Efemérides de cine: Dios perdona...¡Yo no!

El 31 de octubre de 1967 se estrenó la película italiana Dios perdona... ¡Yo no!, también conocida como Tú perdonas...¡Yo no! (Dio perdona... Io no!), dirigida por Giuseppe Colizzi e interpretada por Terence Hill, Bud Spencer, Frank Wolff, Gina Rovere, José Manuel Martín, Luis Barboo, Joaquín Blanco, Tito García, Frank Braña. Productora: Coproducción Italia-España; Cronocinematografica S.p.a./Productores Exhibidores Films Sociedad Anónima (PEFSA). Duración: 109 minutos.

Sinopsis argumental: En la estación de Canyon City todo el pueblo espera la llegada del nuevo Juez de Paz. Finalmente llega el tren, pero sin maquinista y repleto de cadáveres. El atraco y la matanza tienen todas las características de haber sido ejecutados por Bill San Antonio, un pistolero al que todos creían muerto desde hace tiempo. Doc, un jugador profesional, empieza a investigar la falsa muerte de Bill con la esperanza de apoderarse de todo el oro robado. En esta misión cuenta con la ayuda de Earp, un antiguo compañero que trabaja como empleado de la compañía en la que el banco tenía asegurado el cargamento de oro robado por Bill San Antonio.

Comentario: Violento spaghetti western rodado en Tabernas, de la provincia de Almería (España). Ésta fue la primera vez que esta pareja de actores (Terence Hill y Bud Spencer) trabajaron juntos, y desde aquí labraron una gran amistad que tuvo como lugar otros filmes exitosos, llenos de mamporros y carcajadas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Los comediantes

El 31 de octubre de 1967 se estrenó la película estadounidense Los comediantes (The Comedians), dirigida por Peter Glenville e interpretada por Richard Burton, Elizabeth Taylor, Alec Guinness, Peter Ustinov, Lillian Gish, Paul Ford, James Earl Jones, Cicely Tyson. Productora: Metro-Goldwin-Mayer. Duración: 150 minutos. 

Sinopsis argumental: Entre el pasaje de un barco que arriba a Haití se encuentran un empresario británico con una carta de invitación para hacer negocios con el Gobierno el mayor Jones; una anciana pareja de americanos, los señores Smith, que pretende invertir en la fundación de un centro para la educación y la nutrición de la población local, y Brown, un individualista de carácter cínico que ha heredado un hotel en Puerto Príncipe. A la llegada a la capital haitiana, Jones enseña sus credenciales, firmadas por un responsable gubernamental depuesto y encarcelado, por lo que el mayor también es detenido. Desde este momento se desarrolla una trama que mezcla la intriga política y con la sentimental, en el contexto de la dictadura de Papa Doc Duvalier.

Nominaciones y premios: Globos de Oro: Nominada mejor actriz de reparto (Lillian Gish).
Comentario: Larga película realizada sobre una novela y un guión de Graham Greene. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Tobe Hooper; muerte de una leyenda del gore (II)

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Hooper siguió con El misterio de Salem's Lot (Salem's Lot, 1979), una miniserie televisiva basada en una de las novelas mejor valoradas de Stephen King con el mismo título. Estaba protagonizada por David Soul y James Mason y habla sobre un escritor que regresa a su pueblo natal y descubre que los habitantes se están convirtiendo en vampiros.

En 1982, Spielberg co-escribió y produjo su decepcionante Poltergeist: fenómenos extraños (Poltergeist). Fue la primera de una trilogía. Los dos hombres nunca han logrado combinar sus estilos contradictorios y Hooper reconocería que para él la película fue decepcionante, aún cuando la película se convirtió un éxito de taquilla. La trama gira en torno a los inquietantes sucesos que acontecen en la casa de una familia que vive en los suburbios, y en la que se sospecha que ha ocurrido el fenómeno de poltergeist.

En la década de 1980, bajo contrato con Cannon Films, Hooper se especializa en remakes y secuelas cinematográficas, de escasa calidad. En 1985 estrenó Life force, fuerza vital (Lifeforce), que aunque fue un fracaso de crítica y público con el tiempo se revalorizó hasta convertirse en un film de culto. La idea de la película surgió a partir de una novela de Colin Wilson titulada Los vampiros del espacio, pero dando un carácter mucho más "pulp" a la trama; esto la distanció de la novela, y Wilson acabaría renegando por tanto de la adaptación.

En 1986, dirigió La matanza de Texas 2 o La masacre en Texas 2 (The Texas Chainsaw Massacre 2), secuela de la película que lo hizo famoso, en esta ocasión con un tono más orientado a la comedia y con la intervención de Dennis Hopper. "Me dediqué a realizar películas fantásticas porque tenía suficiente drama en casa", dijo con la modestia que lo caracterizaba.

Hooper dirigió luego con mucha menor repercusión algunas series de televisión como Taken. En 2005 dirigió dos capítulos de Masters of Horror titulados Dance of the Dead y The Damned Thing. Su última película fue Djinn (2013), rodado en los Emiratos Árabes sin la menor repercusión.

En 2014 fue galardonado con el Premio Maestro del Festival de Cine Fantástico 'Nocturna 2014'.Tobe Hooper murió el 26 de agosto de 2017. Tenía 74 años. 

Noticias de libro: El cine negro 2

El cine negro 2

Víctor Arribas
Notorius Ediciones
2015
432 págs. 

