Paul McCartney's Get Back: el concierto
jueves, 31 de marzo de 2022
Reestrenos de la semana: 1 de abril
Mujeres de cine: Chloé Zhao
Hizo su película debut con Songs My Brothers Taught Me. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2015 como parte de la competición oficial de Estados Unidos. Más tarde se reprodujo en el Festival Internacional de Cine de de Cannes como parte de la selección del Director. Fortissimo Films adquirió la película como su agente de ventas internacionales.
En 2017, fue premiada en el Festival Internacional de Cine de Cannes por su película The Rider.
Obtuvo un gran reconocimiento por su trabajo en el aclamada película Nomadland (2020), por el cual recibió el premio a la mejor película y mejor dirección en la 93.ª entrega de los Premios Óscar, convirtiéndose en la segunda mujer en ganar dicho galardón tras la estadounidense Kathryn Bigelow. Adicionalmente ha ganado, entre otros, dos Premios BAFTA, dos Globos de Oro, un Premio del Sindicato de Directores y tres Premios de la Crítica Cinematográfica.
Los recuerdos de Jacques Doillon, el cineasta de la infancia (I)
Cuatro películas de "juventud"- el más reciente data de 1985-, de Jacques Doillon, se pueden volver a ver gracias a copias restauradas. El cineasta, que en la actualidad cuenta con 78 años de edad, evoca la felicidad de ver ralentizarse la hermosa mecánica del cine cuando los niños actores llegan a deslizar en ella su naturalidad.
Las películas de Jacques Doillon se están volviendo raras, por falta de productores lo suficientemente valientes como para financiar sus audaces proyectos y, siempre, con presupuestos ajustados. Cinco años después de Rodin (2017), su anti-biopic del afamado escultor interpretado por Vincent Lindon, esperamos poder contemplar su nuevo largometraje, rodado con niños -su especialidad-.
Las películas de Jacques Doillon se están volviendo raras, por falta de productores lo suficientemente valientes como para financiar sus audaces proyectos y, siempre, con presupuestos ajustados. Cinco años después de Rodin (2017), su anti-biopic del afamado escultor interpretado por Vincent Lindon, esperamos poder contemplar su nuevo largometraje, rodado con niños -su especialidad-.
Mientras tanto, es un placer redescubrir, y gracias a copias restauradas, sus grandes películas del inicio de su carrera: Les doigts dans la tête (1974), Una bolsa de canicas (Un sac de billes, 1975), La golfilla (La drôlesse, 1979), La mujer que llora (La femme qui pleure, 1979), La pirata (La pirate, 1984), La vie de famille (1985), La chica de quince años (La fille de quinze ans,1988), Le Petit criminel (1990), Le Jeune Werther (1993), Ponette (1996), Trop peu d'amour (1998) y Petits Freres (1999).
1.- Les doigts dans la tête (1974)
Chris, aprendiz de panadero, tiene 18 años y se aloja por algún tiempo en la habitación del servicio de sus jefes. Tiene un amigo, León, mecánico, y una novia, Rosette, dependienta de la panadería. Chris conoce a Liv, una sueca independiente que busca alojamiento. Él, entonces, se lo ofrece. La joven acepta la oferta sin vacilar. Liv y Chris pronto se convierten en amantes. Una mañana, Chris llega tarde al trabajo. Después de una acalorada discusión con su jefe, éste le despide. Como no recibe indemnización alguna, Chris, con el apoyo de sus amigos, decide "ocupar" la habitación.. Jacques Doillon firmó esta crónica adolescente, una película seria, pero alimentada por la misma convicción: deconstruir para reconstruir mejor. Quiere reconciliar el cuerpo y el espíritu, tanto en el trabajo como en el amor. Brotes jóvenes libres pero acomplejados, los héroes están patas arriba: leen las líneas de sus pies, se besan en los ojos... "No sabe en qué pierna se va a quedar", dice la sueca sobre su rival , que, en realidad, no sabe con qué pie bailar. Con su gramática frívola, la extranjera canta las virtudes del desorden verbal, demostrando que las palabras a veces dicen más cuando están fuera de lugar.
