Efemérides de cine: La condesa Drácula

El 28 de enero de 1971 se estrenó la película británica La condesa Drácula (Countess Dracula), dirigida por Peter Sasdy e interpretada por Ingrid Pitt, Nigel Green, Sandor Elès, Maurice Denham, Patience Collier, Peter Jeffrey, Lesley-Anne Down, Leon Lissek, Jessie Evans, Andrea Lawrence, Susan Brodick, Ian Trigg, Nike Arrighi, Peter May, John Moore, Joan Haythorne, Marianne Stone, Charles Farrell, Anne Stallybrass. Productora: The Rank Organisation/Hammer Productions. Duración: 93 minutos. 

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Sinopsis argumental: En el siglo XVIII, Hungría, la condesa Elisabeth Nádasdy (Ingrid Pitt) descubre que su aspecto juvenil y la libido pueden ser restauradas temporalmente si se baña en la sangre de mujeres jóvenes. Ella y su amante, el capitán Dobi (Nigel Green), se alistan para ayudar con el secuestro y el asesinato de un sinnúmero de mujeres, mientras ella llevaba a cabo otras conquistas sexuales con el Teniente Imre Toth (Sandor Elès).Para cubrir sus crímenes, aprovecha su estado rejuvenecido, para tomar la identidad de su propia hija; plan que sale fuera de control cuando su hija, Ilona(Lesley-Anne Down), vuelve a casa.

Comentario: Basada en la historia real de Elisabeth Bathory, una Condesa Transilvana del siglo XVII que, creyendo haber encontrado el secreto de la eterna juventud, asesinó a cientos de muchachas vírgenes con el fin de utilizar su sangre para mantenerse joven y hermosa. Es atípico de la productora Hammer, pero La condesa Drácula puede considerarse relacionada con la trilogía Karnstein, tratando la productora de ampliar las sagas de Drácula y Frankenstein. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (C)

El hombre con rayos X en los ojos (X: The Man with the X-Ray Eyes, 1963), de Roger Corman

El Dr. James Xavier desarrolla unas gotas destinadas a aumentar la gama de la visión humana, lo que permite ver más allá de lo "visible" del espectro en los rayos ultravioletas y de rayos X. Convencido de que los ensayos en animales y voluntarios son en vano, él empieza a probar las gotas en sí mismo. Inicialmente, Xavier descubre que puede ver a través de la ropa de la gente, y utiliza su visión para salvar a una joven cuyo problema médico fue mal diagnosticado. Con el tiempo y con el uso continuo de las gotas, el aumento de la capacidad visual de Xavier y su capacidad para controlarlo disminuye impidiéndole ver el mundo en términos humanos, sólo en las formas de luces y texturas que su cerebro es incapaz de comprender plenamente. Incluso cerrando los ojos puede ver a través de sus párpados. Su comportamiento se vuelve cada vez más errático, y sus colegas suponen que se está volviendo loco. Después de matar accidentalmente a un amigo, Xavier se da a la fuga, usando su visión de rayos x para trabajar en un carnaval y luego para ganar en los juegos de azar en un casino. Los ojos de Xavier se alteran junto con su visión: en primer lugar se vuelven negro y plata, y luego negro por completo. Para ocultar su apariencia sorprendente, lleva oscuras gafas de sol en todo momento. Al final de la película, Xavier conduce por el desierto y entra en un oficio religioso. Le dice al pastor que está empezando a ver las cosas en los bordes del universo, incluyendo un "ojo que nos ve a todos" en el centro del universo. El pastor le responde que lo que ve es "el pecado y el diablo", y declara la cita bíblica de "Si tu ojo te ofende ... arráncalo!", y Xavier decide cegarse a sí mismo en lugar de ver nada más. Un clásico del cine fantástico, dirigido por uno de los maestros del género como el mítico Roger Corman. La película comienza como un drama, sigue como una historia fantástica y acaba en el terror más absoluto. Gran parte de su éxito está en la interpretación de Ray Milland, que potencia la interpretación hasta tal punto que no se echan de menos unos efectos especiales más consistentes.

El presidente de los Estados Unidos... esa estrella de cine (VIII)

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Rutherford B. Hayes, decimonoveno presidente de los Estados Unidos

32. Las aventuras de Buffalo Bill (Buffalo Bill, 1944), de William A. Wellman

Con John Dilson como el president Rutherford B. Hayes. La historia de William 'Buffalo Bill' Cody, una de las más legendarias figuras del salvaje oeste americano. La trama abarca desde sus días de juventud, como explorador para la caballería, hasta su última actividad, como dueño de un gran circo con un espectáculo basado en sus aventuras. Una lujosa producción a caballo entre el western, el biopic y el drama puro y duro, centrada en la figura del legendario Buffalo Bill. Joel McCrea hace una realista interpretación del mítico explorador, secundado por las siempre gratas Maureen O'Hara y Linda Darnell, en los papeles de las dos mujeres que le amaron.

James A. Garfield, vigésimo presidente de los Estados Unidos

33. La muerte de un presidente (Il prezzo del potere, 1969), dirigida por Tonino Valeri

Con Van Johnson como el presidente James Garfield. Acabada la Guerra de Secesión, un grupo de sureños preparan una conspiración para asesinar al presidente Garfield. Una cinta de política-ficción en clave de western que recrea el asesinato del presidente estadounidense James A. Garfield, dirigida por Tonino Valeri, cineasta italiano y que había sido ayudante de Sergio Leone y con una carrera a sus espaldas más interesante de lo que pudiera parecer a primera vista.

Chester A. Arthur, vigésimo primer presidente de los Estados Unidos. 

34. El rey de la plata (Silver Dollar, 1932), dirigida por  Alfred E. Green

Con Emmett Corrigan como el presidente Chester A. Arthur. película biográficaestadounidense anterior al Código Hays de 1932, protagonizada por Edward G. Robinson, Bebe Daniels y Aline MacMahon. Basada en la obra homónima de David Karsner, que cuenta la historia del ascenso y caída de Horace Tabor (rebautizado como Yates Martin), un magnate de la plata en el siglo XIX en Colorado. Una copia se conserva en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. 

