Películas de la semana: 1 de febrero

Green Book

Dirección: Peter Farrelly. País: Estados Unidos. Año: 2018. Duración: 130 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Drama sureño. Comedia dramática. Años 1960. Racismo. Amistad. Interpretación: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini, Ricky Muse, David Kallaway, Montrel Miller, Harrison Stone, Mike Young, Jon Michael Davis, Don DiPetta, Mike Hatton, Dimiter D. Marinov, Craig DiFrancia, Gavin Lyle Foley, Randal Gonzalez, Shane Partlow. Guion: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga. Música: Kris Bowers. Fotografía: Sean Porter. Productora: Universal Pictures/Participant Media/DreamWorks SKG/Innisfree Pictures/Wessler Entertainment. Distribuidora: Universal Pictures. Premios y nominaciones: Premios Oscar: 5 nominaciones incluida mejor película, actor (Mortensen) y de reparto (Ali); Globos de Oro: Mejor película comedia, guion y actor de reparto (Ali). 5 nominaciones; Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluidas mejor película y mejor actor (Mortensen): Festival de Toronto: Premio del Público (Mejor película); National Board of Review (NBR): Mejor película y actor (Mortensen); American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año; Critics Choice Awards: Mejor actor secundario (Mahershala Ali). 7 nominaciones; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor actor secundario (Ali); Satellite Awards: 5 nom. incluyendo mejor comedia, director y actor (Mortensen); Sindicato de Productores (PGA): Mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director/película; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original; Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor secundario (Mahershala Ali). Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Sinopsis: Años 1960. Cuando Tony Lip (Viggo Mortensen), un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley (Mahershala Ali), durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en "El libro verde", una guía de los pocos establecimientos seguros para los afroamericanos, para encontrar alojamiento. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida.

Bajo el mismo techo

Dirección: Juana Macías. País: España. Año: 2019. Género: Comedia. Crisis económica 2008. Interpretación: Darko Peric, Malena Alterio, Álvaro Cervantes, Daniel Guzmán, Cristina Castaño, Sílvia Abril, Jordi Sánchez, Sergio Torrico, Ana Morgade, Jordi Aguilar, Yaël Belicha, María Alfonsa Rosso, Cristina Alarcón, Manuel Gancedo, Álex de Lucas, Dulceida, Nancy Yao, Gonzalo Villamizar, César Camino, Oscar Reyes, Dani Nieto, Kao Chenmin, Carlos Wu, Mauricio Morales, Chacón Clara, Bea de la Cruz, Cindy Fuentes, Cristina Serrato, Fabia Castro, Yohana Yara, Gabriela Santos, Paul Brennan, Víctor Martinez, Mike Lee, Patricia Córdoba, Almar G. Sato, Filipa Ribeiro. Guion: Juana Macías, Daniel Corpas, Anna R. Costa, Juan Moreno. Música: Pablo Trujillo. Fotografía: Guillermo Sempere. Montaje: Cristina Pastor. Diseño de producción: Óscar Sempere. Dirección artística: Óscar Sempere. Vestuario: Saoia Lara. Productora: Feelgood Media. Distribuidora: Sony Pictures España. Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Sinopsis: Los dos miembros de un matrimonio, tras divorciarse, tendrán que seguir viviendo bajo el mismo techo al no encontrar comprador de su casa de casados y no tener ninguno de ellos dinero suficiente para irse a vivir a otro sitio.

Dragon Ball Super: Broly

Título original: Doragon bôru chô: Burorî. Dirección: Tatsuya Nagamine. País: Japón. Año: 2018. Duración: 100 minutos. Género: Animación. Ciencia-ficción. Acción. Dragon Ball. Manga. Secuela. Reparto: Animación. Guion: Akira Toriyama (Personajes: Akira Toriyama). Música: Norihito Sumitomo. Fotografía: Animación. Dirección artística: Kazuo Ogura. Productora: Toei/Shueisha/Toei Animation/Bandai Co., Ltd. Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Sinopsis: La Tierra disfruta en paz la celebración de el Torneo del Poder. Sin embargo, Goku es consciente de que existen enemigos aún por descubrir en el Universo, por lo que sigue entrenando sin descanso para alcanzar cotas de poder nunca antes conocidas en un superguerrero. Confirmando sus peores temores, un día aparece un supersayano que responde al nombre de "Broly", un poderoso guerrero que debería de haber sido eliminado junto con el planeta Vegeta cuando éste fue destruído hace ya algunas décadas. ¿Cómo ha podido sobrevivir un guerrero de tal poder? La situación no deja de empeorar cuando el mismísimo Frieza vuelve desde el Infierno para verse envuelto en un terrible mix que llevará a los héroes a luchar por salvar el planeta Tierra una vez más. 

