español y un clásico del cine de terror internacional. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

En cines fue un fracaso, pero en streaming está triunfando: “Sin piedad”

Sin piedad (Mercy, 2026), dirigida por Timur Bekmambetov e interpretada por Chris Pratt, Rebecca Ferguson, Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers, Noah Fearnley, Kenneth Choi, Kali Reis, Rafi Gavron, Philicia Saunders, Jeff Pierre, Jamie McBride.

La trama: Año 2029. Ciudad de Los Ángeles. Desde hace dos años se ha impuesto Mercy, un sistema de inteligencia artificial para agilizar la justicia, en determinados juicios no intervienen seres humanos y se dictan sentencias en 90 minutos, incluso al acabar se aplica la pena capital, muy práctica la silla donde se sientan los acusados. Uno de sus grandes promotores ha sido el inspector de policía Chris Raven, y en efecto, ha bajado drásticamente la criminalidad. Pero Raven se acaba convirtiendo en víctima de su propio monstruo, porque es detenido y acusado del asesinato de su mujer Nicole, de la que se estaba divorciando. Con escaso margen de tiempo debe armar su defensa, con la ventaja de que la tecnología permite rápido acceso a indicios, pruebas y evidencias, o contactar con testigos, en su caso es casi como dirigir una investigación a distancia.

Un thriller de acción que discurre en tiempo real. El ruso Timur Bekmambetov llamó la atención hace 20 años con Guardianes de la noche, pero sus intentos por hacer carrera en Hollywood no han pasado de discretos. Firma el guión el desconocido Marco van Belle. De Raven se nos cuenta que luchaba contra su adicción al alcohol, y que tenía muy mal carácter. Aparecen algunos personajes, compañeros de trabajo o el padrino de alcohólicos anónimos, pero sin gracia alguna, mientras discurre una trama de falso culpable y carrera contra el reloj para demostrar la inocencia, servida de un modo atullurante, con un montaje que no deja que nos detengamos en las imágenes, y un entorno virtual. Disponible en Amazon Prime Video, YouTube, Google Play Películas y Rakuten TV. 

Los 12 mejores wésterns de la década de los 60 (sin incluir ningún spaghetti) (III)

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9. Cometieron dos errores (Hang 'Em High, 1968), de Ted Post

Sinopsis: Oklahoma, 1889. Unos hombres acusan injustamente a Jed Cooper (Clint Eastwood) de haber robado ganado y no dudan en ahorcarlo. En el último instante, lo salva un comisario que trabaja a las órdenes del juez Fentom. Aclarados los hechos y demostrada su inocencia, el juez aconseja a Cooper que olvide lo ocurrido y le ofrece un puesto como comisario. Su misión será capturar vivos a los que intentaron lincharlo para que sean juzgados por el juez. 

Con un impactante inicio y protagonizada por Clint Eastwood y claramente influida por el spaghetti wéstern en su tono, estética y violencia. Cometieron dos errores es también una historia profunda de redención. Realizada entre dos maneras de hacer y entender el wéstern, es por tanto, única.

10. Valor de ley (True Grit, 1969), de Henry Hathaway

Sinopsis: Un viejo agente del Gobierno, alcohólico y tuerto (John Wayne), es contratado por Mattie Ross (Kim Darby), una valerosa y obstinada joven, que se propone capturar al asesino de su padre. Contarán además con la colaboración de La Boeuf (Campbell), un ránger de Tejas. 

Uno de los wésterns crepusculares más grandes de su época, por la amarga historia de un viejo vaquero, por ser uno de los últimos trabajos de Henry Hataway y también de John Wayne que ganó por ella el único Oscar de su carrera. Se trata de una película magnífica, redonda de principio a fin y un bellísimo retrato sobre la vejez y la amistad narrado con una elegancia directa y sencilla.

11. Grupo salvaje (The Wild Bunch, 1969), de Sam Peckinpah

Sinopsis: 1911. La era del lejano Oeste llega a su fin. Pike Bishop (William Holden) atraca un banco con su banda. Pero unos cazarrecompensas, liderados por Deke Thornton (Robert Ryan), antiguo socio de Pike, les han tendido una emboscada. Los hombres de Pike aprovechan un desfile para escudarse tras ciudadanos inocentes. La situación provoca una masacre, pero Pike y otros cuatro forajidos emprenden la huida.