35. Pistolas en la frontera (Cattle King, 1963), de Tay Garnett

Con Larry Gates como el presidente Chester A. Arthur. Una de las últimas películas del director Tay Garnett y también de su protagonista, un envejecido Robert Taylor. Se trata de un rutinario western sobre las famosas luchas entre rancheros y ganaderos, tema tocado hasta la saciedad por el género.

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Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCIX)

Los pájaros (Alfred Hitchcock's The Birds, 1963), de  Alfred Hitchcock

Melanie, una joven rica y snob de la alta sociedad de San Francisco, conoce casualmente en una pajarería al abogado Mitch Brenner. Él, que conoce por la prensa la alocada vida de Melanie, la trata con indiferencia y se va de la tienda dejándola bastante irritada. Ella, que no está acostumbrada a que la traten así, encarga unos periquitos y se presenta en la casa de la madre de Mitch, en Bodega Bay. En cuanto llega, los pájaros, enloquecidos, empiezan a atacar salvajemente a los habitantes del lugar. La situación se agrava a medida que avanzan las horas. Esta fue la segunda vez (tras Rebeca) que Hitchcock escogió una novela de Daphne du Maurier como base de una de sus películas. Uno de los evidentes aciertos de la cinta es hacer creíble su inverosímil historia, debido, en parte, a la sólida actuación de la debutante Tippi Hedren, con quien Hitchcock repetiría al año siguiente en Marnie, la ladrona. Y es que, a diferencia de otros de sus películas, donde el peso de la acción recae sobre un valiente varón y las mujeres quedan reducidas a meros elementos decorativos, aquí el director cargó las tintas en la heroína, que esconde un carácter mucho más complejo que de costumbre. El resto del mérito, claro, fue del irrepetible Hitch, quien, cuando se le preguntó cómo lograba que los pájaros que aparecen en la película hicieran lo que él quería, se limitó a asegurar: "les pagábamos bien".

El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (I)

Para celebrar juntos el séptimo arte mientras esperamos encontrar el camino a los cines, rastreando una serie de artículos sobre los primeros veinte años de cine de este siglo. Hoy, repasamos las múltiples rutas de la transidentidad en la pantalla y el advenimiento de personajes transgénero que finalmente han salido de la caricatura.

Fue en los albores de la década de 2000. Con Boys Don't Cry, Hollywood inmortalizó una de estas noticias que generalmente aparecen, en algunas líneas, en los periódicos: la trágica historia de Brandon Teena, un joven transgénero asesinado en 1993 en Nebraska. Por este papel de un niño encarcelado en el cuerpo de una mujer, Hilary Swank ganó el Oscar a la mejor actriz. “Hemos recorrido un largo camino”, estalló en llamas en su discurso. Antes de rendir homenaje a Brandon, cuya “herencia nos recuerda que no debemos cumplir con los estándares”.

Chloë Sevigny y Hilary Swank en Boys Don't Cry (1999), de Kimberly Peirce

Aclamado por su lanzamiento, el largometraje de Kimberly Peirce es considerado por muchos como la primera película convencional en ofrecer una representación creíble de las personas transgénero. Brandon Teena aparece allí como un niño enamorado, obligado a ocultar su sexo de nacimiento y amenazado por la estupidez y la ignorancia de los proletarios conservadores de la América profunda... En ese momento, esta película basada en una historia real fue utilizada como bandera para activistas LGBTI para hacer campaña a favor de leyes sobre delitos de odio. Los activistas de la Alianza de Gays y Lesbianas contra la Difamación (GLAAD) lo describieron en The New York Times como "una corrección vital y de calidad para la cobertura mediática sesgada".

A continuación mostramos las películas realizadas hasta este momento sobre el tema:

1. Hedwig and the Angry Inch (2001), John Cameron Mitchell

Hedwig se sometió a una operación de cambio de sexo que le permitió casarse con un soldado americano y alcanzar la libertad al otro lado del Muro de Berlín. Sin embargo, la operación salió mal y Hedwig se quedó con esa “pulgada irritada” (“angry inch”) que da nombre a la película. En un parque de caravanas de Kansas, Hedwig decidió formar un grupo de rock. Así conoció a Tommy Gnosis, un joven que fue su amante y protegido antes de abandonarla, robarle sus canciones y triunfar como estrella del rock. Acompañada de su grupo paneslavo, “The Angry Inch”, siguió a Tommy en su gira, tocando en locales medio vacíos. Por medio de un collage de canciones, flashbacks e imágenes animadas, Hedwig cuenta la historia de su vida e intenta sacar partido de la prensa amarilla que se interesa por ella por haber sido amante del famoso cantante de rock Tommy Gnosis. 

John Cameron Mitchell en el papel de Hedwig

2. All the Queen's Men (2001), de Stefan Ruzowitzky

Durante la Segunda Guerra Mundial, el ejército británico está intentando recuperar una máquina Enigma de Alemania . Habiendo fracasado en intentos anteriores, deciden enviar a cuatro hombres encubiertos a la fábrica que fabrica los dispositivos en Berlín . Desafortunadamente, la fábrica está poblada enteramente por mujeres, y solo tienen hombres para enviar. El estadounidense O'Rourke (LeBlanc), el travesti británico Tony Parker (Izzard), el genio Johnno (David Birkin) y el reacio Archie (James Cosmo) son enviados a infiltrarse en la fábrica vestidos de mujer. Aunque en su estreno recibió críticas mixtas, con el paso del tiempo se ha convertido en una película de culto. 

De izquierda a derecha, Matt LeBlanc, David Birkin, James Cosmo y Eddie Izzard en All the Queen's Men (2001)
3. Princesa (2001), de Henrique Goldman

Fernando, alias Princesa, es un transexual brasileño. Inmigró a Milán para prostituirse. Gracias al dinero conseguido, espera poder pagarse una operación que le permita cambiar definitivamente de sexo. Un día, Princesa conoce a Gianni, un hombre casado que pronto se enamora de ella. Entonces éste decide dejar a su mujer y a sus hijos para vivir con ella. La película se inspiró en un libro del mismo nombre escrito por Maurizio Janelli y Fernanda Farias de Albuquerque.

