Biografías de cine: Mel Brooks

Productor chiflado, médico loco, cineasta demente... sí, Mel Brooks es todo eso. Pero debajo del hombre divertido se encuentra un director ambicioso con aires de triunfador.

Debido a que Mel Brooks procede de la televisión, donde se dedicaba a escribir gags, sus películas se han visto calificadas por algunos críticos como “cajones de sastre, en los que cabe lo mejor y lo peor”, y como “nada más que la suma de sus partes”. Es innegable que esos análisis tienen en parte razón aplicados a sus primeras obras, pero la lograda conjunción de fondo y forma de su cuarto largometraje, El jovencito Frankenstein (Young Frankestein, 1974) demuestra que Brooks es algo más que un simple hilvanador de gags[1]. Con Peter Boyle (el monstruo), Madeline Kahn (Elizabeth), Gene Wilder (Dr. Frankestein), Martin Feldman (el asistente jorobado Igor). La película es una parodia del cine de terror, en particular de las adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley, Frankenstein, en concreto las producidas por Universal hacia las cuales esta película hace un cariñoso homenaje. Esto se refleja en el hecho de que la mayoría de las piezas del laboratorio son las mismas que las usadas en la película El doctor Frankestein (Frankenstein) de 1931, diseñadas por Ken Strickfaden. Para reflejar más eficazmente la atmósfera de aquellas viejas películas, Brooks rodó la suya en blanco y negro, una rara elección en aquella época. En 2003 fue considerada como "culturalmente significativa" por el National Film Preservation Board (Comité Nacional de Preservación de Películas) de Estados Unidos y elegida para su conservación en el National Film Registry de la biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Premio Hugo a la mejor presentación dramática. Premio Nébula al mejor guion, Mel Brooks y Gene Wilder (1976). Haay que destacar la escena en la que se dicen cariñosamente adios en la estación llena de humo, Wilder y la Kahn realizan una deliciosa parodia de Anna Karenina (1935) de Clarence Brown. Y, tras seducir a Elizabeth, el monstruo enciende simultáneamente dos cigarrillos con el aplomo románticos, demostrado por Paul Henreid en La extraña pasajera (Now, Voyager, 1942) de Irving Rapper, (a su vez, tomada de una película de 1932).

El mismo señaló que sus películas están muy bien construidas. Sus argumentos son mejores que los de la mayoría de las historias de acción y aventuras que tuvo ocasión de ver. A sus películas se les podía despojar de sus aspectos cómicos, y la trama seguiría funcionando a la perfección, sin embargo, los críticos consideraron que, al tratarse de comedias, debían ser necesariamente una especie de potpurrí  e chistes sin la menor base, sin un núcleo argumental, sin un punto de vista filosófico o psicológico. El fondo de la cuestión es cómo se comportan los seres humanos.
A diferencia de la mayoría de los críticos de cine, Mel Brooks es un hombre sumamente divertido y dotado de una prodigiosa imaginación. Sólo a él se le ocurriría la idea de rodar una película totalmente muda en plenos años 1970, convencer a la 20th Century-Fox para que la produzca y demostrar luego triunfantemente que “el silencio es oro” superando anteriores récords de taquilla tanto en Estados Unidos como en otros países. Su audaz sentido del humor se ha manifestado de formas muy distintas:

• Desde la negrura de Los productores (The Producers, 1967), su primera
  
  película de la que fue además  guionista y autor de los textos musicales -logró el Oscar al mejor guión original-.  La base de esta película fue una novela escrita por él mismo, Los productores. Una vez alejado de la televisión, Mel Brooks pudo destacar en lo que realmente le gustaba hacer: irritar y molestar a la gente. Los productores suscitó vitriólicos comentarios entre los críticos norteamericanos, aunque fue mucho mejor recibida por los europeos cuando se estrenó en 1969. Quizá esta polarización de las opiniones tenga que ver con la forma en que la comedia de Brooks ataca los valores tradicionales y el despilfarro. La escena inicial de la película bastó ya para incomodar a mucha gente. Max Bialystock, un empresario teatral arruinado es mostrado abrazando a una serie de mujeres mayores con la esperanza de sacarles dinero para montar su próxima producción. Dado que Max estaba interpretado por Zero Mostel, que recurría a su amplio muestrario de gestos excéntricos y soeces, la sensación de disgusto fue doble. Cuando Leo Bloom, su neurótico contable, de la firma Whitehall y Marx, colaboradora del servicio de inspección de la Hacienda Pública, le muestra sin querer cuál es la forma segura de ganar dinero: vendiendo un excesivo número de acciones de sus montajes y procurando que éstos sean un rotundo fracaso, se inicia una frenética búsqueda de la peor obra de teatro del mundo. Encuentran entonces un drama musical escrito por un nazi, Primavera para Hitler (Springtime for Hitler), contratan a un desastrado hippy para interpretar a Hitler, y a un director de escena totalmente incompetente. Gene Wilder, que interpreta el papel del contable, resulta increíblemente divertido y la primera hora de Los productores resulta hilarantemente divertida, culminando con la indignación del público la noche del estreno. La enorme inventiva y la audacia de Brooks quedan demostradas en el plano picado en el que se ve a un grupo de coristas con botas (a lo Busby Berkeley) formando una cruz gamada sobre el escenario. A pesar de su anticlimática media hora final, Los productores sigue siendo una impecable muestra de ferocidad y mal gusto y la película preferida por el propio Brooks.