Película de personajes codiciosos, fuertes, solitarios y vencidos por la vida que se reunirán en una última contienda configurando un drama redondo, complejo y modélico con unos irrepetibles William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan y Edmon O’Brien como protagonistas. Su inolvidable final es el adiós definitivo del wéstern clásico.

12. Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid, 1969), de  George Roy Hill

Sinopsis: Un grupo de jóvenes pistoleros se dedica a asaltar los bancos del estado de Wyoming y el tren-correo de la Union Pacific. El jefe de la banda es el carismático Butch Cassidy (Newman), y Sundance Kid (Redford) es su inseparable compañero. Un día, después de un atraco, el grupo se disuelve. Será entonces cuando Butch, Sundance y una joven maestra de Denver (Ross) formen un trío de románticos forajidos que, huyendo de la ley, llegan hasta Bolivia.

Más buddy movie que wéstern y más de los años 1970 que 1960, Dos hombres y un destino es, sobre todo, un icono cultural, son sutiles toques de comedia y el descreimiento de toda película crepuscular. Su irrepetible dúo protagonista, Robert Redford y Paul Newman, están espléndidos y desmelenados y su final agridulce la elevó a la categoría de mítica. Fue la octava película más taquillera de la década.

Hace 100 años: Silence

El 25 de abril de 1926 se estrenó la película estadounidense Silence, dirigida por Rupert Julian e interpretada por Vera Reynolds, HB Warner, Raymond Hatton, Jack Mulhall, Rockliffe Fellowes, Virginia Pearson, Violet N. Cane, Vondell Darr, Virginia Marshall, Josephine Norman. Productora: DeMille Pictures Corporation. Duración: 80 minutos.

Sinopsis argumental: Contada en escenas retrospectivas, secuencia retrospectivas o salto atrás, la historia intenta explicar por qué Jim Warren está a punto de ser ahorcado por un asesinato que no cometió. Jim, un delincuente de poca monta, está enamorado de Norma Drake, pero las circunstancias lo obligan a casarse con Mollie Burke. Norma, que queda embarazada de Jim, se casa con su antiguo novio Phil Powers para que su bebé nazca legítimo.

Comentario: Existen copias de Silence en los Archivos del Cine del CNC en Bois d'Arcy y en la Cinemateca Francesa de París.

Fallece la actriz francesa Nathalie Baye

Nathalie Baye (Mainneville, Eure, 6 de julio de 1948 – París, 17 de abril de 2026) fue una actriz francesa de cine, teatro y televisión. A lo largo de su carrera actuó en más de ochenta películas, convirtiéndose en una de las actrices más prolíficas y versátiles del cine francés. 
Obtuvo cuatro trofeos en los Premios César de un total de diez candidaturas. En 1999 obtuvo la Copa Volpi a la mejor actriz por Una relación privada (Une liaison pornographique) en el Festival de Cine de Venecia. Posteriormente, en 2006 obtuvo la Concha de Plata a la mejor actriz por Mi hijo (Mon fils à moi) en el Festival de Cine de San Sebastián. Asimismo, en 2009 recibió la condecoración de la Legión de Honor francesa, en el grado de Dama. En octubre de 2011, fue presidenta del jurado del 22.º Festival de Cine Británico de Dinard.
Había trabajado con Truffaut (gracias a quien se dio a conocer en La noche americana), Godard, Chabrol, Dolan, Spielberg… Nathalie Baye, una gran actriz y figura clave del cine francés, falleció en París la noche del viernes 17 de abril de 2026, participó en cerca de un centenar de películas. 

Los 12 mejores wésterns de la década de los años 1960 (sin incluir ningún spaghetti) (II)

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5. El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), de John Ford

Sinopsis: Ransom Stoddard (James Stewart), anciano senador del Congreso de los Estados Unidos, explica a un periodista por qué ha viajado con su mujer (Vera Miles) para asistir al funeral de su viejo amigo Tom Doniphon (John Wayne). La historia empieza muchos años antes, cuando Ransom era un joven abogado del este que se dirigía en diligencia a Shinbone, un pequeño pueblo del Oeste, para ejercer la abogacía e imponer la ley. Poco antes de llegar, fue atracado y golpeado brutalmente por Liberty Valance (Lee Marvin), un temido pistolero. 

Obra maestra definitiva de John Ford en la que están presentes los grandes temas de su filmografía como la construcción de nación, la confrontación entre el revolver y las leyes y el viejo y el nuevo Oeste, en definitiva, en torno a los personajes de James Stewart y John Wayne. Es una de las películas más rotundas del director en que deja de manifiesto su idea de la salvación y del hombre.