Todos a una

Título original: Chacun pour tous. Dirección: Vianney Lebasque. País: Francia. Año: 2018. Duración: 94 minutos. Género: Drama. Deporte. Discapacidad. Interpretación: Ahmed Sylla, Olivier Barthelemy, Jean-Pierre Darroussin, Camélia Jordana, Vincent Chalambert, Clément Langlais, Estéban, Jérémie de Nicola, Thomas De Pourquery, Walid Ben Mabrouk, Nina Simonpoli-Barthelemy, Delphine Chuillot, Frank Bellocq. Guion: Vianney Lebasque, Frank Bellocq, Victor Rodenbach. Música: Thomas De Pourquery, Bastien Burger, Audrey Ismael. Fotografía: Martin De Chabaneix. Productora: Monkey Pack Films / M.E.S. Productions. Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Sinopsis: Para no perder la subvención de la federación, un entrenador forma un equipo de baloncesto con falsos deficientes mentales, y así poder participar en los juegos paraolímpicos de Sidney en el año 2000. Siete parados desencantados y dos verdaderos jugadores minusválidos es el equipo que vuela para Australia. Los farsantes van a tener que convivir con los demás atletas, compartir el alojamiento y los vestuarios. El cinismo y la arrogancia de éstos va a confrontarse con la pasión y el esfuerzo de los demás atletas.

Verano del 84

Título original: Summer of 84. Dirección: Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell. País: Canadá. Año: 2018. Duración: 105 minutos. Género: Aventuras. Intriga. Thriller. Terror. Años 1980. Asesinos en serie. Adolescencia. Interpretación: Graham Verchere, Judah Lewis, Caleb Emery, Cory Gruter-Andrew, Tiera Skovbye, Rich Sommer, Jason Gray-Stanford, Shauna Johannesen, William MacDonald, Harrison Houde, Aren Buchholz, Susie Castillo, Reilly Jacob, Jaiven Natt, J. Alex Brinson. Guion: Matt Leslie, Stephen J. Smith. Producción: Matt Leslie, Jameson Parker, Van Toffler, Shawn Williamson, Cody Zwieg. Música: Jean-Nicolas Leupi, Le Matos. Fotografía: Jean-Philippe Bernier. Montaje: Austin Andrews. Diseño de producción: Justin Ludwig. Dirección artística: Catriona Robinson. Vestuario: Florence Barrett. Productora: Brightlight Pictures/Gunpowder, Sky. Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Sinopsis: Verano, 1984: La época perfecta para tener 15 años y ser libre. Pero cuando un teórico de las conspiraciones empieza a sospechar que su vecino policía podría ser el asesino en serie que sale en las noticias, él y sus tres mejores amigos empezarán una investigación que rápidamente se volverá peligrosa. 

Mug

Título original: Twarz. Dirección: Malgorzata Szumowska. País: Polonia. Año: 2018. Duración: 91 minutos. Género: Drama. Comedia. Interpretación: Mateusz Kosciukiewicz, Agnieszka Podsiadlik, Malgorzata Gorol, Roman Gancarczyk, Dariusz Chojnacki, Robert Talarczyk, Anna Tomaszewska, Martyna Krzysztofik, Iwona Bielska, Tadeusz Bragie, Pawel Browczuk, Katarzyna Chlebny. Guion: Michal Englert, Malgorzata Szumowska. Música: Adam Walicki. Fotografía: Michal Englert. Productora: Nowhere/DI Factory/Dreamsound Studio/Kino Swiat/Krakowskie Biuro Festiwalowe/Lesnodorski Slusarek i Wspólnicy/Narodowy Instytut Audiowizualny/Piramida Film/Platige Films / Polski Instytut Sztuki Filmowej/Televisión Nacional de Chile (TVN). Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Sinopsis: Jacek gasta pintas de rebelde y escucha a Metallica en un pueblo polaco de misa diaria, gris como un dolor de postguerra y en pleno milagro arquitectónico: construir un Cristo a escala del Corcovado de Brasil. Y en esas están cuando Jacek, trabajándole la cabeza al Jesucristo, cae dentro de ella y se destroza la cara. Ahora hay que rehacérsela, si bien los médicos confían más en la voluntad de Dios que en el bisturí, y Dios parece que el día de la operación está de broma.

