El cine de Akira Kurosawa en ocho películas (I)

En esta entrada pretendemos realizar una retrospectiva de Akira Kurosawa, el gran cineasta japonés, poniendo de manifiestos los grandes logros de una obra espléndida, del cine realista al cine negro, pasando por las grandes epopeyas del Japón medieval.

Aunque se le considera un artista humanista, el humanismo en el cine de Kurosawa no siempre es agradable, pero, pase lo que pase, nunca la abruma, sino la ensalza cuando quiere hacerla trascender. 

El artista humanista

En Vivir (Ikiru, 1952), retrato de un modesto funcionario, Kanji Watanabe, del ayuntamiento de Tokio en la época de post-guerra, que ha sido consumido por su monótono y vacío trabajo. Pretende darle sentido a su vida al saber de su pronta y cierta muerte, es sin duda su película más humanista -difícil no derramar una lágrima ante el destino de este oscuro hombre que consagra sus últimas fuerzas en la construcción de un jardín para los niños. Al final, el señor Watanabe acude a este parque para morir, cerca de las únicas personas que lo aprecian de verdad.

Por su parte, Barbarroja (Akahige, 1965), con sus médicos idealistas del siglo XIX que ejercen en los bajos fondos, es de obligado visionado. Al igual que el joven Yasumoto, que se compromete a desprenderse de sus lujosos vestidos para llevar el el ingrato kimono del practicante, el espectador se ve obligado a superar sus prejuicios acerca de la pobreza. Y "retirar la mirada" del sufrimiento y la muerte, aunque sea, a veces, insoportables. La lenta agonía de Sahachi de su soñador ayudante, que dedicó su vida a los pobres para expiar la muerte desgraciada de su esposa, es el momento cumbre de la película. Barbarroja aborda el problema de la injusticia social y explora dos de los temas favoritos del director japonés: el humanismo y el existencialismo.

El cronista de la realidad

Dos de sus películas juveniles, poco conocidas por cierto, son relatos emocionantes del Japón de y posterior a la II Guerra Mundial. La más bella (Ichiban utsukushiku, 1944), es una obra propagandística de corte nacionalista, producida en el que la industria cinematográfica japonesa estaba obligada a contribuir al esfuerzo bélico. La película exalta con insistencia el coraje y la valentía de las jóvenes trabajadoras de una fábrica militar, que abandonan a sus familias para producir más armas para la artillería imperial. Si el discurso patriótico suena falso, las imágenes impresionan por su estilo documental - hay que señalar que Kurosawa había pedido a sus actrices vivir como verdaderas obreras mientras durara el rodaje.  

La más exitosa Un domingo maravilloso (Subarashiki nichiyobi, 1947), se asemeja a las grandes obras del neorrealismo que, en la misma época, revolucionaban el cine italiano. Una pareja de jóvenes que perdieron todo en losl bombardeo de Tokio tratan de reconstruir en el Japón derrotado: una vida en ruinas, a la imagen de la capital japonesa afectada por la pobreza y el mercado negro, que Kurosawa describe la mismo tiempo con gran agudeza social y emoción.

Autor de cine negro

Los siete samuráis (Shichinin no samurai, 1954) obliga a que Akira Kurosawa sea considerado como un maestro del género épico. Sin embargo, el cineasta japonés también es reconocido como un gran realizador de cine negro. Capaz de acomodarse a este género típicamente hollywoodiense, con su expresionismo en blanco y negro, su ambigüedad moral y su dimensión social en el Japón posterior a la bomba atómica de Hiroshima. 

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Noticias de libro: En el momento del parpadeo

En el momento del parpadeo

Un punto de vista sobre el montaje cinematográfico

Walter Murch

Traducción de Arantxa Aguirre

Ocho y medio

Madrid

2003

177 págs. 

Walter Murch, es uno de los más reconocidos e importantes montajistas/editor de cine estadounidense, sus colaboraciones con Francis Ford Copolla - quien además escribe parte de la introducción de este libro-, sus múltiples nominaciones y premios de la academia, y la agudeza de sus percepciones sobre el montaje, los dispositivos, no sólo quedan reflejados en sus inteligentes palabras sino en la misma concepción que tiene éste sobre el mundo.

En el momento del parpadeo, nos vamos a encontrar con diversas reflexiones de Murch, sus propias experiencias y ante todo, la afabilidad de un hombre, que ama su profesión, de un intelectual del montaje, y un conocedor de lo qué es y cómo funciona el cine.

Noticias de libro: Edición y montaje cinematográficos

El arte del cine

Edición y montaje cinematográficos

Justin Chang

Blume

Barcelona

2012

192 págs. 

Una magnífica colección de fotografías y anécdotas de los héroes de la industria cinematográfica internacional, compiladas con mucho acierto por uno de los mejores críticos cinematográficos. Una fantástica mirada a algunos de los mejores montadores de la actualidad, así como a sus predecesores.

Un análisis del arte del montaje cinematográfico, sus complejos procesos, la relación con el resto de oficios del cine y el impacto del desarrollo de las técnicas de montaje modernas. El valor del montador en una película no se debe subestimar, y no es extraño que los directores confíen en el mismo montador una y otra vez para sus proyectos. Mediante diecisiete entrevistas exclusivas con algunos de los mejores montadores del mundo, se explora el trabajo de edición y montaje en cine, con explicaciones y recomendaciones técnicas de algunos de los mejores montadores de la industria.Contiene, asimismo, el legado de algunos de los montadores más influyentes del cine del siglo xx, como Barbara McLean, Peter Zinner, Dede Allen, Ralph E. Winters y Sally Menke.

Efemérides de cine: Jack and the Beanstalk

El 30 de julio de 1917 se estrenó la película Jack and Beanstalk, dirigida por Chester M. Franklin, Sidney Franklin e interpretada por Francis Carpenter, Virginia Lee Corbin, Violet Radcliffe, 'Baby' Carmen De Rue, Jim G. Tarver, Vera Lewis, Ralph Lewis, Eleanor Washington, Ione Glennon, Buddy Messinge. Productora: Fox Film Corporation. Duración: 100 minutos.

Sinopsis argumental: Dos hermanos, Francisco y Virginia, escuchan el cuento de Jack y las habichuelas mágicas. En un pueblo mítico de Cornualles, el joven Jackvende la vaca en el mercado que le ha confiado su madre, recibiendo a cambio del animal, una gran cantidad de granos de habichuelas. Enojada con su hijo, la mujer lanza los granos por la ventana. Durante la noche, las judías mágicas crecen de manera espectacular, llegando hasta por encima de las nubes. Jack, al que el hada madrina ha dicho que se reuniría con su fortuna por subir a la parte superior, se inicia la subida en busca de aventuras. Al llegar arriba, Jack llega a una meseta donde las personas que viven estuvieron cautivos por un gigante. El hada le dice a Jack que tiene que matar al gigante si quiere conseguir su riqueza. Después de lograr matar al gigante, Jack liberar al pueblo y al mismo tiempo, incluso gana el corazón de la princesa con la que llegará a reinar.