Sombras amenazadoras, historias de traición y deslealtad, engaños, mujeres fatales y asesinatos. El género bautizado como film noirha proporcionado algunos de los títulos más legendarios a la Historia del Cine. La mayoría de ellos estaban incluidos en El Cine Negro, pero muchas películas emblemáticas como Cara de Ángel, Perversidad, Cayo Largo o Los amantes de la noche demandaban también un estudio en profundidad. Este segundo volumen se encarga analizar otras sesenta obras maestras abarcando el período clásico en que Hollywood dejó volar la creatividad inspirándose en las novelas de Chandler, Hammett, Burnett o Cain. Concebido como un gran reportaje, cada capítulo realiza un repaso completo a la fase de producción de esas películas y aporta una visión personal sobre ellas. Con una característica común en la mayoría: lo implacable del destino trágico y la fatalidad.

Las películas del libro: El código penal, Las calles de la ciudad, Ángeles con caras sucias, Muero cada amanecer, El embrujo de Shangai, La llave de cristal, Perseguido, Tener y no tener, Alma en suplicio, La casa de la calle 92, Ángel o diablo, Venganza, Perversidad, La dalia azul, Envuelto en la sombra, El extraño, A través del espejo, Callejón sin salida, Pursued, Persecución en la noche, La brigada suicida, Al volver a la vida, Pacto tenebroso, Yo creo en ti, El reloj asesino, La calle sin nombre, Cayo largo, Voces de muerte, Mil ojos tiene la noche, Sangre en las manos, Acto de violencia, Nadie pude vencerme, Atrapados, El ídolo de baro, Mercado de ladrones, Almas desnudas, Los amantes de la noche, El caso de Thelma Jordon, Noche en la ciudad, Sin remisión, Al borde el peligro, Corazón de hielo, Pánico en las calles, Motivo de alarma, Sin conciencia, Extraños en un tren, El soborno, Brigada 21, La casa en la sombra, Cara de ángel, Niágara, El autoestopista, la casa nº 322, Agente especial, La casa de bambú, El asesino anda suelto, Ligeramente escarlata, Más dura será la caida, Mientras Nueva York duerme, Un beso antes de morir.

Tobe Hooper; muerte de una leyenda del gore (I)

Fallecido el 26 de agosto de 2017, el director estadounidense había estremecido  en 1974 las salas de proyección La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre), obra maestra del cine de terror y del horror. Un golpe de brillantez que no volvería a lograr a lo largo de su carrera, prefiriendo especializarse en los remakes y en secuelas. 

Desaparece un mes después George Romero, de otra leyenda del cine de terror de los años 1970. El autor de La matanza de Texas, Tobe Hooper admitió haber tenido la idea de esta obra maestra en una habitación mientras veía La noche de los muertos vivientes, de su colega Romero. "A comprobar el estado de excitación que esta película provocaba en los espectadores, me  dije que algo había que intentar en este mismo sentido"

Cine gore 

Egresado de la Universidad de Texas, concretamente en Austin, Tobe Hooper tenía apenas 28 años cuando rueda La matanza de Texas, junto a un grupo de amigos. Ola de calor, actores y actrices al borde la depresión, un director tiránico: seis semanas de pesadilla en el corazón del verano de 1973, fueron necesarias para que naciera esta monstruosa película, sin lugar a dudas una de las mejores películas de terror de la historia del cine. Y la más controvertida. Una obra política y visceral, para unos; un filme gore y nauseabundo, para otros. Presentado en la sección Quinzaine des réalisateurs  en el Festival de Cine de Cannes en 1975, la película fue censurada en muchos países por su sadismo y su extrema violencia y, por tanto, relegada a salas de cine B. No Se estrenó definitivamente en España hasta el 30 de marzo de 1977, con una prohibición a menores de 18 años.  La historia muestra a dos hermanos, quienes viajan junto a sus amigos a Texas con el objetivo de revisar la tumba de uno de sus familiares, la cual, según informes de la radio, había sido profanada. Sin embargo, en el trayecto son atacados por una familia de caníbales. La película tuvo un presupuesto de 140.000 dólares y recaudó más de 30 millones en Estados Unidos. La historia de la película se basó en algunos hechos reales, crímenes cometidos por Ed Gein en los años 1950.

El reverso del sueño americano

En mayo de 2014, año en el que se conmemoraba el 40 aniversario del estreno de La matanza de Texas (se estreno el 1 de octubre de 1974 en Dallas, Texas), Tobe Hooper volvió para presentar su película en el Festival de Cine de Cannes (la presentó originariamente el 17 de mayo de 1975 en dicho Festival). Nos habíamos encontrado con el maestro, su rostro todavía estaba cubierto por la misma barba peluda (pero blanquecina) que llevaba en su juventud. Él nos había enseñado cómo el virus de la cinefilia se le había contagiado. "Mis padres pasaron sus vidas en el cine. Mi padre era dueño de un hotel al lado de una sala de cine en Austin. El día que nací, mi madre estuvo en el cine y tuvo que ser llevada urgentemente al hospital. Desde la edad de 3 años, mis padres me llevaron con ellos y luego me dejaron solo en la habitación todo el día. El cine se convirtió rápidamente en mi realidad". Notable tejano, el padre de Tobe Hooper fue amigo personal el futuro presidente Lyndon Jonhson, quien terminará el mandato de JFK después de su asesinato en Dallas. El joven Tobe Hooper lógicamente desarrollará una desconfianza de la política, asociada con el crimen y la violencia. Esta es una de las claves para leer La matanza de Texas, un trabajo mucho más profundo y desafiante de lo que parece. Como la mayoría de las grandes películas de esta prolífica década, expone el otro lado del sueño americano y denuncia la decadencia de las instituciones, que comenzó con los asesinatos políticos de la década de 1960 (John F. Kennedy, Martin Luther King) y termina con el escándalo Watergate.