Ingrid de Souza como Fernando/Fernanda

4. La Chatte à deux têtes (2002), de Jacques Nolot

Las noches de un teatro en París. Un santuario de un viejo y sucio cine que muestra pornografía directa a una clientela de hombres de diversos tipos: militares, hombres heterosexuales que buscan sexo con homosexuales, hombres casados que necesitan explorar sus sentidos, travestis, hombres de edad que hacen esto como única salida sexual y los clientes habituales que pasan sus noches en esta atmósfera oscura y lúgubre para tener sexo anónimo. Un teatro de la vida de estas personas con una directora en escena, la italiana Cashier (Vittoria Scognamiglio), guardiana benevolente que observa pero nunca juzga a los clientes. El proyeccionista (Sébastien Viala) se siente atraído por esta dama de llaves. La conducta humana se establece en el fondo de los diversos actos dentro del teatro con la satisfacción rápida en la oscuridad. El ritual de los espectadores retratado con minuciosidad para desnudar la mecánica del lugar sin ahorrar el sexo explícito ni la reflexión sobre la situación actual de la vida gay parisina. 

Vittoria Scognamiglio en La chatte à deux têtes (2002)

5. Gulabi Aaina (2003), de Sridhar Rangayan 

Se dice que es la primera película india que se centra de manera integral en el tema de los transexuales indios con una historia completa que gira en torno a dos transexuales y los intentos de un adolescente gay de seducir a un hombre, Samir (Rufy Baqal). La película explora el tema tabú de los transexuales en la India, que todavía es muy incomprendido y ridiculizado. En 2003, la Junta Central de Certificación Cinematográfica, la Junta de Censores de la India, prohibió la película de Rangayan. El cineasta apeló dos veces la decisión sin éxito. La película aún sigue prohibida en India, pero se ha proyectado en numerosos festivales de todo el mundo y ha ganado premios. Los críticos lo han aplaudido por su "retrato sensible y conmovedor de la comunidad marginada". 

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El presidente de los Estados Unidos... esa estrella de cine (VII)

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Ulysses S. Grant, decimo octavo presidente de los Estados Unidos

24. Unión Pacífico (Union Pacific, 1939), de Cecil B. De Mille

Con Joseph Crehan como el general Ulysses S. Grant. Cecil B. DeMille, una de las personalidades más destacables en la meca del cine durante la primera mitad del siglo XX, coge las riendas de la dirección de este western cargado de aventuras, comedia, romance e historia. Basándose en la novela El problema Shooter, escrita por Ernest Haycox, DeMille orquestra un largometraje casi épico. La cinta constituye una pieza histórica, un documental sobre la construcción del ferrocarril en el oeste americano y sobre las disputas con los indios que allí habitaban. Unión Pacífico supuso, junto a La Diligencia del gran Ford, el salto cualitativo de las películas del oeste, que pasaron de la serie B a la máxima categoría. Buena muestra de ello es la Palma de Oro que recibió esta película en el Festival de Cannes. Y es que se trata de una superproducción en toda regla, algo inusual hasta el momento, e incluso recibió una nominación al Oscar en la categoría de mejores efectos.

25. Murieron con las botas puestas (They Died with Their Boots On, 1941), dirigida por Raoul Walsh

Con Joseph Crehan como el presidente Ulysses S. Grant. La figura del general George Armstrong Custer y la batalla de Little Big Horn interesaron al western cinematográfico desde su mismo nacimiento. Tras aparecer como personaje secundario en varios filmes, fue Raoul Walsh, uno de los maestros del género, quien finalmente lo convirtió en protagonista absoluto de Murieron con las botas puestas, contando para el papel con el mayor galán de la época, Errol Flynn. Para la ocasión, la Warner Bros no escatimó en medios, proporcionándole al director un excelente reparto de secundarios, cientos de extras caracterizados como indios y la posibilidad de rodar en bellos exteriores. Aunque históricamente discutible, la película, no exenta de una carga crítica inusual para la época, fue un gran éxito de taquilla. También fue el último que protagonizó la mítica pareja formada por Flynn y Olivia De Havilland (cuya química en pantalla era sólo igualada por su inquina en la vida real, por cierto).

26. Las aventuras de Mark Twain (The Adventures of Mark Twain, 1944), dirigida por Irving Rapper 

Con Joseph Crehan como Ulysses S. Grant. Biopic muy al "estilo Hollywood" del escritor Mark Twain, creador de los conocidos personajes infantiles sureños Huckleberry Finn –el niño que vivía en lo alto de un árbol al lado del Mississippi y que jamás iba a la escuela– y su amigo Tom Sawyer. Según la película, cualquier pequeña anécdota que le ocurría a Twain en su vida la aprovechaba para ambientar las andanzas de sus personajes. Aún con excelentes y divertidos momentos, el relato se resiente en parte de su excesiva duración. Candidata al Oscar en las categorías de banda sonora (Max Steiner), decoración de interiores (John J. Hughes y Fred MacLean) y efectos especiales (Paul Detlefsen, John Crouse y Nathan Levinson).

27. Río de plata (Silver River, 1948), de Raoul Walsh

Con Joseph Crehan como el president U.S. Grant. Vibrante western, contiene una encubierta parábola sobre la evolución de una sociedad que se encaminaba a un profundo cambio de unas fórmulas de convivencia libres y dominadas por el primitivismo, a otras encaminadas a un progreso de estructuras, complejas en el predominio del rendimiento económico.

28. Tambores de guerra (Drum Beat, 1954), dirigida por Delmer Daves

Con Hayden Rorke como el president Ulysses S. Grant. Wéstern escrito, dirigido y producido por Delmer Daves, que debutó como director en 1943 con el clásico largometraje Destino Tokyo, nominado al Oscar al mejor guion y protagonizado por Cary Grant y Alan Hale. La película, basada en una historia real, presenta un reparto encabezado por Alan Ladd, también productor del filme, que se abrió paso como estrella formando pareja con Veronica Lake en varios títulos clave del cine negro, y Charles Bronson en el papel de Jack, convertido desde la década de 1970 en el justiciero más famoso de la pantalla.

