Ruega por nosotros
Los Estados Unidos contra Billie Holiday
La última primavera
Yo niña
Este amor es de otro planeta
El horizonte
Digimon Adventure: Last Evolution Kizuna
miércoles, 31 de marzo de 2021
Películas de la semana: 31 de marzo
Centenario de Simone Signoret: sus 10 papeles que recordaremos siempre (I)
El 25 de marzo de 2021, Simone Signoret habría cumplido 100 años. Para homenajearla y celebrar su talento, hemos elegido las diez películas que le cuentan lo mejor de la sesentena que ha rodado. Alternativamente radiante o dañada, puta magnífica o resistente obstinada, la actriz brilla en cada uno de estos papeles... La nostalgia por delante.
1. París, bajos fondos (Casque d’or, 1952), de Jacques Becker
Marie está enamorada de Manda. Un amor imposible. Ella es la habitual de un apache (delicuente) de Belleville. Él trabaja en su taller de carpintería. Un vínculo fatal para Signoret y Reggiani, la época de una escapada bucólica renacentista. Jacques Becker fue el asistente de Jean Renoir en Una salida al campo (Partie de campagne, 1936), esta escena suspendida es una prueba contundente. Su casco dorado cayó sobre su camisón, la estrella de la noche aparece en la ventana de la masía. Su amante le entrega un cuenco de café humeante. Sin apartar los ojos de ella, como magnetizado por su mirada. Ella es amor. Ella es la Muerte.
2.- Las diabólicas (Les Diaboliques, 1954), de Henri-Georges Clouzot
Para Simone Signoret, Las diabólicas fue el infierno, o al menos su rodaje, sometida a la tiranía del perfeccionista Clouzot. El peor recuerdo de su carrera, confió años después. El director se dedicó a torturar a su esposa, Véra Clouzot, elegida, a pesar de su cuestionable talento, para interpretar a la frágil directora del internado. Frente a su pareja (y amiga de toda la vida), cardíaca como su personaje, la imperial Simone parece dividida entre una profunda molestia, frustración y una sospecha de compasión. Ambivalencia perfecta que condimenta más de una escena y atraviesa la pantalla. Pensar que Clouzot, arrepintiéndose de haberle hecho leer las últimas páginas del guión, le había reprochado por interpretar a su personaje "como culpable" de amante demoníaca...
3.- Un lugar en la cumbre (Room at the Top, 1959) , de Jack Clayton
Clayton firma su primer largometraje a los 47 años, en simbiosis con una Signoret entre dos edades y desarraigado en Yorkshire: imposible confiar a un anglosajón el papel de Alice, una esposa mal casada en busca de una última oportunidad para felicidad. En una entrevista explícita, Alice le confía a su amante que es demasiado mayor para permanecer desnuda. La encuentra mejor así, pero estalla de celos cuando se entera de que ha posado desnuda como modelo. Cuando ella responde: "Soy dueña de mi propio cuerpo", no hay exceso en su juego, solo unos gestos y una mirada para expresar sabiduría. Por su papel recibió el Oscar a la mejor actriz.
4.- Adua et ses companions (Adua e le compagne, 1960), de Antonio Pietrangeli
Simone Signoret, más felina que nunca con sus ojos de gato, protege su camada: una madre proxeneta que acaba de enterarse de que los burdeles van a estar prohibidos en Italia, Adua sueña con otra vida para sus prostitutas. ¿Y si abren un restaurante? Como Gabin en La belle équipe (1936), de Julien Duvivier, Signoret es trágica cuando, por un momento despreocupado, comienza a creer, contra todo pronóstico, en su sueño de emancipación y en amores finalmente desinteresados. Tanto más trágico como para interpretar a Adua en Italia, dejó que Yves Montand en Los Ángeles rodara El multimillonario (Let's Make Love, 1960), de George Cukor, junto a Marilyn.