Efemérides de cine: La piscina

El 31 de enero de 1969 se estrenó la película francesa La piscina (La piscine), dirigida por Jacques Deray e interpretada por Alain Delon, Romy Schneider, Maurice Ronet, Jane Birkin, Paul Crauchet, Steve Eckardt, Maddly Bamy, Stéphanie Fugain, Thierry Chabert. Productora: Coproducción Francia-Italia; Tritone Cinematografic/Société Nationale de Cinematographie. Duración: 120 minutos. 

Sinopsis argumental: Jean-Paul y Marianne disfrutan de unas tranquilas vacaciones en una villa cercana a St. Tropez. Todo marcha a la perfección hasta que Marianne invita a su ex amante Harry y a su hija Penélope, a pasar unos días en la casa. Pronto la tensión empezará a crecer entre los cuatro y, bajo una aparente cordialidad, se creará un clima de celos y sospechas.

Comentario: Obtuvo un gran éxito en su época, convirtiéndose en la 4ª película más taquillera en Francia de su año. En Italia, a pesar de ser estrenada con el metraje recortado en 20 minutos, también obtuvo un gran éxito. El film A Bigger Splash (2016), dirigido por Luca Guadagnino con Ralph Fiennes, Tilda Swinton, Matthias Schoenaerts y Dakota Johnson es una libre adaptación de La Piscine.

Las seis claves para comprender el mundo encantado de Hayao Miyazaki (III)

(cont.)

Mujeres, os ama

La mayor parte de los héroes de Miyazaki son... heroínas. Jóvenes y menos jóvenes (niñas, casi siempre) o ancianas (la irresistible abuela de Mi vecino Totoro, entre otras), a veces damiselas en apuros (El Castillo de Cagliostro), a veces terribles (la bruja del Viaje de Chihiro, la de El castillo ambulante) o guerreras (La princesa Mononoke), son ellas quienes, la mayoría de las veces, roban el protagonismo a los chicos, con algunas excepciones. Pero incluso en El viento se levanta o Porco Rosso (Kurenai no buta, 1992), dos historias de aviadores en las que el "papel principal" es masculino, las mujeres aún tienen personajes hermosos, fuertes y complejos: una filmografía en forma de un vibrante manifiesto feminista.

Porco Rosso (1992)

La mano verde

Misteriosa, luminosa, exuberante, la pasión "verde" de Hayao Miyazaki prolifera por todas partes en sus películas, satura las decorados de jardines, de bosques profundos... Raíces enredadas, bosques relucientes, olas relucientes... En todas sus formas, en todos sus estados, la naturaleza invade cada plan, cada historia, o casi.

El viento se levanta (2013)

El cineasta confiere a la flora y la fauna de magia animista, y la opone voluntariamente a la sociedad de los hombres, industrial y fría, a la ceguera destructiva y codiciosa del mundo moderno. Esta "guerra" culmina en La princesa Mononoke, donde las criaturas del bosque se rebelan contra los proyectos destructivos de una compañía minera, o en Nausicaä del Valle del Viento, que se desarrolla en un entorno post-apocalíptico que renace lentamente a la vida ... salvaje.

La princesa Mononoke (1997)

Formas cambiantes

Ningún héroe de Miyazaki puede estar seguro de mantener la misma apariencia hasta el final de la historia. Los padres de Chihiro, culpables de comer la comida de los dioses, son transformados en cerdos. Sophie, en El castillo ambulante, es convertida en una anciana por una bruja celosa. Ponyo, sirenita divertida, navega entre humana y alevín... 

Ponyo en el acantilado (2008)

El viaje de Chihiro

Pero la ilustración más hermosa de esta tendencia transformista es sin duda el espíritu Sin rostro (Kaonashi) de El viaje de Chihiro: una sombra enmascarada, una especie de vacío animado por un hambre ilimitada por la identidad de los demás, que devora y se apropia, se deforma y se redefine a sí mismo de acuerdo con sus "robos". La materia en movimiento del dibujo, la locura de un imaginario que se reinventa constantemente.

Sin rostro en El viaje de Chihiro (2001)

Cumplió 25 años: Las aventuras de Priscilla, reina del desierto

El 30 de enero de 1994 se estrenó la película australiana Las aventuras de Priscilla, reina del desierto (The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert), dirigida por Stephan Elliott e interpretada por Terence Stamp, Hugo Weaving, Guy Pearce, Bill Hunter, Sarah Chadwick, Mark Holmes, Rebel Penfold-Russell, John Casey, Julia Cortez, Murray Davies. Productora: Polygram Filmed Entertainment/Australian Film Finance Corporation (AFFC)/Latent Image Productions/Specific Films

Sinopsis argumental: Tres artistas de cabaret que viven en Sidney son contratadas para actuar durante cuatro semanas en un hotel de Alice Springs, en medio del desierto rojo de Australia. Les espera una gran aventura, pero una cosa es atravesar el país en autobús, dejando atrás todos sus problemas, y otra llegar a su destino sanas y salvas. Sobre todo si Felicia y Mitzi son reinas del drag y Benardette transexual. Inician así un periplo de dos semanas, con música sonando a toda pastilla y el autocar repleto de un llamativo vestuario y zapatos de plataforma. 