6. La conquista del Oeste (How the West Was Won, 1962), de Henry Hathaway, John Ford, George Marshall y Richard Thorpe

Sinopsis: La expansión hacia el Oeste protagonizada por los colonos, la anexión de Texas (1845) y la incorporación de Arizona, Nuevo México y California, tras una guerra con México que se salda con la victoria de los Estados Unidos (Tratado De Guadalupe-Hidalgo:1848) suponen un avance espectacular de la frontera norteamericana hacia el Pacífico. La película consta de cuatro episodios sobre la colonización del Oeste que tienen lugar entre 1830 y 1890. Los dos primeros y el último, fueron dirigidos por Hathaway, y el tercero, por Marshall, pero incluye también un interludio, dirigido por John Ford, ambientado en la guerra de Secesión (1861-1865), con un diálogo entre los generales nordistas Sherman (Wayne) y Grant (Morgan). Primera película rodada en Cinerama. El narrador es Spencer Tracy.

Película única por su magnitud, sus varias decenas de estrellas y sus cuatro directores, cuenta a lo largo de cuatro episodios y varias familias, sesenta años de construcción del Oeste. Una grandísima obra que ha pasado a la historia por su apartado técnico más que por la grandeza de su narración, pero que el tiempo y una nueva ola de fans ha conseguido reparar y situar en el lugar que merece.

7. Los profesionales (The Professionals, 1966), de Richard Brooks

Sinopsis: 1917. El millonario Joe Grant contrata a cuatro expertos mercenarios. Su misión consiste en rescatar a la mujer de Grant, secuestrada por Raza, un rebelde mexicano. Dos de los mercenarios habían luchado junto a Raza por la causa de ese país.

El choque del idealismo con la vida real y la lealtad son los temas que trata esta adaptación de la novela A Mule For the Marquesa, de Frank O'Rourke.Claramente influida por los códigos del spaghetti wéstern, es un poderoso wéstern político que reflexiona sobre el paso del tiempo, la edad y la necesidad de redención con Burt Lancaster, Lee Marvin, Robert Ryan, Jack Palance y Claudia Cardinale.

8. Un Hombre (Hombre, 1967), de Martin Ritt

Sinopsis: John Russell (Paul Newman) secuestrado y criado por los indios apache desde cuando era un niño, es ahora un hombre comprometido con su tribu a la que ha aprendido a apreciar y a respetar profundamente. Queriendo vender una casa que ha recibido como herencia, Russell viajará en una diligencia, en compañía de siete personas de diferentes rangos sociales, entre los cuales podrá ver una amplia radiografía de la sociedad a la que, con decisión, ha abandonado para siempre.

Espléndido trabajo de Paul Newman en el género en el da vida a un hombre blanco que ha sido criado por los indios y que cuando tiene la oportunidad de volver con los suyos renegará de la civilización por su crueldad y materialismo. De enorme éxito en su momento, fue una película comprometida y precursora de los grandes temas que el neowestern acabaría tocando unos años después.

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Películas de la semana: 24 de abril

Kraken: El libro negro de las horas

Dirección: Manuel Sanabria, Joaquín Llamas. País: España. Año: 2026. Duración: 111 minutos. Género: Thriller. Intriga. Policíaco. Interpretación: Alejo Sauras, Maggie Civantos, Natalia Rodríguez, Natalia Millán, Aitziber Luma, Martín Urrutia, Ana Gracia, Fernando Soto. Guion: Rocío Martínez Llano, Juan Carlos Cueto, Óscar David Gómez. Novela: Eva García Sáenz de Urturi. Producción: Manuel Sanabria. Música: Pablo García Lozano. Fotografía: Carlos Pérez Gascó. Productora: Isla Audiovisual, Zebra Producciones. Distribuidora: Vértice 360. Estreno en España: 24 de abril de 2026. Sinopsis: Vitoria, 2022. El exinspector y perfilador criminal Unai López de Ayala, alias Kraken, recibe una llamada anónima que cambiará lo que cree saber de su pasado familiar: tiene una semana para encontrar el legendario Libro negro de las horas, una de las 7 exclusivas joyas bibliográficas que existen, si no, su madre, a la que creía muerta desde hace décadas, morirá. Unai vuelve de su retiro para iniciar junto a Esti una angustiosa carrera contrarreloj entre Vitoria y el Madrid de los bibliófilos para trazar el perfil criminal más importante de su carrera, uno capaz de modificar para siempre su pasado.Adaptación de una novela superventas de Eva García Sáenz de Urturi. 

