miércoles, 28 de febrero de 2018

Efemérides de cine: Escalation

El 29 de febrero de 1968 se estrenó la película italiana Escalation, dirigida por Roberto Faenza e interpretada por Lino Capolicchio, Claudine Auger, Gabriele Ferzetti, Didi Peregom Leopoldo Trieste, Paola Corinti, Dada Gallotti, Harold M. Null, Jacqueline Perrier. Productora: Cemo Film. Duración: 89 minutos. 
Sinopsis argumental: Luca, hijo de un industrial, no aprecia la sociedad que le rodea y vive como un hippie en Londres. Su padre le hace regresar a Italia, le da un empleo en la fábrica y le hace casarse con Maria Carla, la cual quiere apoderarse de la fortuna de su suegro. Luca mata a su esposa y esparce las cenizas en el mar, después, perfectamente integrado vuelve a su trabajo en la fábrica.
Comentario: Con este film Roberto Faenza analiza la sociedad de la época (estamos en 1968) que en lugar de los valores auténticos, ensalza la riqueza, el prestigio social y el éxito, despersonalizando en cierto sentido al individuo. Sarcasmo e ironía se mezclan en este film que a través de un lenguaje provocativo, alcanza tonos grotescos y paradójicos. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Coche cama, alojamiento

El 29 de febrero de 1968 se estrenó la película argentina Coche cama, alojamiento, dirigida por Julio Porter e interpretada por Javier Portales, Jorge Porcel, Susana Campos, Juan Carlos Altavista, Silvia Balán, Alfredo Barbieri, Nelly Beltrán, Olinda Bozán, Carlos Carella, Amparito Castro, Dolores De Cicco, Don Pelele, Juan Carlos Dual, Adolfo García Grau, Maurice Jouvet, Jorge Luz, Lalo Malcolm, Elida Marletta, Estela Molly, Inés Moreno, Osvaldo Pacheco. Productora: Productora General Belgrano. Duración: 81 minutos.
Sinopsis argumental: Una compañía de revistas y algunas parejas de enamorados se embarcan en un tren nocturno donde viaja una banda de pistoleros.
Comentario: Típica película de encuentros y desencuentros donde los personajes se mueven en pasillos angostos y espacios diminutos de un tre. Se conmemeora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Mi hermana, mi amor

El 28 de febrero de 1966 se estrenó la película sueca Mi hermana, mi amor (Syskonbädd 1782), dirigida por Vilgot Sjöman e interpretada por Bibi Andersson, Gunnar Björnstrand, Per Oscarsson, Jarl Kulle, Tina Hedström, Kjerstin Dellert, Berta Hall, Lena Hansson, Sonya Hedenbratt, Ulla Lyttkens. Productora: Sandrew. Duración: 95 minutos. 
Sinopsis argumental: Suecia, 1782. Jacob, un joven noble, alocado y algo vehemente, retorna de sus estudios en Francia. Después de su ausencia, le alegra volver a su hogar, pero le hace más feliz reencontrarse con su querida hermana Charlotte. Sin embargo ésta se ha prometido al barón Alsmeden, hombre de gran influencia en la corte, lo que despierta en Jacob un sentimiento parecido a los celos...
Nominaciones y premios: Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz extranjera (Bibi Andersson). 
Comentario: Tuvo en diferentes países problemas con la censura por la crudeza y realismo de sus imágenes, y fue estrenada con décadas de retraso. Adaptación de Lástima que sea una puta (Tis Pity She's a Whore), de la obra del famoso autor isabelino John Ford (1586- c. 1640).

martes, 27 de febrero de 2018

El héroe del río

Una recomendación para los más jóvenes y para toda la familia solamente con la sana intención de revisar a los clásicos, El héroe del río (Steamboat Bill, Jr., 1928), largometraje cómico del cine mudo estadounidense, al que podemos considerar una pequeña obra maestra. 
Podemos invocar tres razones para ver (o volver a ver) esta obra clave de la historia del cine: 
1. Por la genial comicidad de Buster Keaton
El héroe del río fue oficialmente dirigida por Charles Reisner. Un cineasta muy apreciado en Hollywood, que anteriormente había trabajado con Charles Chaplin y luego colaboró con los hermanos Marx Brothers. Un buen curriculum, pero que no debe hacernos olvidar que el verdadero autor de la película fue el propio Buster Keaton. El famoso marino del barco de vapor, es el típico héroe keatoniano: un joven ingenuo venido de la ciudad, torpe e incompetente pero que, en situaciones de crisis, realizará proezas inauditas. Sobre todo, destacar la puesta en escena, de una precisión geométrica, es comparable a El maquinista de la General (The General, 1927), la obra maestra de Keaton: la comicidad  nace de los cuerpos más o menos desarreglados, más o menos atormentados. Un simple gesto, incluso si es bosquejado, es suficiente para desencadenar la risa, pero también la emoción.
2. Por la diversión que procura a toda la familia
El héroe del río narra, por una parte, el enfrentamiento poco amistoso entre dos propietarios de barco de vapor en el río Mississippi y, por otra, la difícil convivencia entre luno de esos "viejos lobos de río" y su propio hijo, al que no había visto en más de veinte años. William Canfield (interpretado por el genial Ernest Torrence, el primer capitán Crochet du cinéma), es un calco de la personalidad del propio padre de Keaton. Su obsesión por remodelar a su hijo a su imagen de hombre duro es una reminiscencia de la educación adiestradora de Joe Keaton. Desde los 5 años, el pequeño Buster (usando una perilla falsa), fue forzado a subir al escenario con sus padres. En el espectáculo de music-hall,
que era bastante violento, ya que consistía en que el padre lo lanzara por el escenario e incluso al foso de la orquesta. Y Buster tenía prohibido quejarse y mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, Cara de piedra.
3. Por la antológica escena final
En los doce últimos minutos de El héroe del río, inventa el cine de catástrofe. El actor-realizador había pensado terminar la película con una inundación. Pero después de que las áreas ribereñas del Mississippi fueron devastadas por inundaciones que produjeron muertos, la idea no hizo ninguna gracia a los productores. Entonces, es un ciclón que finalmente golpea la pequeña ciudad imaginaria de River Junction. Pánico general, todos se resguardan en los refugios, excepto Willie (Buster Keaton) que se enfrenta al tornado y a los objetos voladores con valor. Sin salir de su cama de hospital, se encontrará empujado a un establo entre caballos y más tarde, colgado de un árbol desarraigado. Todo se hizo sin trucaje óptico: el viento se simuló utilizando seis motores de avión, seleccionando los más potentes de la época, solo uno era suficiente para levantar un camión ... ¿El momento más cómico y genial de la película (y la más peligrosa)? Mientras toda la fachada de una casa se derrumba sobre él, Buster Keaton sale ileso y sin el menor rasguño porque está justo en el lugar donde cae la ventana, que afortunadamente estaba abierta...
Curiosidades: 
La famosa escena de la ventana ha sido recreada cientos de veces en cine y televisión (pero con mayores medidas de seguridad o efectos especiales), por ejemplo en MacGyver, Arrested Development o en las películas de Jackie Chan.
Esta fue la película que inspiró a Walt Disney para hacer Steamboat Willie (1928), estrenada seis meses después y considerada la primera aparición de Mickey Mouse.