• Hasta la escatológica de Sillas de montar calientes (Blazing Saddles, 1974), de la que fue actor (interpreta varios papeles secundarios), director y guionista. Una parodia del cine del oeste, pero con la historia de un sheriff negro en lucha contra una banda de bandidos. Para el 1875, Bart (Cleavon Little) estaba a punto de ser colgado de una soga, pero le perdonan la vida para nombrarlo comisario de Rock Ridge, ahora su vida vuelve correr peligro, el pueblo no solamente está bajo tensión, caos y desorden, ¡él es el primer “sheriff” negro del oeste! La ciudad de Rock Ridge está gobernada por William J. Lepetomane (Mel Brooks), un corrupto y manipulador político que lo único que le interesa es acostarse con su secretaria. Este tiene una agenda oculta con su ayudante Hedley Lamarr (Harvey Korman), la construcción de la línea de ferrocarril llegara al pueblo, pero los habitantes ya son propietarios de sus propios terrenos. ¿Qué hacer para echarlos? Nombrar a un nuevo sheriff incapaz de hacer reinar la paz y el orden público, ¡preferiblemente negro! Bart sin embargo, contará con el apoyo del pistolero más rápido del mundo, Jim Waco Kid (Gene Wilder).

• Pasando por la coherencia estilística y el tono de parodia de la ya citada El jovencito Frankenstein o la satírica El misterio de las doce sillas (The Twelve Chairs, 1970), basada en la satírica novela, The Twelve Chairs (1928), de los periodistas soviéticos Ilya Ilf (1897-1937) y Yevgeni Petrov (1903-1942), mejor conocidos como Ilf y Petrov La novela fue previamente filmada como It's in the Bag! (1945) de Richar Wallace.  Ambientada en Rusia en 1927, el antes aristócrata Ippolit, bajo el nuevo régimen soviético, no es más que un empleado administrativo ruso. Al descubrir que su moribunda suegra escondió las valiosísimas joyas de la familia en una de las doce sillas de un juego de comedor, se lanza a atravesar Rusia para dar con ellas. En su aventura lo acompañan un oportunista (Ostap Bender, interpretado por Frank Langella), un cura (el padre Fiodor, interpretado por Don Deluise) y su antiguo criado, todos a la caza de la silla. 

Nacido en Brooklyn en  Nueva York, el 28 de junio de 1926, su verdadero nombre es Melvin Kaminsky y, como su apellido indica, es de ascendencia 

judía. A los 14 años adoptó el apellido Brooks (el de su madre de soltera) e intentó contrarrestar su aspecto gris contando chistes e impresionando favorablemente a la gente. Durante la Segunda Guerra Mundial perteneció al cuerpo de ingenieros de la US Army y es allí donde dio sus primeros pasos de cómico parodiando en la radio del Ejército los mensajes de propaganda nazi que se podían oír en la radio alemana. Fue en los serios años 50, la era de Eisenhower y de la caza de brujas de McCarthy, cuando Brooks irrumpió en el mundo del espectáculo escribiendo gags para la televisión. Lo hizo para el show de Sid Caesar durante diez años, dedicándose muchas veces a satirizar películas japonesas y suecas. Entre sus compañeros figuraban dos hombres que posteriormente habrían de hacerse tan famosos como él: Woody Alien y Neil Simón. Luego colaboró con otro destacado humorista, Buck Henry, en la serie televisiva Superagente 86 (Get Smart, 1965-1970), con 138 episodios. Una especie de burla de las películas de agentes secretos de mediados de los 60, sobre todo las de James Bond.

Algunos consideran La última locura (Silent Movie) como el homenaje de Brooks a los actores cómicos del cine mudo, pero en realidad se trata de una comedia absolutamente moderna. El mundo está loco, loco, loco, loco, (1963), La carrera del siglo (1965) y Aquellos chalados en sus locos cacharros (1965) tenían más en común con la tradición del slapstick [2], que esta película de Brooks, que triunfa sobre todo por su capacidad de provocar la complicidad del público y de mostrar el absurdo inherente a todas las fórmulas dramáticas y mecanismos melodramáticos. Rodada en 1976, La última locura se limita a narrar la historia del Mel Funn (el propio Brooks), un director de cine ex alcohólico que planea salvar a un estudio produciendo una multimillonaria película muda. El humor, predominantemente visual, de La última locura se ve complementado por disparatados rótulos intercalados en medio de la acción. Las ideas divertidas de esta obra son numerosísimas, y lo increíble no es que algunas de ellas no funcionen, sino que haya tantas que funcionen bien. Parodiando el cine bélico, el musical, la alta comedia y el cine de suspense, Mel Brooks mantiene su promesa de hacer la película más ruidosa de la historia, pues en los efectos sonoros de La última locura son constantes y ensordecedores [3].

Su siguiente trabajo fue la decepcionante Máxima ansiedad (High Anxiety, 1977), una recargada parodia del cine de Hitchcock, en la que Brooks encarnaba al director de un hospital para neuróticos. Brooks, Madeline Kahn, Harvey Korman y Cloris Leachman realizan eficaces interpretaciones; pero, en su conjunto, la película resulta fallida, debido quizá a que el estilo del mago del

suspense no resulta fácil de imitar. Y como el propio Brooks señaló: "La comedia es una forma artística seria. Supera casi siempre al drama. La comedia puede resultar mucho más eficaz y demoledora, debido a que no intenta reproducir o suplantar la realidad. Cuando es buena, la comedia muestra las verdades eternas del comportamiento humano, y de ahí que sea más importante que el drama. Mi trabajo es de lo más sencillo. Me limito a observar, a extraer deducciones y a formular comentarios sobre lo que veo."