Comentario: Basada en el homónimo y conocido cuento de autor desconocido. Se conmemora el centenario de su estreno.  

Kirk Douglas en diez películas (II)

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Guerrero carismático en Los vikingos (The Vikings, 1958), de Richard Fleisher. Galardonada con el premio Laurel de Oro de 1959 al mejor drama de acción y con el premio Zulueta de 1958 (actual Premio Concha de Plata) al mejor actor. Einar, hijo de Ragnar, bebe cerveza como quince y maneja la espada como nadie. Es verdadero, tatuado y duro vikingo, y Kirk Douglas lo encarna a la perfección. Pero, también con tanta pasión, este príncipe nórdico se enamora de una bella cautiva (normal, es Janet Leigh), la cual, por desgracia prefiere, un esclavo (Tony Curtis). Una gran película clásica de aventuras en Technicolor, firmada de nuevo por Richard Fleischer.

Esclavo libre en Espartaco (Spartacus, 1960), dirigida por Stanley Kubrick. Galardonada con 4 Premios Óscar y varios premios más (Globos de Oro, BAFTA, etc.). El gladiador de Capua (muerto el 71 a. de C.), se convirtió en el líder de la más famosa revuelta de esclavos en la antigüedad, es el papel icónico de Kirk Douglas. Productor, tiene el valor de empeñarse en que el guionista sea el comunista Dalton Trumbo. Douglas era consciente de que Kubrick tenía la intención de atribuirse el guion de la película, aunque éste había sido adaptado de la novela de Howard Fast por Dalton Trumbo, puesto en la lista negra de Hollywood durante el macartismo. Douglas, poderoso públicamente, se opuso a la exclusión de Trumbo y cuando el nombre de Trumbo finalmente apareció en los créditos la lista negra de Hollywood fue definitivamente cancelada. La película se convierte en un peplum espectacular, en forma de parábola antigua (y masculina) en la lucha de clases.

Arquitecto enamorado en Un extraño en mi vida (Strangers When We Meet, 1960), de Richard Quine. Un suburbio como cualquier otro, una historia de amor adultero de lo más normal. Pero Douglas, interpretando magistralmente, y Richard Quine, transforman esta comedia dramática en una sucesión de delicados momentos. ¿El más bello momento de la película? La casa, elegante y sobria, que el arquitecto construyó como una imagen amorosa, concebida para durar, pero repleta de sombras y dudas que porta el personaje de Margaret Gault (interpretado por Kim Novak). 

Un vaquero anacrónico en Los valientes andan solos (Lonely Are the Brave, 1962), dirigida por David Miller. Kirk Douglas cuenta en su carrera con varios westerns memorables: Camino de la horca (Along the Great Divide, 1951); Rio de Sangre (The Big Sky, 1952); Pacto de honor (The Indian Fighter, 1955); La pradera sin ley (Man Without a Star, 1955); Duelo de titanes (Gunfight at the OK Corral, 1957); El último tren de Gun Hill (Last Train from Gun Hill, 19959), entre otros. En esta asombrosa película encarna a un vaquero nostálgico de la conquista del oeste, perdido en las inmensidades del Nuevo México de la década de los 50 del pasado siglo. Modesto ganadero John W. Burns sólo se mueve a caballo incapaz de habituarse a las tensiones de la vida cotidiana. Se rebela contra el mundo moderno, al que considera posee unos valores equivocados... Fue uno de los personajes favoritos de Douglas. 

Publicista depresivo en El compromiso (The Arrangement), 1969, de Elia Kazan. Este director prefería a Marlon Brando, pero fue finalmente Kirk Douglas (a veces demasiado rígido en su interpretación en esta película), que obtuvo el magnifico papel de Eddie Anderson. Un publicista convencido de poder tenerlo todo, el bienestar material y ambiciones intelectuales, el confort del matrimonio y la aventura del adulterio. Una mañana, Eddie, en la autopista, de camino al trabajo, Eddie Anderson intenta suicidarse, consiguiendo herirse gravemente. En este papel, hijo de inmigrante griego.

Padre vengador en La furia (The Fury, 1978), dirigida por Brian De Palma. Kirk Douglas, leyenda de la época clásica del cine americano, no tendrán tirón con los realizadores del nuevo Hollywood. En 1978, sin embargo, Brian De Palma le ofrece su último gran papel, un  veterano del servicio secreto veterano que va en busca de su hijo, secuestrado por una agencia del gobierno de Estados Unidos, ya que está dotado con poderes extrasensoriales. La película, no es la mejor del director a pesar de algunos grandes momentos de la puesta en escena, a veces resulta algo pesada. Pero Douglas, ya con 62 años de edad en el momento del rodaje, todavía mantiene restos de sus mejores tiempos: sino véase como escapa de los asesinos saltando por los tejanos en pantalones cortos...

Noticias de libro: Robert Zemeckis

Robert Zemeckis

Jorge Fonte
Cátedra
Madrid
2912
424 págs. 

Aunque sólo les separan 14 años de edad, Robert Zemeckis es, sin duda, el más aventajado de los discípulos de Steven Spielberg. Autor de una de las trilogías más famosas de la historia del cine («Regreso al futuro»), de una obra emblemática del cine de animación («¿Quién engañó a Roger Rabbit?») y de una de las más importantes películas de la década de los noventa («Forrest Gump»), durante los últimos años de su carrera se embarcó en una muy desigual y algo decepcionante aventura digital («Polar Express», «Beowulf» y «Cuento de Navidad») que, sin embargo, no lo ha desacreditado como una de las más grandes figuras del cine contemporáneo. Este libro es una buena prueba de ello.

Dunkerque: Christopher Nolan nos sumerge en el corazón de la batalla

Aunque el realizador británico firma una película muy eficaz, verdaderamente no aporta nada nuevo al género bélico. 

Para Christopher Nolan, como para sus compatriotas británicos, el nombre de Dunkerque evoca un sentimiento de orgullo nacional. Allí se escribió una página heroica de su historia, aunque se trate de una evacuación. May de 1940, en la playa de  Dunquerque, cerca de 200.000 soldados ingleses se hallan rodeados por los alemanes. Rechazando la  rendición, los británicos deciden organizar una rocambolesca operación de repliegue, llamada Dynamo. 