Nominaciones y premios: Premios Oscar: Mejor vestuario; Globo de Oro: 2 nominaciones: Mejor película comedia o musical y actor comedia (Stamp); BAFTA: Mejor maquillaje y mejor vestuario. 7 nominaciones; Festival de Cannes: Premio del Público; Australian Film Institute - 2 premios: Mejor maquillaje, montaje. 9 nominaciones; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original.

Comentario: La película explora los estereotipos de gays, travestis y transexuales sin ridiculizarlos ni caricaturizarlos. Los personajes, tampoco son pecadores, antisociales, malvados, perfectos, mártires o lastimeros, sólo un grupo de amigos ganándose la vida.

Las seis claves para comprender el mundo encantado de Hayao Miyazaki (II)

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El dominio de los dioses

En el universo de Hayao Miyazaki, los dioses y las bestias se confunden a menudo. ¿Como calificar, por ejemplo, el extraño Gatobús (Nekobasu), o la enorme y elegante criatura silvestre, Dai-Totoro, de Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988)? Al igual que el ciervo rutilante o los lobos o jabalies gigantes que puebla el bosque de La princesa Mononoke (Mononoke Hime, 1997), se trata de kamis, entidades que son adoradas en el sintoísmo - y la filmografía del maestro japonés-.

Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988)

Lo espiritual impregna todo, hasta el fondo de los océanos donde vive Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo, 2008), la divina niña-pez. Sin olvidar el extraño "otro mundo" del Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001), con esas termas donde se reúnen toda una galería de criaturas inquietantes y fascinantes, como ese dios cubierto de barro y mugre, esas ranas en quimono y otros milagros con pelos, escamas y plumas, que permiten todas las fantasías gráficas, todas las aventuras visuales...

Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo, 2008)

A veces están en el umbral de la adolescencia, idealistas e intrépidos -Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984), Nicky, la aprendiz de bruja (Majo no takkyūbin, 1989) y muchos otros-, o incluso muy pequeños y rebosantes de energía, y tan mágicos como los mismos dioses. En Mi vecino Totoro, la alegría de la pequeña Mei, de 4 años, es casi igual a la del gigantesco peluche que encanta al bosque vecino. La misma fuerza vital para Ponyo, que extrae tanto sus poderes de sus orígenes sobrenaturales como de su entusiasmo juvenil.

Nicky, la aprendiz de bruja (Majo no takkyūbin, 1989)

Hayao Miyazaki ama a todos los niños y no cesa de convertirlos en héroes, porque su candor, su imaginación, los coloca en la frontera entre los mundos: lo humano y la naturaleza, lo profano y lo sagrado. Chihiro, a diferencia de sus padres, puede interactuar con los dioses. Sophie "repara" a su manera el fabuloso castillo ambulante... Todos dotados con el fervor y el optimismo de que el "maestro" a menudo se niega a sus mayores.

Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984)

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Noticias de libro: Rob Reiner

Rob Reiner

Jorge Fonte
Cátedra
Madrid
2019
328 págs.

Rob Reiner es uno de esos directores sobre los que se podría decir que trabajan prácticamente desde el anonimato. Sobre él no se publican libros ni se encuentran grandes estudios monográficos en revistas especializadas, no se hacen promo­ciones internacionales de sus películas ni se escriben amplios reportajes, no hay estrenos multitudinarios ni espectaculares campañas publicitarias. Y, sin embargo, en su filmografía hay varios títulos que forman parte de la cultura popular y que son fácilmente reconocibles (y recordados) por el gran público como, por ejemplo, Cuenta conmigo (1987), La princesa prometida (1987), Misery (1990), Algunos hombres buenos (1992) y, sobre todo, Cuando Harry encontró a Sally (1989), que está considerada como la comedia romántica contemporánea por excelencia.

Las seis claves para comprender el mundo encantado de Hayo Miyazaki (I)

Naturaleza, infancia, divinidades... los seis temas preferidos de Hayao Mizaki

Con motivo de celebrarse, este año, el 40º aniversario del estreno de El castillo de Cagliostro (Rupan sansei: Kariosutoro no shiro, 1979), tenemos la ocasión de constatar la increíble coherencia de la obra del cineasta japonés, volviendo sobre seis temas que no han cesado de impregnar sus películas. El castillo de Cagliostro, lleno de aventuras trepidantes y lúdicas en un principado de opereta se inspira directamente en las proezas del personaje francés Arsène Lupin. 