Cine musical para niños en tres películas

¿Hacer ver una buena vieja película a los más pequeños? No es tarea fácil... Como hemos hecho anteriormente, seleccionamos tres obras accesibles para niños y niñas entre 8 y 12 años, paseando por la historia del cine y tratando de abarcar todos los géneros y todos los estilos posibles. En esta entrada tenemos, conciertos, submarinos amarillos, pantalones ajustados y gafas negras...
Cuando se habla de "comedia musical", un pequeño cinéfilo, con la ayuda de sus progenitores, cinéfilos también, puede contestar Cantando bajo la lluvia (Singin’in the Rain, 1952), los ¿muy expertos? pueden citar Las señoritas de Rochefort (Les demoiselles de Rochefort, 1967) o tal vez El mago de Oz (The Wizard of Oz, 1939). Por ello, ¿es el tiempo de iniciarlos en espectáculos más eléctricos y eclécticos? ¿De hacerles viajar por la historia de la música popular: pop, rock y blues, al mismo tiempo que recorren la historia del cine?
Desde los bamboleos de Elvis Presley a las bromas de los Blues Brothers, pasando por la paleta de colores de Los Beatles, presentamos una lista para ver con los oídos y escuchar con los ojos.

1. El rock de la cárcel (Jailhouse Rock, 1957) de Richard Thorpe

Viaje de un joven rebelde, desde la cárcel a los primeros puestos de las listas de éxitos. Elvis Presley, en su mejor papel (cierto es que la competencia es escasa en una filmografía cuestionable), no es solo el ídolo de anteayer, un nombre vago y polvoriento en la colección de discos del abuelo. Y esta Rock de la cárcel es un delicioso viaje en el tiempo, a la infancia de una revolución cultural de la cual el Rey fue la encarnación absoluta. Toda una historia popular comienza en esta "prisión", donde el héroe se desata en banda y traje a rayas, el tiempo de una canción eléctrica y mítica: El rock de la prisión (Jailhouse rock), con coreografía carcelaria, con más ritmo y novimiento que muchos de los clips musicales actuales. Una iniciación que da plátano.

2. Yellow Submarine (1968), de George Dunning

Este vanguardista y psicodélica película a bordo de un famoso "submarino amarillo" de los años 1960, a veinte mil leguas bajo los mares de las "tonterías" más británicas tiene una doble ventaja. Una película de animación original, tremendamente colorida y llena de ideas visuales, ofrece un bienvenido cambio, entre dos princesas de Disney mucho menos "liberadas y entregadas" que sus alocados héroes, incluso los tipos malos (mejor conocidos como "malditos azules"), no se parecen a cualquier modelo conocido. La segunda buena noticia, por supuesto, es la música de los Beatles, aquí, cuatro gorilas con piernas interminables, desde la canción que da nombre a la película hasta Lucy in the Sky with Diamonds, con Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, hasta la familiar All You Need Is Love (Todo lo que necesitas es amor).

3. Granujas a todo ritmo (The Blues Brothers, 1980), de John Landis

James Brown, John Lee Hooker, Ray Charles, Calloway Cab ... Para formar una banda en Chicago, los hermanos Blues (ese es su apellido) en pantalones y gafas oscuras, reclutan leyendas mucho más allá de las fronteras del rock (jazz, soul, rhythm blues ...). Una verdadera antología musical, esta película dirigida (en un auto viejo, a tumba abierta) por los "hermanos" Dan Aykroyd y John Belushi (entonces pilares de la comedia estadounidense Saturday Night Live) es una declaración de amor impertinente y ferviente para los gigantes de una época, que no han envejecido. A destacar, la sublime rabieta de Aretha Franklin, la blusa rosa de una camarera y las curvas tónicas a un ritmo frenético, provocará en los espectadores más jóvenes que muevan los pies sin parar y la necesidad de escuchar más música.