Para resumir este glorioso acontecimiento, el realizador ha elegido tres momentos de la batalla y tres unidades temporales. Una semana en la playa, donde seguimos al soldado Tommy (Fionn Whitehead), que no logrará partir. Un día en el mar, en un pequeño velero en el que se salvarán a algunos combatientes. Por último, una hora de un Spitfire, insignia de la Royal Air Force, con un Tom Hardy glorioso, a los mandos del aparato. Él, como el resto, son menos personajes que símbolos. De la dignidad (el capitán del velero), de la humanidad (el joven soldado).

Total inmersión en el corazón de la acción: este es el tema principal y recurrente de esta película bélica. Eficaz, sin duda. Impresionante en términos de impacto físico: se siente plenamente el silbido de las balas, el estruendo de las balas, el empuje de las olas... No hay tregua, el peligro es permanente, revivido constantemente. Christopher Nolan, el nuevo rey de Hollywood, afamado por sus (de)construcciones barrocas, continua fragmentando su relato, pero atemperando esta complejidad. Por una sencilla razón: es una simple cuestión de supervivencia. No hay necesidad de palabras, la película es muy lacónica, casi muda. Pero lírica, una suerte de oratorio profano que el cineasta orquesta, a modo de homenaje solemne a los combatientes: los que desaparecieron, los que volvieron del infierno, los que temieron, por un momento, ser considerados cobardes.  

La tripulación de un destructor que de repente se ve luchando contra el mar por el ataque de un torpedo. Un piloto que logra amerizar con éxito, pero que queda atrapado en la cabina de su avión. Unos hombre en el agua, quemados vivos por una mancha de aceite ardiente. Estas son algunas de las secuencias más impactantes de una película que, a pesar de todo, no aporta nada verdaderamente nuevo, a diferencia de Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1988), de Steven Spielberg o La delgada línea roja (The Thin Red Line, 1998), de Terrence Malick, quien no recuerda en ésta la manera de flotar del soldado Robert Witt (Jim Caviezel), entre la vida y la muerte. Aquí aparece el tópico: el arrebato patriótico algo exagerado, cunado surge la valerosa flotilla civil, que viene a salvarlos. Todo envuelto con el himno británico de no deja de sonar. 

Kirk Douglas en diez películas (I)

Boxeador, marino, periodista, esclavo, arquitecto, vaquero... En más de setenta años de carrera cinematográfica, el actor ha representado todo y todo lo más grande, casi.  Es a la vez, el último gigante de la época dorada de Hollywood (todos sus colegas y amigos, entonces estrellas han fallecido), una autoridad moral para la industria cinematográfica (con un firme compromiso con la libertad la expresión y el progresismo político que demostró una vez más el año pasado al criticar  por cometer contra Donald Trump) y la encarnación del sueño americano.

Hijo de un campesino y un ama de casa analfabeta que habían huido de la Rusia zarista para escapar del antisemitismo, Issur Danielovitch Demsky, su verdadero nombre, creció en la pobreza antes de convertirse en actor de teatro y, desde los 29 años de edad, de cine. El extraño amor de Martha Ivers (The Strange Love of Martha Ivers, 1946), de Lewis Milestone, marca el comienzo de una larga trayectoria con más de setenta películas en su haber, para las que ha contado con los más grandes directores de Hollywood (Hawks, Wilder, Kubrick, Mankiewicz, Kazan ... sólo faltaron Ford y Hitchcock en su curriculum vitae).

Su planta algo achaparrada, sus rasgos angulosos y sobre todo su celebre hoyuelo en el mentón a menudo le llevo a interpretar personajes menos atractivos pero generalmente más sensibles e introvertidos, e incluso podría decir que "buenos". A continuación diez de sus mejores interpretaciones. 

Boxeador arribista en El ídolo de barro (Champion, 1949), dirigida por Mark Robson.  Galardonada con el premio Oscar de 1950 al mejor montaje y con el premio Globo de Oro del mismo año a la mejor fotografía en blanco y negro. Este es el primer papel prominente de Kirk Douglas y su primer triunfo en la taquilla, que hará de él una estrella. El carácter de Midge Kelly, pobre boxeador desesperado por ascender socialmente, debido en parte se hace eco de la juventud del propio actor. Quien trabajó duro para ser hacer creíble su papel de púgil ante la cámara de Mark Robson. Llevó a cabo un entrenamiento intenso contando para ello con un campeón del mundo como un pareja de preparación, y los ojos tumefactos ... un verdadero KO en el rodaje.

Periodista sin escrúpulos en El gran carnaval (Ace in the Hole, 1951), escrita, producida y dirigida por Billy Wilder. Galardonada con el Premio Internacional del Festival Internacional de Cine de Venecia. Para conseguir la fama, el periodista Charles Tatum no duda en transformar una pequeña noticia -un hombre atrapado en una gruta debido a un derrumbe-, en una noticia de repercusión nacional. Su objetivo: prolongar las operaciones de rescate el mayor tiempo posible... Kirk Douglas encarna al reportero cínico, ambicioso y egocéntrico. Y Billy Wilder extrae de esta "gran carnaval" (el título) una obra maestra moralista. Fue la única colaboración de Douglas y Wilder.

Productora tiránico en Cautivos del mal (The Bad and the Beautiful, 1952), dirigida por Vincent Minelli. Douglas da a vida a un despótico y extravagante a la vez que talentoso productor de cine que sólo vive paras sus películas, aún en riesgo de destrozar la vida de sus empleados -el guionista James Lee Bartlow (Dick Powell),  el director Fred Amiel (Barry Sullivan) y la actriz Georgia Lorrison (Lana Turner), que se interpreta a sí misma-. Uno de los testimonios más justo (y más bello) de la fábrica de sueños hollywoodiense, tanto en su grandeza como en sus miseria. 

Marinero de gran corazón en 20.000 leguas de viaje submarino (20,000 Leagues Under the Sea, 1954), de Richard Fleisher. basada en la obra homónima de Julio Verne. Kirk Douglas fue el chico malo en una producción de Disney ¡Quién lo hubiera dicho! Todo músculo, interpreta al irresistible marinero Ned Land, mucho más divertido en la película de Fleisher que la obra de Verne. Con dos escenas de culto: sus travesuras con el león marino Esmeralda y su lucha a lanzazos contra el pulpo gigante. 

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Noticias de libro: Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock

José Luis Castro De Paz
Cátedra
Madrid
2012
232 págs.