El castillo de Cagliostro (Rupan sansei: Kariosutoro no shiro, 1979)

La versión animada del caballero ladrón es tan malvado y encantador como su modelo, pero lleva ya el sello del futura maestro de la animación: su trazo, sus aficiones y sus colores, esa mezcla única de poesía y epopeya. Todo está ya, en esta obra para volver a ver o descubrir por primera vez, a partir de los 7 años. Repasemos ahora algunos de los temas favoritos del genio japonés.

Elogio de la mecánica

Pistones, cigüeñales y artefactos con hélices: desde siempre, el señor Miyazaki le ha gustado perdidamente las máquinas. Con una preferencia destacada por los sistemas complejos y fabulosos, los sueños a vapor como en El castillo ambulante (Hauru no ugoku shiro, 2004), verdadera aldea sobre patas (mecánicas), que camina hacia la esencia de la poesía (con el diseño de un adorable demonio del fuego de nombre Calcifer.

El castillo ambulante (Hauru no ugoku shiro, 2004)

Este amor de relojero por los mecanismos, lo encontramos desde su primera película, en los subterráneos del primer "castillo", el de Cagliostro,  al igual que la otra pasión del artista: las máquinas voladoras. Grandes cargadores puntiagudos y amenazadores, El castillo en el cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986), planeadores elegantes, Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984) o fuselajes realistas, pájaros de la Primera Guerra (Porco Rosso (Kurenai no buta, 1992) o para los famosos cazadores japoneses del Cero de la Segund, El viento se levanta (Kaze tachinu, 2013). El trabajo de Miyazaki es un bricolaje perpetuo, conquistando el cielo.

El viento se levanta (Kaze tachinu, 2013)

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Tarzán, el rey de los monos, en la pantalla grande (II)