En 1981, rueda La loca historia del mundo (History of the World: Part I), de la fue actor, director, guionista y productor. Es una visión irreverente de la evolución de la historia, desde la aparición del primer hombre hasta la Revolución Francesa. La Última Cena es captada a través de los ojos de un atormentado camarero. El Imperio Romano es más alocadamente corrompido de lo que DeMille jamás pudiera soñar. Se divulgan los secretos de la Revolución Francesa. E incluso los ritos tribales del hombre prehistórico aparecen desnudos.

En 1983 realiza una una parodia de la saga La guerra de las galaxias (Star Wars) de George Lucas, aunque también incluye guiños a otras películas como Star Trek, Alien, el octavo pasajero, El planeta de los simios, El mago de Oz, El puente sobre el río Kwai y Acorralado. El planeta Spaceball intenta "robar" la atmósfera del vecino Druidia secuestrando y pidiendo rescate por la princesa Vespa. El inventor de la trama es Dark Helmet -Rick Moranis-, pero se las tendrá que ver con Lone Starr -Bill Pullman-.

Ese mismo año participa, pero solo como actor, en la película Soy o no soy (To be or Not To Be) de Alan Johnson, con la que era su esposa Anne Bancroft . Un mediocre actor polaco intenta hacer una representación teatral en la que entretiene a las tropas polacas parodiando a Adolf Hitler, cuando es interrumpido por la Segunda Guerra Mundial. Su mujer tiene el molesto hábito de entretener a los soldados polacos mientras él se halla en la escena, lo cual le sume en grandes enfados. Cuando uno de los oficiales regresa en una misión secreta tras la caída de Polonia, el actor dirigirá un disparatado plan de huida.  Remake de la obra maestra de Lubitch, Ser o no ser (To Be or Not To Be, 1942).

En 1991 escribe, dirige y actúa en ¡Que asco de vida! (Life Stinks), en la que el director de una gran empresa inmobiliaria propone a algunos de sus socios una curiosa apuesta: si el no es capaz de sobrevivir durante 30 días en uno de los barrios más pobres de Los Ángeles sin un céntimo en el bolsillo, entonces perderá su puesto. En su exilio, en medio de la calle, descubrirá la otra cara de la vida: la miseria.

Las locas, locas aventuras de Robin Hodd (Robin Hood: Men in Tights) es una película de 1993. Retoma la fábula de Robin Hood en forma de comedia. Las bases de la leyenda se mantienen igual, pero implementa nuevos elementos y personajes a fin de hacer una película al estilo humorístico del director. Robin de Loxley regresa a Inglaterra después de varios años de ausencia y se encuentra un reino sumido en el caos. Ahora debe vivir como un forajido y será protagonista de numerosas aventuras.

Aprovechando el tirón de Drácula de Bram Stocker (Bram Stocker's Dracula, 1992) dirigida por  Francis Ford Coppola, Brooks realiza Drácula, un muerto muy contento y feliz (Dracula: Dead and Loving It, 1995). Drácula abandona su viejo castillo de Transilvania y se traslada a Londres en busca de sangre fresca. Su apetito se despertará cuando conozca a la prometida y a la hermana de un notario.

Mel Brooks también ha sido el productor de El hombre elefante de David Lynch (1980) y de La mosca de David Cronenberg (1986). Para producir estas películas tan ajenas a su estilo tuvo que crear la empresa Brooksfilms, para evitar que el público, al ver en los carteles "Mel Brooks presenta", pensase de inmediato en una comedia.

En 2008, también escribe y dirige Spaceballs: La serie animada (Spaceballs: The Animated Series) (Serie de TV), de 13 capítulos, que retoma a los personajes de la película homónima de 1987. A su vez, hay capítulos que parodian en concreto a otras películas, como ser: El señor de los anillos, Harry Potter, y Los piratas del caribe.

En 2009 recibió el Premio Kennedy del gobierno estadounidense y el 25 de abril de 2010 recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su trayectoria cinematográfica.

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[1]Término inglés para definir la representación de una situación cómica,  generalmente sin el uso de palabras.

[2]Traducido del inglés como bufonada o payasada. Es un subgénero de la comedia que se caracteriza por presentar acciones exageradas de violencia física que no derivan en consecuencias reales de daño.
[3] Recientemente esta fórmula, la película muda, se ha vuelto a poner de moda y con mucho éxito, en algunos casos. He aquí algunos ejemplos: Film ist a Girl & Gun (2009) de Gustav Deutsch; Kasa okupada (2010) de Rafael Arévalo; Louis (2010) de Dan Printzker; The Artist (2011) de Michel Hazanavicius; Blancanieves (2012) de Pablo Berger, Silent Life (2014) de Vladislav Kozlov, entre otras.

Biografías de cine: Víctor Erice

Víctor Erice Aras (Carranza, Vizcaya, 30 de junio de 1940) nació en Carranza (Vizcaya) en 1940. Con pocos meses se trasladó con su familia a San Sebastián, donde vivió hasta los diecisiete años. Tras acabar el bachillerato se afincó en Madrid.

Allí estudió Ciencias Políticas y Derecho en la Universidad Central y después entró a estudiar en el Instituto de investigaciones y experiencias cinematográficas (1961). Con sus primeros proyectos cinematográficos hace crítica de cine en publicaciones como Cuadernos de Arte y pensamiento o Nuestro cine. También trabaja en diversos oficios cinematográficos, por ejemplo, de guionista para Miguel Picazo, en Oscuros sueños de agosto y Antonio Eceiza El próximo otoño y como actor en Antoñito vuelve a casa, de Manuel Revuelta.

En 1963 su proyecto de fin de carrera, el mediometraje Los días perdidos, representa a la Escuela Cinematográfica Española en el XI Festival Cinematográfico de San Sebastián, durante los Encuentros Internacionales de escuelas de cine.