José Luis Castro —profesor del Departamento de Arte de la Universidad de Vigo— asegura que todavía que­da mucho campo en el estudio de la obra de Alfred Hitchcock y su influencia en la evolución del lenguaje del cine desde su llegada a Hollywood en 1939 contra­tado por David O’Selznick. Pero para comprenderlo, explica Castro, hay que remontarse a la etapa británica del director —quizá algo relegada en otros análisis—, donde ya se encuentra el origen de algunas de sus constantes semánticas y estilísticas. Y no hay que perder de vista el momento histórico en el que se desarrolla su obra. Con estos dos puntos siempre presentes, el autor profundiza en el lenguaje de este maestro del cine, a la vez que lo sitúa en el contexto en el que se formó y evolucionó.

Películas de la semana: 28 de julio

Spider-Man: Homecoming

Dirección: Jon Watts. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 133 minutos. Género: Fantástico. Acción. Comedia. Ciencia ficción. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Adolescencia. Interpretación: Tom Holland,  Robert Downey Jr., Michael Keaton, Marisa Tomei, Jacob Batalon, Zendaya, Jon Favreau, Tony Revolori, Laura Harrier,  Angourie Rice, Kenneth Choi, Michael Barbieri, Logan Marshall-Green, Donald Glover, Tyne Daly, Martin Starr, Hannibal Buress, Abraham Attah, Michael Mando, Bokeem Woodbine, Jona Xiao, Chris Evans, Gwyneth Paltrow, Tiffany Espensen, Garcelle Beauvais. Guion: John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Christopher Ford, Chris McKenna, Jon Watts, Erik Sommers (Personajes: Steve Ditko, Stan Lee). Música: Michael Giacchino. Fotografía: Salvatore Totino. Productora: Columbia Pictures/Marvel Studios/Pascal Pictures. Estreno en España: 28 de julio de 2017. Sinopsis: Peter Parker comienza a experimentar su recién descubierta identidad como el superhéroe Spider-Man. Después de la experiencia vivida con los Vengadores, Peter regresa a casa, donde vive con su tía (Marisa Tomei). Bajo la atenta mirada de su mentor Tony Stark (Robert Downey Jr.), Peter intenta mantener una vida normal como cualquier joven de su edad, pero interrumpe en su rutina diaria el nuevo villano Vulture (Michael Keaton) y, con él, lo más importante de la vida de Peter comenzará a verse amenazado. 

Diario de Greg: Carretera y manta

Título original: Diary of a Wimpy Kid: The Long Haul. Dirección: David Bowers. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 90 minutos. Género: Comedia. Secuela. Cine familiar. Infancia. Interpretación: Jason Drucker, Alicia Silverstone, Tom Everett Scott, Juan Gaspard, Charlie Wright, Joshua Hoover, Alexa Blair Robertson, Owen Asztalos, Courtney Lauren Cummings, Chris Coppola, Carlos Guerrero, Ryan Newton, Maiya Boyd, Sydney Shea Barker, Lucky Harmon. Guion: Adam Sztykiel (Libro: Jeff Kinney). Producción: Nina Jacobson, Brad Simpson. Música: Ed Shearmur. Fotografía: Anthony B. Richmond, Tony Richmond. Montaje: Troy Takaki. Diseño de producción: Aaron Osborne. Vestuario: Mary Claire Hannan. Productora: Color Force. Estreno en España: 28 de julio de 2017. Sinopsis: Cuarta entrega de la saga de 'El diario de Greg', en la que El joven Greg convence a su familia para hacer un pequeño viaje en coche con el fin de visitar a su abuela, que está a punto de cumplir los 90 años. Pero en realidad esta es solo una tapadera para ocultar su verdadero objetivo: participar en una convención de videojuegos que se celebra en la zona. Pero, como era de esperar, las cosas no salen como el chico desea y la situación entre los Heffleys se descontrola, convirtiéndose en una inolvidable aventura.

Tanna

Dirección: Bentley Dean, Martin Butler. País: Australia. Año: 2016. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Romance. Basado en hechos reales. Interpretación: Mungau Dain,  Marie Wawa, Marceline Rofit, Albi Nagia, Lingai Kowia, Mikum Tainakou. Guion: Bentley Dean, Martin Butler, John Collee. Producción: Martin Butler, Bentley Dean, Carolyn Johnson. Música: Antony Partos. Fotografía: Bentley Dean. Montaje: Tania Nehme. Productora: Contact Films/Screen Australia. Premios y nominaciones: Premios Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa; Adelaide Film Festival: Nominada a mejor película; African-American Film Critics Association (AAFCA): Mejor película extranjera; Australian Academy of Cinema and Television Arts (AACTA) Awards: Mejor película original y cuatro nominaciones. Estreno en España: 28 de julio de 2017. Sinopsis: Drama romántico basado en hechos reales sobre el pueblo indígena Tanna, en la república de Vanuatu, un pequeño país que se encuentra en la Polinesia del Pacífico, y centrado en la historia del amor prohibido que surge entre una joven del poblado que se enamora del nieto del jefe de la tribu. 

50 primaveras

Título original: Aurore. Dirección: Blandine Lenoir. País: Francia. Año: 2017. Género: Comedia. Interpretación: Agnès Jaoui,  Thibault de Montalembert, Pascale Arbillot,  Lou Roy-Lecollinet, Sarah Suco,  Marlène Veyriras, Philippe Rebbot,  Samir Guesmi, Laurie Bordesoules, Juliette Vieux Peccate, Armand Paul Jean, Samir Guesmi, Mathilde Bonicel, Sterenn Guirriec, Franck Lemarié, Christophe Sardain. Guion: Jean-Luc Gaget, Blandine Lenoir, Océane Michel. Producción: Fabrice Goldstein, Antoine Rein. Música: Bertrand Belin. Fotografía: Pierre Milon. Montaje: Stéphanie Araud. Diseño de producción: Agathe Bourges, Eric Bourges, Marion Le Borgne, Clémence Pétiniaud. Vestuario: Marie Le Garrec. Productora: Karé Productions. Estreno en España: 28 de julio de 2017. Sinopsis: Aurore Tabort está separada, acaba de perder su empleo y recibe la noticia de que va a ser abuela. A sus 50 años su vida parece estar estancada, pero cuando se encuentra por casualidad con un antiguo amor de su juventud, se produce un cambio en Aurore, y se niega a admitir que esa podría ser la ocasión perfecta para empezar una nueva vida. 