29. Yuma (1957), dirigida por Samuel Fuller

Emile Avery como el general Ulysses S. Grant. Western antirracista dirigido con buen pulso por Samuel Fuller y una de las películas más famosas de las rodadas en Hollywood por Sara Montiel (que, por cierto, fue doblada en la versión original por Angie Dickinson). Entre lo más comentado del filme está la indefinición del personaje protagonista, aunque es cierto que Rod Steiger lo interpretó con el vigor y la convicción de que lo caracterizaban. Como curiosidad, una de las escenas más famosas -cuando está huyendo y sólo le enfocan los pies- fue muy bien valorada por la crítica. Este plano no estaba ideado así, pero la lesión en el tobillo de Steiger -que le impedía caminar y, aún menos, correr- provocó que en esta escena fuera sustituido por uno de los extras. Enfocar sólo los pies fue la única forma de esconder este cambio. Técnicamente también fue novedoso: fue el primer filme en usar petardos con sangre falsa para simular impactos de bala de manera realista.

30. Misión de audaces (The Horse Soldiers, 1959), de John Ford

Con Stan Jones como el general Ulysses S. Grant. Está basada en la novela homónima de Harold Sinclair. Esta producción cinematográfica fue la recreación de un episodio real de la Guerra de Secesión americana. La producción cinematográfica fue un sonoro fracaso comercial y siendo despreciada por la crítica. 

31.- El Salvaje Salvaje (Wild Wild West, 1999), de Barry Sonnenfeld

Con Kevin Kline en los papeles de Artemus Gordon/Presidente Grant. es un western steampunk cómico y acción dirigida por Barry Sonnenfeld. Protagonizada por Will Smith, Kevin Kline, Salma Hayek y Kenneth Branagh en los roles principales, la película está ambientada en los Estados Unidos de 1869 y basada en la serie The Wild Wild West (1965-1969). Basada en el espíritu de la serie original de televisión, la película muestra una avanzada tecnología y gran cantidad de artefactos mecánicos, incluidas innumerables invenciones del genio mecanológico Artemus Gordon y Arliss Loveless, así como la nitroglicerina, pistolas en miniatura, máquinas voladoras, tanques de vapor, y Loveless, la araña mecánica gigante.

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Cumplió 25 años: Coacción a un jurado

El 29 de enero de 1996 se estrenó la película estadounidense Coacción a un jurado (The Juror), dirigida por Brian Gibson con Demi Moore, Alec Baldwin, Anne Heche, Lindsay Crouse, Joseph Gordon-Levitt, James Gandolfini, Tony Lo Bianco, Matt Craven, Michael Constantine, Michael Rispoli, Chuck Zito. Productora: Sony Pictures Entertainment (SPE). Duración: 115 minutos.

Sinopsis argumental: Tras su elección para formar parte de un jurado que debe decidir sobre la inocencia o culpabilidad de un mafioso, Annie Laird, una madre que vive con la única compañía de su hijo adolescente, es sometida al hostigamiento de un asesino a sueldo. Si vota a favor de la culpabilidad del acusado, ella y su hijo morirán. Por el contrario, si defiende su inocencia, cobrará una gran cantidad de dinero. Annie cede a la presión e intenta suscitar en el resto de los miembros del jurado la duda razonable sobre la autoría del acusado en los hechos que se le imputan, para de ese modo conseguir un fallo absolutorio. Sin embargo, el asesino se excede de tal modo en su acoso, que acaba por causar el efecto contrario al pretendido. De este modo, Annie se rebelará con un coraje sorprendente ante el hombre que la asedia.

Nominaciones y premios: Premios Razzie: Peor actriz (Moore, también por Striptease.

Comentario: Thriller judicial cuyo argumento recuerda muchísimo al de Traición al jurado (Trial by Jury, 1994) , estrenada dos años antes. Aunque funcionó en taquilla mucho mejor que aquella, apenas consiguió recuperar los 44 millones de dólares invertidos y, encima, cosechó tremendas críticas que culparon del pobre resultado a la pésima adaptación de la novela en la que se basa. Para su protagonista, Demi Moore, esta película marcó el inicio del declive de su carrera cinematográfica, confirmado luego con el descalabro de Striptease. La actriz se ve acompañada por unos intérpretes que tienen en común que -algunos más tarde, otros más temprano- han acabado pasando por la televisión: Alec Baldwin, Anne Heche, un joven Joseph Gordon-Levitt y un James Gandolfini en un papel de mafioso que pronto repetiría.

Efemérides de cine: El último valle

El 28 de enero de 1971 se estrenó la película británica El último valle (The Last Valley), dirigida por James Clavell e interpretada por Michael Caine, Omar Sharif, Florinda Bolkan, Nigel Davenport, Arthur O'Connell, Per Oscarsson, Madeleine Hinde, Yorgo Voyagis, Christian Roberts, Ian Hogg, Claudia Butenuth, Tony Vogel, Michael Gothard, Brian Blessed, Leon Lissek. Productora: Co-production Reino Unido-Estados Unidos; ABC Pictures. Duración: 129 minutos. 

Sinopsis argumental: Durante la etapa tardía de la Guerra de los Treinta Años, en uno de sus viajes, Vogel, un profesor de universidad, llega a un valle con un pacífico pueblo que no ha sido afectado por la guerra, que asola los alrededores y que también ha causado peste y hambruna por toda la región. Eso fue posible a causa de su aislamiento causado por las altas montañas en los Alpes en ese lugar. Un ejército de mercenarios liderado por el Capitán también lo descubre poco tiempo después y acepta la oferta de Vogel de quedarse a pasar el invierno a cambio de proteger el pueblo para así sobrevivirlo. Su líder, Gruber, acepta la nueva situación por las circunstancias. Esto trastorna la vida del pueblo y aparece la violencia. Cuando el invierno termina, el ejército de mercenarios se va y es destruido durante la batalla de Rheinfelden. Vogel, alegrado por haber conseguido salvar el pueblo, se va del lugar.

