Efemérides de cine: Se armó la gorda

El 30 de septiembre de 1971 se estrenó la película británica Se armó la gorda (Monty Python And Now For Something Completely Different), dirigida por Ian MacNaughton e interpretada por Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones, Michael Palin, Carol Cleveland, Connie Booth, Lesley Judd. Productora: Columbia Pictures, Playboy Production, Kettledrum Films, Python (Monty) Pictures. Duración: 88 minutos. 

Sinopsis argumental: Una visión del mundo desde la óptica neurasténica, desenfrenada y enloquecida de los siempre hilarantes Monty Python. 

Comentario: Basada en el famoso show televiso ”Flying Circus”, contiene los mejores sketches del programa en formato cinematográfico. Sexo, matrimonio, tecnología, ejectuvisop... todos estos tótems de la sociedad moderna son derribados uno a uno con los brutales ”gags” que nos descargan en ráfagas de sketches. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Las manos del Destripador

El 30 de septiembre de 1971 se estrenó la película británica Las manos del Destripador (Hands of the Ripper), dirigida por Peter Sasdy e interpretada por Eric Porter, Angharad Rees, Jane Merrow, Keith Bell, Derek Godfrey, Dora Bryan, Marjorie Rhodes, Lynda Baron, Marjie Lawrence, Margaret Rawlings. Productora: Hammer Productions. Duración: 85 minutos.

Sinopsis argumental: Londres, finales del siglo XIX. La hija de Jack el Destripador continúa la estela de su padre. Cuando se da cuenta de que la influencia de su padre la está llevando a cometer una serie de salvajes crímenes, busca la ayuda de un psiquiatra.

Comentario: Las manos del destripador es uno de los más prestigiosos filmes de la última etapa de la Hammer. Este proyecto se alejaba de sus típicas películas de monstruos y vampiros, que ya no ejercían el efecto terrorífico deseado sobre el público, y lo buscaban en la figura de un asesino en serie, Jack el Destripador, y en el psicoanálisis, recién instaurado en la época donde se sitúa la acción. La película está dirigido por Peter Sasdy, uno de los directores clásicos de la casa, y protagonizado por Angharad Rees, muy popular hace bastantes años gracias a su papel de Demelza en la serie Poldark de la década de 1970. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Adiós tío Tom

El 30 de septiembre de 1971 se estrenó la película italiana Adiós tío Tom (Addio zio Tom), dirigida por Gualtiero Jacopetti, Franco Prosperi. Reparto: Documental.  Productora: Eurointer. Duración: 136 minutos.

Sinopsis argumental: Adiós, Tío Tom narra como dos documentaristas viajan en el tiempo hasta antes de la guerra civil americana para filmar las ventas de esclavos.

Comentario: Propone un viaje temporal por la realidad de las viejas plantaciones de esclavos en USA. La obra fue calificada como uno de los mayores atentados morales y éticos jamas realizados en pantalla. Prosperi/Jacopetti ya habían sido cuestionados tras Adiós África (1966) narrando los sangrientos procesos descolonizadores del continente negro con pogromos, matanzas de animales y una ejecución en primer plano que les acusó de ser cómplices de la misma. Alegaron haberse limitado a filmar hechos que se habrían producido igualmente. La fascinación morbosa por la negritud y su discurso narrativo valiente y tendencioso también están presentes en esta obra. La parte mas dura del metraje corresponde a la brutalidad de las recreaciones históricas intercaladas con la situación de los negros en la América contemporánea. Nadie se salva de la visión pesimista y deformada de los autores que exageran conductas de manera sensacionalista. Prosperi y Jacopetti, como Ruggero Deodato en Holocausto Caníbal o Wes Craven en La Última Casa a la Izquierda, optan por una vía en auge en el cine de la época que cuestiona al espectador y sus pulsiones internas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Convocatoria: Festival de Cine

PLAZO ABIERTO (HASTA EL 15 DE OCTUBRE) PARA PARTICIPAR EN LA I EDICIÓN DEL BENQ CINEMATICOLOR SHORTFILM FESTIVAL

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXX)

El planeta salvaje (La planète sauvage, 1973), de René Laloux

En el lejano planeta Ygam viven unas criaturas gigantescas llamadas “Draags” que han domesticado a los pequeños "Oms", seres humanos que están siendo exterminados. Pero un Om consigue escapar... El cine de animación ajeno a las megaproducciones de Disney y derivados es capaz de ofrecer él solo, múltiples platos de alta categoría para los gourmets del cine. Desde los inicios del lenguaje animado a las películas underground de los setenta y ochenta, de donde surgieron autores cuya filmografía completa rebosa cult-movies históricas, como Ralph Bakshi. Pero El planeta salvaje es especial, por sus circunstancias y resultados.

Es una coproducción entre Francia y Checoslovaquia, de ambiciones claramente anticomerciales, dirigida por René Laloux y coescrita por Laloux y Roland Topor (autor de, entre otras muchísimas cosas, la novela en la que se inspira El quimérico inquilino). Cuando Laloux dejó el proyecto, le sucedió Topor. Y todo ello confluye en una película única, de imaginería surrealista, abiertamente pictórica, y que convierte sus limitaciones técnicas en parte de su identidad, con la historia de un mundo en el que los humanos son vistos como mascotas por unos enigmáticos gigantes de color celeste. Una maravilla evocadora, literalmente única en su género y que no ha envejecido ni un ápice porque siempre ha flotado fuera del espacio y el tiempo.

Las películas malditas de Fernando Fernán Gómez (II)

El mundo sigue (1965), dirigida por Fernando Fernán Gómez

Barrio madrileño de Maravillas. Eloísa es una abnegada esposa y madre eficiente, que vive con su marido, un guardia municipal más autoritario en casa que en la calle y al que a veces se le va la mano. Su hijo es un beato que salió del seminario poco antes de convertirse en sacerdote, y que se pasa la vida estudiando y rezando para expiar los pecados de su familia. Las hijas, dos hermanas, obsesionadas cada una a su manera por la riqueza, se profesan mutuamente un profundo odio. Está basada en la novela homónima de Juan Antonio de Zunzunegui. Es la última de la trilogía formada por La vida por delante (1958) y La vida alrededor (1959), dirigidas también por Fernando Fernán Gómez. Aunque fue filmada en 1963, esta cinta no se estrenaría hasta el 10 de julio de 1965 en Bilbao y, además, se la considera como la «película maldita» de Fernando Fernán Gómez debido a que tuvo problemas con la censura franquista durante su filmación, exhibición y distribución, aunada también a que no fue emitida en televisión hasta fechas muy recientes, por lo que era prácticamente desconocida por el gran público hasta su reposición en el verano de 2015. El mundo sigue es un drama que refleja la pobreza y la miseria en la que vivían los españoles de la época franquista que, unidas a la imposibilidad de medrar de forma honrada de la mayoría de sus personajes, logra retratar un cuadro patético pero realista de la sociedad del momento. El adulterio, la ambición, la violencia, el hambre y el maltrato a la mujer son solo algunos de los temas de los que trata la película, y que reflejan, en todo momento, la injusticia reinante en un mundo sin piedad, que ya estaba vigente desde la época de Fray Luis de Granada, como se puede comprobar al inicio de la película, al leer la cita de este escritor y dominico español, extraída de su libro titulado Guía de pecadores y que Fernando Fernán Gómez inserta al inicio de la misma con bastante acierto.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXIX)