Una carrera muy acccidentada

Pero a diferencia de un Romero, que supo cómo cimentar el tema de los zombis a lo largo de su carrera, estudiando sus metáforas actualizadas con cada película, Tobe Hooper nunca se ha recuperado realmente del fenomenal éxito de su opera prima. En 1977, con el mismo equipo, realiza Trampa mortal (Eaten Alive AKA Death Trap), película que fue nominada en varios festivales de cine de terror. Contaba la historia de un campesino que vivía en los pantanos de Luisiana y mataba a personas para alimentar a un gran cocodrilo que tenía como mascota. Una alegre variación sangrienta de lo que había hecho Hitchcock en el motel, Psicosis. 

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Mireille Darc, emblema del cine francés (II)

Fiel al cine popular

Hija de  Louis de Funès y de Jacqueline Maillan en El pollo de mi mujer (Pouic-Pouic, 1963), de Jean Girault, película en la que realiza su primer papel importante, Mireille Darc permaneció fiel a un espíritu típicamente galo, al que siempre confirió su toque de elegancia. Su lealtad también fue con la amistad. En lugar de tratar de multiplicar las reuniones con los directores, primero le preocupa actuar para sus amigos. 

Hizo trece películas con Georges Lautner, entre ellas Des pissenlits par la racine (1964), y se convirtió en una de los artistas favoritos de Michel Audiard. También trabajó con Edouard Molinaro, Yves Robert, Gérard Pirès. 

Y una docena de veces con Alain Delon [El diablo y los diez mandamientos (Le diable et les dix commandements, 1962), Jeff (1969), Madly (1970), Borsalino (1970), Los senos de hielo (Les seins de glace, 1974), Borsalino & Cía. (Borsalino and Co, 1974), L'homme pressé (1977), Muerte de un corrupto (Mort d'un pourri, 1977), Por la piel de un policía (Pour la peau d'un flic...]. Acusada, en ocasiones, de hacer cine comercial, aunque es cierto, sin embargo, lo realizó con el sentido de las afinidades selectivas

También tuvo un encuentro con Jean-Luc Godard, casi inevitable para las actrices de su generación, pero  Week-end (1967), no tuvo un efecto revelador. 

Poco interesada en su propia imagen de actriz, a Mireille Darc no le importó romperla bajo la dirección de un iconoclasta. 

En los años 1980, su carrera fue interrumpida por una operación a corazón abierto. Después, como resultado de un accidente de coche en un túnel en el Valle de Aosta, en el que fue gravemente herida, con la columna vertebral fracturada, siendo inmovilizada durante tres meses en un hospital de Ginebra, y de su separación de Delon, después de quince años de vida en común, abandonó el cine, para solo volver a la televisión en los años 1990. Sin pretender nunca reinventarse a sí misma, terminó su carrera en la televisión, con solo unas cuantas telenovelas en el apogeo de la popularidad que había conseguido, interpretó numerosos papeles: como burguesa temible en Les Cœurs brûlés o en Les Yeux d'Hélène y más tarde en Terre indigo, Le Bleu de l'océan y Frank Riva en la que se reencontró de nuevo con Alain Delon.

Sin embargo, sin aprovecharse de esta celebridad también participó para la televisión en documentales sobre trasplantes de órganos, mujeres sin hogar y trabajadoras sexuales. Al relatar la vida inscrita en su cuerpo, la actriz recurrió a los demás para relatar sus propias experiencias dolorosas de una paciente que estaba enferma del corazón. Lo hizo sin contrastar con la bella rubia llena de vida que había encarnado y que el público había amado tanto. Mireille Darc, espectacular gran saltamontes, podría haber sido apodado también la discreta.

Mireille Darc falleció en su domicilio el 28 de agosto de 2017.