lunes, 26 de febrero de 2018

Cumplió 25 años: Un día de furia

El 26 de febrero de 1993 se estrenó la película estadounidense Un día de furia (Falling Down), dirigida por Joel Schumacher e interpretada por Michael Douglas, Robert Duvall, Barbara Hershey, Rachel Ticotin, Lois Smith, Tuesday Weld, Frederic Forrest, Kimberly Scott, Michael Paul Chan, D. W. Moffett, Dedee Pfeiffer, James Keane, Amy Morton, John Diehl, Jack Kehoe, Abbey Barthel, Karina Arroyave. Productora: Warner Bros. Pictures. Duración: 112 minutos. 
Sinopsis argumentalEn Los Ángeles, durante una jornada especialmente agobiante a causa del calor y del colapso del tráfico, de repente, un ciudadano normal se rebela de manera violenta y destructiva contra todo lo que lo rodea. Bill Foster (Michael Douglas) no es más que un hombre corriente que supera como puede las frustraciones de cada día y que lo único que quiere es regresar a casa. Un oficial del departamento de policía (Robert Duvall) intentará poner fin a su violencia y agresividad. 
Comentario: Thriller psicológico y neo-noir estrenada en 1993 y que trata sobre la tensión y la frustración que genera en muchas personas la vida moderna en las grandes ciudades. 

Efemérides de cine: Tres padrinos

Hace 70 años se estrenó el western bíblico de John Ford, 3 padrinos (3 Godfathers). Tres bandidos que cruzan el desierto encuentran a una mujer embarazada que está sola. Da a luz un bebé en medio del páramo, pero ella muere a causa del parto, y los salteadores no tienen más remedio que hacerse cargo del pequeño.
El guion, escrito por Frank S. Nugent y Laurence Stallings, está basado en la novela corta del mismo nombre escrita por Peter Kyne. Ford ya había adaptado la película una vez en Marked Men. La adaptación muda de Ford se cree que está perdida actualmente. El argumento es una especie de re-narración del argumento de los Reyes Magos en un contexto americano occidental.
Para justificar su re-visión, proponemos tres razones: 
1.- Por la no violencia
Tres padrinos es un western singular, un cuento de Navidad que se desarrolla bajo un calor asfixiante. Recien nacido, tres Reyes Magos, la estrella de Belén: la película está repleta de referencias a la Biblia, que guía, literalmente, a los héroes en su viaje, entre cruzar el desierto y el camino de la cruz. Si la película destaca en comparación con parecidas producciones de la época, también es por su naturaleza no violenta: John Wayne les dice a sus cómplices que no disparen durante el robo; el sheriff dice que no quiere matar. Un pacifismo que sorprende a los personajes: aún creyendo los agentes de la ley, que persiguen a los tres ladrones, que son los principales responsable de una serie de atrocidades (explosión de un depósito de agua, muerte de la madre del niño).
2.- Por la puesta en escena, influenciada por el cine mudo
Nueve años antes Corazones indomables (Drums Along the Mohawk, 1939), John Ford aplica el color en un western. En esta película en Technicolor, un proceso que sublima el desierto de Mojave y el Valle de la Muerte, las secuencias más exitosas no son las más locuaces, sino las silenciosas que evocan el cine mudo. Debemos ver la tormenta de arena, el cruce por extensiones desoladas (en el límite de la abstracción), o los créditos, que narra, solo con la imagen, la llegada de los tres jinetes. John Ford también reciclará los efectos de los orígenes en una de las escenas más bellas de la película (atención, spoiler!): La aparición final, fantasmal, de los compañeros de un John Wayne al final de la carrera, en completo delirio. Secuencia casi psicodélica, de una modernidad increíble.
3.- Por el grupo de actores fordianos
Desde los primeros minutos, la complicidad entre los actores es obvia: parece que asistamos a la reunión de una pandilla de viejos amigos.
Basada en un malentendido, la reunión de los tres forajidos con el sheriff de la pequeña localidad de Welcome, una aldea antes llamada Tarántula, próxima al desierto de Arizona está notablemente escrita. El sheriff, interpretado por un formidable Ward Bond, se llama Sweet ("Dulce"): se ocupa de su jardín, sirve café a los visitantes, está a las órdenes de su esposa. Con un tono es jovial, hasta que revela su estrella.
La película también confirma el talento del director para presentar, en solo unos minutos, carismáticos personajes femeninos: la esposa del sheriff, interpretada por Mae Marsh. Pero este western es principalmente un relevo. Esta es una de las primeras apariciones de Harry Carey Jr. (rudo actor de carácter de la factoría Ford durante), que reemplaza aquí a su padre Harry Carey, compañero del realizador e ilustre secundario, uno de los protagonistas de Hombres marcados (Marked Men, 1919). 

domingo, 25 de febrero de 2018

Yo, Tonya

Yo, Tonya, cáustico y falso documental pero un verdadero retrato femenino. Inspirado en una noticia que fascinóo al mundo, el documental ficticio de Craig Gillepsie rehabilita a Tonya Harding, una campeona caída de patinaje artístico.
El 6 de enero de 1994, la joven patinadora artística Nancy Kerrigan fue atacada y golpeada después de acabar su entrenamiento. El agresor huyó, pensando que le había roto una rodilla... Muy pronto, las sospechas cayeron sobre la otra estrella del equipo estadounidense, Tonya Harding, acusada de haber ordenado la agresión para evitar que su rival participe en las Olimpiadas de Lillehammer, dos meses después.
El australiano Craig Gillespie ha reconstruido este incidente en forma de un falso documental. Cada uno de los protagonistas (encarnado por actores a veces muy similares) da su versión de la historia, buscando darse a sí mismo el papel de bueno -o el menos malo posible-. Este sesgo narrativo es una forma inteligente de recordar la cobertura que los medios de comunicación dieron al asunto Harding, que fascinó al mundo entero, mucho más allá de los fanáticos de los triple axels. También es una herramienta de humor negro, especialmente cuando el montaje, irónico pero efectivo, muestra las contradicciones de cada uno de ellos. Ex marido abrumado por los acontecimientos, guardaespaldas mitomaníaco, secuaces en el frente... la galería de retratos es deliciosa. Allison Janney, una malvada con un pico  de oro y un loro al hombro, merece la medalla de oro de la madre venenosa por ella...