5.- ¿Arde París? (Paris brûle-t-il?, 1966), de René Clément
Su aparición, en el minuto 122, dura unos pocos segundos. Entre la puta diabólica o solar de sus inicios y la gran dama violada y venerada de su segunda parte de su carrera, Simone, de 44 años, ofrece una imagen singular en el fresco gaullista de René Clément. Alegre, fraternal, encargada de un bistró de Arpajon transmitiendo un mensaje telefónico para un soldado de la 2.a División Blindada que llega a su café. Sus ojos de gato se ríen a carcajadas. Su rostro es el de la mujer del pueblo, espectadora activa de una historia en ciernes. ¡Nuestro bistró espera con nosotros la liberación de París! Esperaremos mucho tiempo para ver "al" Signoret en la pantalla en tal estado de ánimo. Su entusiasmo por la vida en esta escena no tiene precio.
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El cine del siglo XXI, veinte años ya: De "Boys Don't Cry" a "Little Girl", el cine ha cambiado de género (XIX)
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91.- Jake (A Kid Like Jake, 2018), de Silas Howard
Una pareja casada, Alex y Greg, tiene que afrontar un conflicto cuando descubre que su hijo prefiere a la Cenicienta en lugar de los G.I. Joe. Un retrato creíble de dos buenas personas que se enfrentan a un dilema.
92.- Paraíso perdido (2018), de Monique Gardenberg
Un policía trabaja como guardaespaldas de una joven drag queen en una discoteca y establece un vínculo con la familia de cantantes inadaptados que actúan allí.
93.- J.T. LeRoy: engañando a Hollywood (Jeremiah Terminator LeRoy, 2018), de Justin Kelly
La trama sigue a JT LeRoy, una mujer que pretendió ser un hombre que se identifica como transexual, engañando a los ricos y famosos en Hollywood, el mundo de la moda y los círculos de la elite literaria. La joven Savannah Knoop se pasó seis años fingiendo ser el conocido autor Jeremiah Terminator LeRoy.
94.- Girl (2018), de Lukas Dhont
Lara, una joven transgénero de 15 años que aspira a ser una bailarina profesional, se muda con su padre francófono, Mathias, y su hermano menor para asistir a una prestigiosa academia de baile de habla holandesa. Al someterse a una terapia de reemplazo hormonal en preparación para una cirugía de reasignación de sexo, se siente frustrada por el lento progreso del tratamiento. En la escuela, ella tapa su pene con cinta adhesiva durante las prácticas de ballet y experimenta el acoso de sus compañeros de clase. Debido a que el encintado ha causado una infección.
95.- Tracey (2018), de Jun Li
La llamada sobre la muerte de un antiguo compañero de clase hace que un hombre de mediana edad reflexione sobre su pasado. Cuanto más alza la vista hacia su adolescencia, más se da cuenta de que desearía haber hecho las cosas de otra manera... Aunque nunca es tarde para cambiar el futuro.
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Deneuve, Sofia Helin, Joséphine Baker... esta semana, heroínas a pantalla completa (XV)
María del Carmen García y Maura (Madrid, 15 de septiembre de 1945) es una actriz española. Es una de las actrices más consagradas de España, que ha desarrollado su carrera tanto en su país natal como en Francia, con gran éxito en ambos, lo que le ha hecho merecedora de cuatro premios Goya, récord solo igualado en el cine español por la actriz Verónica Forqué, y un premio César del cine francés, así como del premio a la mejor actriz del prestigioso Festival de Cannes. Durante años fue la actriz más galardonada por la Academia de Cine Europeo (1988 y 1990), honor que en la actualidad comparte con las actrices Isabelle Huppert, Juliette Binoche y Charlotte Rampling.
También es conocida por ser la primera actriz vinculada profesionalmente con el famoso director de cine español Pedro Almodóvar, siendo la primera en recibir el sobrenombre de "chica almodóvar". A raíz de sus memorables trabajos y extensa carrera, es considerada por los medios y la crítica como una de las grandes actrices de Europa.