En 1969 participa con un segmento en el largometraje colectivo Los desafíos, junto a Claudio Guerín y José Luis Egea, con participación de Rafael Azcona en el guion. Los tres directores habían sido escogidos por Elías Querejeta como los más prometedores de los graduados en la Escuela de Cinematografía.

Segunda etapa: Largometrajes en solitario (1973-1993)

En 1973 realiza su primera película en solitario: El espíritu de la colmena, inicialmente una película de terror de encargo, escrita junto al crítico y guionista Ángel Fernández Santos. Debido a la falta de medios, los dos aprovechan la ocasión para convertirla en una obra más personal y menos ceñida al género fantástico. La película resultó ganadora en el festival cine de San Sebastián, recibió el Hugo de Plata en el festival de Chicago y fue reestrenada en 2004. Ocurrió en un pueblo castellano a mediados de los años cuarenta, es decir, en plena postguerra. Un domingo, Isabel y Ana, dos hermanas de ocho y seis años respectivamente, vieron la película "El Doctor Frankenstein". A la pequeña le causó tal impresión que no dejaba de hacer preguntas sobre el monstruo a su hermana mayor. Cierto día, la familia se dio cuenta de que Ana había desaparecido de la casa. Y mientras todo el pueblo la buscaba, ella consiguió ver a Frankenstein reflejado en las aguas del río por la luz de la luna. Y desde entonces lo sigue invocando…

Después de estrenar su película, Erice se dedicó un tiempo a la realización publicitaria y de programas en televisión española.

Más adelante conocerá a la escritora Adelaida García Morales, con la cual mantendrá una relación de pareja durante varios años, que en lo artístico dará como resultado El sur (1982), película basada en un relato de ésta publicado en la editorial Anagrama. El sur fue presentada con gran éxito en el festival de Cannes y ganó varios premios en otros como el de Chicago y Sao Paulo. “La Gaviota” es una casa con veleta situada a las afueras de una ciudad del norte de España. En ella viven Agustín, médico y zahorí, su mujer Julia, maestra represaliada durante la Guerra Civil, y Estrella, la hija de ambos. Estrella recorrerá el camino desde la infancia hasta la adolescencia sospechando que hay algo oculto en la vida de su querido padre: otra mujer. A medida que Estrella va sabiendo más, la vida en “La Gaviota” empieza a cambiar.

Tras la película, Erice baraja varios proyectos, incluyendo una adaptación de dos relatos de Jorge Luis Borges, uno de ellos, La muerte y la brújula, finalmente adoptado por Carlos Saura, y El cuento Bene, de Adelaida García Morales. Al no formalizarse ninguno vuelve a la dirección de televisión y publicidad. También dirige entonces el doblaje de la película El último emperador, de Bernardo Bertolucci

Su tercer y último largometraje hasta la fecha es El sol del membrillo, un retrato documental del pintor realista Antonio López; premiada en Cannes y Chicago y elegida varias veces como una de las mejores películas de la historia del cine. En una encuesta hecha a todas las filmotecas del mundo, fue elegida como la cinta más importante de su década. Ésta es la historia de un artista (Antonio López) que trata de pintar, durante la época de maduración de sus frutos, un árbol —un membrillero— que hace tiempo plantó en el jardín de la casa que ahora le sirve de estudio. A lo largo de su vida, casi como una necesidad, el pintor ha trabajado sobre el mismo tema en muchas ocasiones. Cada año, con la llegada del otoño, esa necesidad se renueva. Lo que el artista no ha hecho nunca en su pintura del árbol es introducir entre sus hojas los rayos del sol. Desde el estilo que le es propio —un estilo que parte de la exactitud— esa tentativa posee una gran dificultad, se revela, según las circustancias, casi como una imposibilidad. En esta ocasión decide afrontarla. Pero lo hace como es habitual en él, con una tensión razonable, sin perseguir siquiera el acabado del cuadro, sin otro afán que permanecer unas semanas junto al frágil y generoso árbol. La película da cuenta de esta experiencia y, a la vez, de todo aquello (el paso de los días, la rutina cotidiana de personas y cosas...) que gravitan sobre esa casa y ese jardín. Un espacio y un tiempo —otoño de 1990— donde el artista trabaja y los frutos del árbol llegan al momento de su máximo esplendor. Cuando el invierno empieza a anunciar su llegada, los membrillos maduros, al caer de las ramas, ponen punto final a la labor del pintor, iniciando en tierra el proceso de su descomposición. Es entonces cuando, en la noche, el pintor nos cuenta un sueño.

Dentro de su faceta de crítico de cine, escribe junto a Jos Oliver el libro Nicholas Ray y su tiempo, editado en 1986 por la Filmoteca Española.

Con una obra muy personal, la producción de Víctor Erice es escasa pero muy apreciada por los cinéfilos, que la consideran de las más bellas del cine español. En algunos casos se produjeron desacuerdos con la entidad productora de alguno de sus proyectos, lo que hizo imposible su realización. Los dos ejemplos más notables son una supuesta segunda parte de El sur, truncada al detener Elías Querejeta, su productor, la financiación, y más adelante una serie de desacuerdos con Andrés Vicente Gómez que impidieron la realización de El Embrujo de Shanghai. El proyecto fue a parar a manos de Fernando Trueba, y el guion de Erice (no utilizado por Trueba), finalmente encontró una salida editorial.