El hombre de mimbre (The Wicker Man, 1973), de Robin Hardy

Una carta que hace sospechar que una joven desaparecida ha sido asesinada lleva al sargento Howie de Scotland Yard hasta Summerisle, una isla en la costa de Inglaterra. Allí el inspector se entera de que hay una especie de culto pagano, y conoce a Lord Summerisle, el líder religioso de la isla... El guion, escrito por Anthony Shaffer, está basado en la novela Ritual de David Pinner. El hombre de mimbre definitivamente es una extraña película de un género de por sí poco común: sacrifice-horror. Con ciertos aires sádicos, donde el sacrificio es el eje principal. De hecho el sacrificio es el resultado, pero principalmente como símbolo. La película se detiene más bien y sutilmente en el proceso psicohistórico que lleva a que un acto tan radical se concrete. Es casi única en cuanto al agudo manejo social y filosófico que se plantea de los elementos que conforman el nudo de dicha guerra. Una de las obras preferidas del director Tim Burton. Película de culto británico, provocador y algo extraño, que recibió muy buenas críticas. En el año 2006 el realizador Neil LaBute dirigió un remake con Nicolas Cage.

Las películas malditas de Fernando Fernán Gómez (I)

Vida en sombras (1948), de Llorenç Llobet-Gràcia

Carlos es un joven que tiene desde niño fijación por el cine. Ahora, casado con Ana, ha conseguido convertir su afición en un medio de vida al convertirse en reportero gráfico. Pero el mismo día que comienza la Guerra Civil ocurre algo que le hace renegar de las cámaras para siempre. El único largometraje de Llobet Gràcia es una fascinante declaración de amor al cine realizada con medios casi exclusivamente visuales, como reivindica el propio protagonista en un momento dado, citando -en la España franquista de 1948- ni más ni menos que a Pudovkin. Relegada por la censura al ostracismo, el productor decidió realizar un nuevo montaje sin contar con el director: en él no sólo eliminaba las críticas abiertas al bando rebelde en la Guerra Civil, sino que destrozaba los fascinantes movimientos de cámara, los virtuosos planos secuencia y el lírico montaje de Llobet Gràcia para, supuestamente, "aligerar" la película. El resultado, con seis minutos menos, se estrenó sin éxito cinco años más tarde, en 1953, mediante un puñado de malas copias  en un par de cines. Llobet-Gràcia fue condenado al ostracismo por el desastre económico que fue la película y los duros enfrentamientos que tuvo con la censura. Llobet-Gràcia no volvió a hacer cine. Por su parte, Fernán Gómez volvió a hacer algunas de esas comedias que le daban de comer y hacía que los represores se olvidarán de su condición de anarquista. Restaurada en 2012 por la Filmoteca de Catalunya, la versión original deslumbra hoy por la modernidad de su discurso visual y narrativo: muchas de las secuencias son prácticamente mudas, en consonancia con las tesis del protagonista, alter ego del propio director, y resultan especialmente sorprendentes sus juegos con las pantallas, incluidas unas brillantísimas referencias metafílmicas a Rebeca (Rebecca, 1940). Una de las mejores películas "olvidadas" del cine español, cuyo final parece haber inspirado al Almodóvar de Dolor y Gloria (2019).

Para recordar: La muerte en este jardín

La muerte en este jardín (La mort en ce jardin, 1956), de Luis Buñuel

En un país hispanoamericano, Shark, un aventurero europeo, se enfrenta a la represión encabezada por el capitán Ferrero. Tras varias peripecias, Shark huye en una embarcación con la prostituta Djin, el rebelde Castin, el padre Lizzardi y la joven María. En la huida, los prófugos tendrán que enfrentarse a los peligros de la selva amazónica y a las pasiones que se desatan entre ellos. Coproducción franco-mexicana que adapta la novela homónima de José-André Lacour. Filmada durante el período en que Buñuel comenzó a consolidarse como una figura prometedora del cine surrealista, La muerte en este jardín propone un reflejo psicológico de la España de Franco, con rebeliones y opresores en abundancia, de la que Buñuel se exilió. La muerte en este jardín se desarrolla en tres movimientos:

1. El poblado y la vida de los buscadores de diamantes, con sus placeres, sus esperanzas, sus bajezas, su revuelta cuando reciben una orden de expulsión firmada por el gobernador militar de la provincia, etc. En este pequeño mundo tan poco resplandeciente dos personajes se distinguen como singulares: Shark, el aventurero atlético, valiente y realista, y María, una afable muchacha, sordomuda. El resto –el misionero, el anciano padre de María, la prostituta, el traficante, etc.-, valen todos por su egoísmo, su orgullo, su vanidad y su bajeza. Ni siquiera el misionero constituye una excepción. Juega a ser un cura transigente con el exclusivo propósito de introducir, sin que lo parezca, en el espíritu de todo el que se tropieza con él, el mensaje de Cristo llamando a los oprimidos a la resignación: "La rebelión acaba siempre represión...El que a hierro mata a hierro muere."
2. Cinco personajes dispares y hechos para amarse u odiarse, según elijan. Son: Shark, Castin, Lizardi, María y Djin. Se han visto obligados a marcharse del lugar donde residían, convertido de pronto en un infierno, y Chenko, el traficante que llega en su yate. La policía les persigue, Chenko les traiciona. La conciencia de su desvalimiento y el contacto con el sufrimiento no tardarán en reducirles a la elementalidad de un grupo humano cuyo único objetivo es vencer a la muerte. La soledad, el hambre, la lluvia, el frío, la noche, el miedo..., todo transforma el sistema de valores por el que se regían... Solamente Shark prosigue la lucha, avanzando paso a paso por la jungla y dominando la situación con actos concretos. Ante este ejemplo, Lizardi reacciona y pasa insensiblemente de la contemplación y la resignación a la acción: recoge raíces para alimentarse y alimentar a sus compañeros, bebe y da de beber a los demás en el sagrado cáliz (¡para apagar la sed, no para comulgar!), y acaba por decidirse, tras una larga y angustiosa vacilación, a arrancar las páginas de su Biblia para encender fuego. Todos estos gestos de Lizardi demuestran que hay momentos en la vida en los cuales debe abandonarse la sumisión al voto piadoso y a lo que llaman voluntad del Señor, en beneficio de un trabajo concreto y presente... La caridad cristiana bien entendida no puede seguir justificando una actitud contemplativa cuando hay seres que sufren y reclaman auxilio cerca de nosotros.
3. Los restos de un avión que descubre Shark. Todos los pasajeros han perecido en el accidente, pero sus equipajes contienen justo aquello que más necesitan nuestros cinco personajes: alimentos, ropas... e incluso joyas. Con este acontecimiento se invierte súbitamente la situación de los personajes, que olvidan el espíritu de colaboración nacido en ellos por obra de las exigencias de su desgracia, y vuelven a coincidir los cinco con lo que eran "antes". El hallazgo de los restos del avión corresponden, pues, con toda probabilidad, a la llegada de Robinson y Viernes a Inglaterra, ya que como en aquel caso cada uno se convierte nuevamente en un chacal para el otro.