Carmen Maura forma parte de la dinastía Maura. Es bisnieta de Bartolomé Maura y Montaner, conocido grabador de su época y hermano del político Antonio Maura y Montaner (por lo tanto, sobrina tercera de Jorge Semprún).
martes, 30 de marzo de 2021
Los 100 años de Simone Signoret, una mujer libre y atrevida
Prostituta, resistente, campesina ... A lo largo de su carrera, la actriz francesa, fallecida en 1985, ha asumido magníficamente los roles de mujer del pueblo. Pero también marcó los ánimos por sus compromisos políticos, sus luchas y su rechazo al glamour obligatorio. Simone Signoret habría apagado sus 100 velas el 25 de marzo.
Y uno se pregunta cómo reaccionaría esta mujer comprometida ante el contexto actual donde la opinión ha reemplazado al pensamiento. Cómo encajaría o no en la nueva ola feminista. Si todavía pudiera titular su primer y magnífico libro La nostalgie n’est plus ce qu’elle était, tanto tiempo la nostalgia en estos días roza el resentimiento generalizado. Simone, espíritu libre pero corazón apegado, ciegamente, a un hombre… Simone y sus ojos felinos, acechando bajo unos párpados que supuestamente pesaran con los años, su delicioso e imperceptible tic: se humedecía los labios con la lengua cuando pensaba entre dos frases, porque, para ella, las palabras tenían peso.
Simone Signoret dará sus primeros pasos de actriz con Macadam (1946), de Marcel Blistène (et Jacques Feyder). Le début d’une grande carrière au cinémaSimone Kaminker nació el 25 de marzo de 1921 en Wiesbaden, en una Alemania bajo ocupación francesa después de la Primera Guerra Mundial. Era la hija mayor de Georgette Signoret y André Kaminker, periodista e intérprete judío polaco que se unirá a las Fuerzas Francesas Libres en Londres en 1940 y se convertirá, al final de la guerra, en director del servicio de traducción simultánea en las Naciones Unidas, con sede en Nueva York. Pero es su madre, sobre todo, quien inspira el respeto de la adolescente: un día, Georgette, cortés pero firmemente, le pide a su farmacéutico que le cambie el cepillo de dientes que le acaba de vender porque el objeto está hecho en Japón, ese país que ha acaba de firmar el pacto tripartito con la Alemania nazi y la Italia fascista. ¡Y las dos mujeres salen de la tienda con un cepillo de dientes inglés!
Bertrand Tavernier, el cine y nada más
Se ha ido un gran cineasta, un gran hombre de memoria también, que había venido al cine porque amaba el de los demás, el de muchos otros, sin distinciones, sin cortapisas, sin esnobismo. Y supo transmitir tan bien su pasión, como presidente del Instituto Lumière de Lyon, como autor (el diccionario 50 Ans de cinéma américain, coescrito con Jean-Pierre Coursodon, cuya versión ampliada se publicará a fin de año), como blogger gourmet de las novedades en DVD o, nuevamente, como un maravilloso documentalista [Las películas de mi vida (Viaje por el cine francés, 2016)]. Cualquiera que haya tenido la suerte de entablar una conversación cinéfila del cine con este narrador, tan hambriento de la pequeña puesta en escena que nadie antes que él había considerado conveniente contratar, podía tirar su reloj. De un western "menor" de John Ford a una película demasiado subestimada de Pierre Granier-Deferre, Tavernier se dejó llevar por la literatura o el jazz, sus otros amores, se dejó llevar, recomendó una docena de DVD, con una emoción juvenil y un conocimiento enciclopédico, sin ni siquiera dar una conferencia. Un maestro de las curiosidades. Como bien expresa Philippe Torreton, actor, en cuatro de sus películas de los noventa: “Él engrandeció el cine...
Las diez películas más importantes de Bertrand Tavernier (II)
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6.- Ley 627 (L.627, 1992)
Lulu (Didier Bezace, un gran actor de teatro poco frecuente en el cine) es inspector de narcóticos. Más que un trabajo, es un sacerdocio, una lucha diaria en la que sobre todo afronta, con su pequeño equipo, las engorrosas aberraciones de la administración. En 1992, fue un Tavernier muy enojado, pero muy inspirado, quien escribió esta gran película de detectives poco apreciada por el entonces ministro del Interior... pero celebrada por la policía sobre el terreno por su realismo.