En 1995 participa en el largometraje colectivo Celebrate Cinema 101, producido en Japón por Miyaoka Hideyuki, con un corto documental rodado en video de forma improvisada y titulado Preguntas al atardecer. En esta película aportan cortos también directores como Jonas Mekas, Marco Bellocchio, Robert Kramer, Kaname Oda y Alexander Sokurov.

Su cortometraje Alumbramiento (Lifeline), con una duración de diez minutos, formó parte del proyecto titulado Ten minutes older: the trumpet, film colectivo producido por Nicholas McClintock y en el que intervienen otros doce cineastas (Jim Jarmusch, Aki Kaurismaki, Jean-Luc Godard, Bernardo Bertolucci, Wim Wenders o Chen Kaige , entre otros), cada uno de los cuales ha rodado un episodio de diez minutos. Esta obra no llegó a estrenarse en las salas españolas por problemas de distribución, pero pudo verse, junto al corto ruso de 1978 que dio origen al proyecto (Ten minutes older, de Herz Frank) en la gala de clausura de la Tercera edición del Festival Punto de Vista.

Con un equipo de producción limitado realiza La Morte Rouge, para la exposición que se dio en Barcelona Erice. Kiarostami. Correspondències al principio del año 2006, en la que intercambia diez videocartas con Abbas Kiarostami entre 2005 y 2007. Hasta el momento, la exposición se ha podido ver en Barcelona, Madrid, París, Melbourne, México y Buenos Aires (como parte de la exposición conjunta "Todas las cartas") y ha inspirado otras correspondencias entre directores. La Morte Rouge" es el nombre de un pueblo situado en el Canadá francés, en los alrededores de Quebec. Hasta ahora nadie ha logrado encontrarlo en los mapas, quizás porque solamente existió en la imaginación de los guionistas de La garra escarlata, película rodada en Hollywood en 1944 y protagonizada por el famoso detective Sherlock Holmes. Fue estrenada en la España en 1946. Un narrador habla de las experiencias de un niño que ve la primera película de su vida.

En 2007 anuncia que está realizando un nuevo proyecto, titulado Memoria y Sueño, consistente en una serie documental sobre las películas que han influido en su vida. A la primera parte, dedicada a Roma, ciudad abierta de Roberto Rosselini le seguirá un capítulo sobre L'espoir, la película de André Malraux rodada durante la Guerra Civil española. En julio de 2009 se mostraron en un ciclo de cine sobre la guerra civil española del British Film Institute de Londres estos dos episodios. Otros capítulos estarán dedicados a El desprecio de Jean-Luc Godard, en Capri, Viaggio in Italia de Roberto Rosselini, en Nápoles y Kenji Mizoguchi, en Kyoto.

En 2008 participa en el documental Un lugar en el cine, de Alberto Morais, junto a Theo Angelopoulos, Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Naldini. Todos ellos tratan del compromiso y la resistencia de los realizadores europeos, con Pier Paolo Pasolini como ejemplo principal.

Víctor Erice ha sido miembro del jurado de la edición festival de Cannes de 2010, presidida por Tim Burton. En este mismo año se presenta la película documental París-Madrid, idas y vueltas, dirigida por Alain Bergala, sobre su trayectoria cinematográfica. Esta obra forma parte de la serie biográfica francesa Cineastas de nuestro tiempo.

En 2011 se produce el film 3.11 A Sense of Home Films, antología de 20 cortometrajes de 3:11 minutos a beneficio de las víctimas del terremoto que sufrió Japón en marzo de 2011. Estos 3 minutos y pocos segundos son justamente el tiempo que tardó el agua en llevarse por delante centenares de casas y vidas humanas. Pocos días después, la directora nipona aseguraba: "tras el terremoto, tomé consciencia de la fragilidad de la belleza del mundo". A Kawase se la reconoce por la relación estrecha que tienen sus films con la mortalidad y los desastres naturales, un leitmotiv en su obra que a veces puede llegar a parecer incluso derrotista. Su film más relevante, "El bosque del luto", cuenta la historia de la lucha de un anciano contra el dolor y cómo este busca alivio a través de un viaje por el bosque. Esta vez, las consecuencias abrumadoras del desastre han podido con su pesimismo. A Sense of Home Films quiere, tal y cómo cuenta la directora, crear "una sensación de hogar", como una forma de arropar a quienes sufrieron daños y pérdidas en el terremoto, ya que el cine, asegura Kawase, "puede contribuir a consolar emocionalmente a la gente". El trabajo de Erice, titulado Ana, tres minutos, transcurre el día 6 de agosto de 2011 (66 aniversario del lanzamiento de la primera bomba atómica) y lo protagoniza Ana Torrent.

Con la celebración de la capitalidad europea de la ciudad de Guimarães en 2012, una serie de realizadores participan en una nueva película episódica con el título provisional de Histórias do Cinema (Centro histórico). Erice dirige uno de los mediometrajes, en el que también colaboran Aki Kaurismäki y los portugueses Pedro Costa y Manoel de Oliveira. La cinta trata de "la cuestión central de la memoria histórica". Su episodio, titulado Vidrios partidos, de media hora de duración, explora Rio Vizela, una de las mayores fábricas textiles de Europa y las vidas de los trabajadores que pasaron por ella. La película colectiva, finalmente titulada Centro histórico  fue presentada en el Festival de Cine de Roma de 2012, y más adelante, en festivales de Buenos Aires, Tokyo, Guadalajara (México) y Edimburgo, sin pasar hasta la fecha por España.

Biografías de cine: Sidney Lumet (II)

(cont.)
En 1971 filmó Supergolpe en Manhattan (The Anderson Tapes), con Sean Connery. Duke Anderson es un ladrón que acaba de cumplir una pena de diez años de cárcel. Se reúne con su antigua novia Ingrid en su apartamento para preparar el robo de un edificio entero. Lo que ignora es que, aunque no es objeto de vigilancia policial, todos sus movimientos están siendo grabados.Esta película consiguió un aceptable éxito de taquilla.