Inside

Dirección: Miguel Ángel Vivas. País: España. Año: 2016. Duración: 91 minutos. Género: Terror. Remake. Interpretación: Rachel Nichols,  Laura Harring, Andrea Tivadar,  Stany Coppet,  Ben Temple, Craig Stevenson, Richard Felix,  Maarten Swan,  David Chevers,  Steve Howard. Guion: Jaume Balagueró, Manu Díez (Remake: Julien Maury, Alexandre Bustillo). Producción: Adrián Guerra, Núria Valls. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Josu Inchaustegui. Montaje: Luis de la Madrid. Diseño de producción: Dídac Bono. Vestuario: Fran Cruz. Productora: Nostromo Pictures. Estreno en España: 28 de julio de 2017. Sinopsis: Una joven viuda, embarazada y deprimida, intenta reconstruir su vida después del fatídico accidente de tráfico en el que perdió a su pareja y su oído de manera parcial. Ahora, a punto de dar a luz, vive en una casa aislada de un suburbio cuando, una noche de Navidad, recibe la visita inesperada de otra mujer con siniestras intenciones... Remake de la cinta francesa Al interior (À l'intérieur, 2007).

El invierno

Dirección: Emiliano Torres. País: Argentina. Año: 2016. Duración: 95 minutos. Género: Drama. Vejez. Trabajo. Empleo. Drama social. Interpretación: Alejandro Sieveking, Cristian Salguero, Adrián Fondari, Pablo Cedrón, Mara Bestelli, Violeta Vidal, Eva Jarriau, Raphaël Turrents, Rodrigo Iturralde, Ramiro Arlandi, Omar Baigorria, Perro El Diablo, Nazareno Ramírez, Sebastián Ferrari Ivovich, Pedro Pablo Burgos, Ana Laura Hernández. Guion: Emiliano Torres, Marcelo Chaparro. Producción: Raphaël Berdugo, Ezequiel Borovinsky, Alejandro Israel, Emiliano Torres. Música: Cyril Morin. Fotografía: Ramiro Civita. Montaje: Alejandro Brodersohn. Dirección artística: Marina Raggio. Vestuario: Natalia Vacs. Productora: Wanka Cine/Ajimolido Films/Cité Films. Premios y nominaciones: Festival de San Sebastián: Premio Especial del Jurado y fotografía. Estreno en España: 28 de julio de 1967. Sinopsis: El viejo capataz de un rancho en la Patagonia es despedido de su trabajo. Un peón más joven le reemplaza. El cambio no será fácil para ninguno de los dos. Cada uno, a su manera, deberá sobrevivir al siguiente invierno. 

Películas que rinden homenaje a Vértigo de Hitchcok (II)

(cont.)

6.- Mulholland Drive (2001), de David Lynch. La obra maestra de Lynch se quiebra en la mitad de su desarrollo, exactamente como Vértigo. Después de una primera parte idílica dominante, en la segunda Mulholland Drive parece comenzar de cero aunque con los mismos personajes pero con ambiente resacoso. ¿Podría ser que el fulgurante enamoramiento entre la rubia ingenua (Naomi Watts) y la morena amnésica (Laura Elena Harring), con el fondo de una California idílica, no ha sido más que un espejismo, como lo ocurrido entre Scottie y Madeleine en Vértigo?

7.- Los abrazos rotos (2009), de Pedro Almodóvar. Al igaul que De Palma, Pedro Almodóvar no cesar de hacer referencias a la obra de Hitchcok, hasta en su última película Julieta (2016). Pero en él se trata menos de deudas narrativas que de retazos fugaces, destellos casi subliminales. Esto se da especialmente en Los abrazos rotos, en la que Penelope Cruz, dicho sea de paso se convierte momentáneamente en rubia. Y dónde el amor, un cineasta maduro se enamora perdidamente de una joven, como le sucede a Scottie con Judy Barton.

8.-  Populaire (2012), dirigida por Régis Roinsard. En esta simpática comedia con Romain Duris y Déborah François, el homenaje a Vértigo es un guiño tan obvio como pasajero: el director reproduce lo más fielmente posible, la escena en la que Judy sale del baño su habitación de hotel, metamorfoseándose en Madeleine, bajo la turbada mirada de Scottie... Un año antes, otra película francesa, The Artist dirigida por Michel Hazanavicius, tomado de Vértigo su música y sólo música.

9.- Una nueva amiga (Une nouvelle amie, 2014), de François Ozon. Es una de las variaciones más sofisticadas de Vértigo. Romain Duris decide revivir a su amada muerta (Isild Le Besco), a la que echa de menos desesperadamente, identificándose con ella. Se pone su ropa, imita  su peinado y color de pelo. Se convierte en ella. Como si Scottie, al no poder encontrar en las calles de San Francisco a la casi sosia de Madeleine, decidiera trasvestirse. 

10.- Le dos rouge (2014), de Antoine Barraud. Esta película inusual y caprichosa, bastante desconocida en general, es un verdadero frenesí construido al rededor de Vértigo, a pesar de ella no es su tema principal. Algunas escenas son como mini-remakes y el nombre de Carlotta Valdés (la enigmática difunta que obsesiona a Kim Novak en Hitchcock) es nombrada. La "vertigomanía" del director realiza un desdoblamiento del misterioso personaje femenino, interpretado alternativamente por Jeanne Balibar y Géraldine Pailhas.

Noticias de libro: La invención de la modernidad

La invención de la modernidad

O cómo acabar de una vez por todas con la historia del cine

Carlos Losilla

Cátedra

Madrid

2012

248 págs. 

¿Es el cine moderno una evolución natural que procede del clasicismo? ¿O por el contrario se trata de una construcción, de una inven­ción pactada entre críticos y ci­neastas, allá por las postrimerías de los años cincuenta, para dar con­tinuidad a las formas del cine americano por otros caminos? Pue­de que entre los primeros in­tegrantes de «Cahiers du Cinéma», de Jean-Luc Godard a François Truffaut, y autores ya tan conscientes de sí mismos como Ing­mar Bergman o Michelangelo Antonio­ni, decidieran que había que ac­tuar de alguna manera para que el manierismo de la posguerra no se disolviera en el vacío. Y puede que esa voluntad de rescate haya continuado en el tiempo hasta nuestros días, pasando de Vincen­te Minnelli o Leo McCarey a Alain Resnais, y luego a Wim Wenders, y a José Luis Guerín, y a Bruno Dumont, entre muchos otros. De todos ellos se habla en este libro que pretende poner en duda la narración histórica del cine transmitida hasta el momento para de­jar paso a nuevos senderos zigzagueantes, que se bifurcan y se en­trecruzan.