Ley 627 (1992), con Didier Bezace7.- Capitán Conan (Capitaine Conan, 1996)
La Primera Guerra Mundial, o mejor dicho, sus secuelas, inspiraron definitivamente a Tavernier. Que se une aquí a un grupo de gente peluda desplazada tras el armisticio en los Balcanes para despejar trincheras enemigas. Y filmó el duro horror de la guerra cotidiana, sin lirismo ni énfasis heroico. Impresionante.
Capitán Conan (1996), con Philippe Torreton
8.- En el centro de la tormenta (In the Electric Mist, 2009)
Admirador apasionado - y conocedor - del cine estadounidense, Tavernier rodó esta adaptación de un thriller de James Lee Burke en los pantanos de Louisiana, donde un sheriff (Tommy Lee Jones) es superado por el recuerdo de un crimen racista. Un thriller grande y hermoso, perseguido por la guerra y el alcohol.
En el centro de la tormenta (2009), con Pruitt Taylor Vince y Tommy Lee Jones9.- La princesa de Montpensier (La Princesse de Montpensier, 2010)
En el siglo XVI, en una Francia traumatizada por las guerras de religión, una princesa se debate entre cuatro hombres. En esta animada adaptación de Mme de La Fayette (y que será su penúltima película de ficción), Tavernier conecta las secuencias a un ritmo de telenovela, aprovechando el poder de la narrativa. Clasicismo elegante. La película tuvo el honor de estar inscrita en el programa del bachillerato literario francés en 2019.
La Princesa de Montpensier (2010), con Mélanie Thierry10.- Las películas de mi vida (Voyage à travers le cinéma français, 2016)
A menudo lo olvidamos, pero Bertrand Tavernier también fue un muy buen documentalista. Aquí, el más cinéfilo de los cineastas relata su vida como espectador a través de las películas, desde 1930 hasta la década de 1970, que lo han marcado. Extractos relevantes, archivos a menudo muy divertidos, un comentario erudito y conmovedor... Un placer, doblado, al año siguiente, en una serie documental de ocho partes igualmente emocionante.
lunes, 29 de marzo de 2021
Las diez películas más importantes de Bertrand Tavernier (I)
Gran defensor del cine francés, Bertrand Tavernier murió a los 79 años el jueves 25 de marzo de 2021. Desde “Que empiece la fiesta” hasta “La princesa de Montpensier”, Repasamos diez de las obras más emblemáticas y exitosas de su filmografía.
1.- Que empiece la fiesta (Que la fête commence, 1975)
Una noble bretón quiere pedir cuentas al regente Philippe d'Orléans, un gran libertino. Para su segundo largometraje, Bertrand Tavernier, hambriento de historia, y sus actores reales (Philippe Noiret, Jean-Pierre Marielle y Jean Rochefort, en el papel del libidinoso abad Dubois) ofrecen una imagen magistral e insolente de la Regencia.
Que empiece la fiesta (1975), con Philippe Noiret, Marina Vlady, Jean Rochefort y Monique Lejeunens
2.- Dos inquilinos (Des enfants gâtés, 1977)
Película injustamente ignorada, esta crónica amarga y divertida mezcla dos temas favoritos de Tavernier: la lucha colectiva y el coraje de las mujeres. Un testimonio documental sobre la urbanización de París en la década de 1970 y los problemas de vivienda, que sigue siendo de plena actualidad.
Dos inquilinos (1977), con Christine Pascal y Michel Piccoli.3.- 1280 almas (Coup de torchon, 1981)
La película más famosa, y con razón, de Tavernier. Quien traspone una novela negra de Jim Thompson al África colonial francesa de los años 1930. Los temas del escritor estadounidense encuentran un eco formidable en las aventuras del policía Lucien Cordier, un pobre tipo despreciado, que acaba por tomarse por un justiciero místico. Magnífica ferocidad, gran Noiret.
1280 almas (1981), con Philippe Noiret y Stéphane Audran.