Ocho películas para disfrutar con los más pequeños

1.- ¡Qué Circo! (1973), de Bretislav Pojar, Zdenek Ostrcil y Karel Zeman. Una estimable colección de cortometraje, que reflejan la excelente animación checoslovaca de los años 1950. Lejano antecesor de Toy Story.  Tres cortos animados llenos de colores alrededor del circo por grandes cineastas checos (Pojar, Zeman): Mr Prokouk Acrobata (1959), de Karel Zeman: El circo más original que existe de el señor Prokouk llega a la ciudad. Él es el punto culminante del espectáculo con un número impresionante de patinaje con un león. Pero el león se traga su famoso sombrero; Dos corazones en pista (1973), de Zdenek Ostrcil: En un circo ambulante, una joven acróbata y un payaso están enamorados, pero el resto de la trupe, están muy celosos,  por ello, tendrán que superar muchas pruebas antes de que su amor sea aceptado!; El paraguitas mágico (1957), de Bretislav Pojar: A medianoche, una vez que las luces de las casas estén apagadas, un elfo desciende del cielo estrellado con la ayuda de un paraguas mágico y entra a la habitación de un niño. Los juguetes cobran vida y se embarcan en un espectáculo deslumbrante. 
2.- Zombillénium (2017), de Arthur de Pins, Alexis Ducord. En Zombillénium, el parque de atracciones de terror, los monstruos están deprimidos. Por un lado, los zombies, vampiros, hombres lobo y otros demonios y auténticos monstruos, han vendido su alma al Diablo para siempre. Y por otro, están cansados de ejercer este trabajo, de tener que divertir a los humanos, consumidores en exceso, voyeristas y egoístas. En resumen, están especialmente cansados del trabajo de oficina, sobre todo cuando éste va a durar una eternidad... Hasta que llega Héctor, un humano, controlador de las normas de seguridad y determinado a cerrar el parque. Para poder seguir guardando el secreto, a Francis, el Vampiro que dirige el parque, no le queda más remedio que morder a Héctor. Éste, convertido en un extraño monstruo, alejado de su hija Lucie y encerrado en el parque, empieza a verlo todo negro... ¿Y si, finalmente, Héctor se convierte en la nueva atracción del parque?
3.- Operación Cacahuete 2. Misión: Salvar el parque, también conocida como Operación cacahuete 2 (The Nut Job 2: Nutty by Nature AKA The Nut Job 2, 2017), escrita y dirigida por Cal Brunker. Andie está preocupado. La ardilla Surly y los animales del parque viven por todo lo alto en el sótano de la tienda de frutos secos. Les sobra la comida, viven sin esfuerzo y Andie teme que estén perdiendo sus instintos y volviéndose perezosos. Pero un día la tienda de frutos secos explota y los animales deben volver a buscar comida en el parque de Liberty Park. Pero el malvado alcalde de Oakton tiene otros planes para el parque. El alcalde quiere enriquecerse construyendo un ruidoso parque de atracciones en Liberty Park. Cuando las excavadoras llegan, Surly y los animales deben oponer resistencia para conservar su hogar. Entonces, cuando se detienen las obras, el alcalde contrata un escuadrón de control de animales dirigido por Gunther con el que resolver sus problemas con los ?bichos? del parque de una vez por todas. Para colmo, cuando parecía que las cosas no podían ir peor, Precious, la mejor amiga de Surly, es secuestrada. Ha sido la hija del alcalde, Heather, quien ha encerrado a Surly en su casa junto con Frankie, un bulldog francés. Pero para cuando Surly y su colega Buddy rescaten a Precious y vuelvan al parque, el parque de atracciones ya estará en pleno funcionamiento. Ahora o nunca, Surly y el resto de animales tendrán que dejar de lado sus diferencias, unirse y, juntos, luchar por recuperar Liberty Park de una vez por todas de las garras del alcalde. La película está dirigida por Cal Brunker (Escape from Planet Earth) a partir de un guión de Bob Barlen (Escape from Planet Earth) y Scott Bindley (Madison).. Se trata de la continuación Operación caachuete (The Nut Job, 2014), dirigida por Peter Lepeniotis, que a su vez era la adaptación en largo del cortometraje de 2005 Surly Squirrel. 
4.- Capitán Calzoncillos, su primer peliculón (Captain Underpants: The First Epic, 2017), dirigida por David Soren. Jorge y Berto son dos niños de primaria, bastante traviesos, obsesionados con los cómics a los que les gusta dibujar sus propias historietas cuyo protagonista es el Increíble Capitán Calzoncillos, un superhéroe dueño de unos calzones con poderes superelásticos que se enfrenta a perversos villanos. Las trastadas de Jorge y Berto desquician al Señor Carrasquilla, director del colegio, y un día, de manera accidental, le hipnotizan  provocando su transformación en el mismísimo Capitán Calzoncillos de sus alocados tebeos. Cada vez que alguien chasquea los dedos, el Señor Carrasquilla se transforma en este peculiar superhéroe y, para que vuelva a ser normal, solo hay que echarle agua por encima. Ahora, con el director del colegio convertido en este superhéroe tan peculiar, los pequeños deberán tratar de invertir esta situación, antes de que se les vaya completamente de las manos. Adaptación cinematográfica de Captain Underpants, saga de libros infantiles escrita por Dav Pilkey que sigue de cerca las aventuras de este divertido superhéroe. 

5.- El viento en los juncos (Le vent dans les roseaux, 2017), una coproducción franco-belga, dirigida por Nicolas Liguori y Arnaud Demuynck. Eliette, una niña de ocho años, vive en un país donde el rey prohibió la música. Un trovador, venido de Oriente, tiene sus instrumentos confiscados. Pero él no está inclinado a la servidumbre y se encuentra con Eliette, quien secretamente talló una flauta en una caña salvaje. Eliette y el trovador se hacen amigos. Juntos, llevarán a las personas a liberarse de la tiranía. Esta historia establece el tono del largometraje (62 minutos) El viento en las juncos, que la lechuza que hace de presentadora, va narrando a los niños de la audiencia, ofrece cinco aventuras en torno a la libertad, con una estupenda música original, sorprendentes heroína y unas imágenes maravillosas. Inspirado en un cuento original de la tundra del norte de Asia, La niña y la Noche,  de Madina Iskhakova, es el más poético y metafórico del lote, con su pájaro que recuparoala sonrisa de la Señora, la noche, colocándole estrellas en el pelo...
6.- En el bosque encantado de Oukybouky (Dyrene i Hakkebakkeskogen, 2016), dirigida por Rasmus A. Sivertsen. Es bueno vivir en el bosque Oukybouky. Sin embargo, los ratones Morten Skogmus y Klatremus, El abuelo Bjørnemor y la Famille Écureuil deben permanecer cautelosos porque algunos vecinos a veces tienen un estómago vacío y dientes largos... Cuando Mikkel Rev el zorro y otros depredadores intentan comerse a los ratones, los habitantes del bosque deciden actuar. ¿Pero cómo persuadir a Marvin y Horace de que ahora tendrán que llenar sus platos con avellanas? Rasmus A. Sivertsen es un director noruego nacido en 1972. Su padre es dibujante, por lo que está familiarizado con la creación animada desde una edad temprana. Adaptación de un cuento de Thorbjørn Egner, Klatremus y los otros animales en Hakkebakkeskogen (1953). Hakkebakkeskogen puede interpretarse como un mundo humano en miniatura. En 1995 se realizo una versión anterior dirigida por Ivo Caprino. Fue elegida mejor película noruega para niños durante los Premios Amanda (2017).
7.- La familia Addams. La tradición continúa (Addams Family Values, 1993), una comedia de terror gótico, dirigida por Barry Sonnenfeld. Fue amor al primer susto cuando Gomez y Morticia acogieron a un nuevo miembro en el grupo familiar, Pubert, su delicado, blandito y bigotudo niño. Fue entonces cuando Fétido se enamoró de la voluptuosa niñera. Pero tras algunas investigaciones, Miércoles y Pugsley descubren que la “inocente” niñera es en realidad una viuda negra asesina que planea añadir a Fétido a su colección de maridos muertos. Secuela de La familia Addams (The Addams Family, 1991), dirigida también por Barry Sonnenfeld que inició la saga. La tercera fue La familia Addams: La reunión (Addams Family Reunion, 1998), de David Payne. Se espera una nueva versión para 2020. Estuvo nominada a los Oscar a la mejor dirección artística y Angelica Huston recibió un Globo de Oro a su interpretación en una comedia o musical, así como  otros dos premios y diversas nominaciones.