Efemérides de cine: La leyenda de un valiente

El 27 de julio de 1967 se estrenó la película británica La leyenda de un valiente (The Long Duel), dirigida por Ken Annakin e interpretada por Yul Brynner, Trevor Howard, Harry Andrews, Charlotte Rampling,Virginia North, Andrew Keir, Laurence Naismith, Maurice Denham, George Pastell, Antonio Ruiz, Imogen Hassall, Paul Hardwick, Edward Fox. Productora: The Rank Organisation/J. Arthur Rank Film Distributors/Paramount Pictures. Duración: 115 minutos. 

Sinopsis argumental. Durante los años veinte del siglo XX, las tropas inglesas destacadas en la India mantienen durísimos combates contra los nativos que luchan por liberar a su patria del invasor. Entre ellos se encuentra el Sultán de Bhanta, cuya mujer e hijo están prisioneros en un fuerte británico. La mujer, que está esperando su segundo hijo, espera que su marido ataque el fuerte para poder dar a luz en libertad. 

Comentario: Aceptable película sobre la India colonizada por los británicos allá por 1920. Rodada en su mayor parte en escenarios abiertos y naturales del término municipal de El Padul (Granada, Andalucía, España) y otros lugares próximos. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Noticias de libro: El ojo tachado

El ojo tachado

Jenaro Talens

Cátedra

Madrid

2010

264 págs.

En 1929, «Un chien andalou» provocó en su estreno parisino un enorme escándalo, tanto por lo chocante de su contenido como por el carácter subversivo de su es­tructura y de su forma narrativa. Este libro, cuya primera edición data de 1986, ofrece, además de un análisis detallado del film y de su proceso de producción, una contribución inestimable al corpus de estudios sobre la obra de Luis Buñuel. El volumen aborda, entre otros aspectos, la influencia del imaginario daliniano en la pe­lícula, las relaciones de esta úl­ti­ma con «La coquille et le clergyman», de Antonin Artaud y Ger­maine Dulac, así como su in­fluencia en directores posteriores como Hitch­cock o Polanski o auto­res como Samuel Beckett. Cierra el texto un «découpage» detallado, tanto gráfico como literario. Esta edición incorpora elemen­tos que el autor añadió a la versión americana de The University of Mi­nnesota Press, así como nuevas imágenes digitalizadas del film.

Efemérides de cine: The Love-Ins

El 26 de julio de 1967 se estrenó la película estadounidense The Love-Ins, dirigida por Arthur Dreifuss e interpretada por Richard Todd, James MacArthur, Susan Oliver, Mark Goddard, Carol Booth, Marc Cavell,  Janee Michelle,  Ronnie Eckstine,  Michael Evans,  Hortense Petra, Jimmy Lloyd. Productora: Four-Leaf Productions. Duración: 91 minutos. 

Sinopsis argumental: Un profesor universitario dimite a causa de la expulsión de unos estudiantes que son periodistas underground, se une al movimiento hippy y se convierte en su Mesías.

Comentario: Película que trata sobre el el LSD. Basada libremente en la figura estadounidense de 1960, Timothy Leary y representa la vida de San Francisco de los años 1960, particularmente la del distrito de Haight-Ashbury. Se cumple el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Luv... quiere decir amor

El 26 de julio de 1967 se estrenó la película estadounidense Luv... quiere decir amor (Luv), dirigida por Clive Donner e interpretada por Jack Lemmon, Peter Falk, Elaine May, Nina Wayne, Eddie Mayehof, Paul Hartman, Sevem Darden, Alan DeWitt, Harrison Ford. Productora: Jalem Productions. Duración: 93 minutos.

Sinopsis argumental: Cuando Harry, un hombre desesperado, está a punto de tirarse desde un puente se topa con su amigo Milt, que tiene serios problemas conyugales: está deseando librarse de su mujer Ellen para irse con su amante. Para ello, le propone a Harry que conquiste a su mujer Ellen.

Comentario: Está basada en la producción homónima, estrenada en Broadway de Murray Schisgal. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: El espadachín manco

El 26 de julio de 1967 se se estrenó la película de Hong Kong El espadachín manco (Dubei Dao), dirigida por Cheh Chandg e interpretada por Wang Yu, Chiao Chiao, Huang Chung-Hsin, Pan Yin Tze, Chang Pei-Shan, Chao Hsiung, Chan Siu-Pang, Chen Chuan, Chen Leí, Li Jen Jo, Feng Ku, Hao Lí, Chia Yung Liu. Productora: Shaw Brothers. Duración: 111 minutos.

Sinopsis argumental: Fang Gang, discípulo de la escuela de maestro Chi Rufeng, Pierde en un accidente el brazo derecho y está a punto de perder la vida. Le salva Hsiao Man, una campesina que se enamora de él. Fang Gang consagrará su vía al aprendizaje de las técnicas de las artes marciales del brazo izquierdo gracias a un manual secreto. Gracias a ellas y convertido en un guerrero terrible volverá a la escuela de Chi para salvarla del desastre.

Comentario: Primera película de la trilogía conocida como del luchador manco del director Chang Chen. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Películas que rinden homenaje a Vértigo de Hitchcok (I)

Existen cientos de cinéfilos, por no decir miles, que aman hasta la locura a la celebérrima película de Alfred Hitchcok. Pero también hay multitud de cineastas que les ocurre lo mismo y que lo han demostrado a través de sus películas. he aquí algunos ejemplos destacados. 

Hitchcok está en todas partes, todo el tiempo, no hay una semana sin que la originalidad y calidad del gran director británico no sea ensalzada y sirva de referente al hablar de una nueva película o una nueva serie televisiva. 

La ventana indiscreta (Rear Window, 1954), Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959), Psicosis (Psycho, 1960) -de la que Gus Van Sant realizó un remake en 1998-, y Marnie la ladrona (Marnie, 1964), siempre han despertado la imaginación de los cineastas. Pero Vértigo (De entre los muertos) (Vertigo, 1958), ha ocupado un lugar privilegiado. Es la película fetiche por excelencia, el himno a las ilusiones y a las quimeras, que parece decir todo sobre la relacionado con la puesta en escena y sobre la vida. Y de la que se inspirado a cineastas de la talla de Luis Buñuel François Ozon, o el mismísimo de Brian De Palma.
1.- Fascinación (Obsession, 1976), de dirigida por Brian De Palma. Otra versión más o menos reivindicada por el ferviente copista De Palma. Es en Florencia donde reproduce la historia de amor inconsolable después de la muerte de su amada, y el encuentro fortuito e inesperado con una doble la desaparecida (la gran Geneviève Bujold). Trama, como en el original? Esta vez, el suspense está tomado prestado también de Rebecca y Marnie la ladrona. 