2.- Una bolsa de canicas (Un sac de billes, 1975)
Narra las peripecias de una familia judía que vive en París y que, al ser ocupada la capital, marchan al sur, donde las cosas parecen estar tranquilas. Pero también esa zona es ocupada y dos de los chicos tienen que intentar primero salvarse de la persecución de los judíos y después ganarse la vida con su ingenio. Adaptación del "best seller" del mismo nombre. La película se embebe del naturalismo francés de la época de los Truffout o Goddard y trastoca el tono inocente del relato original. Se interpreta un despertar sexual que no aparece en la novela y cambia la mirada inocente y esperanzada del libro por una visión más pesimista de la familia, de los hermanos, de los amigos.
3.- La golfilla (La drôlesse, 1979)
François tiene 20 años y ha secuestrado a la pequeña Mado, de once, llevándola al sórdido granero en el que vive. Ni la viola ni pide dinero por su rescate. Lo más extraño es que ella podría intentar fugarse, pero no lo hace. ¿Qué sucede? ¿Por qué el secuestrador parece inofensivo y la secuestrada parece estar segura y tranquila? Cada uno intentará dar al otro un poco del inmenso amor, dulzura y ternura que anida dentro de ellos... La película ha sido comparada con la de William Wyler El coleccionista (The Collector, 1965), que también trata acerca de un hombre introvertido que secuestra a una mujer, si bien La golfilla está basada en hechos reales. El crítico de The New York Times Vincent Canby definió la película como una «dulce y excéntrica historia de amor».
4.- La pirata (La pirate, 1984)
Alma es una mujer insegura; no se quiere mucho a sí misma y siente que sólo existe a través de la mirada de los otros. Sufre una necesidad imperiosa de que las otras personas la deseen. Necesita desesperadamente ser amada y le da igual que ese amor provenga de un hombre o de una mujer. De esta manera se convierte en víctima consciente de un triángulo amoroso formado por ella, su marido Andrew y Carol, una mujer de la que se enamora locamente. Laure Marsac interpreta su primer papel a la edad de 14 años en esta películas, que ganó en 1985 un Premio Cesar como Actriz Revelación por su actuación.
5.- La mujer que llora (La femme qui pleure, 1979)
En una aislada casa en los Alpes franceses, Dominique llora cuando Jacques vuelve tras una larga ausencia. Ella llora y se deprime, tal vez por que se da cuenta de que esta vez no se trata de una infidelidad fugaz. Dominique se derrumba, sin poder apoyarse en nadie, ni siquiera en su adorada hija. Lo que es peor, se aterroriza al darse cuenta que empieza a odiar a la niña. Nada la puede calmar y se convierte en una situación que la asusta más y más... Una hermosa película de Jacques Doillon, que marca mucho después su visión, por su dureza y su amargura. Con una puesta en escena muy sobria (muchos planos estáticos) y casi sin música, esta obra aborda con brillantez las dificultades de las relaciones amorosas. El éxito de la película se debe en gran parte a la formidable composición de la desaparecida actriz Dominique Laffin, en el papel de una madre frágil y sensible que tiene una gran necesidad de amor, irradia cada escena con su presencia y la conexión que se puede establecer con su propia historia es aún más dolorosa de ver para el espectador. Jacques Doillon se interpreta a sí mismo en su película y resulta convincente. También involucró a su propia hija, Lola. Haydee Politoff completa este hermoso elenco aportando todo su encanto.
(cont.)
miércoles, 30 de marzo de 2022
Cumplió 25 años: Elisa antes del fin del mundo
En 1997 se estrenó la película mexicana Elisa antes del fin del mundo, dirigida por Juan Antonio de la Riva e interpretada por Sherlyn, Imanol Landeta, Rubén Rojo Aura, Susana Zabaleta, Dino García, Jorge Antolín, Jorge Galván. Productora: Televicine S.A. de C.V. Duración: 80 minutos.