8.- Un cuento puede ocultar otro (Un conte peut en cacher un autre, 2017), dirigida por Jakob Schuh,  Jan Lachauer,  Bin-Han To. Basado en un libro de Roald Dahl, en el que el autor revisita de manera humorística y subversiva seis cuentos tradicionales: Cenicienta, Jack y las habichuelas mágicas, Blancanieves y los siete enanos, Caperucita Roja, Los tres cerditos y Ricitos de oro y los tres osos (el único que no aparece en la película). Cómo reinventar los cuentos de hadas con humor e inteligencia... Imaginemos que Caperucita Roja y Blanca Nieves son viejos amigos ... Harían una alianza para deshacerse de los depredadores hambrientos o de una suegra asesina. ¿Y qué haría Jacques (el de la judía mágica) si tuviera a la Cenicienta como un vecino encantador? Un lobo que parece un dandi nos dice...

Noticias de libro: El cine negro

El cine negro 

Víctor López Arribas

Notorious Ediciones

Madrid

2011

432 págs. 

El libro realiza un minucioso estudio del cine negro clásico americano (desde 1930 a 1960) a través del análisis de las 60 películas más importantes del género según su autor, tratadas de manera independiente cada una de ellas.
Víctor Arribas es periodista y desde 1988 se dedica a la información en radio y televisión. Participa en los principales programas de debate político que se emiten en España. Dedicado al estudio y divulgación del cine clásico, ha colaborado en programas dedicados al Séptimo Arte y en innumerables publicaciones desarrollando su pasión por el buen cine.

Efemérides de cine: Pero... ¿en qué país vivimos?

El 27 de octubre de 1967 se estrenó la película española Pero... ¿en qué país vivimos?, dirigida por José Luis Saénz De Heredia e interpretada por Concha Velasco, Manolo Escobar, Alfredo Landa, Antonio Ferrandis, Gracita Morales, Emilio Alonso, Tomás Blanco, Enrique Vivó. Productora: Arturo González Producciones Cinematográficas. Duración: 102 minutos. 

Sinopsis argumental: A un concurso de televisión sobre música y canciones acuden un hombre y una mujer muy diferentes y defensores cada uno de muy distintos estilos de música: él defiende la música tradicional y popular española, y ella los ritmos ye-yés y modernos.

Comentario: La primera de las seis películas que rodaron Manolo Escobar y Concha Velasco. De 1967 a 1971, el dúo rodó un filme por año, excepto el último, en que protagonizaron dos. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Jewel Thief

El 27 de octubre de 1967 se estrenó la película hindú Jewel Thief, dirigida por Vijay Anand e interpretada por Dev Anand, Vyjayantimala, Ashok Kumar, Tanuja, Helen, Faryal, Anju Mahendru, Nazir Hussain, Sapru, Sachin. Productora: Navketan Films. Duración: 186 minutos. 

Sinopsis argumental: Vinay (Dev Anand), es un joven ordinario al que confunden frecuentemente encuentra con un ladrón de joyas un personaje llamado Amar. Vinay trabaja con la policía para hacerse pasar por Amar y desmontar su red criminal, pero parece que Amar también ha decidido hacerse pasar por Vinay, y pronto sus verdaderas identidades estarán completamente solapadas.

Comentario: La película se convirtió en un éxito de taquilla. Una secuela de esta película fue lanzada en 1996, llamada Return of Jewel Thief. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Mireille Darc, emblema del cine francés (I)

Descubierta por Georges Lautner, artista famosa del cine popular de la década de 1970 y 1980 del pasado siglo, la actriz, que acaba de morir a los 79 años, y que manejaba con humor y ligereza el registro de la seducción.

En el cine popular francés, ella era tanto la artista como la amante, o incluso el símbolo de la mujer moderna y libre. Llena de contrastes, Mireille Darc nunca rechazó su apodo, la gran saltamontes, heredándolo del personaje que interpretó en la película de Georges Lautner, estrenada en 1967, Eva a la francesa (La grand sauturelle). Es curioso, sonriendo, daba la impresión de llevar a cabo su carrera con indiferencia. Y se convirtió en un icono y estrella sin siquiera dar la sensación de querer realizar una carrera en el cine.