6. Las nuevas aventuras de Tarzán (The New Adventures of Tarzan, 1935). Estados Unidos. Dirección: Edward A. Kull, Wilbur McGaugh. Interpretación: Bruce Bennett, Ula Holt, Frank Baker, Dale Walsh, Harry Ernest, Ashton Dearholt, Lewis Sargent, Merrill McCormick, Jack Mower, Earl Dwire, Jackie Gentry, Jiggs. Guion: Bennett Cohen, Charles F. Royal (Personaje: Edgar Rice Burroughs). Producción: Edgar Rice Burroughs, Ashton Dearholt, George W. Stout. Música: Mischa Bakaleinikoff. Fotografía: Edward A. Kull, Ernest F. Smith. Productora: Burroughs-Tarzan Enterprises Inc. Acción. Aventuras. Blanco y negro. Duración: 70 minutos. En esta ocasión la trama sigue a un totem denominado "La Diosa Verde", adorado por nativos de una tribu oculta en las espesuras de la jungla de Guatemala. La Diosa implica no solo una fortuna en piedras preciosas, sino también la fórmula de un nuevo explosivo capaz de una destrucción masiva. Varias expediciones en busca de la estatuilla se topan con Lord Greystoke, que, a bordo de un buque, marcha al citado país centroamericano en búsqueda de un amigo cuyo aeroplano cayó en la selva y se ha extraviado. 
7.- La fuga de Tarzán (Tarzan Escapes, 1936). Estados Unidos. Dirección: Richard Thorpe, John Farrow, James C. McKay, George B. Seitz, William A. Wellman. Interpretación: Johnny Weissmuller, Maureen O'Sullivan, John Buckler, Benita Hume, William Henry, Herbert Mundin, E.E. Clive, Darby Jones, Cheetah, Everett Brown, Johnny Eck, Monte Montague. Guion: Cyril Hume (Personajes: Edgar Rice Burroughs). Producción: Jack Cummings, Phil Goldstone, Bernard H. Hyman. Música: William Axt. Fotografía: Leonard Smith. Montaje: W. Donn Hayes, Frank Lawrence. Dirección artística: Elmer Sheeley. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer. Aventuras. Blanco y negro. Duración: 89 minutos.Eric y Rita, primos de Jane, viajan a África con la intención de intentar hacer volver a la joven a Inglaterra ya que esta ha heredado una fortuna. Para encontrarla contratan los servicios del Capitán Fry, un experto cazador cuya intención no es otra que atrapar al Gran Mono Blanco de las leyendas de la zona. Persuadida por sus parientes Jane piensa en abandonar temporalmente a Tarzán y a la selva, pero las maquinaciones de Fry la harán ver cuál es su verdadero lugar en el mundo. Tercera película protagonizada por Johnny Weissmuller y Maureen O'Sullivan, sobre el personaje creado por Edgar Rice Burroughs en 1912. 
8.- La venganza de Tarzán (Tarzan’s Revenge, 1938). Estados Unidos. Dirección: D. Ross Lederman. Interpretación: Glenn Morris, Eleanor Holm, George Barbier, C. Henry Gordon, Hedda Hopper, Joe Sawyer, George Meeker, Corbet Morris, John Lester Johnson, Frederick Clarke, Bill Elliott, Howard C. Hickman, Al Thompson, Blue Washington.Guion: Robert Lee Johnson, Jay Vann (Personaje: Edgar Rice Burroughs). Música: Hugo Riesenfeld. Fotografía: George Meehan. Productora: 20th Century Fox / Principal Productions. Aventuras. Blanco y negro. Duración: 70 minutos. La joven Eleanor y sus padres van de caza mayor acompañados por el novio de ella, adentrándose en la peligrosa jungla africana. Ben Bey, un despótico jefe de la zona, quiere añadirla a su harén de 100 mujeres, pero Tarzán, que se ha enamorado de Eleanor, intentará mantenerla alejada de los problemas ante la cobardía de su novio. A pesar del éxito que por en esa misma época Johnny Weissmuller tenía interpretando al "rey de los monos" en la Metro-Goldwyn-Mayer, el personaje de Edgar Rice Burroughs conoció esta secuela independiente y menos conocida protagonizada por otro nadador olímpico, Glenn Morris. El personaje femenino (Yo Tarzán, tú no Jane: tú Eleanor) también contó con una campeona de natación, Eleanor Holm. 
9.- Tarzán y su hijo (Tarzan Finds a Son!, 1939). Estados Unidos. Dirección: Richard Thorpe. Interpretación: Johnny Weissmuller, Maureen O'Sullivan, Johnny Sheffield, Ian Hunter, Henry Stephenson, Frieda Inescort, Henry Wilcoxon, Laraine Day, Morton Lowry, Gavin Muir. Guion: Cyril Hume (Personaje: Edgar Rice Burroughs). Producción: Sam Zimbalist. Música: No tiene. Fotografía: Leonard Smith. Montaje: Gene Ruggiero, Frank Sullivan. Dirección artística: Cedric Gibbons.Productora: Metro-Goldwyn-Mayer. Género: Aventuras. Blanco y negro. Duración: 90 minutos. La familia de la selva, formada por Tarzán y Jane, se completó con la llegada de Boy (Johnny Sheffield), personaje que volvería a encarnar muchas veces. La trama arranca cuando un avión se estrella en la jungla y todos mueren excepto un bebé. La pareja selvática lo encuentra y lo adopta llamándole Boy. Así le cuidan como si fuera su hijo. Cinco años más tarde una expedición llega buscando al niño, heredero de una gran fortuna, para llevarlo a la civilización, pero esto no será tarea fácil. Cuarta película de Johnny Weismuller en el papel de Tarzán.
10.- El tesoro de Tarzán (Tarzan's Secret Treasure, 1941). Estados Unidos. Dirección: Richard Thorpe. Interpretación: Johnny Weissmuller, Maureen O’Sullivan, Johnny Sheffield, Reginald Owen, Barry Fitzgerald, Tom Conway, Philip Dorn, Cordell Hickman. Guion: Myles Connolly, Paul Gangelin (Personajes: Edgar Rice Burroughs). Producción: B.P. Fineman. Música: David Snell. Fotografía: Clyde De Vinna. Montaje: Gene Ruggiero. Dirección artística: Cedric Gibbons. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer. Aventuras. Blanco y negro. Duración: 81 minutos. Narra la mítica historia del conocidísimo hombre mono, Tarzán. En esta ocasión, su hijo Boy es tomado prisionero por una tribu y rescatado por el profesor Elliot y su equipo de exploradores. Tarzán por ello les ofrecerá un sitio para descansar durante algunas semanas. Pero el problema vendrá cuando Boy confiese a dos de los hombres un secreto, y es que existe un tesoro en la zona. Por ello Jane y Boy serán secuestrados para extorsior a Tarzán y de este modo conseguir que les desvele dónde se encuentra escondido el botín.

L'heure de la sortie, o la fascinación de la juventud por la muerte

Unos escolares privilegiados de una escuela secundaria acosan fríamente al sustituto de su profesor que se ha suicidado. Una ficción enmarcada por una cierta pulsión de muerte contemporánea.