Comentario: Está basada en la novela homónima de J. B. Pick. Se afirma que tiene cierta influencia de la película Los siete samurais, de Akira Kurosawa. Buena recreación del ambiente medieval, lleno de supersticiones, luchas de poder, violencia y religiosidad en un paraíso de vida y muerte; oasis de una época desangrada por fanatismos; un lugar de desahogo para un tiempo marcado por el terror, el miedo y la supervivencia. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

El presidente de los Estados Unidos... esa estrella de cine (VI)

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18. La conquista del oeste (How the West Was Won, 1962), dirigida por Henry Hathaway, John Ford, George Marshall, Richard Thorpe

Con Raymond Massey en el papel de Abraham Lincoln. Lujosa superproducción, La conquista del oeste fue la primera película rodada en Cinerama, un sistema con el que la industria del cine intentó luchar contra el cada vez más pujante fenómeno de la televisión. El Cinerama consistía en un dispositivo compuesto por tres cámaras que filmaban sincronizadas entre sí y que se emitían en una pantalla de tipo panorámico (curvada en forma cóncava). Sin embargo, las tres imágenes resultantes no siempre encajaban a la perfección. Finalmente, el sistema fue sustituido por la filmación en 70 mm. Casi tan espectacular como el Cinerama y mucho más conseguida. 

19. La leyenda del Zorro (The Legend of Zorro, 2005), de Martin Campbell

Con Pedro Mira como Abraham Lincoln. Tal y como ocurriera en la primera parte de esta revisión del célebre justiciero, los guionistas introdujeron en la trama toda una serie de referencias históricas, si bien la acción y el romance sigue ocupando el papel principal de la trama. Pese a la escasa indulgencia de la crítica, la cinta cosechó un considerable éxito comercial. Aún así, no logró convertirse en el taquillazo que fue la primera parte. Uno de los factores determinantes de la buena acogida por parte del público fue la presencia de Antonio Banderas y Catherine Zeta-Jones, repitiendo como pareja protagonista. La química entre ambos intérpretes ya había hecho saltar chispas en su primer encuentro cinematográfico y se convirtió en el gancho comercial de esta secuela.

20. La conspiración (The Conspirator, 2010) dirigida por Robert Redford

Con Gerald Bestrom en el papel de Abraham Lincoln. Robert Redford reconstruyó en esta película el juicio contra los responsables del asesinato de Abraham Lincoln. El film, construido desde la perspectiva del abogado defensor de Mary Curran, confronta la importancia de la ley y la búsqueda de la justicia sobre la ideología política.

21. Abraham Lincoln: Cazador de vampiros (Abraham Lincoln: Vampire Hunter, 2012), de Timur Bekmambetov 

Con Benjamin Walker en el papel de Abraham Lincoln. Tras colaborar en la cinta de animación Número 9, Tim Burton y Timur Bekmambetov vuelven a trabajar juntos, como productor y director respectivamente en este filme valiente y extravagante. Basado en la novela de ficción escrita por Seth Grahame-Smith (también guionista de la película), la película cuenta la vida oculta del decimosexto presidente de los Estados Unidos: Abraham Lincoln. Una historia que logra combinar drama, política y acción y que cuenta con Benjamin Walker como principal protagonista. El actor por fin se atrevió con este tipo de cine después de rechazar interpretar a Bestia en X-Men: Primera generación. La cinta también cuenta con la participación de Dominic Cooper y Mary Elizabeth Winstead.

24. Lincoln (2012), dirigida por Steven Spielberg

Con Daniel Day-Lewis en el papel de Abraham Lincoln. Con la interpretación que hizo Daniel Day-Lewis del presidente Abraham Lincoln, el intérprete se convirtió en el primer actor masculino en ganar tres Oscar en papeles principales. Sin embargo, Steven Spielberg en un principio pensó en Liam Neeson, con quien ya había trabajado en La lista de Schindler. Cuando este se desvinculó del proyecto porque se veía demasiado grande para encarnar al presidente (Spielberg ya llevaba 10 años trabajando en el proyecto), enseguida pensó en Day-Lewis. Este en un principio declinó la propuesta porque no tenía la motivación suficiente para realizar un rol tan icónico. Fue Leonardo Di Caprio quien se encargó de convencerlo, cuando Spielberg le contó el rechazo del londinense. El resultado fue esta densa y absorbente historia que recibió diez nominaciones al Oscar (más el galardón al mejor diseño de producción y el mencionado premio al actor principal).

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Películas de la semana: 29 de enero

Noticias del gran mundo

Título original: News of the World. Dirección: Paul Greengrass. País: Estados Unidos. Año: 2020. Duración: 118 minutos. Género: Western. Aventuras. Acción. Drama. Road Movie. Secuestros. Siglo XIX. Interpretación: Tom Hanks, Helena Zengel, Neil Sandilands, Elizabeth Marvel, Ray McKinnon, Mare Winningham, Chukwudi Iwuji, Thomas Francis Murphy, Michael Angelo Covino, Fred Hechinger, Annacheska Brown, Christopher Hagen, Michelle Campbell, Stafford Douglas, Stephanie Hill, Clint Obenchain, Winsome Brown, J. Nathan Simmons, Cynthia Casaus, Francheska Bardacke, William Sterchi, David Hight, Brenden Wedner, Randy Ritsema, Bob Knowlton, Cheo Tapia. Guion: Luke Davies, Paul Greengrass (Novela: Paulette Jiles). Música: James Newton Howard. Fotografía: Dariusz Wolski. Productora: Playtone/Pretty Pictures/Universal Pictures/Perfec World Pictures Co. Distribuidora: Universal Pictures/Netflix. Estreno en España: 29 de enero de 2021. Sinopsis: Cinco años después del fin de la Guerra Civil estadounidense, el capitán Jefferson Kyle Kidd (Tom Hanks), veterano de tres guerras, viaja de ciudad en ciudad narrando noticias, hablando de presidentes y reinas, de luchas gloriosas, devastadoras catástrofes y apasionantes aventuras que tienen lugar en cualquier rincón del mundo. Un día, en las llanuras de Texas, el capitán conoce a Johanna, una niña de diez años secuestrada seis años atrás por la tribu Kiowa, y que durante ese tiempo fue educada como uno de ellos. Johanna, en contra de su voluntad, debe irse a vivir a casa de sus tíos, un lugar hostil y desconocido para ella. El capitán Kidd acepta entregar a la niña a sus tutores legales. En el viaje, ambos recorrerán cientos de kilómetros a través de una inhóspita naturaleza, y deberán enfrentarse a enormes dificultades, humanas y naturales, en búsqueda de un lugar al que puedan llamar “hogar”.