Está considerada una obra menor dentro la filmografía del director español Luis Buñuel. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXVIII)

El último tango en París (Ultimo tango a Parigi, 1972), de Bernardo Bertolucci

Una mañana de invierno un maduro norteamericano y una joven muchacha parisina se encuentran casualmente mientras visitan un piso de alquiler en París. La pasión se apodera de ellos y mantienen relaciones sexuales en el piso vacío. Cuando abandonan el edificio, ambos se ponen de acuerdo para volver a encontrarse allí, en soledad, sin preguntarse ni siquiera sus nombres. La película se caracterizó por su fuerte erotismo, pasando a la historia del cine una escena particular en la que el personaje masculino viola analmente a la mujer, valiéndose de un poco de mantequilla a modo de lubricante. Estas escenas, y en general el tratamiento de la temática erótica desde una óptica inusual (numerosas escenas de desnudos frontales de la mujer), causaron un gran impacto en la sociedad de la época. Según contó Maria Schneider en 2001, su papel en el guion original estaba pensado para que lo interpretara un chico. La película fue censurada en España durante el régimen franquista y no se estrenó hasta diciembre de 1977. Antes de su estreno oficial y para sortear la censura, miles de españoles viajaron a Biarritz y Perpiñán para verla. Sin embargo, a pesar de ser ampliamente recordada por estos detalles, suele destacarse la interpretación de un Brando ya maduro, y la calidad del trabajo fotográfico del filme (Vittorio Storaro), que contribuye en buena medida a otorgar un contrapunto de lirismo a una cruda trama argumental.

Cine para niños: "Mi madre es un gorila (¿y qué?)", una oda a la tolerancia

Después del excelente Gordon y Paddy (Gordon & Paddy, 2017), Linda Hambäck regresa con una conmovedora caricatura, The Ape StarApstjärnan, 2021), un poco anticuada, adaptada de una novela de Frida Nilsson. Una hermosa lección de vida con cálidos colores otoñales. A partir de los 5 años.

En la nueva película animada de Linda Hambäck, Gorilla, una gorila hembra, adopta a un huérfano

La historia en dos palabras: viviendo en el orfanato con otros camaradas, una niña es adoptada por Gorillan, una gorila hembra. Para disgusto del alcalde de la ciudad, megalómano e intolerante, que desea adquirir la tierra del primate para construir un parque acuático.

El argumento para que les guste: A los jóvenes espectadores les encantará la singularidad de la casa de Gorillan, ubicada en un centro de reciclaje, donde revende objetos usados. Al principio dudosa, la pequeña termina apreciando esta forma de vida sencilla: hamaca para dormir, baños secos, caravana afuera.

Lo que aprenderán: si bien la madre Gorillan a primera vista parece brutal, resulta ser más delicada que algunos humanos, como lo demuestra su pasión por los clásicos literarios, sobre todo Oliver Twist. En otras palabras, no debemos dejarnos engañar por las apariencias.

El momento que realmente amarán: por mucho que Gordon y Paddy fuera un cuento de invierno, Apstjärnan es similar a una fábula de otoño. Elegante a voluntad, una de las secuencias más hermosas muestra a las dos heroínas haciendo un picnic en un bosque multicolor, antes de montar su tienda para pasar la noche bajo las estrellas.

Hace 100 años: Winners of the West

El 26 de septiembre de 1921 se estrenó la película estadounidense Winners of the West, dirigida por Edward Laemmle e interpretada por Art Acord, Myrtle Lind, Burton Law, J. Herbert Frank, Burton S. Wilson, Jim Corey, Scott Pembroke, Bob Kortman. Productora: Universal Film Manufacturing Company.

Sinopsis argumental: Representación de la expedición del capitán John C. Fremont en 1849 que abrió el camino a los campos de oro de California.

Comentario: Fue un serial compuesto por los siguientes capítulos: 1. Power of Gold 2. Blazing Arrow 3. Perils of the Plains 4. The Flame of Hate 5. The Fight for a Fortune 6. Buried Alive 7. Fires of Fury 8. Pit of Doom 9. Chasm of Peril 10. Sands of Fear 11. Poisoned Pool 12. Duel in the Night 13. Web of Fate 14. Trail of Mystery 15. Unmasked 16. Hidden Gold 17. Cave of Terror 18. The End of the Trail. En la actualidad se considera perdido. 

Muerte de Melvin Van Peebles, militante pionero del cine afroamericano (II)

(cont.)

Anti-Sydney Poitier

Violenta persecución... se convirtió así en la primera película negra en escapar de "cualquier forma de control de una industria dominada por los blancos" . Van Peebles lo dedicó a “todos los hermanos y hermanas que están hartos del hombre blanco” y lo finalizó con esta advertencia: “Ojo, un negro va a venir a leer los contadores“. Tomó imágenes de la integración y el carácter suave que Sidney Poitier había impuesto en Hollywood. Siguiendo los pasos de Sweetback, un joven negro rebelde que huye con un buen impulso ("a sweet sweetback"), Van Peebles se sumergía en el gueto y traía de vuelta un trabajo brutal, enfadado con la violencia policial, lleno de sexo y música, y donde la comunidad negra se unía y se expresaba plenamente.

También lo iba a mostrar de forma espectacular consiguiendo un éxito rotundo con la película. Clasificado X por una comisión de censura 100% blanca, estrenado a escondidas en dos teatros, uno en Atlanta, el otro en Detroit, Violenta persecución... fue rápidamente comentado por un intenso boca a boca y terminó abriéndose de paso su estreno generalizado en cines y alcanzar los puestos más alto de la taquilla. Los estudios, por supuesto, no fueron indiferentes, sugiriendo que Melvin Van Peebles volviera von ellos para explotar esta vena. Él se negó y por lo tanto no participó en la ola de películas negras (Las noches rojas de Harlem (Shaft, 1971), de Gordon Parks; Super Fly (1972), de Gordon Parks Jr... y derivados) que siguieron.

Todos los activistas de Black Panthers recibieron instrucciones para ver su película al menos una vez, pero Van Peebles nunca fue un cineasta activista (Panther, la película que hizo en 1985 sobre el movimiento con su hijo Mario no fue un éxito). No se reconoció en ningún otro papel, en la irrupción de Spike Lee y una nueva generación de cineastas negros comprometidos, que el de haber abierto una brecha y servido de ejemplo, en particular para el acercamiento entre el cine y la música negra.

Una obra singular sin descendientes, Violenta persecución… fue un tizón experimental, trascendido por el ritmo del montaje. Para la banda sonora, Melvin Van Peebles había ido a buscar a un grupo casi desconocido, Earth Wind and Fire, cuyo funk, la música reina de esos años, contribuyó enormemente al éxito de la película. Los directores de blaxploitation se inspiraron en ella y rodaron, en Shaft, Super Fly o Trouble Man (1972), escenas que presagiaban la era del video musical. Recordaremos al menos eso de esta gran ola de la serie B iniciada por Van Peebles -aunque él lo negara: llevó a artistas como Isaac Hayes, Curtis Mayfield o Marvin Gaye a expandir su registro para la gran pantalla y a grabar exuberantes orquestaciones que han producido algunas obras maestras. E ideas para toda una generación.

Muerte de Melvin Van Peebles, militante pionero del cine afroamericano (I)

Con su mítica Violenta persecución (Sweet, sweetback's baadasssss song, 1971), hizo la primera película negra fuera del control de Hollywood. Y lanzó blaxploitation, un movimiento que rechazó pero que continúa regando la cultura estadounidense. El director falleció a los 89 años.