Efemérides de cine: Reto a los asesinos

El 24 de febrero de 1966 se estrenó la película italiana Reto a los asesinos, también conocida como Bob Fleming: Misión Casablanca (A 077, sfida ai killers), dirigida por Antonio Margheriti e interpretada por Marcel Charvey, Janine Reynaud, Aldo Cecconi, Giovanni Di Benedetto, Fredlyn Frank, Goffredo Unger, Claudio Biava, Mitsouko. Productora: Coproducción italo-francesa; Zenith Cinematografica/Flora Film/Regina Films. Duración: 84 minutos. 
Sinopsis argumentalCuando dos de tres científicos descubridores de una fuente de energía alternativa perecen en circunstancias sospechosas, el agente Bob Fleming, 077 de la CIA es enviado a Casablanca haciéndose pasar por el científico superviviente para investigar las misteriosas muertes.
ComentarioRichard Harrison vuelve a repetir su papel como Bob Fleming, ya interpretado en la película Espías en Beirut (Le spie uccidono a Beirut, 1965).

Efemérides de cine: Manon 70

El 21 de febrero de 1968 se estrenó la película francesa Manon 70, dirigida por Jean Aurel e interpretada por Catherine Deneuve, Jean- Claude Brialy, Sami Frey, Elsa Martinelli, Robert Webber, Paul Hubschmid, Claude Génia, Jean Martin, Chris Avram, Manuela von Oppen. Productora: Coproducción Francia-Italia-Alemania del Oeste; Corona Cinematografica/Panda Film/Roxy Film/Transinter Films. Duración: 
Sinopsis argumentalPelícula sobre una mujer amoral, que vende su atractivo sexual en servicio de sus propios intereses, pero que debe escoger entre el amor y la supervivencia, y descubrir, tal vez, que amarse es muy distinto a dejarse arrastrar por la lujuria. 
ComentarioLa historia está basada libremente en Manon Lescaut, una novela francesa del siglo XVIII de Antoine François Prévost. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

sábado, 24 de febrero de 2018

Efemérides de cine: Il sesso degli angeli

El 24 de febrero de 1968 se estrenó la película italiana Il sesso degli angeli, dirigida por Ugo Liberatore con Bernard De Vries, Rosemary Dexter, Doris Kunstmann, Laura Troschel, Giovanni Petrucci, Efisio Cabras, Brizio Montinaro, Hans Jürgen Neumann, Silvana Broc. Productora: Coproducción italo-alemana; Franz Seitz Filmproduktion/Sargon Film. Duración: 110 minutos. 
Sinopsis argumental: Cuatro personas (tres mujeres y un hombre) partieron en un viaje en barco por las costas de Yugoslavia. Dos de las mujeres son amantes lesbianas. Influenciados por el LSD, las pasajeras se dedican libremente a la desnudez.... 
Comentario: Típica y tópica película italiana del género giallo. Para incondicionales. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: El gato negro

El 24 de febrero de 1968 se estrenó la película japonesa El gato negro (Kuroneko) (Yabu no naka no kuroneko), dirigida por Kaneto Shindô e interpretada por Kichiemon Nakamura, Nobuko Otowa, Kiwako Taichi, Kei Sato, Taiji Tonoyama, Rokko Toura, Hideo Kanze, Hideaki Esumi, Shôji Ôki, Kentarô Kaji, Masaru Miyata, Noriyuki Nishiuchi. Productora: Toho
Sinopsis argumentalUna mujer y su nuera son atacadas y violadas por un grupo de samuráis, que las asesinan cuando prenden fuego a la cabaña en que ellas viven. Poco después, dos mujeres muy parecidas a las muertas entran en escena, atrayendo a samuráis solitarios hasta su casa con oscuras y vengativas intenciones. 
Comentario: Ambientada durante una guerra civil en el período Heian de Japón, es una adaptación de un cuento popular sobrenatural. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Tres películas de animación para los más pequeños

Tales from the Lakeside: Lengemesék

¿No conocéis a los Verdies? ¡Esos hombrecitos verdes que son los guardianes del lago que tienen la misión de proteger el lago de los malvados cisnes y la tribu Bougons! Pero tienes que ser grande para eso y Willy todavía está un poco... verde. Lástima, cuando cree que la paz del lago está amenazada, desobedece y fomenta un plan de rescate, ayudado por su abuelo, una serpiente y unas lindas ranas arborícolas ... 

Una deliciosa película húngara de animación y de aventuras, con una línea clara y elegante, donde la unión hace la fuerza y donde el mensaje ecológico se une a la fantasía. Con un pequeño héroe que, tiene prisa por crecer, y que sólo atiende a su coraje, ¡y el rey del pantano tiene la sabiduría de Buda! ¿Listo para un viaje con ranas arborícolas?