Nacida en 1938 en un medio popular, madre y tendero y padre jardinero, el cine se le aparece como un sueño, después de un pasaje por el modelaje y la televisión. Una historia nada destacable que Mireille Darc acepta despreocupada- incluso si todo no es tan brillante en su vida (ella contará en su autobiografía, Tant que battra mon cœur (aparecida en 2005), que tuvo una infancia sencilla, en incluso, en ciertas épocas, precaria, El sueño, ella lo encarna de manera brillante. 

Con su físico de rubia de comedia, inventa un personaje seductor, desinhibido e informal. Y se convierte en verdadero símbolo sexual con Pierre Richard, vestirse y desvestirse el famoso vestido sin espalda, diseñado por Guy Laroche, que lleva en la película El gran rubio con un zapato negro (Le Grand Blond avec une chaussure noire, 1972), de Yves Robert. Tres años más tarde, ella interpreta el arquetipo de la prostituta de un gran corazón en Le telephone rose (1975) de Edouard Molinaro. Un divertimento que ella construye con audacia y generosidad, y que se convierte en todo un fenómeno social.

Una pareja con glamur 

La parte soñada del cine, también la ilustra, a lo largo de los años 1970, con su relación con Alain Delon. La glamurosa pareja que forman potencia el star-system francés: hay mitología en el aire, como en Hollywood. Y en la pantalla, la alquimia produce sus efectos. Junto a Delon, Mireille Darc encuentra personajes más complejos, como la peligrosa mitomana en Les seins de glace (1974), de Georges Lautner.

O la acompañante de L’homme pressé (1977), de Edourad Molinaro. 

En universos más sombríos, la actriz podría convertirse en un icono hitchockiana. Ella tiene una autoridad natural que transforma la mayor parte del tiempo, frente a la cámara, en carga cómica. Pero la tensión pura le sienta igual de bien, como se ve en El hombre que nos persigue (Les Passagers, 1977), de Serge Leroy, una película angustiada inspirada en El diablo sobre ruedas (Duel, 1971), de Steven Spielberg. Las ocasiones para explorar este registro aún siguen siendo raras.

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Películas de la semana: 27 de octubre

Thor: Ragnarok

Dirección: Taika Waititi. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 130 minutos. Género: Fantástico. Acción. Aventuras. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Secuela. 3-D. Interpretación: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Cate Blanchett, Anthony Hopkins, Mark Ruffalo, Tessa Thompson, Benedict Cumberbatch, Idris Elba, Jeff Goldblum, Jaimie Alexander, Sam Neill, Ray Stevenson,  Tadanobu Asano, Taika Waititi, Karl Urban, Stan Lee. Taika Waititi. Guion: Eric Pearson (Historia: Craig Kyle, Christopher Yost). Música: Mark Mothersbaugh. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Productora: Marvel Entertainment/Marvel Studios/Walt Disney Pictures. Estreno en España: 27 de octubre dew 2017. Sinopsis: Asgard se encuentra en manos de una poderosa amenaza, la despiadada y todopoderosa Hela (Cate Blanchett), que ha robado el trono y ha encarcelado a Thor (Chris Hemsworth), enviándole como prisionero hasta el otro extremo de la galaxia. Sin su martillo, el mítico y poderoso Mjölnir, el Dios del Trueno se encontrará a sí mismo en una carrera contra el tiempo. En el planeta Sakaar, Thor tendrá que luchar por su vida como un gladiador. Para escapar de su cautiverio, Thor tendrá que resultar vencedor en una competición alienígena, y derrotar a su antiguo aliado y amigo Vengador El increíble Hulk (Mark Ruffalo). Pero, por alguna misteriosa razón, Hulk no recuerda a su compañero Vengador. Claro que, por encima de todo, el objetivo del Dios del trueno será volver a Asgard y parar el Ragnarok, un ciclo de vida y muerte sin fin que podría significar la destrucción total e inminente de la civilización asgardiana. 

El secreto de Marrowbone

Dirección: Sergio G. Sánchez. País: España. Año: 2017. Duración: 109 minutos. Género: Terror. Thriller. Thriller psicológico. Interpretación: Anya Taylor-Joy, George MacKay, Mia Goth, Charlie Heaton, Matthew Stagg, Kyle Soller. Guion: Sergio G. Sánchez. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Xavi Giménez. Productora: Telecinco Cinema/Lions Gate International. Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Sinopsis: En 1969, en la América rural, los cuatro jóvenes hermanos Jack (George MacKay), Billy (Charlie Heaton), Jane (Mia Goth) y el pequeño Sam (Matthew Stagg) llegan a Marrowbone junto a su madre Rose (Nicola Harrison). Escaparon de Inglaterra con el objetivo de dejar atrás a su padre, un hombre violento y con pasado criminal. Ahora, en aquella casa abandonada, esperan iniciar una nueva vida, partiendo de cero en ese lugar en el que nadie les conoce. Muy pronto entablan amistad con Allie (Anya Taylor-Joy), una joven local que lleva luz a sus deprimentes vidas. Pero cuando Rose fallece de manera inesperada, los chicos se quedan desamparados y sin recursos. Tras enterrar a su madre en el jardín, deciden mantener su muerte en secreto para evitar ser deportados o separados. De esta forma tendrán que intentar sobrevivir sin la ayuda o supervisión de un adulto, escondiéndose del mundo y sin otro lugar adonde ir. Será entonces cuando una inquietante y amenazadora presencia empezará a rondar la vieja casa.