A mediados de la década de 1990, los franceses descubrieron a Melvin Van Peebles cuando Estados Unidos más o menos lo olvidó. Se le dedicó un documental, llamado L'Homme qui court, (1971), dirigido por Mark Daniels, y lo mostraba mientras trotaba por las aceras de Nueva York, vestido de corredor de maratón, tan seco, intenso y flaco como a finales de los años 1960. Cineasta, que murió el 21 de septiembre de 2021 a la edad de 89 años, rindió homenaje a Sweetback, un personaje que se convertiría en fugitivo, que creó e interpretó a principios de la década de 1970, y que fue suficiente para construir su leyenda de mítico pionero del cine negro estadounidense con la película de culto Violenta persecución. La imagen le quedó como un guante, como la expresión "en la carrera»: Van Peebles era un jinete, un ambicioso un tanto esquivo, no hecho para la idea de una carrera, resistente a cualquier intento de clasificación, receloso de entrevistas, análisis, homenajes y retrospectivas.

Su filmografía es, en última instancia, bastante ligera. Nunca hizo una secuela digna de ese nombre de Violenta persecución... Renegado por la forma en que Hollywood mostraba (o no) a los estadounidenses negros, Melvin Van Peebles comenzó esta película a fines de la década de 1960. En ese momento, la ira estaba en llamas. El movimiento de derechos civiles luchaba por recuperarse del asesinato de Martin Luther King. Sobrevolando sobre los disturbios sociales de Watts, la formación del partido de los Panteras Negras (Black Panthers) dio un nuevo giro a las demandas de la comunidad negra estadounidense, y el cine luchó por ser un espejo de esta agitación.

Fotograma de Violenta persecución (1971)

Después de unos años en Francia, donde había colaborado en Hara-Kiri, revista satírica francesa creada en septiembre de 1960, conoció a Chester Himes, un escritor afroamericano, y donde también dirigió su primera película, La permission (1968), Van Peebles acababa de rodar un largometraje para Hollywood, pero se sentía "atrapado": "Los estudios querían sus directores negros, dijo, les alivió la conciencia, no quería dar esa garantía. "Se le metió en la cabeza invertir sus fondos personales a su disposición (y el dinero prestado por Bill Cosby) y, literalmente, irse por las ramas. En Los Ángeles, formó un equipo derrotando la vigilancia sindical y fingiendo que estaba filmando una película porno, colocando sus cámaras en medio del desierto o en el corazón del barrio de Watts, donde nadie quería ir, por lo que estaba pasando.

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Hace 100 años: El señorito Primavera

El 25 de septiembre de 1921 se estrenó la película estadounidense El señorito Primavera (The Affairs of Anatol), dirigida por Cecil B. DeMille e interpretada por Wallace Reid, Gloria Swanson, Wanda Hawley, Theodore Roberts, Elliott Dexter, Theodore Kosloff, Agnes Ayres, Monte Blue, Bebe Daniels. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 117 minutos. 

Sinopsis argumental: El carácter quijotesco del adinerado Anatol Spencer le empuja a intentar salvar a cuanta jovencita en apuros se cruza en su camino. Por desgracia, su esposa no comprende tanta obra caritativa desinteresada.

Comentario: Más conocido por sus películas pseudohistóricas y por los movimientos de masas y decorados ampulosos que en ellos se contenían, De Mille fue un director bastante minimalista en el fondo. El señorito Primavera es una muestra del talento de De Mille para la comedia y para los momentos intimistas. Amparada en el terreno clásico del equívoco y de las relaciones sociales, estamos ante una comedia que trasciende el slapstick propio de su tiempo para dar una versión ácida pero jocosa de aquéllas.

"Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos": el rompecabezas chino de Disney (II)

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El agradecimiento de Disney al gobierno chino

Sin embargo, Chapek y Kevin Feige, el jefe de Marvel, les salió el tiro por la culata. Este último fue enviado con el encargo de realizar una entrevista exclusiva concedida a Raymond Zhou, uno de los críticos chinos más influyentes. Feige rompe el silencio sacrosanto habitual en las películas de Marvel al informar que en la pantalla Shang-Chi ya no sería la descendencia de Fu Manchu sino de la del Mandarín, otra némesis maquiavélica, que ya movía los hilos en Iron Man 3 (2013). Es más, su condición de villano debe ponerse en perspectiva, el escenario basado en la idea de que no actúa en nombre del Mal, sino cegado por el loco amor por su difunta esposa, el profundo mensaje de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos que aboga por las virtudes de una reconciliación padre-hijo.

Esta aclaración no convenció a las autoridades chinas, escaldadas por el Doctor Strange (2016)y su personaje asiático de mentor interpretado por una occidental (Tilda Swinton), pero sobre todo por la más reciente Mulán (Mulan, 2020). Las protestas de los senadores estadounidenses, que descubrieron en los créditos el agradecimiento de Disney al gobierno chino por poder rodar en Xinjiang, provincia de Uigur, llevaron a la portada de los medios la revelación de los campos de internamiento, pesaron sobre la taquilla china de la película. Sin contar con una prensa ofendida por el personaje interpretado por Jet Li, maquillado según ella como… ¡Fu Manchu!

Otro motivo de enfado: mientras Liu Yifei, la estrella de Mulán, había mostrado garras blancas al declarar su apoyo a la policía de Hong Kong tras la brutal represión de los manifestantes que se atrevían a desafiar la dominación china, Marvel optó por confiar el papel del Mandarín a Tony Leung Chiu-Wai. Sin embargo, la estrella se puso del lado de los movimientos a favor de la democracia en 2014, luego en 2019, hasta el punto de estar, desde entonces, en una lista negra extraoficial. El estreno de su película Where the Wind Blows (anteriormente conocida como Theory of Ambitions), dirigida por Philip Yung, en el 45 Festival de Cine de Hong Kong el pasado mes de marzo, un thriller en un contexto de corrupción, fue cancelado en el último minuto con el pretexto de fallos técnicos...

Negociaciones delicadas

Para completar este libro de quejas, a mediados de agosto aparecieron extractos de una entrevista concedida en 2017 por Simu Liu (que interpreta a Shang-Chi) al canal canadiense CBC en Weibo, el Facebook local ultra popular. El actor, nacido de padres chinos, se refirió a su generación como "muertos de hambre, viviendo en condiciones del tercer mundo". Pan bendito para los internautas que pidieron boicotear la película.

Las negociaciones, aún en curso, entre Chapek, Feige y la administración china, son delicadas, especialmente porque el destino de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos no está aislado. Hasta la fecha, Eternals (2021), la próxima entrega de Marvel, que programada para noviembre, está pendiente de streno. Los múltiples premios (León de Oro, Oscar, Globos de Oro, etc.) obtenidos por su directora Chloé Zhao fueron, sin embargo, un pasaporte ideal para acceder a los cines. Hasta que los expertos de la Academia China de Ciencias Sociales, un establecimiento muy cercano al gobierno, la hicieron pasar de la gloria nacional a la antipatriota, al exhumar entrevistas de 2013 a la revista estadounidense Filmmaker ,donde describió su país de nacimiento como "un lugar donde las mentiras están generalizadas" . Pronto siguió la eliminación de todos los indicios del triunfo de Nomadland sobre Weibo y los sitios gubernamentales.