El libro de Lila (2017), de Marcela Rincón

Lila es el personaje de un libro que repentinamente queda fuera de su mundo de papel. Es así como inicia esta gran aventura, donde Lila entenderá que solo Ramón, el niño que años atrás solía leerla, puede salvarla. Pero no será una tarea fácil, Ramón ya no es el mismo de antes, ha crecido y no solamente ha dejado de leer sino de creer en la fantasía. Es entonces cuando Lila y su nueva amiga Manuela tendrán que arreglárselas para convencerlo de lo que está sucediendo.
Lleno de inventos, criaturas precolombinas, solidaridad entre niños (incluso adultos) y una decoración rica que recuerda a Henri Julien Félix Rousseau, este viaje (re) forma la juventud y recuerda la magia de los libros.

Colmillo blanco (Croc-Blanc, 2018), de Alexandre Espigares


En 1991, Disney había adaptado el gran clásico de Jack London con personajes reales. Por fin, gracias a los franceses, lo tenemos en formato de animación, cuya dirección artística verdaderamente ordenada otorga al pelaje de los animales y los espacios del Lejano Norte hermosas sombras de gris plateado, marrones profundos y azul medianoche.
No hay edad para sumergirse en esta historia de venturas, ecológica y conmovedora de este valiente perro lobo de las llanuras nevadas, que descubre la sabiduría de los indios, la crueldad de los hombres, pero aprende a ser domesticado gracias a la ternura de una pareja acogedora. ¡Salvaje, humanista y tierna!

viernes, 23 de febrero de 2018

Efemérides de cine: Los largos días de la venganza

El 23 de febrero de 1968 se estrenó la película italiana Los largos días de la venganza (I lunghi giorni della vendetta), dirigida por Florestano Vancini e interpretada por Giuliano Gemma, Francisco Rabal, Gabriella Giorgelli, Conrado San Martín, Franco Cobianchi, Nieves Navarro, Manuel Muñiz, Teodoro Corrà, Milo Quesada, Giovanni Ivan Scratuglia, Pedro Basauri, Carlos Otero, Jesús Puche. Productora: Coproducción Italia-España-Francia; Produzioni Cinematografiche Mediterranee (PCM). Duración: 90 minutos. 
Sinopsis argumentalEl sheriff Ted Barnett es inculpado y encarcelado por un crimen que no cometió. Tres años después, consigue escaparse de la prisión, buscando venganza por aquellos que le acusaron injustamente, entre ellos el corrupto sheriff Douglas, los cuales son los mismos que mataron a su padre.
ComentarioEs una de las mejores películas de este subgénero. Como curiosidad, cabe destacar que el tema-título de la banda sonora, compuesto por Ennio Morricone, aparece en las películas Kill Bill del director Quentin Tarantino. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

La forma del agua

Horribles y tiernas criaturas, los seres humanos aterradores, gentiles diablos y dioses únicos... El mundo fantástico de Guillermo del Toro -cuya película La forma del agua (The Shape of Water, 2017), ha sido nominada a trece premios Oscar, que se estrenó en España el pasado 16 de febrero de 2018- se nutre tanto de su infancia atormentada como de su cultura mexicana. Donde los esqueletos se ríen
"Por el visionario director Guillermo del Toro", Este curioso eslogan publicitario para su película La cumbre escarlata (Crimson Peak, 2015) tiene el mérito de resumirlo todo. Dado que el mundo mágico de El laberinto del fauno (2006) le valió el reconocimiento internacional, el trabajo de Guillermo del Toro no es solo hacer películas, sino tener visiones, y sacar a la luz grandiosos y caprichosos mundos Hellboy II. El ejército dorado (Hellboy II: The Golden Legions, 2008), espejismos futuristas (Pacific Rim, 2013), historia de fantasmas y romance gótico (La cumbre escarlata).
El poderoso ensueño en el que nos sumerge hoy con La forma del agua lo confirma una vez más: con él, todo una preciosa paradoja, que nos atrapa en su metáfora visual: un precioso cuento de hadas en el que nos sumergimos desde el primer instante gracias a una paleta cromática siempre virada a los tonos verdeazulados... 

Biografías de cine: Henry King (IV)

(cont.)

Rodar en el extranjero

Quiso rodar La hermana blanca  (The White Sister, 1923) en Italia, porque pensaba que era imposible hacerla en los Estados Unidos. Siempre le había gustado rodar en escenarios naturales. Prefería volver a la naturaleza, a los lugares en los han ocurrido realmente las cosas. El estudio no formulo la menor objeción a su petición. No obstante, cuando llevaba ya tres meses preparando la película, descubrieron que se proponía eliminar al héroe al final de la misma. Por tanto, enviaron a un jefe de producción a Italia, y también un par de guionistas. Escribieron montones de finales, pero no pudieron encontrar ninguno mejor que el suyo. Así que el jefe de producción opinó que debían a tenerse a ése. Y, cuando la película estuvo acabada, se dieron cuenta de que era el correcto.