2.- Ese oscuro objeto de deseo (1977), de Luis Buñuel. Admiriba tanto a Hitchcok que no dudó en convertir Vértigo en Ese oscuro objeto de deseo. Aquí también se presenta la mujer dual, a la vez angelical y demoníaca, capaz de hacer sufrir a un hombre, haciéndolo pasar del deseo a la frustración y del amor al odio más furibundo. Si Kim Novak interpretaba indistintamente a Madeleine y Judy, Buñuel va utilizar el recurso inverso va a elegir a dos actrices diferentes (Carole Bouquet y Angelina Molina) para representar el mismo papel.

3.- Vestida para matar (Dressed to Kill, 1980), dirigida por Brian De Palma. En este caso, el discípulo de Hitchcock también toma prestado algo de Psicosis (la aparente heroína Kate Miller (Angie Dickinson) será sacrificada a la mitad del largometraje). La gran escena al estilo Vértigo se desarrolla en un museo, emblemático escenario de la película del director británico. Pero en ella se un cambio de roles, en esta ocasión es ella la que sigue y espía obstinadamente al hombre...

4.- Doble cuerpo (Double Body, 1984), dirigida por Brian De Palma. Una última referencia a De Palama. Al menos entre ocasiones citaremos a este director estadounidense. Todas su películas o, por lo menos, casi todas, tiene alguna referencia a Hitchcok, algunas de forma clara y directa, otras de forma más velada. Estamos en la década de 1980, el héroe de Doble cuerpo, repleto de fobias, puede ser considerado un avatar de John 'Scottie' Ferguson (James Stewart), protagonista de Vértigo, vive obsesionado con una vecina algo vulgar (Melanie Griffith), a la que en un principio espía y luego quiere proteger. La ventana indiscreta es la otra gran referencia de la película.

5.- Instinto básico (Basic Instinct, 1992), de Paul Verhoeven. Atraído especialmente por las mujeres, Hitchcok afirmaba que "no le gustaban las mujeres que llevaba el sexo en la cara". ¿Qué habría pensado del provocador homenaje de Paul Verhoeven, consistente en mostrar las intimidades de Sharon Stone durante un interrogatorio policial? En Instinto básico, el seguimiento por las calles de San Francisco, la sofisticación, el moño y el cabello rubio de Sharon Stone citan constantemente a Vértigo, pero las crudas escenas de amor son opuestas a la manera de hacer de Hitchcok. 

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Noticias de libro: Eric Rohmer

Eric Rohmer

Carlos F. Heredero; Antonio Santamarina
Cátedra
Madrid
2011
440 págs.

Miembro caracterizado de la «Nouvelle Vague» francesa y redactor jefe de la revista «Cahiers du cinéma» entre 1958 y 1963, Eric Rohmer es autor no sólo de una importante reflexión teórica sobre el cine, sino también de una filmografía compleja, organizada a partir de ciclos cerrados sobre sí mismos (“Cuentos de las cuatro estaciones”, “Comedias y proverbios”). Cineasta de la transparencia, buscador incansable de la objetividad cinematográfica a través de la siempre subjetiva puesta en escena, Rohmer desvela en su cine la realidad que se encuentra más allá de los comportamientos y de los discursos que tejen sus personajes. Las preocupaciones morales y las relaciones sentimentales son temas centrales de su obra.

Películas sobre desastres (XLIX)

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Segundo origen (Segon origen, 2015). España. Dirección: Carles Porta. Interpretación: Rachel Hurd-Wood, Andrés Batista, Sergi López, Ibrahim Mané, Philip Hurd-Wood, Marieta Orozco, Albert Prat, Andro Crespo. Guion: Marcel Barrena, Carmen Chaves, Bigas Luna, Carles Porta, David Victori, Ross Jameson (Novela: Manuel de Pedrolo). Música: David Julyan. Fotografía: Albert Pascual. Productora: Coproducción España-Reino Unido; Antàrtida Produccions Audiovisuals/Ipso Facto Films. Ciencia-ficción. Aventuras. Terror. Futuro postapocalíptico. Supervivencia. Color. Duración: 102 minutos. Alba, una chica blanca de 14 años, y Dídac, un niño negro de 9 son los únicos supervivientes de un holocausto de origen extraterrestre que ha asolado todo el planeta. Mientras se recuperan de la catástrofe, además de tener que adaptarse a un mundo devastado y plagado de cadáveres, se proponen como objetivo la misión de preservar la cultura humana, lo cual implica procrear.

The Whispering Star (Hiso hiso boshi, 2015). Japón. Dirección: Sion Sono. Interpretación: Megumi Kagurazaka. Guion: Sion Sono. Fotografía: Hideo Yamamoto. Productora: Nikkatsu. Ciencia-ficción. Robots. Futuro postapocalíptico. Color. Duración: 100 minutos.  Festival de Toronto: Mejor película asiática. Yoko (Megumi Kagurazaka), es una especie de repartidor interestelar de UPS . Su trabajo es simple: debe hacer entrega de paquetes y correspondencia a los seres humanos esparcidos por diversos planetas. Pero con tanto tiempo libre entre las entregas , Yoko comienza a preguntarse qué hay en esos paquetes. 

Vida, muerte y renacer en el fin de los tiempos (2015). Estados Unidos. Dirección: Luis Enrique Vanegas. Interpretación: Andrés Sandoval, Marisol Correa Vega, Jimmy Vásquez. Guion: Luis Enrique Vanegas, Juan Diego Escobar. Música: David Saldarriaga. Fotografía: Rodrigo Lalinde. Productora

Afasia Films/Nuestro Mar Producciones/Nuestro FICS. Fantástico. Drama. Futuro postapocalíptico. Color. Duración: 120 minutos. Cuando la rotación de la Tierra se hizo tan lenta que la humanidad se fundió en una noche eterna, miles de búnkers fueron diseñados para proteger al mundo de la muerte que la oscuridad trajo al planeta. Esta es la historia de cómo un perro y su familia sufren el último atardecer de una Tierra que se rinde a una noche eterna, una joven pareja pierde a su única hija al quedar atrapada en un búnker y una mujer ve el sol entre sueños mientras intenta sobrevivir en compañía de la oscuridad. Distintas familias enfrentarán lo que fue, es y será vivir y morir en el mundo cuando los tiempos han llegado a su fin.