Cosa que no sucedió con Perversión en las aulas (Child's Play, 1972), intensa historia sobre los conflictos de un internado masculino.Poco después de tomar posesion de su plaza como profesor de educación física en un internado religioso para chicos, Paul Resse observa algo que le inquieta: los alumnos muestran signos evidentes de complacencia en proporcionar y obtener dolor físico mediante cualquier método a su alcance, negándose después a revelar cómo se lesionaron.

Ni con La ofensa (The Offence, 1972). Alterado psicológicamente por los atroces hechos que ha visto en su carrera y alejado moralmente de su esposa, un sargento de policía, mientras interroga brutalmente al supuesto violador de una muchacha, le causa la muerte. A continuación es sometido a un proceso en el que intenta justificar su conducta.

Después de los anteriores fracasos, Lumet se quiso apuntar al cine denuncia que empezaba a triunfar en Hollywood. Su primer título no pudo ser más acertado, el thriller policial Serpico (1973), que relata la corrupción de la Policía de Nueva York. El filme fue protagonizado por Al Pacino y fue también el comienzo de una de las épocas más brillantes de su carrera cinematográfica. Basada en el libro del mismo título de Peter Maas, basado en la historia real de Frank Serpico. La película recibió críticas excelentes y fue un éxito de taquilla. Al Pacino ganó el premio Globo de Oro por su actuación, y la película recibió además 2 nominaciones al premio Oscar: al mejor actor principal (Al Pacino), y al mejor guion adaptado (Waldo Salt y Norman Wexler). Ganadora del premio David di Donatello al mejor actor extrajero (Al Pacino). Ganadora del premio Writers Guild of America 1974 al mejor guion (Waldo Salt y Norman Wexler). Frank Serpico (Al Pacino) es un policía del Departamento de Policía de Nueva York. Es un hombre recto y, contrariamente a muchos de sus colegas, no está dispuesto a aceptar dinero de los criminales. Por este motivo ningún policía quiere trabajar con él, ya que se encuentra en peligro permanente. Serpico intenta cambiar las cosas en el cuerpo de policía. Recurre a los altos jefes, pero no le hacen caso. Así, pues, no le queda más que la esperanza de que algún día las cosas cambien. Hasta que decide enfrentarse con sus compañeros corruptos, poniendo su vida en peligro y ganándose la enemistad de criminales y policías peligrosos.

Después de Lovin' Molly (1974) que trata de una historia se desarrolla entre 1925 y 1964. Dos niños de una granja de Texas luchan por el amor de la bella y testaruda Taylor Molly, que se niega reiteradamente a casarse con cualquiera de ellos...

Se dedicó a la adaptación a la pantalla, del clásico de Agatha Christie Asesinato en el Orient Express (1974), que reunió a grandes actores como Albert Finney, Lauren Bacall, Sean Connery e Ingrid Bergman). La película ganó 6 nominaciones al premio Oscar, e Ingrid Bergman ganó su tercera estatuilla. Narra la historia de un asesinato perpetrado durante un viaje en el legendario Orient Express. La investigación del famoso detective belga Hercules Poirot (Albert Finney) tropieza con grandes dificultades, pues los ilustres pasajeros disponen de una coartada que los excluye como sospechosos. 

Después de esto, dirigió a Al Pacino en Tarde de perros (1975), basada en hechos reales. Una pequeña banda de delincuentes de poca monta decide atracar la sucursal de un banco de Brooklyn, pero su falta de dedicación y de experiencia hará que un robo que fue planeado para que durara apenas 10 minutos se convierta en una trampa para los atracadores y en un circo para la televisión en directo. Recibió 6 nominaciones al premio Oscar, a la mejor película, mejor director y mejor actor actor y un premio a Frank Pierson, al mejor guion original. Festival de San Sebastián: Mejor actor (Al Pacino). Círculo de críticos de Nueva York: Nominada a Mejor Actor (Al Pacino). Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor Película, Director y Actor (Al Pacino).

Su siguiente título Network (Un mundo implacable) Network (1976), fue una sátira sobre el mundo de la televisión. La película ganó 4 premios Oscar: al mejor actor (Peter Finch), a la mejor actriz (Faye Dunaway), al mejor guion original (Paddy Chayefsky), y a la mejor actriz secundaria (Beatrice Straight). Un análisis sobre el poder de la televisión, que retrata un mundo competitivo donde el éxito y los récords de audiencia imponen su dictadura. Howard Beale, veterano presentador de un informativo, es despedido cuando baja el nivel de audiencia de su popular programa. Sin embargo, antes de abandonar la cadena, en una reacción inesperada, y ante el asombro de todos, anuncia que antes de irse se suicidará ante las cámaras, pegándose un tiro en directo. Este hecho sin precedentes provoca una gran expectación entre los televidentes y los propios compañeros de Howard.

Después de estos éxitos, se lanzó a proyectos más ambiciosos que no tuvieron tanto éxito, exceptuando a Equus (1977), una adaptación a la pantalla de la polémica obra de teatro de Peter Shaffer, por la cual Richard Burton, y Peter Firth fueron nominados al premio Oscar. La película no fue tan bien acogida como sus anteriores títulos. Un psiquiatra se ve enfrentado al caso de un adolescente y descubre que en lo que pudiera verse como una enfermedad o desorden mental hay también un fenómeno único, lo cual lo lleva a cuestionarse su rol profesional en la sociedad, cortando en sus pacientes esas características que los hace únicos en pos de un modelo de normalidad estereotipizada.