El cine sonoro

A finales de los años 1920 no se oía hablar nada más que de cine sonoro. Y algunas de las primeras películas sonoras que rodó le hicieron pensar que se trababa de un invento nefasto. 
"Creía que mi misión era la de contar historias, y que el sonido debía ser utilizado para ello, y no para otra cosa. Estaba rodando una película titulada Ella se va a la guerra (So Goes to War, 1929), y le añadí una canción y unos pocos diálogos. Pero luego me puse a pensar acerca del problema del sonido. Los técnicos procedentes de la radio eran los que dictaban la política a seguir, pero decidí desde el primer momento, que yo, y no otro, debía ser el director de mis películas. Yo era el que tenía una historia en mente, el que encontraba los escenarios naturales y el que mandaba construir los decorados.
Cuando planteé rodar una escena en un determinado lugar, los técnicos de sonido se negaron a ello, alegando que había resonancia. Me alegra mucho que puedan hacerlo, les dije, pues conozco un tipo que si puede. Entonces dijeron que, después de todo, a lo mejor era factible. Rodamos la  escena y salió perfecta".
El sonido de Ella se va a la guerra causó sensación. Tuvieron muchos menos problemas que en los estudios que estaban construyendo en todas partes para rodar con sonido, y en los que todo sonaba plano y apagado. 
Eleanor Boardman, Edmund Burns, y Yola d'Avril en Ella se va a la guerra (1929)
(cont.)

jueves, 22 de febrero de 2018

Películas de la semana: 23 de febrero

Lady Bird

DirecciónGreta Gerwig. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 94 minutos. Género: Comedia. Drama. Cine independiente USA. InterpretaciónSaoirse Ronan, Laurie Metcalf, Lucas Hedges, John Karna, Beanie Feldstein,Tracy Letts, Timothée Chalamet, Danielle Macdonald, Bayne Gibby, Victor Wolf, Monique Edwards, Shaelan O'Connor, Marielle Scott, Ithamar Enriquez, Christina Offley, Odeya Rush, Kathryn Newton, Jake McDorman, Lois Smith, Andy Buckley, Daniel Zovatto, Laura Marano, Kristen Cloke, Stephen Henderson. Guion: Greta Gerwig. Música: Jon Brion. Fotografía: Sam Levy. ProductoraIAC Films/Scott Rudin Productions/Film 360. Distribuidora: A24. Premios y nominacionesPremios BAFTA: 3 nominaciones, incluyendo Mejor actriz (Saoirse Ronan); National Board of Review (NBR): Top 10, mejor director y actriz secundaria (Metcalf); American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película y actriz (Ronan); Críticos de Los Angeles: Mejor actriz secundaria (Metcalf) y Nueva generación; Premios Independent Spirit: 4 nomininaciones incluyendo mejor película y guion; Premios Gotham: Mejor actriz (Saoirse Ronan); Critics Choice Awards: 8 nominaciones incluyendo mejor película y director; Satellite Awards: Premio Auteur. 6 nominaciones incluida mejor película y director; Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director/película; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original; Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor reparto, actriz (Ronan) y actriz secundaria (Metcalf); Asociación de Críticos de Chicago: 4 premios incluidos Mejor película y director novel. Estreno en España: 23 de febrero de 2018. SinopsisUna joven estudiante que se hace llamar "Lady Bird" (Saoirse Ronan) se muda al norte de California para pasar allí su último año de instituto. La joven, con inclinaciones artísticas y que sueña con vivir en la costa Este, tratará de ese modo encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre (Laurie Metcalf).

Yo, Tonya

Título originalI, TonyaDirecciónCraig Gillespie. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 121 minutos. Género: Drama. Biográfico. Deporte. Patinaje sobre hielo. Años 1990. Comedia negra. Interpretación: Margot Robbie,  Sebastian Stan,  Allison Janney, Bobby Cannavale, Caitlin Carver, Julianne Nicholson, Bojana Novakovic, Mckenna Grace, Paul Walter Hauser, Renah Gallagher, Amy Fox, Ricky Russert, Jeffery Arseneau, Bobby Akers, Suehyla El-Attar, Kaleigh Brooke Clark, Catherine Dyer, Joshua Mikel, Jason Davis. Guion: Steven Rogers. Música: Peter Nashel. Productora: Clubhouse Pictures/LuckyChap Entertainment/Neon/30West/Ai Film. Premios y nominacionesPremios Oscar: Nominada mejor actriz (Robbie), actriz de reparto (Janney) y montaje; Festival de Toronto: 1ª finalista mejor película: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Allison Janney); Premios BAFTA: 5 nominaciones, incluyendo mejor actriz (Margot Robbie); Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actriz (Robbie), actriz secundaria y montaje; Premios Gotham: Nominada a mejor película, actriz (Robbie) y premio del público; Critics Choice Awards: Mejor actriz - comedia (Robbie) y actriz secundaria (Janney); Satellite Awards: Nominada a mejor película, actriz (Robbie) y actriz secundaria (Janney); Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original; Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz secundaria (Allison Janney). Estreno en España: 23 de febrero de 2018. SinopsisTonya Harding fue la primera mujer estadounidense en completar un salto de triple axel en competición en patinaje sobre hielo en 1991. Pero el éxito en el hielo no siempre estuvo acompañado de felicidad en su vida personal. 

Todo el dinero del mundo

Título originalAll the Money in the WorldDirecciónRidley Scott. País: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 132 minutos. Género: Drama. Thriller. Secuestros/Desapariciones. Años 1970. Basado en hechos reales. InterpretaciónMichelle Williams, Mark Wahlberg, Christopher Plummer, Timothy Hutton, Romain Duris, Charlie Shotwell, Charlie Plummer, Andrea Piedimonte, Marco Leonardi, Roy McCrerey, Kit Cranston, Maya Kelly, Stacy Martin, Olivia Grant, Adam Astill, Andrew Buchan, Charlotte Beckett, Francesca Inaudi, Giulio Base, Olivia Magnani, Maurizio Lombardi. Guion: David Scarpa (Libro: John Pearson). Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Dariusz Wolski. ProductoraImperative Entertainment/Scott Free Films/TriStar Productions/RedRum Films. Premios y nominacionesPremios Oscar: Nominada a mejor actor de reparto (Christopher Plummer); Globos de Oro: Nominada  a mejor director, actriz (Williams) y actor reparto (Plummer); Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (Christopher Plummer). Estreno en España: 23 de febrero de 2018. Sinopsis: Película sobre el secuestro en Italia en 1973 de John Paul Getty III y los desesperados esfuerzos de su madre por conseguir que el abuelo del joven, el magnate del petróleo John Paul Getty Sr., considerado uno de los hombres más ricos del mundo, pagase el rescate. 