Sinopsis argumental: Elisa es una niña de 10 años con una vívida imaginación que interpreta las cosas a su manera y que toma una decisión capaz de meter en problemas graves a su familia. El padre de Elisa se ha quedado sin trabajo y su madre tiene una necesidad imperiosa de mantener su apariencia de clase social alta. La niña, a pesar de su corta edad, comprende que las apariencias y el matrimonio de sus padres se tambalean y quiere ayudar como sea. Es por esto que empieza a coleccionar cucarachas, para que, en caso de que se acerque el final del mundo, su familia pueda alimentarse. La niña hace amistad con Miguel, a pesar de que los padres de este, más adinerados, no ven con buen ojo la relación, y ambos conocen a Paco, un chico punk del barrio que los obliga a robar pollos para él. Más tarde, el muchacho les da una pistola y convence a los chicos para que cometan un robo mayor. Elisa está segura de que después de este golpe se acabarán los problemas de su familia.
Nominaciones y premios: Premios Ariel: Mejor sonido. 7 nominaciones.
Comentario: La película relata los problemas sociales y familiares desde el punto de vista de una niña, durante el México de los años 1990, sumido en una crisis económica atribuida al "Error de diciembre".
Hace 100 años: Married to a Mormon
En abril de 1922 se estrenó la película británica Married to a Mormon, dirigida por H. B. Parkinson e interpretada por Evelyn Brent, Clive Brook, George Wynn, Booth Conway, Molly Adair. Productora: Master Films. Duración: 5 rollos.
Comentario: Una película es anti-mormona e involucra la recogida de jóvenes inglesas vírgenes a Utah para convertirse en esposas. Se considera una película perdida.
Noticias de libro: Me gusta el cine: El cine bélico
Me gusta el cine: El cine bélico
La Gran Guerra y la Revolución rusa
José María Morera Bosch
Doce Calles
2022
322 págs.
Este libro dedicado al cine bélico y concretamente a los largometrajes que tratan asuntos relacionados con la Gran Guerra y la revolución rusa, debemos encuadrarlo dentro de los homenajes conmemorativos del centenario de la terminación de ese gran conflicto que fue la Primera Guerra Mundial fruto de la irreflexión de los dirigentes de los países beligerantes que se saldó con la muerte de veinte millones de personas, el derrumbe de cinco imperios, la ruina económica de todos los países en conflicto y del empobrecimiento generalizado del mundo.
El cine que por aquellos años estaba dando los pasos propios de su niñez dio un salto abrupto hacia la juventud al percatarse los políticos de que se trataba de un arma de comunicación, documentación y, sobre todo, de propaganda de unas dimensiones inimaginables antes del inicio del conflicto. Nació el género bélico para quedarse con nosotros, porque sus historias entretenían al público toda vez que el conflicto iba quedando más alejado en el tiempo.
La filmografía con la que se han documentado los enfrentamientos abarca prácticamente la historia del cine desde las películas previas al conflicto al principio del siglo XX que ponían en guardia a los espectadores sobre la posibilidad de una guerra hasta el último film con el título de “1917” estrenado en el año 2019. Son un total de 240 films producidos a lo largo de estos ciento diez años lo que constituye una de las obras más completas dedicadas a estas efemérides. El libro tras una pequeña introducción de la historia de los años previos a la contienda estructura su relato en capítulos sobre los distintos frentes de guerra acompañando la descripción cinematográfica con unos breves apuntes históricos para mejor situar la acción de los films.
El libro resultará imprescindible en la biblioteca de los aficionados al cine en general y al género bélico en particular. Como dice el crítico de cine don Eduardo Torres-Dulce en su prólogo –«Esta recopilación ordenada de cine bélico de José María Morera es un gran libro de cine, muy bien escrito, muy bien documentado, no menos bien ilustrado y que revela cómo el autor va más allá́, vuelvo a insistir en ello, de los meros brochazos de un aficionado. Un libro para consultar, releer, un itinerario en letra impresa para recuperar imágenes e ideas, sentimientos y emociones, en movimiento alrededor de la eterna realidad humana de la guerra»–.