La última reacción violenta hasta la fecha tuvo lugar en suelo estadounidense: Simu Liu respondió, el día antes del estreno mundial en Los Ángeles de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, a Bob Chapek con un tuit mordaz: "No somos una experiencia […]. Somos la sorpresa y haremos historia. “Al menos un capítulo especial de la relación entre China y Hollywood, eso es seguro.

Películas semana: 24 de septiembre

Negro púrpura

Dirección: Sabela Iglesias, Adriana P. Villanueva. País: España. Año: 2021. Duración: 81 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental. Guion: Sabela Iglesias, Adriana P. Villanueva. Música: Paulo Pascual. Fotografía: Pilar Abades. Productora: Illa Bufarda. Distribuidora: Begin Again Films Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: LSD, multinacionales farmacéuticas, plagas medievales, medicina popular y la CIA conectadas por un hongo alucinógeno conocido como “oro negro” en Galicia en el Siglo XX. Negro Púrpura retrata uno de los lugares de mayor producción a nivel mundial de claviceps purpurea: Galicia. Este hongo alucinógeno, que brota en los cereales, nos abre las puertas de una historia tan curiosa, sorprendente y desconocida como importante en el devenir de la cultura y la economía de Galicia a lo largo del siglo XX. Desde esos campos gallegos llegan historias desperdigadas que nos dejan un regusto amargo a pan de centeno, historias que repercuten traspasados los océanos. Una corteza que guarda una miga delirante. La realizadora Sabela Iglesias documenta el auge a mediados del siglo XX de la recogida en Galicia del cornezuelo, hongo con propiedades alucinógenas –y otros peligrosos efectos secundarios– con el que en aquella época muchos aldeanos se sacaban un sobresueldo, ya que lo codiciaban laboratorios de todo el mundo. Muchos ciudadanos humildes sin mala intención e incluso niños se convirtieron así en narcotraficantes de forma involuntaria.

Buenos días, mundo

Título original: Bonjour le monde. Dirección: Anne-Lise Koehler, Éric Serre. País: Francia. Año: 2019. Duración: 67 minutos. Género: Animación. Naturaleza. Animales. Reparto: Animación, Kaycie Chase, Julien Crampon, Boris Rehlinger. Guion: Anne-Lise Koehler. Fotografía: Animación. Productora: Normaal Animation. Distribuidora: Pack Màgic. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis:'Buenos días mundo' es una obra animada donde títeres, esculturas, pintura y animación reinterpretan la naturaleza. Siguiendo la técnica del stop-motion, distintas marionetas hechas con delicado papel maché cobran vida, junto a toda una serie de preciosos escenarios de colores y con hermosas decoraciones. En un entorno natural, distintos animales nacen, crecen y conviven entre ellos, procedentes cada uno de ecosistemas diversos. El objetivo de esta obra de animación francesa es el de descubrirles tanto a los más pequeños como también a los jóvenes y a los adultos, toda la fauna y la flora que habitan nuestros campos. Hacerles ver ,a través de un cuento protagonizado por marionetas hechas a mano, que la naturaleza es algo que debe ser preservado, así como las distintas especies tanto animales como vegetales que habitan en ella. También esto sirve para que todos seamos conscientes de lo importante que es mantener y respetar el equilibrio de los ecosistemas. la película también contribuye a que observando el entorno que nos rodea, nos conozcamos también a nosotros mismos y en qué consiste la aventura de crecer.

André Rieu: Together Again

País: Países Bajos (Holanda). Año: 2021. Duración: 150 minutos. Género: Documental. Conciertos. Reparto: Documental, intervenciones de: André Rieu. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: ¡André Rieu regresa a los cines con un concierto exclusivo a Cine Yelmo, a través de +Que Cine! “El Rey del Vals”, André Rieu, regresa a las salas de Cine Yelmo con la proyección Together Again, un concierto tan mágico como exclusivo. El espectáculo recoge las actuaciones más espectaculares y las canciones más emotivas, seleccionadas por el propio André Rieu de sus conciertos en los escenarios mundiales de São Paulo, Mainau, Bucarest, Ciudad de México, Amsterdam, Melbourne y Estambul. Together Again es un concierto único, lleno de humor, diversión, emoción y música gloriosa apta para públicos de cualquier edad. Esta estimulante cita musical con André Rieu se podrá disfrutar en las salas de Cine Yelmo que ya están preparándose para este reencuentro musical tan esperado.

Películas de la semana: 24 de septiembre

Cry Macho

Dirección: Clint Eastwood. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 104 minutos. Género: Drama. Road Movie. Vejez. Madurez. Años 1970. Años 1980. Interpretación: Clint Eastwood, Eduardo Minett, Natalia Traven, Dwight Yoakam, Fernanda Urrejola, Sebestien Soliz, Horacio García Rojas, Daniel V. Graulau, Ana Rey, Brytnee Ratledge, Paul Lincoln Alayo, Alexandra Ruddy, Amber Lynn Ashley, Joe Scoggin, Elida Munoz, Abiah Martinez, Ramona Thornton.  Guion: N. Richard Nash, Nick Schenk. Novela: N. Richard Nash. Música: Mark Mancina. Fotografía: Ben Davis. Productora: Malpaso Productions, Albert S. Ruddy Productions, Daniel Grodnik Productions, QED International. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: Cuenta la historia de un criador de caballos que gana el Derby en Kentucky en el mismo momento en que su mujer y su hijo son asesinados. Mientras se pregunta quién puede ser el asesino de su familia, se sumerge en una profunda depresión alcohólica que le lleva a trabajar con un hombre que le chantajea con ser despedido si no trae de vuelta a su hijo, que está viviendo con su ex esposa en México. Cry Macho está basada en la novela de Richard N. Nash escrita en 1975.

No respires 2

Título original: Don't Breathe 2. Dirección: Rodo Sayagues. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 90 minutos. Género: Thriller. Terro. Crimen. Discapacidad. Discapacidad visual. Secuela. Interpretación: Stephen Lang, Bobby Schofield, Adam Young, Brendan Sexton III, Madelyn Grace, Rocci Williams, Stephanie Arcila, Christian Zagia. Guion: Fede Álvarez, Rodo Sayagues. Música: Roque Baños. Fotografía: Pedro Luque. Productora: Bad Hombre, Ghost House Pictures, Sony Pictures Entertainment (SPE), Stage 6 Films. Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE). Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: En esta secuela del filme de terror No respires (2016), el ex militar ciego que causó estragos en la primera entrega, volverá a verse envuelto en problemas. En aquella ocasión el hombre consiguió acabar de manera violenta con algunos de los jóvenes que tratan de entrar a robar a su hogar. Ahora, parece que un grupo de amigos ha entrado en su casa, pero con intenciones bien diferentes: van a tratar de tomarse venganza por sus malogrados colegas, en el asalto tiempo atrás. El realizador Fede Alvarez cede el testigo al guionista Rodo Sayagues que hace su debut tras las cámaras. El actor Stephen Lang repite como el sanguinario invidente protagonista.