La enfermedad del domingo

DirecciónRamón Salazar. País: España. Año: 2017. Duración: 113 minutos. Género: Drama. Familia. Interpretación: Bárbara Lennie, Susi Sánchez, Miguel Ángel Solá, Greta Fernández, Richard Bohringer, David Kammenos, Fred Adenis, Bruna González, Manuel Castillo, Abdelatif Hwidar, Carla Linares, Iván Morales, Lucy Tillett. Guion: Ramón Salazar. Montaje: Teresa Font. Diseño de producción: Sylvia Steinbrecht. Vestuario: Clara Bilbao. Producción: Francisco Ramos. Música: Nico Casal. Fotografía: Ricardo de Gracia. ProductoraZeta Cinema/ON Cinema. Estreno en España: 23 de febrero de 2018. SinopsisAnabel (Susi Sánchez) abandonó a su hija Chiara (Bárbara Lennie) cuando esta apenas tenía ocho años. Treinta y cinco años después Chiara regresa con una extraña petición para su madre; le pide que pasen diez días juntas. Anabel ve en ese viaje la oportunidad para recuperar a su hija, pero no sabe que Chiara tiene un propósito oculto y que tendrá que enfrentarse a la decisión más importante de su vida.

En la sombra

Título original: Aus dem NichtsakaDirecciónFatih Akin. PaísAlemania. Año: 2017. Duración: 100 minutos. GéneroDrama. Venganza. InterpretaciónDiane Kruger, Numan Acar, Ulrich Tukur, Johannes Krisch, Siir Eloglu, Denis Moschitto, Jessica McIntyre, Ulrich Brandhoff, Samia Muriel Chancrin. GuionFatih Akin. ProducciónFatih Akin, Ann-Kristin Hofmann, Nurhan Sekerci-Porst, Herman Weigel. MúsicaJosh Homme. FotografíaRainer Klausmann. MontajeAndrew Bird. Diseño de producción: Tamo Kunz. Dirección artística: Seth Turner. Vestuario: Katrin Aschendorf. ProductoraCoproducción Alemania-Francia; Bombero International/Macassar Productions. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Mejor actriz (Diane Kruger); Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa; Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa; Satellite Awards: Nominada a mejor película habla no inglesa y actriz (Kruger). Estreno en España. 23 de febrero de 2018. SinopsisLa vida de Katja se hunde cuando su marido y su hijo mueren en un atentado con bomba. Tras el duelo y la injusticia, llegará el tiempo de la venganza. 

Una familia feliz

Título original: Happy Family. Dirección: Holger Tappe. País: Alemania. Año: 2017. Duración: 96 minutos. Género: Animación. Comedia. Monstruos. Reparto: Animación.  Guion: David Safier, Catharina Junk (Libro: David Safier). Producción: Holger Tappe. Música: Hendrik Schwarzer. Fotografía: Animación. Montaje: Björn Teubner. Diseño de producción: Henning Ahlers, Tino Roeger. VestuarioAdina Krause. ProductoraAmbient Entertainment GmbH/United Entertainment/Mack Media/Agir/Timeless Films/Rothkirch Cartoon Film. Estreno en España: 23 de febrero de 2018. Sinopsis: La familia Wünschmann no es exactamente una familia feliz pero mamá Emma animará a todos a dejar sus diferencias de lado e ir juntos a un parque temático. Luego de una broma inocente con una muñeca, que resulta ser la bruja Babayaga, los Wünschmann son convertidos en monstruos. Mamá Emma en un vampiro, papá Frank en Frankenstein, la hijita Fee en una momia e hijito Max en un lobo. Y así es como un viaje normal a través de un tren fantasma se transforma una aventura ridículamente espeluznante. ¿Encontrará la familia Wünschmann su final feliz? 

Efemérides de cine: Viaje a Marte

El 22 de febrero de 1918 se estrenó la película danesa Viaje a Marte (Himmelskibet), dirigida por Holger-Madsen e interpretada por Nils Asther, Philip Bech, Alf Blutecher, Gunnar Tolnæs, Frederik Jacobsen, Lilly Jacobson, Svend Kornbech, Nicolai Neiiendam, Alfred Osmund, Zanny Petersen. Productora: Nordisk Film. Duración: 97 minutos. 
Sinopsis argumentalLa película, dirigida por Holger-Madsen, desarrolla los planes de un doctor, cuyo ídolo es Cristobal Colón (aunque le atribuye erróneamente la intención de dar la vuelta al mundo), para viajar a Marte. Para ello, en sólo dos años logra construir una nave, el Excelsior, y logra captar como voluntarios a un puñado de expedicionarios, uno de ellos comprometido con una joven llamada Corona. 
Comentario: A decir de algunos críticos esta película marcó el comienzo del subgénero de la ópera espacial de la ciencia ficción. Se conmemora el centenario de su estreno. 