Después de Kim

Dirección: Ángeles González-Sinde. País: España. Año: 2026. Duración: 107 minutos. Género: Drama. Interpretación: Darío Grandinetti, Adriana Ozores, Christian Rosenvige, Gloria March, Kevin Brand, Roger Aranda García, Karina Kolokolchykova. Guion: Ángeles González-Sinde. Novela: Ángeles González-Sinde.  Producción: Gerardo Herrero, Mariela Besuievsky Música: Paula Olaz. Fotografía: Lara Vilanova. Productora: Después de Kim, Voramar Films, Tornasol Media, RTVE, Movistar Plus+, À Punt Mèdia. Distribuidora: Karma Films. Premios y nominaciones: Festival de Málaga: Nominada a mejor película - Biznaga de Oro. Estreno en España: 24 de abril de 2026. Sinopsis: Juan (Dario Grandinetti) y Gloria (Adriana Ozores), divorciados y distanciados desde hace veinte años, viajan desde Buenos Aires a España tras recibir la noticia de que su hija Kim, con la que hace tiempo perdieron el contacto, ha aparecido muerta. Allí descubren que ella ha dejado un hijo que está en paradero desconocido. Esta sorpresa les lleva a quedarse en España para encontrar a su nieto. Hacer ese camino juntos sin caer en los enfrentamientos del pasado será su desafío.

El sonido de la caída

Título original: In die Sonne schauen. Título alternativo: Sound of Falling. Dirección: Mascha Schilinski. País: Alemania. Año: 2025. Duración: 149 minutos. Género: Drama. Adolescencia. Familia. Interpretación: Luise Heyer, Filip Schnack, Lea Drinda, Susanne Wuest, Lena Urzendowsky, Luzia Oppermann, Lucas Prisor, Konstantin Lindhorst. Guion: Louise Peter, Mascha Schilinski. Música: Michael Fiedler, Eike Hosenfeld. Fotografía: Fabian Gamper. Productora: Studio Zentral, ZDF. Distribuidora: Elástica Fims. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Premio del Jurado. 2 nominaciones; Premios del Cine Europeo (EFA): Mejor diseño de vestuario. 8 nominaciones; Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a mejor película - Espiga de Oro; Premios Gotham: 2 nominaciones; Festival de Chicago: 2 premios. Estreno en España: 24 de abril de 2026. Sinopsis: Cuatro niñas, Alma, Erika, Angelika y Lenka, pasan su juventud en la misma granja del norte de Alemania. A medida que la casa evoluciona a lo largo de un siglo, los ecos del pasado perduran en sus paredes. Aunque separadas por el tiempo, sus vidas empiezan a reflejarse. 

Zona 3

Título original: Chien 51. Título alternativo: Dog 51. Dirección: Cédric Jimenez. País: Francia. Año: 2025. Duración: 100 minutos. Género: Ciencia-ficción. Thriller. Inteligencia artificial. Crimen. Distopía. Policíaco. Interpretación: Gilles Lellouche, Adèle Exarchopoulos, Louis Garrel, Romain Duris, Valeria Bruni Tedeschi, Artus, Stéphane Bak, Lala &ce, Hugo Dillon, Cyril Lecomte, Daphne Patakia, Thomas Bangalter. Guion: Olivier Demangel, Cédric Jimenez. Novela: Laurent Gaudé. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Laurent Tangy, Jean-Charles Granjon. Productora: Artemis Productions, Chi-Fou-Mi Productions, Studiocanal, France 2 Cinema, Canal+, Netflix, France TV, Lacoste, Vixens, Région Ile-de-France, CNC, Région Provence Côte d'Azur, Métropole Aix-Marseille, Soficinéma, Shelter Prod, Taxshelter. be, Le Tax Shelter du Gouvernem. Distribuidora: Flins y piniculas. Premios y nominaciones: Premios César (Francia): 2 nominaciones; Festival de Sitges: Nominada a mejor película. Estreno en España: 24 de abril de 2026. Sinopsis: París, 2045. La población de la capital está controlada por una inteligencia artificial llamada Alma, y dividida en tres zonas. Cada zona agrupa a la misma clase social. Un día, el creador de la IA es asesinado. La investigación se confía a Salia, una mujer policía de la zona 2, y a Zem, un policía de la zona 3.