El tercer asesinato

Título original: Sando-me no satsujin. Dirección: Hirokazu Koreeda. País: Japón. Año: 2017. Duración: 124 minutos. Género: Thriller. Drama. Drama judicial. Interpretación: Masaharu Fukuyama, Koji Yakusho, Suzu Hirose, Yuki Saito, Kotaro Yoshida, Shinnosuke Mitsushima, Izumi Matsuoka, Mikako Ichikawa, Isao Hashizume. Guión: Hirokazu Koreeda. Música: Ludovico Einaudi. Fotografía: Mikiya Takimoto. Diseño de producción: Yohei Taneda. Nominaciones y premios: Festival de Cine de Venecia: Nominada a mejor película.  Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Sinopsis: El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato hace treinta años. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas, ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique la pena de muerte. Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente.

Un golpe a la inglesa

Título original: The Hatton Garden Job. Dirección: Ronnie Thompson. País: Reino Unido. Año: 2017. Duración: 100 minutos. Género: Thriller. Crimen. Robos y Atracos. Basado en hechos reales. Interpretación: Matthew Goode, Joely Richardson, Stephen Moyer, Clive Russell, Phil Daniels, David Calder, Larry Lamb, Jack Doolan, Mark Harris, Duncan Casey, Craig Russell, Luke Junior, Michael Chapman, Benny Bereal, Julian Gamm, Sen Monro. Guion: Ray Bogdanovich, Dean Lines, Ronnie Thompson. Producción: Ben Jacques.  Música: Paul Arnold, Andrew Barnabas. Fotografía: Arthur Mulhern. Montaje: Emma Gaffney. Diseño de producción: Sarah Beaman, Jeff Schell. Dirección artística: Richard J. Reynolds. Vestuario: Alison McLaughlin. Productora: Fiction Films. Estreno en España: 21 de octubre de 2017. Sinopsis: En abril de 2015, cuatro hombres de edad madura dieron un golpe a la compañía Hatton Garden Safe Deposit, una instalación de depósito de seguridad subterránea en el área de Hatton Garden de Londres. En el asalto estos cuatro hombres robaron un total de 200 millones de libras esterlinas, por lo que dicho incidente fue considerado como el "mayor robo de la historia legal de Gran Bretaña".

Nuestra vida en la Borgoña

Título original: Ce qui nous lie. Dirección: Cédric Klapisch. País: Francia. Año: 2017. Duración: 113 minutos. Género: Drama. Interpretación: Pio Marmaï,  Ana Girardot,  François Civil, Jean-Marc Roulot, María Valverde, Karidja Toure, Yamée Couture, Florence Pernel, Eric Caravaca, Jean-Marie Winling, Tewfik Jallab. Guion: Santiago Amigorena, Cédric Klapisch. Producción: Cédric Klapisch, Bruno Levy. Música: Loïc Dury, Christophe Minck. Fotografía: Alexis Kavyrchine. Montaje: Anne-Sophie Bion. Diseño de producción: Marie Cheminal. Dirección artística: Valérie Rozanes. Vestuario: Anne Schotte. Productora: Ce Qui Me Meut Motion Pictures. Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Sinopsis: Jean dejó a su familia y a su Borgoña natal hace diez años. Al enterarse de la inminente muerte de su padre, regresa a la tierra de su infancia. Él se reencuentra con su hermana, Juliette, y con su hermano, Jérémie. Su padre murió justo antes del inicio de la cosecha. En el espacio de un año, al compás de las cuatro estaciones, los tres jóvenes se recuperarán y reinventarán su fraternidad, floreciendo y madurando junto con el vino que producen. 

Jericó, el infinito vuelo de los días

Dirección: Catalina Mesa. País: Colombia. Año: 2016. Duración: 78 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental, Cecilia Bohórquez, Manuela Montoya, Elvira Suárez, María Fabiola García, Luz Gonzáles, Licina Henao, Ana, Luisa Molina. Fotografía: Catalina Mesa. Productora: Coproducción Colombia-Francia; Miravus/Saviadulce. Premios y nominaciones: Festival Cine Latino-Rencontres de Toullouse: Premio Documental Rencontres de Toulouse y Premio del Público La Dépêche du Midi. Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Sinopsis: Umbral entre documental y ficción, Jericó, el infinito vuelo de los días es un caleidoscopio de retratos íntimos de mujeres del pueblo de Jericó, en Antiquia, Colombia. A través de un itinerario sensible y musical se tejen los encuentros y las conversaciones entre ellas, de edades y condiciones sociales diferentes. Una a una se van revelando sus historias de vida, sus espacios interiores, su sentido del humor y su sabiduría. Facetas profundas y auténticas del espíritu femenino de nuestra cultura que celebran y preservan el patrimonio inmaterial colombiano. 

Patti Cake$

Dirección: Geremy Jasper. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 108 minutos. Género: Comedia. Cine independiente USA. Interpretación: Danielle Macdonald, Bridget Everett, Siddharth Dhananjay, Mamoudou Athie, Cathy Moriarty, McCaul Lombardi, Patrick Brana, Dylan Blue, Ray Iannicelli, Yair Koas, Faith Logan,  Alexandra Moruzzi, Adam Scarimbolo, Wass Stevens. Guion: Geremy Jasper. Producción: Chris Columbus, Dan Janvey, Noah Stahl, Daniela Taplin Lundberg, Rodrigo Teixeira. Música: Jason Binnick, Geremy Jasper. Fotografía: Federico Cesca. Montaje: Brad Turner. Diseño de producción: Meredith Lippincott. Dirección artística: Heather Yancey. Vestuario: Miyako Bellizzi. Productora: The Department of Motion Pictures/RT Features/Stay Gold Features. Premios y nominaciones: Berkshire International Film Festival (BIFF): Premio de la audiencia; Festival de Cine de Cannes: Nominado a la Cámara de Oro (Geremy Jasper); Festival de Cine de Hamburgo: Nominada al Premio de Crítica; Festival de Cine de Jerusalem: Nominada a The Lia Van Leer Award. Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Sinopsis: Directamente de Jersey llega Patricia Dombrowski, alias Killa P, alias Patti Cake$, una aspirante a rapera abriéndose camino en un mundo de centros comerciales y clubes de striptease en búsqueda de un improbable triunfo.