4.- Un domingo en el campo (Un dimanche à la campagne, 1984)
Un día de finales del verano de 1912: como todos los domingos, el señor Ladmiral, un anciano travieso y tierno, recibe a su familia para almorzar. Bajo el barniz perfectamente arreglado, si no académico, de este retrato de familia burguesa, atraviesa una sutil evocación casi proustiana de sensaciones olvidadas del pasado. Louis Ducreux está maravilloso y la película, un pedacito de felicidad.
Un domingo en el campo (1984), con Louis Ducreux y Sabine Azéma5.- La vida y nada más (La Vie et rien d’autre, 1989)
En 1920, el comandante Delaplane (Philippe Noiret) contó implacablemente las muertes de la Gran Guerra en las antiguas áreas del frente. Conoce a la noble Irene (Sabine Azéma), que busca a su marido... Una modesta historia de amor, amargo récord histórico, magníficas imágenes: Tavernier gana en todos los frentes.
La vida y nada más (1989), con Philippe Noiret y Sabine Azéma(cont.)
Los auténticos artificios de Josef von Sternberg (II)
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1.- Marlene y el amor: Morocco (1930)
Está en la habitación de la cantante, este viril legionario, pero, de repente, casi femenino: languideciendo en un sofá, una flor en la oreja y el cuerpo ofrecido, como esperando... "Obviamente tienes una pésima opinión de las mujeres". le susurra ella. "Es culpa de ellas, no mía", responde él... Entre este hombre y esta mujer, el deseo y los silencios, que el cineasta filma como un inútil duelo: la heroína sabe que está perdida, siente que él 'la perderá'. Ella lo despide, entonces, haciendo - pero a él no le importa - una confesión casi raciniana: "Será mejor que te vayas ahora: me empiezas a gustar..."
Marlene Dietrich y Gary Cooper en Morocco (1930), de Joseph von Sternberg. Paramount
2.- Marlen y la muerte: Fatalidad (Dishonored, 1931)
Marlene va a ser fusilada por espionaje. A ella no le importa, indiferente a la muerte como lo ha sido con su vida. Solo importa la apariencia. Entonces le pide al soldado que ha venido a recogerla a su celda un espejo y se ajusta el velo en el sable que le ofrece. Luego, enjuga las lágrimas de este joven demasiado sensible y, como se niega a comandar el pelotón de fusilamiento, comprueba, por última vez, el orden de su atuendo. Mira fijamente a los que le van a disparar, les sonríe. Y ella espera...
Victor McLaglen y Marlene Dietrich en Fatalidad (1931), de Josef von Sternberg. Paramount3.- Marlene y la luz: Capricho imperial (The Scarlet Empress, 1934)
Los cuerpos, siempre erotizados con Sternberg, se doblan, aquí, bajo el peso de la ropa. Y bajo el gigantismo espantoso y mortífero de las decoraciones que agobian en la corte de la futura Catalina II. Es solo al final cuando suelta a los caballos, literalmente. Entonces, vestida toda de blanco, apoyada por el ejército (donde coloca a sus amantes) y la Iglesia Ortodoxa (de la que deriva su legitimidad), Marlene caracolea hasta el Palacio de Invierno en San Petersburgo. Y las gorgonas se encogen y los monstruos se desvanecen, mientras ella se encarama hacia la luz...
Marlene Dietrich en Capricho imperial (1934) de Josef von Sternberg. Paramount
4.- Sin Marlene, el infierno: El embrujo de Shanghai (The Shanghai Gesture, 1941)
En un Shanghai de ópera al estilo Puccini, el casino de Mother Gin Sling (Ona Munson) parece un lugar de condenación. Una serie de círculos interminables en los que apenas seres humanos se mueven frenéticamente en torno a su despiadado vicio girar la ruleta… una obra maestra delirante. Sádica. Y trágica: "Emerge, en el corazón de las tinieblas, escribe Mathieu Macheret, el más límpido de los parentescos: el descubierto por un padre, una madre, una hija que hasta entonces se habían ignorado entre sí en la agitada rotación de máscaras y disfraces. Y identidades. Terminamos con un asesinato. Casi un ritual, de hecho, realizado cuando no vale la pena salvar nada.