Mi niña

Título original: Mon bébé. Dirección: Lisa Azuelos. País: Francia. Año: 2019. Duración: 85 minutos. Género: Comedia. Drama. Comedia dramática. Familia. Maternidad. Interpretación: Arnaud Valois, Sandrine Kiberlain, Yvan Attal, Patrick Chesnais, Thaïs Alessandrin, Victor Belmondo, Arthur Benzaquen, Sarah Deffeyes, Marie Bouvet, Chloé Zahar. Guion: Lisa Azuelos. Fotografía: Antoine Sanier. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Love is in the Air/Pathe Films/France Cinéma. Distribuidora: Vercine. Estreno en España: 29 de enero de 2021. Sinopsis: Lisa Azuelos  presenta su nueva película como directora y guionista, Mi niña. Esta co-producción entre Francia y Bélgica cuenta con Sandrine Kiberlain y Thais Alessandrin como cabezas de cartel. Mi niña es una historia sobre la maternidad. La película se centra en Heloïse (Sandrine Kiberlain), una mujer que es madre de tres hijos. Su hija pequeña, Jade (Thais Alessandrin), ha tomado la decisión de irse a estudiar a Canadá. Heloïse irá sintiendo poco a poco el síndrome del nido vacío e intentará aprovechar el tiempo hasta que su hija se marche añorando y acumulando nuevos recuerdos, además de planificar su vida sola. Héloïse verá aumentar su estrés y no podrá parar de pensar en todos los momentos vividos junto a su pequeña. Mi niña ha sido galardonada con el Gran Premio y el premio a la mejor interpretación en el Festival Internacional de Cine de Comedia de Alpe d'Huez y fue nominada a mejor película en los Premios Globo de Cristal de Francia aunque perdió contra Cartas a Roxane de Alexis Michalik. La directora firma el guion con la colaboración de Taïs Alessandrin y Thierry Teston. 

Ojalá te mueras

Título original: Remélem legközelebb sikerül meghalnod. Dirección: Mihály Schwechtje. País: Hungría. Año: 2018. Duración: 103 minutos. Género: Drama. Adolescencia. Internet. Informática. Interpretación: Szilvia Herr, Kristóf Vajda, Csaba Polgár, Olívia Csúcs, Schell Judit, Dávid Rácz, Judit Lénárt, Róbert Kardos, Pál Mácsai. Guion: Mihály Schwechtje. Música: Péter Bernáth, Balázs Szabadi. Fotografía: Máté Herbai. Productora: Amego Film/KMH Film. Distribuidora: El Sur Films. Estreno en España: 29 de enero de 2021. Sinopsis: Eszter tiene 16 años y poco seguridad en sí misma además de estar enamorada en secreto de su profesor de inglés. Al mismo tiempo, su compañero de clase Peter está perdidamente loco por ella. Un día, su profesor decide dejar el colegio para irse a trabajar a Londres. y esa misma tarde Eszter recibe un especial mensaje de despedida del profesor que se convertirá en la puerta de entrada a un romance online con consecuencias inesperadas. La adolescencia, el deseo, la inseguridad, las hormonas, las redes sociales y las frustraciones forman una amalgama que se ha agitado de diversas maneras en los últimos años y no siempre con buenos resultados. Pero el director, Mihály Schwechtje, busca el punto de equilibrio entre tecnologías actuales, sensibilidad adolescente, estética teen, sexting y un guion calculado. Un coming of age que acaba convertido en thriller con las herramientas narrativas de la contemporaneidad multipantalla.

El baile de la gacela

Dirección: Ivan Porras. País: Costa Rica. Año: 2018. Duración: 91 minutos. Género: Comedia. Drama. Vejez. Madurez. Baile. Interpretación: Marco Antonio Calvo Coronado, Vicky Montero, Patricio Arenas, María José Callejas, Álvaro Marenco, Mariano González. Guion: Ivan Porras, Enrique Pérez Him. Música: Camilo Froideval. Fotografía: Julio Costantini. Productora: Co-production Costa Rica-México; Cine Feral/Dos Sentidos Producciones/La Feria Producciones. Distribuidora: Reverso Films. Estreno en España: 29 de enero de 2021. Sinopsis: Eugenio tiene un sueño: ganar un trofeo, reconocimiento que nunca logró en su carrera como futbolista. También tiene 72 y poco que hacer como deportista, por lo que encuentra en un concurso de baile para adultos su última oportunidad para redimir ese sueño frustrado. El campeonato es de bailes tropicales y cuando pierde a su pareja, su únicas opciones de ganar pasan por enfrentarse a sus propios prejuicios y a los de su familia. Ha llegado la hora de cambiar el balón por el salón. 'El Baile de la Gacela' es una coproducción de México y Costa Rica dirigida por Iván Porras Meléndez y escrita por él mismo junto a Enrique Pérez Him. Protagonizan Álvaro Marenco, Marco Antonio Calvo Coronado, María José Callejas, Patricio Arenas, Vicky Montero y Mariano González. Se ha presentado en el Festival Internacional de cine de Montreal, donde ganó el premio «Golden Zenith» a la Mejor Opera Prima en Canadá en 2018. En el Festival Internacional de cine de Costa Rica, donde obtuvo el premio del Público como mejor película en 2019. Y en el Icaro Festival Internacional de cine en Centroamérica, donde resultó ganadora a la Mejor Producción y Mejor Sonido en Guatemala en 2018. También en el Festival Cine Latino Tübingen, en Alemania en 2019 y el Festival Internacional Cine Las Américas, Austin, USA 2019.