Maixabel

Dirección: Icíar Bollaín. País: España. Año: 2021. Duración: 115 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Terrorismo. ETA. Interpretación: Blanca Portillo, Luis Tosar, Urko Olazabal, María Cerezuela, Bruno Sevilla. Guion: Icíar Bollaín, Isa Campo. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Javier Agirre Erauso. Productora: Kowalski Films, Feel good Media, ETB, Movistar+, TVE. Distribuidora: Buena Vista Internacional. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: Maixabel Lasa pierde en el año 2000 a su marido, Juan María Jaúregui, asesinado por ETA. Once años más tarde, recibe una petición insólita: uno de los asesinos ha pedido entrevistarse con ella en la cárcel de Nanclares de la Oca en Álava, en la que cumple condena tras haber roto sus lazos con la banda terrorista. A pesar de las dudas y del inmenso dolor, Maixabel Lasa accede a encontrarse cara a cara con las personas que acabaron a sangre fría con la vida de quien había sido su compañero desde los dieciséis años. "Todo el mundo merece una segunda oportunidad", dice ella cuando le preguntan por las razones para sentarse frente al asesino de su marido.

Respect

Dirección: Liesl Tommy. País: Estados Unidos. Año: 2021. Duración: 145 minutos. Género. Drama. Biográfico. Música. Interpretación: Jennifer Hudson, Leroy McClain, Forest Whitaker, Tate Donovan, Marlon Wayans, Marc Maron, Tituss Burgess, Audra McDonald, Mary J. Blige, Victoria Paige Watkins, Kimberly Scott, Joshua Mikel, Lodric D. Collins, Jamaal Burcher, Saycon Sengbloh, Heather Headley, Olaolu Winfunke, Gilbert Glenn Brown, Brandon Gilpin, Skye Dakota Turner, Maurice Johnson, Audrey Williams, Damani Sease, Hailey Kilgore, Brenda Nicole Moorer, Peyton Jackson, Aba Arthur, Henry Riggs, William J. Simmons, David Simpson, Chase Burgess, Alec Barnes. Guion: Tracey Scott Wilson. Música: Kris Bowers. Fotografía: Kramer Morgenthau. Productora. Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Bron Studios, Creative Wealth Media Finance, Cinesite. Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), United Artists Releasing. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis:Un recorrido por la vida de Aretha Franklin (Jennifer Hudson), desde que era una niña prodigio en Detroit y cantaba gospel en el coro de la iglesia, hasta convertirse en una superestrella internacional que conquistó un total de 18 Premios Grammy. Una historia de ascenso plagada de luchas y triunfos, con una vida personal turbulenta, de desavenencias y desdichas, que aún así la llevaron a alcanzar el éxito comercial gracias a canciones como Respect, Chain of Fools, Think o A Natural Woman.

Preparativos para estar juntos un periodo de tiempo desconocido

Título original: Felkészülés meghatározatlan ideig tartó együttlétre. Dirección: Lili Horvát. País: Hungría. Año: 2020. Duración: 95 minutos. Género: Drama. Romance. Interpretación: Natasa Stork, Viktor Bodó, Benett Vilmányi, Zsolt Nagy, Péter Tóth, Andor Lukáts, Attila Mokos, Linda Moshier, Júlia Ladányi, Réka Pelsöczy, Anna Kis, Ernö Sebö, Viktória Végvári, Ádám Bethlenfalvy, János Nemes, Tibor Dorogi, Tamás Kollányi, Kati Zsurzs, Gabriella Kepes, Rozi Székely, Éva Bando, Gabriella Ságodi, Bálint Barcsai, Krisztián Nyáry, Vilma Nádasdy, Lilla Paor, György Eczl, Egyed Serf, Erik Konfár, Imre Nagy, Róza Székely. Guion: Lili Horvát. Música: Gábor Keresztes. Fotografía: Róbert Maly. Productora: Poste Restante. Distribuidora: Karma Films. Premios y nominaciones: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera; Festival de Valladolid - Seminci: Espiga de Oro, dirección novel, Premio Pilar Miró, mejor actriz Natasa Stork. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: Márta, una neurocirujana de 40 años, se enamora. Deja atrás su brillante carrera en los Estados Unidos y regresa a Budapest para comenzar una nueva vida con el hombre que ama. Pero el que para ella es el amor de su vida afirma nunca haberla conocido antes. 

La noche de reyes

Título original: La nuit des rois. Dirección: Philippe Lacôte. País: Costa de Marfil. Año: 2020. Duración: 90 minutos. Género: Drama. Drama carcelario. Interpretación: Issaka Sawadogo, Steve Tientcheu, Denis Lavant, Rasmane Ouedraogo, Bakary Koné, Abdoul Karim Konaté, Laetitia Ky. Guion: Philippe Lacôte. Música: Olivier Alary. Fotografía. Tobie Marier-Robitaille. Productora: Coproducción Costa de Marfil-Francia-Canadá-Senegal; Banshee Films, Peripheria Productions, Wassakara Productions. Distribuidora: Neon. Premios y nominaciones: National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año; Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera; Festival internacional de Chicago: Mejor fotografía, mejor sonido. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: Un hombre es enviado a "La Maca", una prisión costamarfileña en medio del bosque, que tiene la particularidad de estar gobernada por sus propios presos. Siguiendo la tradición, con la primera luna roja es designado por el jefe como el nuevo "romano", lo que implica que ha de contar una historia para el resto de prisioneros. Tras descubrir lo que el destino le aguarda, empieza a narrar la vida del legendario rebelde "Zama King", sin otra opción que la de alargar su relato hasta el amanecer.

No odiarás

Título original: Non odiare. Dirección: Mauro Mancini. País: Italia. Año: 2020. Duración: 95 minutos. Género: Drama. Holocausto. Interpretación: Sara Serraiocco, Cosimo Fusco, Alessandro Gassman, Lorenzo Acquaviva, Antonio Scarpa, Lorenzo Buonora, Luka. Música: Aldo De Scalzi, Pivio. Fotografía: Mike Stern Sterzynski. Productora: Agresywna Banda, Movimento Film. Premios y nominaciones: Premios David di Donatello: Nominada a mejor dirección novel, música y canción. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: En el corazón de Trieste vive Simone Segre, un conocido cirujano de origen judío: goza de una vida tranquila y aparentemente resuelta. Los duros conflictos con su padre, superviviente de un campo de concentración recientemente fallecido, lo han llevado, durante años, a distanciarse de él. Durante su práctica de remo, Simone auxilia a un hombre que ha sido víctima de un accidente automovilístico: pero cuando descubre un tatuaje nazi en su pecho lo abandona a su suerte. En los días sucesivos aflora el sentido de culpa por la muerte de ese hombre, sentimiento que le llevará a seguir a la familia del neonazi, que vive en un popular conjunto residencial. Una noche, la hija Marica llamará a la puerta de Simone, presentándole inconscientemente las deudas a saldar. 