La figura de la maestra abucheada, incluso violentada por unos estudiantes insoportables, reaparece regularmente en las pantallas, sea cual sea el tono, desde François Bégaudeau en La clase (Entre les murs, 2008) a Isabelle Adjani en La journée de la jupe (2008) o Isabelle Huppert en Madame Hyde (2017). Pero lo que intriga desde el principio, frente a L'heure de la sortie (2018), es la corrección aparente extrema de los escolares que tratan humillar a al profesor sustituto (Laurent Lafitte), después del suicidio del titular. Y también la hipótesis de su superioridad psicológica, intelectual y social sobre él. Forman la clase brillante de tercer grado, poco numerosa, de un establecimiento privado elegante. Y son particularmente buenos en el acoso moral, con respuestas lacónicas y preguntas insidiosas. Lo peor está por venir.

Es el segundo largometraje de Sébastien Marnier cuyo Irréprochable (2016) (con Marina Foïs), padecía de una cierta reiteración, película desagradable sobre una joven desagradable. L'Heure de la sortie es más problemático y más abierto. Se establece un equilibrio entre las fuerzas involucradas. Porque el profesor no solo se desestabiliza, sino que también se asusta, por la pequeña banda de adolescentes no convencionales. También se convierte en un espectador fascinado. Los sigue, en su tiempo libre, lejos del colegio, con intenciones oscuras. Espía sus actividades, al principio indescifrables, entre la secta informal y los juegos mórbidos. Este personaje soltero de cuarenta años, a quien nadie tranquiliza en casa por la noche, confirma la singularidad de juego de Laurent Lafitte sin ostentación: ¡ya era terriblemente opaco en el Paul Sanchez est revenu! (2018), de Patricia Mazuy. Y la homosexualidad del maestro, explícita, nunca se convierte en el tema de la historia, y mucho menos su clave: una rareza para saludar.

Con cierto parecido a El pueblo de los malditos 

Los alumnos parecen salidos de El pueblo de los malditos (Village of the Damned, 1960), el clásico de terror dirigido por Wolf Rilla: muy avanzado para su época. Basándose en la novela de Christophe Dufossé) que adapta, Sébastien Marnier sin embargo, da un fuerte aire sociológico a su obra. Son los hijos de un mundo que ya no cree en el progreso sino solo en la inminencia de desastres ecológicos, sanitarios y terroristas. Acumulan y organizan las imágenes de esta pesadilla (guerras, matanzas, vertederos) que ven como su único futuro. El impulso de muerte entre los jóvenes se convierte en el tema principal de la película y mantiene el suspense. Sobre todo porque el profesor acosado tiende a comportarse como si todavía tuviera alguna relación en este oscuro mundo adolescente, más allá de sus impulsos protectores. En el desenlace, inusual en el cine francés, planea la magnífica sombra de Take shelter (2011), de Jeff Nichols, relativamente reciente referencia de ficción paranoica. O extralucida.

En "La buena esposa", Glenn Close es la más bella de la fiesta

Glenn Close acaba de ser nominada a los Oscar por esta película que sale directamente en VBD (Vídeo Bajo Demanda). Un merecido reconocimiento: ella está genial en el papel de una esposa dedicada enteramente a la carrera de afamado escritor de su gran esposo. 

¿Dónde estaría sin ella? Joan es una "creadora de reyes": la esposa perfecta del gran hombre, la leyenda viva, el novelista estadounidense en camino de recibir el Premio Nobel. En su connivencia, su amor travieso y bien arraigado, creemos adivinar una vida de dedicación, orgullo y sacrificios alegremente consentidos.

Sin embargo, al llegar a Estocolmo para recoger la recompensa suprema, en el torbellino de honores, protocolo y frivolidad, esta hermosa imagen se está agrietando. La "primera dama" está tensa, está un poco en otra parte, parece cansada. ¿Cansada de qué, exactamente?

Un Globo de Oro merecido

Glenn Close ha obtenido un más que merecido Globo de oro por su deslumbrante interpretación de este digno personaje, fuerte y complejo. La "esposa" se revela poco a poco, en este de estudio de una "veterana pareja" unida, en la que todas las apariencias son engañosas...

Un poco como la película en sí, que, detrás de una sagaz narrativa, muy clásica, casi demasiado cómoda, desarrolla con profundidad muchos asuntos: historia del amor, la familia, la literatura y la creación, los secretos, la dependencia y la mutua manipulación, La buena esposa (The Wife, 2017) también es una poderosa y sutil fábula feminista.