Lupin III: The First

Título original: Hepburn: Rupan Sansei: The First?. Dirección: Takashi Yamazaki. País: Japón Año: 2019. Duración: 93 minutos. Género: Animación. Aventuras. Intriga. Comedia. Robos. Atracos. Manga. Reparto: Animación. Guion: Takashi Yamazaki (Manga: Monkey Punch). Música: Yûji Ôno. Fotografía: Animación. Productora: Toho.  Distribuidora: Selecta Visión. Estreno en España: 29 de enero de 2021. Sinopsis: El diario Bresson es el único tesoro que el legendario ladrón de guante blanco Arsenio Lupin no pudo robar en toda su vida. Según la leyenda, aquel que sea capaz de desentrañar sus secretos podrá adquirir una inmensa fortuna. Tras poner los ojos en ese objetivo legendario, Lupin conoce a Leticia, una joven que ama la arqueología, y ambos deciden trabajar juntos para resolver el misterio. Sin embargo, Lambert, un investigador de una organización secreta que también busca el diario Bresson, y Gerald, un hombre misterioso que mueve los hilos de la organización se interponen en su camino. ¿Cuál es la sorprendente verdad oculta tras el diario Bresson? Desde París hasta México pasando por Brasil… ¡Da comienzo una caza del tesoro a una escala mundial sin precedentes! Novena película que adapta, en animación 3D por ordenador la historia del manga de Lupin III, el aclamado manga creado por Monkey Punch, que se ha convertido en un icono en Japón.

Efemérides de cine: El estrangulador de Rillington Place

El 28 de enero de 1971 se estrenó la película británica El estrangulador de Rillington Place (10 Rillington Place), dirigida por Richard Fleischer e interpretada por Richard Attenborough, Judy Geeson, John Hurt, Pat Heywood, Isobel Black, Phyllis MacMahon, Geoffrey Chater, Robert Hardy, André Morell. Productora: Columbia Pictures. Duración: 111 minutos.

Sinopsis argumental: En el Londres de la posguerra una joven pareja y su bebé encuentran un hogar en el número 10 de Rillington Place, una preciosa vivienda cuyo inquilino del piso inferior, John Reginald Christie, resulta de lo más inquietante. Lo que desconocen ambos es su violento historial de asesinatos en serie de mujeres mediante gas y sus posteriores actos necrófilos, impulsos criminales que Beryl acabará reavivando en su mente

Nominaciones y premios: Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (John Hurt). 

Comentario: Basada en la novela de Ludovic Kennedy). La historia está basada en hechos reales que, aunque no conoció las mieles del éxito, presenta elementos de indudable interés. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Brewster's Millions

El 28 de enero de 1921 se estrenó la película estadounidense Brewster's Millions, dirigida por Joseph Henabery e interpretada por Roscoe 'Fatty' Arbuckle, Betty Ross Clarke, Fred Huntley, Marian Skinner, James Corrigan, Jean Acker. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 61 minutos. 

Sinopsis argumental: Los dos abuelos de Monte Brewster (Arbuckle), uno rico y el otro un hombre que se hizo a sí mismo, disputan sobre la forma en que se debe criar al bebé. La madre interviene y decide criar al niño a su manera, lo que resulta en que Monte sea un empleado en un buque de vapor a la edad de 21 años. En este punto, los abuelos se reúnen nuevamente, con un abuelo que le da un millón dólares y el otro ofreciendo 4 millones siempre que al final de un año Monte gaste el millón que le dio el otro abuelo. Otras condiciones incluyen que esté absolutamente "arruinado" al cabo de un año, que no se case durante cinco años y que no le cuente a nadie el arreglo. El joven Brewster intenta todo lo que puede para deshacerse del dinero, pero todo lo que hace y las oportunidades más locas que toma resultan en más dinero para él. Contrata a tres hombres para que le ayuden a gastar el dinero, pero se interesan demasiado en invertirlo sabiamente. Contratan a Peggy Gray (Clarke) para un puesto en la oficina de Monte para administrar sus asuntos y no perder su dinero. Peggy compra algunas minas en Perú y un barco que Monte ha contratado para un crucero de placer se usa para ir a Perú, pero nunca llegan. Rescatan un barco en peligro y luego se ven obligados a regresar. En el último minuto, Monte está completamente arruinado pero casado con Peggy. Pero el salvamento en el barco que Monte Monte le aporta 2 millones, y el gobierno peruano extiende el tiempo para trabajar las minas, para que todo termine feliz.

Comentario: Es una adaptación de la novela de 1902 escrita por George Barr McCutcheon, así como de la obra de teatro de Broadway de 1906 del mismo nombre protagonizada por Edward Abeles. Se considera perdida. Hay siete películas que han adaptado la novela de McCutcheon. 

El presidente de los Estados Unidos... esa estrella de cine (V)

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Abraham Lincoln, decimosexto presidente de los Estados Unidos (I)

12. El nacimiento de una nación (The Birth of a Nation, 1915), de  David W. Griffith   Con Joseph Henabery como Abraham Lincoln. Una obra de indiscutible importancia en la historia del cine, que marca un antes y un después tanto por lo que hace a cómo el público ve las películas, como por lo que respecta a su filmación por parte de los cineastas. Y es que en este filme, David W. Griffith inventó parte del lenguaje cinematográfico que hoy todos asumimos como algo normal (como, por ejemplo, la acción paralela). La única pega que se le puede poner a esta espectacular obra maestra es a nivel ideológico. La actitud condescendiente que muestra hacia los esclavos negros y el entusiasmo con el que el director narra la fundación del siniestro Ku klux Klan escandalizarán, seguro, a más de uno. Aún así, nadie puede negarle su valor como obra de arte ni el hecho de que, durante muchos años, fuese la película más taquillera de la historia del cine, pues su éxito de taquilla fue mayúsculo.

13. El caballo de hierro (The Iron Horse, 1924), dirigida por John Ford.
Con Charles Edward Bull en el papel de Abraham Lincoln. Considerada la mejor película de la época muda de John Ford, un western alrededor del ferrocarril y el espíritu pionero de los Estados Unidos de América. El caballo de hierro fue la respuesta rápida y contundente de la Fox al éxito del western épico La caravana de Oregón (The Covered Wagon, 1923),​ producida un año antes por la Paramount y dirigida por el entonces popular y hoy casi olvidado James Cruze.