Break, pánico en las alturas

Título original: Otryv. Dirección: Tigran Sahakyan. País: Rusia. Año: 2019. Duración: 85 minutos. Género: Thriller. Supervivencia. Interpretación: Irina Antonenko, Anastasiya Grachyova, Vladimir Gusev, Denis Kosyakov, Andrey Nazimov, Aleksandr Nikitchenko, Ingrid Olerinskaya, Angelina Pikovskaya, Viktoriya Pyatakina, Kseniya Shumeyko, Sergey Todorov, Marina Vasilenko, Elena Vetrova. Guion: Denis Kosyakov, Alexandr Nazarov, Olga Rud, Tigran Sahakyan. Fotografía: Sergey Dyshuk. Productora: Attraction Film Company. Distribuidora: Premium Cine. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: Cinco jóvenes amigos deciden celebrar la entrada del Año Nuevo de una forma diferente, por lo que viajan hasta los Urales para pasar unos días de vacaciones en una remota estación de esquí, pero durante la ascensión quedarán atrapados dentro de la cabina del teleférico y los que comenzaron siendo unos días de aventura y fiesta se convertirán en su peor pesadilla? El frío, la altura y el miedo a una muerte lenta harán aflorar la verdadera esencia de cada uno de ellos y los secretos de sus relaciones, mientras luchan por sobrevivir.

Claret

Dirección: Pablo Moreno. País: España. Año: 2021. Duración: 126 minutos. Género: Drama. Biográfico. Religión. Interpretación: Antonio Reyes, Carlos Cañas, Assumpta Serna, Raúl Escudero, Scott Cleverdon, Pablo Viña, Marta Romero, Antonio Velasco, Alejandro Arroyo, Rodrigo Daza, Joseph Ewonde. Guion: Pablo Moreno. Música: Oscar Martin Leanizbarrutia. Fotografía: Rubén D. Ortega. Productora: Contracorriente Producciones SLU. Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Sinopsis: Película que retrata la vida de Antonio María Claret, conocido como Padre Claret, y fundador de la orden religiosa de los "Misioneros Hijos del Inmaculado Corazón de María" y la "Congregación de las Religiosas de María Inmaculada Misioneras Claretianas". En 1930, el escritor e intelectual Azorín descubrió un engaño que se había propagado a lo largo de casi 60 años: la vida y las obras del arzobispo español Antonio María Claret, fundador de los misioneros claretianos, habían sido adulteradas. Claret, basada en hechos reales, descubre el recorrido de esa investigación que lleva a conocer la historia, pensamiento y auténticos hechos que llevaron a la acción al que fue arzobispo de cuba y posteriormente, confesor de la reina Isabel II.

"Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos": el rompecabezas chino de Disney (I)

La nueva película de superhéroes de Marvel, ha tenido un gran comienzo en todo el mundo. Pero no es seguro salir del armario en China, donde Shang-Chi podría no haber sido el mejor héroe por el que apostar...

Simu Liu interpreta al nuevo superhéroe del equipo Marvel, Shang-Chi.

A finales de agosto, Bob Chapek habló del lanzamiento de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos (Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings, 2021),dirigida por Destin Cretton, como "una experiencia interesante, probablemente llena de lecciones". El jefe de Disney no se lo creyó del todo. Sin duda tenía en mente el modelo que puso en marcha la firma en torno a la nueva película de Marvel: tras haber practicado la distribución simultánea de la casa de superproducciones en cines y en su plataforma SVOD Disney +, Shang-Chi luce los yesos de una nueva política que otorga exclusividad. a los cines estadounidenses durante cuarenta y cinco días.

Con razón, desde que la taquilla local (180 millones de dólares recaudados desde el 3 de septiembre) ha suspirado de alivio la industria de Hollywood devastada por la abismal caída de la asistencia vinculada con la pandemia. Sin embargo, una sombra amenazante se cierne sobre este claro. Si los resultados internacionales (140 millones adicionales) son igualmente alentadores, un mercado fundamental sigue cerrando sus puertas a Shang-Chi: China.

Una losa del tamaño de una pagoda para Disney que, incluso más que los otros estudios, debe una gran parte de sus beneficios al Reino del Medio. En 2019, casi una cuarta parte de los ingresos globales de Vengadores: Engame (Avengers: Endgame, 2019) provinieron de los multicines chinos, y los espectadores de todo el mundo proporcionaron el 10% de las entradas a cada una de las películas de Marvel. Chapek se frotó las manos con mayor anticipación ya que Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos estaban predestinados a atraer a esta audiencia específica.

¿Premio mayor económico?

A decir verdad, esta película forma parte de un nuevo plan de ataque para las producciones de Marvel, entre artimaña económica y valija diplomática. Tras el triunfo planetario de Black Panther (2018), que habrá hecho tanto por los dividendos de los accionistas de Disney como por la imagen de la firma (destacando un superhéroe africano despejando décadas de apropiación cultural), el catálogo de cómics puesto a disposición desde la adquisición de la editorial Stan Lee ha sido preparada para un nuevo premio mayor comunitario. Entre ellos, Shang-Chi, un personaje creado en 1973 para navegar por la locura estadounidense en ese momento por las películas de artes marciales y la serie de televisión Kung Fu. Los autores Steve Englehart y Jim Starlin lo convierten en el hijo rebelde de un criminal demoníaco: Fu Manchu.

Este nombre debería haber destellado una señal de alarma cuando se inició la película. A los ojos de los chinos, de hecho, este Fantômas asiático ha encarnado, desde su creación por el novelista Sax Rohmer en 1910, y una larga serie de películas, una pura infamia: el famoso peligro amarillo. ¡Aún más insultante, en los cómics, Shang-Chi nació de una mujer estadounidense blanca especialmente elegida por su padre!

Qué alimenta, incluso antes de las primeras tomas, la desconfianza de un gobierno chino particularmente exigente en los estrenos de películas extranjeras en su territorio, limitado por cuota a treinta y cuatro por año. El dominio sobre la industria cinematográfica local, hasta el punto de imponer este año la distribución obligatoria en salas de cine de propaganda para gloria del país (y del Partido Comunista), no ayuda en nada...

El joven Shang-Chi con el Mandarín (izquierda) interpretado por Tony Leung Chiu-Wai, incluido en la lista negra de China por tomar partido por los movimientos a favor de la democracia en Hong Kong

(cont.)

Hace 100 años: The Wolverine

El 23 de septiembre de 1921 se estrenó la película estadounidense The Wolverine, dirigida por William Bertram e interpretada por Helen Gibson, Jack Connolly, Leo D. Maloney, Ivor McFadden, Anne Schaefer, Gus Saville. Productora: Spencer Productions. 

Sinopsis argumental: Una ganadera defiende a un empleado acusado injustamente de robo de ganado.

Comentario: Basado en la novela de 1914 The Ranch at the Wolverine de la prolífica B. M. Bower (seudónimo de la novelista Bertha "Muzzy" Sinclair).

Tom McCarthy: "Cada vez es más difícil hacer películas como 'Cuestión de sangre'

En Cuestión de sangre, un rudo operario de una plataforma petrolífera estadounidense, interpretado por Matt Damon, intenta liberar a su hija, una estudiante acusada de asesinato. El director Tom McCarthy cuenta la historia de este thriller psicológico, rodado en Marsella y lejos de cualquier folklore.

Con Cuestión de sangre (Stillwater, 2021) el director Tom McCarthy -que había disfrutado de un excelente Spotlight (2015)-, ha logrado donde muchos de sus compatriotas han fallado: sumergir a una estrella de Hollywood en una ciudad extranjera, evitando el cliché condescendiente del folclore. La ciudad en cuestión es Marsella, donde Matt Damon, alias Bill Baker, interpreta a un rudo estadounidense de paso, que intenta exonerar a su hija (Abigail Breslin), una estudiante acusada de asesinato y encarcelada en Les Baumettes. Perdido en una tierra extranjera, este padre en busca de la verdad se encuentra con una mujer (Camille Cottin) y su hija, y no necesariamente descubre lo que había venido a buscar.