La risa y la navaja

Título original: O Riso e a Faca. Título alternativo: I Only Rest in the Storm. Dirección: Pedro Pinho. País: Portugal. Año: 2025. Duración: 211 minutos. Género: Drama. África. Secuestros. Desapariciones. Interpretación: Sérgio Coragem, Cleo Diára, Jonathan Guilherme, Jorge Biague, Binta Rosadore, Nástio Mosquito. Guion: Pedro Pinho, Miguel Seabra Lopes, Luisa Homem, Marta Lança, José Filipe Costa, Miguel Carmo, Tiago Hespanha, Leonor Noivo, Luís Miguel Correia, Paul Choquet. Música: Carpotxa, Mazulu. Fotografía: Ivo Lopes Araújo. Productora: Coproducción Portugal-Francia-Brasil-Rumanía; Uma Pedra no Sapato, Terratreme Filmes, Still Moving, Bubbles Project, deFilm. Distribuidora: Vitrine Films. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Un Certain Regard: Mejor actriz. 2 nominaciones; Festival de Valladolid - Seminci: Premio Punto de Encuentro; Premios Sophia: 4 nominaciones. Estreno en España: 24 de abril de 2026. Sinopsis: Sergio viaja a una metrópolis de África Occidental para trabajar como ingeniero ambiental en la construcción de una carretera que unirá el desierto y la selva. Allí entabla una relación estrecha, aunque un tanto desequilibrada, con dos habitantes de la ciudad, Diara y Gui. Pronto descubre que un ingeniero italiano, al que le han asignado la misma misión que a él unos meses antes, ha desaparecido misteriosamente.

Aisha no puede volar

Título original: Eayshat lam taeud qadiratan ealaa altayaran. Título alternativo: Aisha Can't Fly Away. Dirección: Morad Mostafa. País: Egipto. Año: 2025. Duración: 131 minutos. Género: Drama. Terror. Inmigración. Interpretación: Buliana Simona, Ziad Zaza, Emad Ghoniem, Mamdouh Saleh. Guion: Morad Mostafa. Música: Amin Bouhafa. Fotografía: Mostafa El Kashef. Productora: Coproducción Egipto-Túnez-Catar; Bonanza films, Nomadis Images, CineWaves Films, MAD Solutions, Mayana Films. Premios y nominaciones: Mostra de Valencia: Palmera de Oro - mejor película; Festival de Cannes: Nominada a Un Certain Regard: Mejor película. Estreno en España: 24 de abril de 2026. Sinopsis: Aisha es una cuidadora sudanesa de 26 años que vive en un barrio del centro de El Cairo donde es testigo de las tensiones entre sus compañeros inmigrantes africanos y las bandas locales. Atrapada entre una relación indefinida con un joven cocinero egipcio, un gángster que la chantajea con un trato poco ético a cambio de seguridad y una nueva casa que le asignan para trabajar, Aisha lucha por sobreponerse a sus miedos y batallas perdidas, haciendo que sus sueños se crucen con la realidad y llevándola a un callejón sin salida. Aisha no puede volar es la ópera prima del director egipcio Morad Mostafa.

Quién vio los templos caer

Dirección: Lucía Selva. País: España. Año: 2025. Duración: 72 minutos. Género: Documental. Inmigración. Familia Reparto: Documental, José Fernández, Anas Derbal. Narrador: Curro Albaicín. Guion: Lucía Selva, Joan López Alonso. Producción: Guillem Mula Blanch, Daniel Peña, Alejandro González Clemente, Irene M. Borrego. Música: Martí Valverde. Fotografía: Jan Haase. Montaje: Alicia Tapounet y Lucía Selva. Productora: Mubox Studio, 59 en Conserva. Distribuidora: Les Films de la Resistance, Mubox Studio. Premios y nominaciones: Mención Especial del Jurado en el prestigioso CPH:DOX de Copenhague. Estreno en España: 24 de abril de 2026. Sinopsis: Desde hace dos siglos, Chorrojumo, el que un día fue 'el Rey de los Jitanos', deambula en silencio por las calles de Granada. La llegada de Anas, un joven marroquí en busca de la casa de sus antepasados, inicia una búsqueda por las ruinas de la ciudad en transformación. El primer largometraje de Lucía Selva es toda una investigación estética en torno a su ciudad de origen. Por las laberínticas calles de Granada vaga desde hace dos siglos el emblemático Chorrojumo, otrora “rey de los gitanos”, hasta toparse con un joven marroquí al que ayuda en la búsqueda de la casa de sus antepasados. Poblada de misteriosas imágenes y evocadores paisajes sonoros, esta docuficción difumina pasado y presente, sucesos reales y leyendas locales, testimoniando el doble proceso de destrucción de la urbe: la homogeneización de su identidad cultural y la preservación obsesiva de su fachada monumental como producto de consumo. En un contexto de crisis habitacional y gentrificación, la joven cineasta lanza sobre esas ruinas un encantamiento visual, a la vez carta de amor y despedida.