Este libro dedicado al cine bélico y concretamente a los largometrajes que tratan asuntos relacionados con la Gran Guerra y la revolución rusa, debemos encuadrarlo dentro de los homenajes conmemorativos del centenario de la terminación de ese gran conflicto que fue la Primera Guerra Mundial fruto de la irreflexión de los dirigentes de los países beligerantes que se saldó con la muerte de veinte millones de personas, el derrumbe de cinco imperios, la ruina económica de todos los países en conflicto y del empobrecimiento generalizado del mundo.
El cine que por aquellos años estaba dando los pasos propios de su niñez dio un salto abrupto hacia la juventud al percatarse los políticos de que se trataba de un arma de comunicación, documentación y, sobre todo, de propaganda de unas dimensiones inimaginables antes del inicio del conflicto. Nació el género bélico para quedarse con nosotros, porque sus historias entretenían al público toda vez que el conflicto iba quedando más alejado en el tiempo.
La filmografía con la que se han documentado los enfrentamientos abarca prácticamente la historia del cine desde las películas previas al conflicto al principio del siglo XX que ponían en guardia a los espectadores sobre la posibilidad de una guerra hasta el último film con el título de “1917” estrenado en el año 2019. Son un total de 240 films producidos a lo largo de estos ciento diez años lo que constituye una de las obras más completas dedicadas a estas efemérides. El libro tras una pequeña introducción de la historia de los años previos a la contienda estructura su relato en capítulos sobre los distintos frentes de guerra acompañando la descripción cinematográfica con unos breves apuntes históricos para mejor situar la acción de los films.
El libro resultará imprescindible en la biblioteca de los aficionados al cine en general y al género bélico en particular. Como dice el crítico de cine don Eduardo Torres-Dulce en su prólogo –«Esta recopilación ordenada de cine bélico de José María Morera es un gran libro de cine, muy bien escrito, muy bien documentado, no menos bien ilustrado y que revela cómo el autor va más allá́, vuelvo a insistir en ello, de los meros brochazos de un aficionado. Un libro para consultar, releer, un itinerario en letra impresa para recuperar imágenes e ideas, sentimientos y emociones, en movimiento alrededor de la eterna realidad humana de la guerra»–.
martes, 29 de marzo de 2022
Efemérides de cine: La maffia
El 29 de marzo de 1972 se estrenó la película argentina La mafia, dirigida por Leopoldo Torre Nilsson e interpretada por Alfredo Alcón, Thelma Biral, José Slavin, China Zorrilla, Héctor Alterio, Linda Peretz, José María Gutiérrez, Miguel Jordán, Raúl Fraire, José E. Felicetti, Roberto Airaldi, Noemí Granata, Tina Francis, Saul Jarlip, Diego Botto, Alejandro Marcial. Productora: Producciones Cinematográficas Litoral. Duración: 120 minutos.
Comentario: Basada en personajes reales cuyos nombres, en algunos casos, fueron modificados para evitar que se tomarán represalias. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
Efemérides de cine: Diagnóstico: asesinato
El 29 de marzo de 1972 se estrenó la película estadounidense Diagnóstico asesinato (The Carey Treatment), dirigida por Blake Edwards e interpretada por James Coburn, Jennifer O'Neill, Skye Aubrey, Pat Hingle, Dan O'Herlihy, Elizabeth Allen. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 101 minutos.
Comentario: Blake Edwards, uno de los realizadores más populares del cine estadounidense, gracias al éxito de la saga de La pantera Rosa y a títulos de la categoría de Desayuno con diamantes o Días de vino y rosas, dirigió Diagnóstico asesinato basándose en una novela de Michael Crichton (firmada con el pseudónimo de Jeffrey Hudson). La película, en la línea de otros filmes del propio Edwards como Chantaje contra una esposa o Gunn, está protagonizada por James Coburn, uno de los duros clásicos del cine norteamericano, y Jennifer O'Neill, quien aún tenía fresco el gran éxito conseguido gracias a Verano del 42. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
Hace 100 años: Salomé
El 29 de marzo de 1922 se estrenó la película estadounidense Salomé (Salome), dirigida por Charles Bryant, Alla Nazimova e interpretada por Mitchell Lewis, Alla Nazimova, Rose Dione, Earl Schenck, Arthur Jasmine, Nigel de Brulier, Frederick Peters, Louis Dumar. Productora: Nazimova Productions. Duración: 75 minutos.