En cuerpo y alma

Título original: A teströl és a lélekröl. Dirección: Ildikó Enyedi. País: Hungría. Año: 2017. Duración: 116 minutos. Género: Drama. Romance. Comedia negra. Comedia dramática. Interpretación: Morcsányi Géza, Alexandra Borbély, Ervin Nagy, Pál Mácsai, Júlia Nyakó,Tamás Jordán, Gusztáv Molnár, István Kolos, Annamária Fodor, Itala Békés, Vince Zrínyi Gál, Attila Fritz, Zoltán Schneider, Réka Tenki, Rozi Székely, István Dankó. Guión: Ildikó Enyedi. Música: Adam Balazs. Fotografía: Máté Herbai. Productora: Inforg-M&M Film Kft. Premios y nominaciones: Festival de Berlín: Oso de Oro (mejor película). Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Sinopsis: María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y rumores sobre ella. Durante el almuerzo opta siempre por sentarse sola, y es consciente de sus deberes y obligaciones, con un estricto apego a las normas. Su mundo se compone de cifras y datos impresos en su memoria desde la primera infancia. Endre, su jefe, es un tipo tranquilo. Ambos empezarán a conocerse lentamente. Almas gemelas, se sorprenderán de compartir los mismos sueños. Con cautela, tratarán de convertir esos sueños en realidad. 

El caso de Hana y Alice

Título original: Hana to Alice Satsujin Jiken. Dirección: Shunji Iwai. País: Japón. Año: 2015. Duración: 100 minutos. Género: Animación. Comedia. Intriga. Adolescencia. Precuela. Reparto: Animación. Guión: Shunji Iwai. Música: Shunji Iwai. Fotografía: Animación. Chigi Kanbe. Productora: Rockwell Eyes. Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Sinopsis: Tras la separación de sus padres, Alice una adolescente de 14 años, se muda a una nueva ciudad con sus padres. Cuando llega a su nueva escuela descubre que hace un año el chico que ocupaba su nuevo asiento fue asesinado. La joven, intrigada por el caso, decide investigar lo sucedido y descubre que la única persona que le puede ayudar es Hana, una chica reclusa en la Casas de las Flores. Tras colarse allí y hablar con ella, ambas se adentran en el misterio de 'asesinato más pequeño del mundo'. El caso de Hana y Alice es la precuela de la película de 2004 titulada Hana y Alice. Esta película está dirigida por el mismo director de la primera entrega, Shunji Iwai.

Avicii: True Stories

Dirección: Levan Tsikurishvili. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 125 minutos.  Género: Documental. Documental sobre música. Biográfico. Reparto: Documental, Tim Bergling, Ash Pournouri, Nile Rodgers, David Guetta, Tiesto, Madonna. Guión: Levan Tsikurishvili. Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Sinopsis: El 30 de marzo de 2016, Avicii, productor, compositor y cantante nominado a los premios Grammy, cuyo nombre verdadero es Tim Bergling, anunció que dejaba los escenarios, pasando de ganar la enorme cantidad de XXX como uno de los artistas mejor pagados por shows en directo, a retirarse de la carrera musical. El viaje de Avicii se contará a través de True Stories, retrato íntimo y esperado documental que sigue los pasos del famoso DJ desde sus comienzos hasta sus éxitos mundiales, y su posterior lucha contra la enfermedad. El revelador documental llega a los cines de todo el mundo el jueves 26 de octubre, presentado por Piece of Magic como parte de un evento cinematográfico especial, e incluye también la última actuación de Avicii en la discoteca Ushuaia de Ibiza, filmada el 28 de agosto de 2016. Dirigido por Levan Tsikurishvili (director de Avicii on Tour), True Stories sigue el lanzamiento del esperadísimo segundo LP de Avicii. Íntimo y cercano, el documental de larga duración muestra al artista desde una perspectiva diferente, desde una actuación masiva en Estocolmo delante de 80.000 personas a entrevistas más íntimas donde abre el corazón y nos habla de las enfermedades que han acabado con su carrera. True Stories, que incluye comentarios de compañeros artistas como Tiesto, David Guetta y Nile Rodgers, es un testimonio de investigación acerca del coste y la intensa presión que supone la fama para los artistas, además de ser un documental indispensable para los seguidores incondicionales de Avicii. 

Hokusai: Old Man Crazy to Paint

Dirección: Patricia Wheatley. País: Reino Unido. Año: 2017. Duración: 87 minutos. Género: Documental. Pintura. Reparto: Documental. Productora: Coproducción Reino Unido-Japón-Estados Unidos. Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Sinopsis: Este es el primer documental británico sobre el afamado pintor japonés Katsushika Hokusai (1760-1849), quien es conocido mundialmente por su obra La gran ola como Leonardo Da Vinci lo es por su Mona Lisa. El documental presenta una visita privada exclusiva a la exposición principal del Museo Británico, Hokusai: más allá de ‘La gran ola’. Centrándose en la época, la vida y la obra de Katsushika Hokusai, el artista más célebre de Japón.