Su película El mago (The Wiz, 1978) fue un fracaso de crítica y de taquilla. En esta versión pop de El mago de Oz, Dorothy es una joven muy tímida que trabaja en Harlem como profesora de guardería. Mientras busca a su perro Toto, que se ha perdido durante una ventisca, se ve transportada a un mundo maravilloso siguiendo un camino de baldosas amarillas.

Tampoco tuvo éxito Dime lo que quieres (Just Tell me what You Want, 1980) sobre una performance de Alan King. Max Herschel, un poderoso hombre de negocios, vive rodeado de hermosas mujeres para evadirse de los problemas que lo enfrentan con su mujer. Su amante más duradera, Bones Burton, una popular productora de televisión que trabaja para él, a pesar de que lo intenta, no logra arrancarle a Max un compromiso serio...Premios David di Donatello: Mejor guión extranjero. 

Lumet volvió a remontar el vuelo con:

• El príncipe de la ciudad (Prince of the City, 1981). Es un vigoroso relato policial, basado en un libro de Robert Daley, que a su vez esta basado en hechos reales sobre un detective de policía de Nueva York, cuyo testimonio y grabaciones secretas ayudaron a procesar a 52 miembros de la Unidad Especial de Investigación. Nominada al Oscar: Mejor guión adaptado. Círculo de críticos de Nueva York: Mejor Director. 4 Nominaciones.

• Y Veredicto final (The Verdict, 1982), con Paul Newman, James Mason, Jack Warden y Charlotte Rampling. Frank Galvin (Paul Newman), un maduro abogado en decadencia, es un adicto al alcohol que sobrevive gracias a pequeños y rutinarios trabajos. Un antiguo socio le recuerda el caso, todavía sin resolver, de un error médico cometido en un hospital y del que Galvin se había ocupado. No es nada fácil para él trabajar de nuevo de forma profesional, pero su tesón es tal que no tarda en averiguar que puede ganar el caso. Es entonces cuando empieza a recibir ofertas económicas para arreglar el asunto sin ir a juicio. Pero Galvin está dispuesto a jugárselo todo, tanto para conseguir una importante indemnización para los familiares como para rehabilitarse como abogado y como persona. Oscar: 5 nominaciones: mejor película, director, guión adaptado, actor (Newman), actor secundario. (Mason). Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Paul Newman).

• La trampa de la muerte (Trampa mortal) (Deathtrap, 1982). Basada una obra teatral de enorme éxito en todo el mundo, premiada en 1978 con el prestigioso Tony. Un estudiante de literatura entrega a su profesor, un conocido escritor, el manuscrito de su primera novela. Desesperado por conseguir un nuevo éxito, el famoso novelista planea asesinar al joven y apropiarse de su obra.

Los siguientes títulos del director fueron el polémico drama Daniel (1983) con Timothy Hutton sobre la historia de dos jóvenes ejecutados por espionaje durante la época de la caza de brujas de Hollywood. Daniel es hijo de Paul y Rochelle Isaacson, que fueron ejecutados en los Estados Unidos, 1950, acusados de ser espías soviéticos. En los años 60, Daniel, al que la vida de sus padres ha marcado profundamente, milita en el movimiento pacifista.

A ella, siguieron:

• La comedia Buscando a Greta (Garbo Talks, 1984). Estelle es una pintoresca mujer cuya mayor ilusión, desde que era niña, sería conocer a su actriz favorita: Greta Garbo. Su hijo, que ya es un hombre casado, cuando se entera de que a a su madre le quedan pocos meses de vida, decide concederle este deseo, su último deseo. Así pues, ambos se embarcan en una divertida aventura que, si todo va bien, les llevará a conocer a La Divina. 

• Power (1986). Pete St. John es un poderoso consultor político con clientes por todo el país. Su viejo amigo, el senador Sam Hastings, decide abandonar la política; entonces Pete entra a formar parte de la campaña del sucesor, un misterioso hombre de negocios, mientras que intenta desenredar la intriga en torno a la dimisión de Hastings. Pero hay intereses poderosos en juego y la conexión entre esas dos tareas puede ser más peligrosa de lo que aparenta.

• Y A la mañana siguiente (The Morning After, 1986). Nominada al Oscar a la mejor actriz principal, ésta es la séptima nominación de Jane Fonda. La acción tiene lugar en LA a partir de la mañana del 28-XI-1986, con una escena previa de la noche anterior. Alex Sternbergen/Viveca (Jane Fonda) es una mujer frágil, de unos 40 años, actriz en paro, alcohólica, separada y sin hijos. Amanece en un lugar que no conoce, junto al cadáver de un desconocido y sin capacidad de recordar lo que hizo la noche anterior. En el aparcamiento del aeropuerto conoce a Turner Kendalll (Bridges), antiguo policía y ex-alcohólico. El film combina los géneros de misterio, drama y thriller.

Al final de la década de 1980 y comienzo de la de 1990, su actividad se fue poco a poco espaciando. En 1988, realizó Un lugar en ninguna parte (1988). La acción tiene lugar en términos de presente. Narra la historia de una familia que huye de la policía desde que los padres, Arthur Pope/Paul Mansfield (Judd Hirsch) y Annie/Cynthia (Christine Lahti), estudiantes radicales, participaron en 1971 en la voladura de un laboratorio de napalm como protesta contra la guerra del Vietnam. Una persona resultó herida de gravedad en el atentado. Después de 17 años siguen huyendo sin tregua, en compañía de sus dos hijos, Danny/Michael (River Phoenix), de 17 años, y Arthur/Sthephy, de 10. El mayor, cansado de las correrías de los padres, ha de elegir entre la familia y una vida normal. La película narra el drama de una familia que prefiere huir de por vida de la Justicia, que afrontar sus responsabilidades sociales y penales.