Gene Tierney y Ona Munson en El embrujo de Shangai (1941), de Josef von Sternberg. United Artistsdomingo, 28 de marzo de 2021
Efemérides de cine: Melody
El 28 de marzo de 1971 se estrenó la película británica Melody, dirigida por Waris Hussein con Mark Lester, Tracy Hyde, Jack Wild, Sheila Steafel, Roy Kinnea, Billy Franks, Ken Jones, Kate Williams. Productora: Co-production Reino Unido-Estados Unidos; Hemdale/Sagittarius Productions/Goodtimes Enterprises. Duración: 106 minutos.
Comentario: En el Reino Unido llevó el título de S. W. A. L. K. (Sealed With A Loving Kiss: ‘sellado con un beso de amor’; se trataba de un mensaje que tradicionalmente escribían los escolares británicos en los sobres de sus cartas de amor). A destacar la banda sonora compuesta por el grupo Bee Gees. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
Los auténticos artificios de Josef von Sternberg (I)
"Hay obras que te hacen pensar, discutir, meditar; están las que te agradan, te impresionan o te repugnan, y aquellas, más raras, que no hacen nada de eso, pero, más simple, más brutalmente también, te deslumbran. Así abre el libro que Mathieu Macheret acaba de dedicar a Josef von Sternberg (1894-1969), con, como subtítulo, estas tres palabras que definen a la perfección a este cineasta célebre y desconocido: "las junglas alucinantes"...
Sternberg: un cineasta que hasta sus fans dudan en alabar, a veces, fue tan escandaloso, megalómano, altivo. Sin los pies en la tierra el suelo, como decimos hoy en día. Fuera de tiempo. Fuera de modas. Fuera de lo común. En general... Fuera del realismo, sobre todo: ¿por qué pintar el mundo como es, si todo es falso, hombres y mujeres astutos, equivocados y engañándose a sí mismos? Desde el nacimiento del cine, quienes captan los hechos (los hermanos Lumière) se han opuesto a quienes, como Georges Méliès, los recrean. Sternberg está seguro: es persiguiendo el artificio, revolcándose en él, si es necesario, que el artista tendrá una (muy pequeña) posibilidad de alcanzar una (diminuta) partícula de verdad. Por lo que se esforzará toda su vida, bajo su propio riesgo. Muy a menudo incomprendido, rechazado, odiado. Encantado e infeliz de serlo...
Marlene Dietrich en Capricho imperial (The Scarlet Empress, 1934), de Josef von Sternberg, una película inspirada en el diario de de Catalina II. Paramount
Curioso tipo que este hijo de pequeño burgués austriaco, complejo hasta el punto de inventarse un título de nobleza (un "von" totalmente falso) y de entregarse a diversas excentricidades (sobre todo en la indumentaria) en decorados donde se comporta como un tirano. Un hombre frustrado, totalmente obsesionado con los cuerpos (a los que exaltará, sublimará en todas sus películas), pero manteniendo con su criatura, Marlene Dietrich, a quien descubre y que lo deja, exasperado, de sus asombrosas relaciones sadomasoquistas. Se retrata, además, en el personaje interpretado por Adolphe Menjou en Marruecos (Morocco, 1930): un observador, consciente del deseo que siente por la que es amada por otro (Gary Cooper), más joven y más atractivo que él. “Menjou se encuentra solo, humillado frente a sus invitados, apunta Mathieu Macheret, y la razón quisiera que se enojara, se rebelara, pero nada ayuda, ama demasiado a su cantante y hará todo, hasta negarse a sí mismo, hasta el punto de arrastrase como un gusano, para ir a vivir su pasión.
"De esta obra exuberante y mutilada -muchas películas se han perdido o destruido-, sin herederos reales (sí, uno: Nicolas Winding Refn que triunfa en una verdadera pesadilla de Sternberg con Solo Dios perdona (Only God Forgives, 2013), donde Ryan Gosling interpreta al hijo masoquista de Kristin Scott Thomas, madre castradora), elegimos cuatro obras. Tres con Marlene. Y una sin ella...