Esperanza viva

Dirección: Marcel Montealegre Talero. País: España. Año: 2026. Duración: 74 minutos. Género: Documental. Religión. Reparto: Documental. Guion: Marcel Montealegre Talero. Música: Nahúm Sánchez de la Madrid. Fotografía: Pablo Herrero. Productora: Camino Verdad y Vida Producciones. Distribuidora: European Dreams Factory. Estreno en España: 24 de abril de 2026. Sinopsis: Documental español que recoge un puñado de testimonios sobre la capacidad de superación del ser humano cuando la desgracia aparece en sus vidas. La infelicidad puede llegar por efecto de una dolorosa pérdida, de la ruina económica y familiar, de una catástrofe natural, del contraste de la vida personal con la miseria de los más necesitados, de una crisis existencial fruto del vacío interior, de la insatisfacción de una vida sin alicientes, etc. Esperanza Viva explora así las vivencias de varias personas que en esas situaciones han cambiado sus vidas, casi siempre a través de la fe católica en Jesucristo, y han descubierto que darse a los demás ha llenado de sentido sus vidas. El director y guionista Marcel Montealegre ofrece un puñado de historias ubicadas en España, con declaraciones de Ángel Custodio (empresario cuyas negocios quebraron y tuvo que vivir años en la calle), Javier Lacalle y María Cuvillo (matrimonio que perdió a su hija en un accidente), Javier Cascón (que con su esposa acoge a sin techo en casas), Chules de Alba (que da de comer a cientos de familias), Aisha (rapera que habla de Cristo y sus conversión en sus canciones), Salvador Romero (párroco de Paiporta que sufrió las inundaciones de la Dana) y también de unas cuantas personas más. Para componer la unidad del relato se introducen entre los testimonios escenas-bisagra de dos sacerdotes intercambiando reflexiones con sentido sobrenatural. 

Maracuda

Título original: Marakuda. Título alternativo: The Myth of Marakuda. Dirección: Viktor Glukhushin. País: Rusia. Año: 2025. Duración: 90 minutos. Género: Animación. Infantil. Aventuras. Prehistoria. Cine familiar. Paternidad. Reparto: Animación. Guion: Aleksandr Arkhipov. Música: Mikhail Chertishchev. Fotografía: Animación. Productora: Animatsionnaya studiya Voronezh, Kinokompaniya CTB. Estreno en España: 24 de abril de 2026. Sinopsis: Maracuda, hijo de un respetado líder tribal, lucha por estar a la altura de las expectativas de su padre. Se aventura en un bosque misterioso para probarse a sí mismo y se encuentra con Tink, un pájaro extraterrestre mágico, y juntos se embarcan en increíbles aventuras en el bosque de la Edad de Piedra habitado por ardillas dientes de sable, adorables suricatos e incluso dinosaurios. En medio de sus aventuras, Tink transforma involuntariamente al padre de Maracuda en una pequeña criatura, lo que lleva al niño a enseñarle a Tink cómo controlar sus poderes. A medida que navegan a través de los desafíos, Maracuda aprende sobre la responsabilidad, mientras que su padre tiene que mostrar más comprensión y compasión. Maracuda enseña la lección vital de aprovechar la fuerza interior, enfatizando la importancia del autodescubrimiento. La película también ayuda a construir el puente de la brecha generacional y promueve la empatía entre los niños y los padres, fomentando un vínculo más profundo.

Retrospectiva: Capitanes intrépidos

Capitanes intrépidos (Captains Courageous, 1937), dirigida por Victor Fleming e interpretada por Spencer Tracy, Freddie Bartholomew, Lionel Barrymore, Melvyn Douglas, John Carradine, Charley Grapewin, Mickey Rooney, Oscar O'Shea, Jack La Rue. Disponible en Amazon Prime Video, Google Play Películas, Apple TV. 