Durante el pasado mes de julio en el Festival de Cannes, donde la película se presentó fuera de competición, Tom McCarthy nos había evocado amablemente este sólido y conmovedor thriller psicológico, escrito con dos guionistas franceses, Noé Debré y Thomas Bidegain.

'Kate': la asesina solitaria que pulveriza los clichés de la película de venganza

El personaje del antihéroe sediento de sangre ya se ha visto mil veces. Sin embargo, en Kate (2021), un largometraje de Cédric Nicolas-Troyan seduce con su encanto espectral, sus peleas elegantemente coreografiadas y la notable Mary Elizabeth Winstead.

En Kate, Mary Elizabeth Winstead crea una heroína, como lo hizo Sigourney Weaver una vez con su Ripley de la saga Alien 

El guion es haiku. Condenada a morir después de ser envenenada, Kate, una asesina a sueldo estadounidense, tiene veinticuatro horas para vengarse, no sin poner a Tokio patas arriba en el proceso. Su progreso no es ninguna sorpresa. Kate tendrá que superar varios niveles para llegar al jefe final, como en un videojuego. Una narración en línea recta... pero lo esencial está en otra parte.

Kate, por tanto, no tiene nada más que perder, aparte de tiempo. Agradable sorpresa, la película se toma su tiempo y no cede a la pura acción histérica. La puesta en escena del francés Cédric Nicolas-Troyan es elegante y atrevida. El ritmo, profundamente melancólico, coincide con el blues del personaje. También es a menudo en una magnífica noche azul de Tokio donde Kate evoluciona. Una ciudad curiosamente despoblada, casi espectral, como si Kate ya estuviera en el más allá. Como en Collateral (2004), de Michael Mann, en el que inevitablemente pensamos, este aspecto onírico a veces se ve empujado por escenas de combate de rara violencia, piezas de valentía con coreografías maravillosamente fluidas, ejecutadas con estilo y alegría.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CLXVII)

La dama roja mata siete veces (La dama rossa uccide sette volte, 1972), de Emilio Miraglia

Es 1972 y Ketty ya es una atractiva mujer, sobre ella caerán las consecuencias de la terrible leyenda asociada a su familia, en la que dos mujeres se verían enfrentadas por el mismo hombre. Cuenta la leyenda que una maldición recae sobre la familia Winderbruch. la maldición de la dama roja, según la cual cada 100 años dos hermanas Winderbruch se enfrentarán por el amor del mismo hombre, adquiriendo los roles de la dama roja y la dama negra. la confrontación siempre resulta en la muerte de la dama roja a manos de la dama negra. Tras su muerte, la dama roja regresa de entre los muertos para matar a seis personas y vengarse de la dama negra, siglo tras siglo su séptima víctima. Ketty y Evelyn, dos niñas que vivían en el castillo de Wildenbruch conocieron la leyenda de la dama roja por parte de su abuelo Tobias. El gran éxito de taquilla de La noche que Evelyn salió de la tumba (La notte che Evelyn uscì dalla tomba, 1971) facilitó que para su segundo giallo Miraglia contara con un presupuesto mayor y mejores medios para hacer la película. Por ello, la producción se trasladó a Alemania para darle un aire más internacional. La dama roja mata siete veces, sin embargo, no es una película superior porque tuviera más dinero Miraglia, sino porque tanto el argumento, como su ejecución, está mejor construido y preparado, dejando de lado la misogínia que aparecía en La noche que Evelyn salió de la tumba.

Películas de la semana: 23 de septiembre

Oasis Knebworth 1996

Dirección: Jake Scott. País: Reino Unido. Año: 2021. Duración: 110 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Conciertos. Reparto: Documental, Liam Gallagher, Noel Gallagher, Paul Arthurs, Alan White, Paul McGuigan. Productora: Black Dog Films, Kosmic Kyte, Sony Music. Distribuidora: Trafalgar Releasing. Estreno en España: 23 de septiembre de 2021. Sinopsis: El 10 y el 11 de agosto de 1996, 250.000 fanáticos de la música se reunieron en el parque Knebworth para ver a Oasis en dos espectáculos que rompieron todos los récords y definieron una era. Las entradas se agotaron en menos de un día. 'Oasis Knebworth 1996' es la historia de ese fin de semana y de la relación especial entre Oasis y sus fans que la hizo posible. Está contada desde el punto de vista de los fanáticos que asistieron, junto con entrevistas con la banda y los organizadores del concierto.

Anaïs Demoustier, Catherine Deneuve, Danielle Darrieux... homenaje a las "actrices frenéticas" (II)

En que consiste Preferir la insolencia al decoro. Ríase de las ideas ya hechas. Desprecia la pesadez y el aburrimiento. Prefiere la alegría a la tristeza, a pesar de la gravedad y el dolor… En Women's Club, de Jacques Deval (1936), por ejemplo, Danielle Darrieux no dudó en dejar entrar - ¡qué horror! - un niño en el gineceo donde vivía, a riesgo - ¡qué vergüenza! - convertirse en niña-madre, como solíamos decir en ese momento. Años más tarde, la misma indiferencia ante los prejuicios anima a Anaïs Demoustier en Les Amours d'Anaïs : se acuesta con un anciano, ¿y qué? Se enamora de una mujer, ¿por qué no?
Reacio al orden de las cosas
Por supuesto, en su misma impertinencia, las "frenéticas" provocan inevitablemente reacciones exacerbadas en sus detractores: los tratan inconscientes, caprichosos, egoístas e histéricos. Esto se debe a que, sin ser realmente conscientes de ello, al obedecer solo a su instinto, reflejan una visión del mundo menos convencional que la de sus denigradores. Más indecoroso. Tanto excéntrico como excéntrico.

Jean Servais, Jean-Paul Belmondo y Françoise Dorléac en El hombre de Río (1964), de Philippe De Broca

Cuando, en en El hombre de Río, mientras acecha el peligro, Françoise Dorléac se pregunta con la mayor seriedad del mundo, ante un Jean-Paul Belmondo exasperado, cuál será el color de su próximo coche y que lo elija "rosa con estrellas verdes". ” No lo hace por capricho, sino por desafío. Al sentido común, a la lógica, a esa razón irrazonable que, en nombre del bien común, mata la libertad de la imaginación en cada uno de nosotros.

Porque son lo que son y viven como viven, Darrieux, Dorléac, Deneuve, Demoustier -y Katharine Hepburn, en Hollywood, y Anna Magnani, en Italia- no son manifestantes. Ni revolucionarios. Ni siquiera feministas militantes. Nada más que recalcitrantes. Resistencia al orden de las cosas, a las reglas del juego, a la razón del más fuerte.

Y así, hoy como ayer, estas molestas galopan, derriban obstáculos aparentemente insuperables, empujan muros, derriban puertas, abren ventanas de par en par. Ciertamente, crean un lío infernal en la vida de quienes se cruzan en su camino. Pero es para empujar mejor a los perezosos, sacudir a los somnolientos, permitirles despertar - finalmente - a los demás, y especialmente a ellos mismos.

Las "frenéticas" son denunciantes...