Otras películas fueron Negocios de familia (Family Business, 1989), con Sean Connery, Dustin Hoffman y Matthew Broderick. Tres generaciones de la misma familia intentan perpetrar un robo perfecto que les permita retirarse. El plan consiste en introducir una tarjeta en la apertura electrónica correspondiente, entrar, salir y repartirse un millón de dólares; sin violencia, sin sospechas, sin policías.

Y Distrito 34: corrupción total (1990) con Nick Nolte, Timothy Hutton y Armand Assante entre otros. Una adaptación de una novela de Edwin Torres, Q & A. En medio de las calles dominadas por el odio, la corrupción y la violencia, surge Brennan (Nick Nolte), un policía que utiliza métodos poco ortodoxos. Después de matar a sangre fría a un ladrón de poca monta, alega que ha sido en defensa propia. De la investigación del caso se encarga Reilly (Hutton), el ayudante del fiscal del distrito. La inocencia de Brennan resulta difícil de probar, sobre todo cuando unos testigos claves aparecen asesinados. Todo parece apuntar a que alguien está tratando de encubrir a Brennan.

En la década de 1990 realizó:

• Una extraña entre nosotros (A Stranger Among Us, 1992). Emily Edith, una dura y cínica agente de policía, se infiltra en una cerrada y estricta comunidad judía de Nueva York para intentar descubrir al autor de un brutal asesinato. A pesar de las reticencias iniciales, la joven logra integrarse poco a poco en el grupo y, además, acaba enamorándose del hijo de un rabino... 

• El abogado del diablo (Guilty As Sin, 1993). Jennifer Haines, una atractiva y brillante abogada, tiene que defender a David Greenhill, un playboy acusado del brutal asesinato de su millonaria esposa. Al principio Jennifer es seducida por el refinado encanto de David, pero pronto descubre los secretos de su cliente.

• La noche cae sobre Manhattan (Night Falls on Manhattan, 1996). El fiscal del distrito de Nueva York asigna a un abogado novato (Andy García) su primer caso: que se haga cargo de la acusación en el juicio más polémico y de mayor impacto mediático de la ciudad: un traficante de drogas es acusado de asesinato, pero el asunto tiene implicaciones de corrupción policial. Del caso en cuestión se ocuparon su padre, que resultó herido, y otro policía, que resultó muerto...

• En estado crítico (Critical Care, 1997). Werner Ernst (James Spader), un joven médico que trabaja en la unidad de cuidados intensivos de un hospital, conoce a dos hermanas que se enfrentan por la herencia de su padre, un paciente del centro que se encuentra en estado de coma. Ácida visión de la sanidad en USA. Sólo un veterano con oficio como Lumet podría hacer una comedia con un tema tan dramático como la eutanasia para criticar el sistema sanitario.

• y el remake de la película de John Cassavetes Gloria (1999). Gloria es una mujer fuerte y dura, que se ha movido siempre entre maleantes. Recién salida de la cárcel, vuelve con su banda de mafiosos, pero ciertas circunstancias la convierten en protectora de un niño del que sus colegas quieren deshacerse. Previamente habían matado a la familia del niño, pues el padre tenía información comprometedora sobre sus actividades delictivas. Temen, sin embargo, que el niño pueda incriminarlos.

En 2005 recibió el premio Oscar honorífico por su trayectoria.

Sus películas más recientes fueron:

• Declaradme culpable (Find Me Guilty, 2006), que se basa en la historia real de Giacomo "Jackie Dee" DiNorscio. Tras años de investigación, el proceso criminal más largo de la historia de Estados Unidos sentó en el banquillo a veinte miembros de la familia Lucchese, conocida por sus conexiones con la mafia; se les acusaba de 76 delitos. El Gobierno de Estados Unidos se había propuesto acabar con uno de los clanes mafiosos más importantes del país. Uno de los acusados (Giacomo “Jackie Dee” Di Norscio), un conocido miembro de la Mafia de Nueva Jersey, decidió hacer algo insólito: defenderse a sí mismo.

• Y Antes que el diablo sepas que has muerto (Before the Devil Knows You're Dead, 2007), cuya trama gira en torno a dos hermanos que organizan el robo de la joyería de sus propios padres. Desesperados por conseguir dinero fácil, dos hermanos de clase acomodada, Andy (Philip Seymour Hoffman), un ambicioso ejecutivo adicto a la heroína y casado con una mujer consentida; y Hank (Ethan Hawke), cuyo sueldo se va casi íntegramente en pagar la pensión de su ex mujer y su hija; conspiran para llevar a cabo el asalto perfecto: asaltar la joyería de sus padres en Wetchester, Nueva York. Nada de pistolas, nada de violencia y nada de problemas. Pero cuando su cómplice decide no cumplir las reglas del trato, las cosas se tuercen irremediablemente. Lumet utiliza las diferentes perspectivas de los implicados en el crimen, para relatar el asalto desde sus distintos puntos de vista. A lo largo de la película se ven los diferentes proyectos y motivaciones de los hermanos y familia, truncándose todos en un verdadero drama familiar. Recuerda inevitablemente a la magistral obra de Stanley Kubrick, The Killing, donde también se utiliza estas transgresiones temporales para narrar los diferentes acontecimientos que ocurren a los personajes. Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz secundaria (Amy Ryan). American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año.  2 nominaciones Critics' Choice Awards: Mejor director y reparto