Cord (2015). Colombia. Dirección: Pablo González. Interpretación: Christian Wewerka, Laura de Boer, Michael Schumacher. Guion: Pablo González, Camilo Salazar Prince. Fotografía: Carlos Vásquez. Productora: Coproducción Colombia-Alemania-Francia; La Mer à Boire Productions/Avenida Films/Blank Blank. Intriga. Thriller. Drama. Futuro postapocalíptico. Color. Duración: 65 minutos. En un mundo postapocalíptico donde el sexo se considera una actividad riesgosa, Czuperski ha construido una serie de rudimentarios aparatos para satisfacer sus deseos. Tania, una adicta sexual, establecerá con él un pacto que les permitirá a los dos experimentar placeres muy intensos, con el riesgo de salirse de control. 

Tear Me Apart (2015). Reino Unido. Dirección: Alex Lightman. Interpretación: Alfie Stewart, Frazer Alexander, Jennie Eggleton, Jon Campling, Simon Burbage, Gareth Lawrence, Duran Fulton Brown, Jurgen Schwarz, Russell MacLeod, Somi De Souza, Andrew Stockton, Terry Wood. Guion: Tom Kerevan. Música: Alex Lightman, Richard Lightman. Fotografía: Ernesto Herrmann. Productora: Cannibal Films. Terror. Thriller. Romance. Futuro postapocalíptico. Color. Duración: 86 minutos. En una tierra yerma post-apocalíptica en Inglaterra, dos jóvenes hermanos vuelven al canibalismo para sobrevivir sólo para enamorarse de su presa, una adolescente, posiblemente la última hembra que quede con vida.

Turbo Kid (2015). Canadá. Dirección: Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell. Interpretación: Munro Chambers, Laurence Leboeuf, Michael Ironside, Edwin Wright, Aaron Jeffery, Romano Orzari, Orphée Ladouceur, Steeve Léonard, Yves Corbeil, Evan Manoukian, Anouk Whissell, François Simard, Tyler Hall, Yoann-Karl Whissell. Guion: Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell. Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos. Fotografía: Jean-Philippe Bernier. Productora: EMA Films/Timpson Films. Ciencia-ficción. Comedia. Acción. Futuro postapocalíptico. Gore. Años 1990. Color. Duración: 89 minutos. Festival de Sitges: Mejor banda sonora. En un futuro post-apocalíptico, el agua es un bien muy preciado y en todo el mundo solo hay una ley, la del más fuerte. The Kid es un joven que se ha criado solo en un mundo duro y cruel, gracias sobre todo a la ayuda de cómic retro y otros objetos de tiempos pasados que se han convertido en su particular obsesión. Con ayuda de compañeros que irá encontrando a lo largo de su camino deberá luchar contra Zeus y su grupo de salvajes que se han auto-proclamado los jefes de todo el territorio. 

Z for Zachariah (2015). Estados Unidos. Dirección: Craig Zobel. Interpretación: Margot Robbie, Chiwetel Ejiofor, Chris Pine. Guion: Pall Grimsson, Nissar Modi (Novela: Robert C. O’Brien). Fotografía: Tim Orr. Productora: Benaroya Pictures/Lucky Hat Entertainment/Material Pictures. Ciencia-ficción. Drama. Futuro postapocalíptico. Cine independiente USA. Color. Duración: 95 minutos. Historia post-apocalíptica sobre una chica que vive sola y que lleva una granja en la última sección respirable de la Tierra tras una guerra nuclear. Su mundo se verá roto cuando tropieza con dos extraños en el bosque.

En el bosque (Into the Forest, 2015). Estados Unidos. Dirección: Patricia Rozema. Interpretación: Ellen Page, Evan Rachel Wood, Max Minghella, Callum Keith Rennie, Michael Eklund, Sandy Sidhu, Jordana Largy, Bethany Brown, Simon Longmore, Brittany Willacy. Guión: Patricia Rozema (Novela: Jean Hegland). Productora: A24. Drama. Thriller. Supervivencia. Futuro postapocalíptico. Cine independiente USA. Color. Duración: 101 minutos. En un futuro cercano, dos hermanas adolescentes que viven en un bosque de Carolina del Norte a varios kilómetros del vecino más cercano. Tras un apagón de energía total, los problemas no tardarán en llegar cuando la civilización tal y como la conocemos se colapse, con fuertes rumores de una posible guerra, pero lo que a ellas les preocupa es saber cuándo van a recibir de nuevo gas y electricidad, algo esencial para su peculiar modo de vida

Parabellum (2015). Argentina. Dirección: Lukas Valenta Rinner. Interpretación: Martín Shanly, Eva Bianco, Pablo Seijo, Martha Miglietta, Iván Moschner, Carlos Schejtman, Vanesa Maja, Rayen Braun. Guion: Ana Godoy, Esteban Prado, Lukas Valenta Rinner. Música: Dino Spiluttini. Fotografía: Roman Kasseroller. Productora: Coproducción Argentina-Austria-Uruguay; Nabis Filmgroup/La Pobladora Cine/2Mcine. Drama. Ciencia-ficción. Futuro postapocalíptico. Color. Duración: 75 minutos. El gran cataclismo final está cerca. Es por eso que Hernán, geólogo bonaerense, tiene a bien dejarlo todo e ingresar en un campamento de supervivencia en el Delta del Tigre que solo un grupo de privilegiados puede permitirse. Empezando cual comedia deadpan, el film sigue el peculiar entrenamiento de estos ejemplares humanos, para terminar adentrándose por unas oscuras profundidades apocalípticas (que hacen honor a la nacionalidad austriaca del director) en las que solo puede sobrevivir el más fuerte. O el menos cuerdo.

The Fitzroy (2015). Reino Unido. Dirección: Andrew Harmer. Interpretación: Jan Anderson, David Gant, Kenneth Collard, David Schaal, Cerith Flinn, Stuart McGugan, James Hamer-Morton, John Wark, Anne-Sophie Marie, Carol Robb, Sarah Griffin, Ant Payne,  Ant Payne,  Mark Duddy,  Matt Markwick,  Norma Cohen. Guion: Andrew Harmer (Comic: Andrew Harmer). Fotografía: Ciro Candia. Productora: Dresden Pictures. Comedia. Ciencia ficción. Comedia negra. Futuro postapocalíptico. Años 1950. Color. Duración: 93 minutos. The Fitzroy es una comedia negra sobre un futuro alternativo y posapocalíptico situado en los años 50. El mundo está cubierto por un gas venenoso, y el último lugar que queda para pasar unas tradicionales vacaciones en la costa es el hotel Fitzroy, un submarino abandonado en la costa inglesa. La película se centra en Bernard, el botones, cocinero, chico de mantenimiento y recadero, que se las tiene que ver con una batalla constante para que el hotel se mantenga a flote. 

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