Spencer Tracy y Freddie Bartholomew en Capitanes intrépidos (1937)

La trama: Harvey Cheyne (Freddie Bartholomew) es un caprichoso y malcriado niño rico que está haciendo un crucero con su padre. Inesperadamente, cae por la borda del yate y es rescatado por un barco de pesca al mando de un intrépido capitán (Lionel Barrymore). El pesquero tiene que acabar la larga campaña de pesca antes de llevar al chico a tierra firme. Harvey, al principio a regañadientes, conseguirá adaptarse a la dura vida en alta mar gracias a su íntima relación con Manuel (Spencer Tracy), un bondadoso marinero portugués que ejercerá sobre el niño una benéfica influencia.

Spencer Tracy, Freddie Bartholomew y Lionel Barrymore en Capitanes intrépidos (1937)

Curiosidades: Basada en la novela homónima de Kipling, publicada en 1897, la mezcla de aventuras marineras y el tierno drama consiguió una maravillosa y conmovedora película que se instaló en el corazón de varias generaciones. En el recuerdo, un Spencer Tracy insuperable (atención a la emocionante escena en la que el chico le dice: "I want to be with you, Manuel" -Yo quiero estar contigo, Manuel-, dos rostros empapados de una sinceridad desarmante). La magnífica interpretación de Tracy sería galardonada con un Oscar de la Academia. Inolvidable la tonadilla "Ay, mi pescadito...".

Los 12 mejores wésterns de la década de los 60 (sin incluir ningún spaghetti) (I)

El género en esos años estaba en uno de sus momentos más ricos y diversos. Entre el cine de las grandes llanuras, la toma de los fuertes y los pioneros y el descreimiento de los antihéroes implacables y profundamente solitarios, se yergue el wéstern de la década de los años 1960 en uno de sus momentos más ricos y diversos. Aquí ofrecemos sólo doce repitiendo sólo una vez de director.

1. Los siete magníficos (The Magnificent Seven, 1960), de John Sturges

Sinopsis: Los humildes habitantes de un pueblo mexicano, que viven modestamente de la agricultura, se hallan a merced de una despiadada banda de forajidos que constantemente les exigen un pago por sus cosechas. Como ellos no saben defenderse, deciden contratar los servicios de siete pistoleros, siete implacables mercenarios cada uno con una habilidad especial en el manejo de las armas.

Sobrio remake de Los sietes samuráis de Kurosawa pese a que la banda sonora de Elmer Bernstein le otorgó un tono casi festivo cuando está lejos de ser una película amable. Pese a contar con Yul Bryner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach y James Coburn fue un fracaso de taquilla, aunque el tiempo la ha catapultado a la categoría de clásico.

2. El último atardecer (The Last Sunset, 1961), de Robert Aldrich

Sinopsis: Brendan O'Malley (Kirk Douglas), un antiguo pistolero, llega a México para buscar a Belle Breckenridge (Dorothy Malone), que resulta estar casada con un borracho (Cotten). Éste le pide ayuda para conducir un rebaño a Texas. Tras los pasos de O'Malley va Dana Stribling (Rock Hudson), un vengativo sheriff que tiene motivos personales para arrestarlo. 

Con guion de Dalton Trumbo, cuenta la historia de un pistolero a quien contrata una antigua amante para llevar sus reses a Texas. Kirk Douglas, Dorothy Malone, Joseph Cotten y Rock Hudson construyen un relato sobre la obsesión, el odio, el desprecio y la revancha de la mano de Robert Aldrich que formó parte de la generación de directores que renovarían los cánones del viejo Hollywood.

3. El rostro impenetrable (One Eyed Jacks, 1961), de Marlon Brando

Sinopsis: Tras el atraco a un banco fronterizo, Johnny Río es traicionado por Dad, su mejor amigo y compañero de correrías. Apresado por la policía mexicana, pasa cinco amargos años en la prision de Sonora, durante los cuales, vive obsesionado con la idea de vengarse del traidor. Tras ser puesto en libertad, visita a Dad, que se ha convertido en un hombre respetable y es el sheriff de Monterrey. Cuando Dad le presenta a su hijastra Louisa, Jonnhy queda prendado de su belleza y la seduce.

La única película dirigida por Brado es absolutamente irrepetible, pues junto a Karl Malden protagoniza una historia de venganza atípica y fantasmagórica, abstracta casi, que se hizo con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Es una película lastimera, luminosa y cruel que la Paramount destrozó en la sala de montaje y que, con todo, es una maravilla.