Encuadre psicológico

Desde flashbacks sobre su primer encuentro, hace décadas, hasta estos días peligrosos y decisivos, lejos de casa, al final de su camino común, estos dos "cómplices" (en todos los sentidos de la palabra) se enfrentan casi íntimamente, apenas perturbados, en su representación privada, con algunos personajes secundarios bien dibujados: un periodista tenaz (Chritian Slater), un hijo complejo y perdido, rivales, editores falocráticos...

En el centro de este encuadre psicológico, la relación directa entre Glenn Close y Jonathan Pryce, un "matrimonio" maravilloso entre la emoción y la sobriedad, la simulación y la verdad de los sentimientos.

Cumplió 25 años: El hombre que mira

El 27 de enero de 1994 se estrenó la película El hombre que mira (L'uomo che guarda), dirigida por Tinto Brass e interpretada por Katarina Vasilissa, Francesco Casale, Cristina Garavaglia, Raffaella Offidani, Antonio Salines, Martine Brochard, Franco Branciaroli, Ted Rusoff. Productora: Erre Cinematograsica S.r.l./Rodeo Drive. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: Dodo, es un joven profesor universitario casado con Silvia, con la que mantiene una morbosa relación. Silvia es una joven de engañosa y perversa personalidad. Alberto, el padre de Dodo, es exhibicionista y provocador. Fausta, la enfermera, es desvergonzada y desinhiibida. Pascale, alumna de Dodo, vive un tórrido romance con él. Un universo de ambiguos personajes, para los que el sexo es una forma de vida...

Comentario: Adaptación de una novela de Alberto Moravia, película de explícito erotismo, de grafismo casi pornográfico, con varios personajes sin rumbo cuyas vidas no van más allá del sexo.

El rincón del cinéfilo. Cine del siglo XXI: Malditos bastardos

Malditos bastardos: los treces minutos que convirtieron a Christoph Waltz en una estrella

Hace diez años, el actor austríaco Christoph Waltz marcó a los espíritus en un papel de oficial nazi refinado y sádico. La séptima película de Quentin Tarantino, que abrió las puertas de Hollywood.

La escena de apertura de Malditos bastardos (Inglourious Basterds, 2009). Exterior, de día. Un hombre corta madera en el prado de una granja aislada. Su hija está colgando ropa al lado de las vacas, que están pastando pacíficamente. De repente, un ruido de motor. Se acercan dos motos y un coche. Estos son vehículos SS: estamos en 1941, en la Francia ocupada.

Interior, de día. Con su macabro uniforme negro y su  escalofriante sonrisa, el oficial nazi Hans Landa, el Standartenführer, se dirige al granjero. Lentamente entra en la casa de la familia para encontrarse en la cocina, frente a sus tres hijas, mudas, aterrorizadas. Frente a un vaso de leche, que el coronel bebe de una sola vez, la conversación comienza con el campesino, primero en francés y luego en inglés.

Trece minutos de virtuoso diálogo, se inicia en ese momento. Christoph Waltz encarna a este sádico políglota, con una amabilidad terrorífica, con una sonrisa carnívora al final de cada pregunta, para mostrar un rostro duro, una mirada oscura: "¿Está Vd, al corriente de mi misión en Francia?" articula, juraríamos, con deleite. "¿Conoce el ápodo que me han puesto los franceses?" continua viciosamente. Frente a él, el campesino, interpretado por Denis Ménochet, enmascara su terror al mirar al "cazador de judíos" con sus ojos azul brumoso, tragando sus lágrimas y su miedo mientras trata de esbozar algunas sonrisas.

Pero la precisión de cada uno de los gestos del dignatario nazi le petrifican un poco más: la apertura de su maletín de cuero, en el mórbido y sofocante silencio de la cocina, donde solo resuena el tictac del reloj, la instalación del tintero y carpeta sobre la mesa de madera, la meticulosa iluminación de su pipa... El coronel está buscando a una familia judía desaparecida. A través de la fuerza del uso preciso y meticuloso de cada una de sus palabras, el uso de odiosas metáforas de animales alrededor de ardillas y ratas, una actitud corporal, a su vez relajada y ofensiva, las SS pretenden lograr ejecución de su misión fatal.

El austríaco Christoph Waltz, hasta entonces desconocido para el gran público, fue elegido por Quentín Tarantino después de haber descartado a Tim Roth. El director de Malditos bastardos quería contratar a un actor de habla alemán. Una elección de una gran importancia, pues el actor, en la cima de su arte, hace de Hans Landa un enorme villano del cine, que marcará duramente a los espectadores. Por este papel, obtuvo el Premio de interpretación del Festival de Cannes, el premio al mejor actor de reparto del Sindicato de Actores, el Globo de Oro y, posteriormente, el Oscar al mejor actor de reparto. Y ve como se le abren las puertas de Hollywood...