Tres películas para que los niños visiten la Edad Media

Como ya señalamos en una entrada anterior hacer descubrir una "buena película antigua" a los niños, no es nada fácil. Por ello, seleccionamos tres obras accesibles para niños de 8 a 12 años, recorriendo la historia del cine y abarcando todos los géneros y todos los estilos cinematográficos. 
Fotograma de Ivanhoe (1952), de Richard Thorpe
Si para la mayoría de los niños hijos, "la Edad Media" es, en su opinión, la era (la nuestra) de la videograbadora o una mezcla divertida entre el mundo de los enanos de El Señor de los anillos y el de los caballeros de Assassin's Creed, es hora de reaccionar. Mientras esperan hablar sobre el trabajo del historiador Jacques Le Goff, es necesario hacerlo simple y seductor al modo... hollywoodiense. Lo medieval ha sido muy revisitado (novelesco o legendario, por decir algo), pero clásicos como el justiciero verde del bosque de Sherwood, Errol Flynn, o la bella Elizabeth Taylor, pasando por la versión más brillante de la leyenda del Rey Arturo, nos hará atraerlos a esta época histórica. 

1 – Robin de los bosques (The Adventures of Robin Hood, 1938), de Michael Curtiz et William Keighley.

¡Siempre vestido de verde, el ladrón justiciero del bosque de Sherwood! Seguir las aventuras de este héroe legendario de la Edad Media inglesa que acabó siendo un personaje literario en el siglo XIV sigue siendo un verdadero proceso de rejuvenecimiento en la vieja tierra de Hollywood, cuando comenzó el brillante reinado de Technicolor. La Warner lo había reservado hasta entonces para sus musicales, pero quería anunciar el color de la ambición en esta película de capas y espada. Hasta el punto, además, de tener que pintar las hojas de los árboles en verde porque la filmación tuvo lugar en otoño...
Errol Flynn como Robin Hood
Lady Marianne (Olivia de Havilland: "Si, lectores y lectoras, es la gentil dama de Lo que el viento se llevó, ver esta dulzura vestida con atuendos variopintos resulta algo anacrónico. El concurso de tiro con arco, la aparición del rey Ricardo Corazón de León en medio de los proscritos y el duelo final son algunas de las secuencias que sorprenderán a las pequeñas damiselas y a los paladines en ciernes actuales.  En cuanto a Errol Flynn, humaniza de la manera perfecta a este Robin que, luego, adquirirá aspecto de zorro desde la película animada de Disney.

2 - Ivanhoe (1952), de Richard Thorpe

Obra maestra, esta adaptación de la primera novela del escritor escocés Walter Scott enmarcada en la Edada Media. Es la película medieval hollywoodiense por antonomasia, como Cantando bajo la lluvia es la comedia musical. Ivanhoe, el valiente caballero sajón dedicado a la causa del rey Ricardo, se enfrenta a los caballeros normandos del felón Príncipe Juan, y hace latir el corazón a dos bellezas, una sajona, la otra judía... Richard Thorpe, gran artesano de la Metro-Goldwin-Mayer consigue escenas de acción memorables: el torneo de Ashby y el ataque a Torquilstone Castle Attack (donde Ivanhoe le debe mucho a los arqueros Robin Hood, cuyo vestido, por una vez, no es verde) son los cimas de la película. 
Pero la fuerza dramática de Ivanhoe se encuentra en otra parte: en el amor ardiente que siente el cruel Normand Bois-Guilbert por la judía Rebecca, que preferirá morir antes que pertenecerle. El último duelo es digno de las mayores tragedias. Bois-Guilbert se enfrenta a Ivanhoé por última vez para decidir el destino de Rebecca. Si él pierde, ella vivirá. Si él gana, ella será conducida a la hoguera ... Honor o amor. Será demasiado tarde cuando la hermosa y piadosa "infiel" (Elizabeth Taylor, "oh, no, de hecho, es ella con quien me casaré cuando sea mayor") entenderá que solo él habría sabido cómo amarla. A través de Rebecca y su padre, Isaac de York, este Ivanhoé evoca magníficamente el estado de los judíos eternamente apátridas. Con este clásico en el que darías un amor por un reino, tus hijos podrían convertirse en grandes románticos, ese es el riesgo ... o una gran noticia.

3.- Los caballeros del Rey Arturo (Knights of The Round Table, 1953), de Richard Thorpe

Atención, atención, ¡aquí está la versión más brillante de la leyenda artúrica! ¿Resumimos? En el siglo VI, reina el rey Arturo, pero no es fácil hacerlo todos los días, con los grandes señores que se rebelan y el invasor sajón a las puertas de Inglaterra.
Afortunadamente, el soberano tiene un amigo, Lancelot. Pero Lancelot está enamorado de la reina, Ginebra, lo que es conocido por la malvada hechicera Morgane... Todo está allí, excepto... la verosimilitud histórica: tramas, traiciones, amistad viril, amor cortés, valentía con matices brillantes. Robert Taylor sigue siendo el bello caballero al servicio de Hollywood, fascinado, como canta Alain Souchon, por la belleza de Ava Gardner. El grial de esta película es ella.

miércoles, 21 de febrero de 2018

Efemérides de cine: Bye Bye Braverman

El 21 de febrero de 1968 se estrenó la película estadounidense Bye Bye Braverman, dirigida por Sidney Lumet e interpretada por George Segal, Jack Warden, Joseph Wiseman, Sorrell Booke, Jessica Walter, Phyllis Newman, Zohra Lampert, Godfrey Cambridge, Alan King, Anthony Holland. Productora: Warner Brothers/Seven Arts. Duración: 94 minutos. 
Sinopsis argumentalUnos amigos se reúnen para el funeral de un amigo. Sub-tramas se desarrollan a medida que el grupo intenta ponerse en marcha para asistir al funeral de su amigo, Braverman.
Comentario: Adaptación de la novela de 1964 To an Early Grave de Wallace Markfield. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.