14. Abraham Lincoln (1930), dirigida por D.W. Griffith

Con Walter Huston en el papel de Abraham Lincoln. Esta fue la primera de las dos únicas películas sonoras de Griffith. No fue un éxito en su momento, pero recientemente se ha considerado como una de las películas definitivas sobre el presidente. A pesar de esto, la película contiene bastantes inexactitudes históricas, tales como, hacer que Lincoln pronunciase su segundo discurso inaugural en el Teatro Ford poco antes de ser asesinado, alterando significativamente los debates Lincoln-Douglas convirtiéndolos en una discusión sobre la secesión, y presentando el romance entre Lincoln y Ann Rutledge.

15.- Buffalo Bill (The Plainsman, 1936), dirigida por Cecil B. DeMille

Con Frank McGlynn Sr. como Abraham Lincoln.

16. El joven Lincoln (Young Mr. Lincoln, 1939), de John Ford

Con Henry Fonda como Abraham Lincoln. Fue candidata al Óscar en 1939 en la antigua categoría de mejor historia. La dirige el emblemático cineasta John Ford, cuyas otras películas galardonadas incluyen Las uvas de la ira o El hombre tranquilo. Además, la protagoniza Henry Fonda, galán de Hollywood y otra figura imprescindible en el cine norteamericano del momento. Aunque Fonda fue nominado a varios premios por su interpretación en la película, no sería hasta 1982 cuando ganaría su mayor galardón: el Oscar como mejor actor por su papel en El estanque dorado.  Una curiosidad de la película es que, durante su preproducción, ni Ford ni Fonda querían participar. Ford decía que se negaba dado a que ya se había explorado la juventud del presidente en anteriores ocasiones. Para Fonda, fue una cuestión de no creer estar a la altura de dicho personaje. Verse caracterizado le hizo cambiar de opinión.

17. Lincoln en Illinois (Abe Lincoln in Illinois, 1940), de John Cromwell

Raymond Masey en el papel de Lincoln. Biopic político sobre uno de los personajes más influyentes de los Estados Unidos, realizada a principios de la década de los cuarenta, cuando la figura del presidente ya había tenido dos biografías destacables. Por una parte, la de D.W. Griffith en 1930, donde la reciente incorporación del director al cine sonoro se dejaba notar. Por la otra, la famosa El joven Lincoln (1939) de John Ford, en la que Henry Fonda interpretaba el papel del alto mandatario durante su juventud. Esta Lincoln en Illinois dirigida por John Cromwell, es heredera de la película de Ford, aunque está basada en una obra de teatro de Robert E. Sherwood, autor también de los guiones de películas como Rebeca (1940) de Hitchcock o Los mejores años de nuestra vida de Wyler. El actor que da vida a Lincoln, Raymond Massey, fue nominado ese año al Oscar a la mejor interpretación masculina.

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Reestrenos de la semana: 29 de enero

Crash

Dirección: David Cronenberg. País: Canadá. Año: 1996. Duración: 100 minutos. Género: Drama. Thriller. Erótico. Película de culto. Interpretación: James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger, Rosanna Arquette, Peter MacNeill, Yolande Julian, Cheryl Swarts, Judah Katz, Nicky Guadagni, Ronn Sarosiak, Boyd Banks, Markus Parilo, Alice Poon, John Stoneham Jr. Guion: David Cronenberg (Novela: J.G. Ballard). Música: Howard Shore. Fotografía: Peter Suschitzky. Productora: Co-production Canadá-Reino Unido; Alliance Communications Corporation, Recorded Picture Company (RPC), The Movie Network (TMN), Téléfilm Canada (Productor: David Cronenberg). Estreno mundial: 17 de mayo de 1996 en el Festival de Cine de Cannes. Reestreno en España: 29 de enero de 2021. Sinopsis: James Ballard (James Spader), un productor de cine y ejecutivo publicitario, mantiene una relación poco habitual con su esposa, Catherine (Deborah Kara Unger), y por ello buscan nuevas formas de expresar su amor sexual. Al comienzo de la película se puede ver a la pareja cometiendo infidelidades y comentándolas entre ellos más tarde. Una noche, conduciendo a casa desde el trabajo, Ballard colisiona con el coche de la Dra. Helen Remington (Holly Hunter), matando al acompañante y esposo de ésta, que, mirando fijamente a Ballard desde su destrozado coche, le muestra un pecho. Ambos vuelven a encontrarse en el hospital donde se recuperan de sus heridas. En esta ocasión la Dra. Remington está acompañada de Vaughan (Elias Koteas). Al salir del hospital, Ballard y Remington comienzan una relación erótica, basada principalmente en su experiencia compartida en el accidente. Ballard, iniciado por Remington, empieza a frecuentar a Vaughan, que lidera un grupo de fetichistas de los accidentes de coches, del que también forma parte Gabrielle (Rosanna Arquette). A partir de este momento, los personajes, incluida Catherine, se ven mezclados en diversas relaciones sexuales entre sí, incluidas las combinaciones homosexuales de ambos sexos y varias parafilias. El hecho de estar presentes en accidentes de tránsito, reproducir accidentes de famosos, fotografiar los heridos y fallecidos in situ y llegar a experimentar accidentes y luego usar elementos ortopédicos son un motivo para excitarse sexualmente. Un punto culminante de la película es cuando Vaughan hace el amor con Catherine en el asiento trasero persenciado por Ballard mientras el coche pasa por una máquina de lavado de automático. El clímax de la película comienza con la muerte de Vaughan, y termina con un nuevo accidente, esta vez entre los coches de Ballard y su esposa Catherine. Las escenas que se producen entre ellos tras el accidente, dan a entender cómo el viaje de sexo y fetichismo emprendido por ambos ha cambiado considerablemente (incluso positivamente) la relación entre los dos. Causó una notable polémica en su estreno, por tratar sobre un grupo de personas que experimentan sinforofilia, una excitación sexual con los accidentes de autos. Nominada a la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes, obtuvo finalmente el Premio Especial del Jurado por su audacia y originalidad. Ganadora de 6 Premios Genie de la Academia Canadiense de Cine y Televisión incluyendo los de mejor director y guionista para Cronenberg. Estuvo además nominada a otras dos categorías, entre ellas mejor productor.