(cont.)
sábado, 27 de marzo de 2021
Hace 100 años: Man-Woman-Marriage
El 27 de marzo de 1921 se estrenó la película estadounidense Man-Woman-Marriage, dirigida por Allen Holubar e interpretada por Dorothy Phillips, Ralph Lewis, Margaret Mann, James Kirkwood, Robert Cain, J. Barney Sherry, Shannon Day, Frances Parks, Emily Chichester. Productora: Allen Holubar Pictures. Duración: 90 minutos.
Comentario: La película consiguió bastabte publicidad en 1920, meses antes de su estreno, porque 160 de los extras en su escena de batalla presentaron informes de lesiones ante la Comisión Industrial del Estado de California el 14 de septiembre de 1920. Según se informa, nueve de los participantes fueron hospitalizados después de ser heridos durante el rodaje cerca de Chatsworth, California .
Hace 100 años: Sentimental Tommy
El 27 de marzo de 1971 se estrenó la película estadounidense Sentimental Tommy, dirigida por John S. Robertson e interpretada por Gareth Hughes, Malcolm Bradley, Harry Coleman, Kate Davenport, George Fawcet, Leila Frost, Kempton Greene, Alfred Kappeler, May McAvoy, Mabel Taliaferro, Virginia Valli, Mary Astor. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 80 minutos.
Sinopsis argumental: Grizel (McAvoy) es la hija de la Painted Lady (Taliaferro), que cree que su amante algún día regresará. Grizel es condenada al ostracismo por los otros niños del pueblo. Tommy Sandys (Hughes) y su hermana Elspeth (Frost) llegan al pueblo. Tommy es amigable, pero Elspeth mantiene las distancias. Cuando la Painted Lady muere, el Dr. Gemmell (Greene) convierte a Grizel en su ama de llaves. El tiempo pasa y después de la muerte del médico, Grizel, que ahora tiene veintiún años, ama a Tommy, que es un autor en Londres. Tommy visita la ciudad pero no puede decidir si ama a Grizel. Grizel sabe que Tommy no la ama y, cuando regresa a Londres, su infelicidad la lleva a la locura. Tommy regresa y se casa con Grizel, aunque cree que ella lo odiará cuando mejore. Después de dos años bajo el cuidado de Tommy, recupera la cordura. Después de que Tommy le hace saber que se preocupa por ella porque la ama; no por lástima, Grizel está feliz.
Comentario: Película que tiene a Mary Astor en uno de sus primeros papeles, aunque sus escenas fueron eliminadas antes del estreno. La historia está basada en la novela de James M. Barrie . La película, que convirtió a Gareth Hughes en una estrella, ahora se considera perdida .
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXX)
Necronomicón (Necronomicon - Geträumte Sünden, 1968), de Jesús Franco
La exuberante Lorna Green (Janine Reynaud) trabaja como bailarina en uno de los nightclubs más "in" de Lisboa, el Nov Club. Caranche participa en un espectáculo sadomasoquista que culmina con un asesinato simulado. Sus actuaciones tienen un gran éxito, pero Lorna empieza a dejarse influenciar mentalmente por su personaje. Su manager Bill Mulligan (Jack Taylor) la intenta ayudar, sin saber que buscar las causas del comportamiento de Lorna se convertirá en una pesadilla de la que nadie podrá escapar... Destaca por ser la primera película en la trayectoria del realizador íntegramente producida y rodada fuera de España. Con Necronomicon Franco alcanza un cierto estatus dentro del cine de serie B europeo, debido al tratamiento desinhibido de los temas que aborda como el masoquismo o la adicción al sexo, todo ello encubierto con una presunta historia de terror. Es también conocida como Succubus.
viernes, 26 de marzo de 2021
Hace 100 años: A Girl of the Bush
El 26 de marzo de 1921 se estrenó la película australiana A Girl of the Bush, dirigida por Franklyn Barrett e interpretada por Vera James, Jack Martin, Herbert Linden, Stella Southern, James Martin, Sam Warr, Emma Shea, DL Dalziel, Gerald Harcourt, Olga Broughton, Mick Huntsdale, Tom Cosgrove. Productora: Barrett's Australian Productions. Duración: 91 minutos.