4. Duelo en alta sierra (Ride the High Country AKA Guns in the Afternoon, 1962), de Sam Peckinpah

Sinopsis: Dos viejos amigos se asocian para escoltar un cargamento de oro desde las minas de Alta Sierra hasta un banco. Uno de ellos (Joel McCrea) es un hombre honrado que sólo se propone hacer bien su trabajo; el otro (Randolph Scott), en cambio, carece de escrúpulos y proyecta robar la valiosa mercancía.

Ellos son Randolph Scott y Joel McCrea y juntos protagonizan una de las mejores finales de la historia del wéstern en una película soberbia y sobrecogedora sobre la lealtad y el honor en el otoño de la vida. Y la estupenda y lírica banda sonora de George Bassman engrandece el aire crepuscular de la película. Se trata de uno de los primeros éxitos de Sam Peckinpah.  

(cont.)

Películas de la semana: 23 de abril

Sidosa

Dirección: Lluís Galter, Màrius Sánchez. País: España. Año: 2026. Duración: 94 minutos. Género: Documental. Enfermedad. SIDA. Biográfico. Reparto: Documental. Intervenciones: Edurado Casanova. Jordi Évole, Mariola Fuentes, Lucía Díez. Guion: Lluís Galter, Màrius Sánchez, Jordi Évole. Producción: Jordi Évole. Fotografía: Bernat Sampol. Productora: Producciones del Barrio, Atresmedia. Estreno en España: 23 de abril de 2024. Sinopsis: Todo el mundo le ha dicho que no lo haga, pero Eduardo Casanova ya no puede más y necesita contarlo. Jordi Évole le acompaña en la revelación más íntima y trascendente de su vida: Eduardo tiene VIH desde los 17 años. Pero antes de contarlo públicamente, necesita hablarlo con algunas de las personas que le han acompañado durante estos años: su doctor, su enfermera, sus amigos. Un viaje catártico con humor, emoción, memoria y cine, que nos permite entender la realidad de las personas con VIH hoy en día y conocer mejor quién es Eduardo Casanova. Sidosa: el documental sobre el VIH que busca romper el estigma en España. 

Hace 100 años: Qualen der Nacht

El 23 de abril de 1926 se estrenó la película alemana Qualen der Nacht, dirigida por Curtis Bernhardt e interpretada por Claire Rommer, Ernst Verebes, William Dieterle, Fritz Rasp, Alexander Granach, Margarete Kupfer, Hermann Vallentin. Productora: Ikarus Film. Duración: 72 minutos. 

Sinopsis argumental: Kurt Elversam, hijo de un fabricante de cigarros, desea emigrar con su amada, Minnie Hinrichsen, quien fue despedida de su trabajo debido a los prejuicios de clase de su padre. Sin embargo, en su viaje a través del océano, los dos amantes solo llegan hasta Rotterdam . Ya sin dinero, Kurt busca trabajo y encuentra empleo como palero de carbón en el puerto. Inicialmente, la pareja se hospeda en el hotel del sórdido Sr. Murphy, pero después de que el hotelero comienza a acosar a Minnie, ella y Kurt deciden mudarse a la casa de campo de Jap Geel, colega holandés de Kurt. En un baile, los dos amantes y Jap se encuentran nuevamente con el persistente Murphy, quien no deja de acosar a Minnie. Esta vez, es Jap quien protege a la joven de sus insinuaciones.  Al día siguiente, Kurt y Jap tienen que trabajar en el turno de noche, dejando a Minnie sola. Atormentada por la angustia, Minnie abandona su alojamiento y sale a la calle, donde se desmaya. Allí encuentra a Murphy tendido en el suelo y la lleva a su hotel. Al despertar, Minnie se horroriza al encontrarse de nuevo en las garras de Murphy e intenta escapar de él y de su intento de violación. Murphy la persigue, pero su camarero, igualmente inescrupuloso y criminal, lo detiene y lo estrangula durante el forcejeo. Cuando Kurt regresa del trabajo y se entera de que Minnie ha vuelto a caer en las garras de Murphy, huye inmediatamente. En la zona del puerto, un detective enviado por su padre desde Alemania lo localiza y, siguiendo las instrucciones, lo trae de vuelta a casa. Minnie permanece en Rotterdam y encuentra un nuevo amigo y un nuevo amor en el leal Jap.

Comentario: La película, dividida en seis actos y estuvo prohibida para menores.