Sinopsis argumental: Lorna Denver administra la granja de ovejas Kangaroo Flat y es perseguida por dos hombres, el malvado Oswald y el apuesto y joven topógrafo Tom Wilson. Lorna da refugio a un bebé que ha sobrevivido al ataque de los aborígenes, pero Tom cree que el bebé es suyo. Esto molesta a Lorna que rompe con él. Oswald es asesinado y Tom es arrestado. Un cocinero chino revela que el verdadero asesino fue el padre de una mujer que había sido seducida por Oswald.
Comentario: El guión estuvo fuertemente influenciado por las obras de teatro The Squatter's Daughter y On Our Selection. Esta fue la primera de las tres películas que hizo Barrett para su propia compañía. Es una de las pocas películas de Barrett que sobrevive en su totalidad en la actualidad.
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXIX)
Nuestra Señora de los Turcos (Nostra signora dei turchi, 1968), de Carmelo Bene
Deneuve, Sofia Helin, Joséphine Baker... esta semana, heroínas a pantalla completa (XIV)
Julia Fiona Roberts (Smyrna, Georgia; 28 de octubre de 1967) es una actriz de cine y televisión estadounidense, ganadora del premio Óscar a la mejor actriz, así como de tres Globos de Oro en las categorías de mejor actriz en drama, mejor actriz en comedia o musical y mejor actriz de reparto, un BAFTA a la mejor actriz y un premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz protagonista.
Conocida por sus intervenciones en películas como Magnolias de acero (1989), Pretty Woman (1990), El informe Pelícano (1993), La boda de mi mejor amigo (1997), Notting Hill (1999), Runaway Bride (1999), Ocean's Eleven (2001) y La Mexicana (2001) se convirtió en la actriz mejor pagada en el año 2000, cuando protagonizó la película Erin Brockovich y por la que cobró veinte millones de dólares. Es considerada una de las mujeres con mayor poder adquisitivo del cine estadounidense.
En 1999 se convirtió en la primera mujer en ser considerada la intérprete más rentable del año por los distribuidores estadounidenses, gracias a los éxitos de Notting Hill y Runaway Bride, manteniendo el liderato femenino durante diez años hasta que Sandra Bullock lo consiguió en 2009 gracias a La propuesta y Un sueño posible.
jueves, 25 de marzo de 2021
Películas de la semana: 26 de marzo
Godzilla vs. Kong
Nomadland
Monster Hunter
Libertad
Olvido y León
Un efecto óptico
Traidores
Nación
Dirección: Margarita Ledo. País: España. Año: 2020. Duración: 92 minutos. Género: Documental. Drama.Trabajo. Empleo. Feminismo. Reparto: Documental, Nieves Pérez Lusquiños, Manuela Nóvoa Pérez, Ester García Lorenzo, Carmen Portela Lusquiños, Carmen Álvarez Seoane, Mónica Camaño, Mónica de Nut, Laura Martínez Iglesias, Xoana Pintos, Eva Veiga. Guion: Margarita Ledo. Música: Mercedes Peón. Fotografía: Alberte Branco. Productora: Nós Productora Cinematográfica Galega S.L. Premios y nominaciones: Premios Mestre Mateo: Nominada a mejor música original y mejor realización documental; Festival de Cine Europeo de Sevilla: Nominada a mejor documental. Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Sinopsis: La fábrica gallega de loza Pontesa cerró en 2001. Veinte años después, a la espera de sentencia sobre su reclamación de deuda pendiente, un grupo de trabajadoras recuerda el símbolo de su libertad individual, su emancipación económica y su lucha sindical. Nieves, Ester, Manuela, Carmen P. y Carmen A. mantienen viva la pelea por los derechos de la mujer en la España del siglo XX. La historia de sus vidas se despliega en presencia de la esfinge: reclama la memoria de las operarias del textil, la loza y la conserva y anuncia voces y archivos que engarzan tiempos y cuerpos diferentes. ¿Trabajar sin cobrar? Eso ni hablar...
Tom y Jerry
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