Sinopsis: Salomé, hija de Herodías, seduce a su padrastro-tío Herodes, gobernador de Judea, con una sensual danza. En recompensa, él le concede cualquier deseo que solicite, y ella le pide la cabeza del profeta Juan el Bautista.
Comentario: Es una adaptación de la obra homónima de Oscar Wilde de 1891. La obra en sí es un relato libre de la historia bíblica del rey Herodes y la ejecución de Juan el Bautista (aquí, como en la obra de Wilde, llamado Jokanaan) a petición de suhijastra de Herodes, Salomé, a quien desea. Salomé a menudo se la conoce como una de las primeras películas de arte que se hizo en los Estados Unidos. El vestuario altamente estilizado, la actuación exagerada, los escenarios mínimos y la ausencia de todos los accesorios excepto los más necesarios hacen que la imagen de la pantalla se centre mucho más en la atmósfera y en transmitir una sensación de los deseos individuales de los personajes que en el desarrollo convencional de la trama.
lunes, 28 de marzo de 2022
Cumplió 25 años: Granujas de Beverly Hills
El 28 de marzo de 1997 se estrenó la película estadounidense Granujas de Beverly Hills (B.A.P.S.), dirigida por Robert Townsend e interpretada por Halle Berry, Natalie Desselle, Martin Landau, Robert Townsend, Ian Richardson, Troy Beyer, Luigi Amodeo, Jonathan Fried, Anthony Johnson, Bernie Mac, Darrel Heath, Vince Cooke, Faizon Love, Rudy Ray Moore, Darrow Igus, Debra Wilson, Robin Van Sharner, Jessica Page, Alex Thomas, Eric Poppick, Downtown Julie Brown, Heavy D, Idalis DeLeon, Howard Hewitt, LL Cool J, Leon, Dennis Rodman. Productora: Island Pictures, New Line Cinema. Duración: 91 minutos.
Sinopsis argumental: Nisi y Mickey son dos chicas de provincias ambiciosas que trabajan como camareras con el objetivo de poder conseguir el dinero necesario para abrir el restaurante de sus sueños. Las dos vuelan a California para asistir a un casting para un vídeo músical. Allí intentan estafar a un millonario y aprenden a ser "Black American Princess"...
Comentario: La película fue el primer guion escrito por la ex actriz Troy Byer. Beyer estaba decepcionada por el corte final de la película y creía que sus "palabras no habían aparecido honestamente en la pantalla". Explicó que era la primera vez que Robert Townsend dirigía una película que no había escrito. Usó sus ganancias de esta producción para dirigir su primera película.
Mujeres de cine: Pourān Derakh'shandeh
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Derakh'shandeh se graduó en dirección cinematográfica en 1975 en la Escuela Avanzada de Televisión y Cine en Teherán. Comenzó su carrera profesional haciendo documentales para Kermanshah Television y posteriormente para Tehran Television. Sus películas incluyen: Rabete (Relationship, 1986), Parandeyeh koochake khoshbakhti (A Little Bird of Happiness, 1987), Passing Through the Dust (1990), Zaman-e az dast rafteh (Lost Time, 1989), Bitterland (1997), Eshgh bedoone marz (A Love Without Frontier, 1998), Sham'i dar baad (Candle in the Wind, 2003), Roya-ye khis (The Wet Dream, 2006), Eternal Children (2006), Endless Dreams (2009), Comet Dreams (2009), Hiss Dokhtarha Faryad Nemizanand (Hush! Girls Don't Scream, 2013) y Zire saghfe doodi (Under the Smoky Roof, 2017).
La Motion Picture Association cumple 100 años: la policía moral de Hollywood
Producers and Distributors of America (MPPDA) y conocida como la Motion Picture Association of America (MPAA) desde 1945 hasta septiembre de 2019) es una asociación industrial. Esta agrupación de seis grandes estudios o plataformas hollywoodienses (los cinco mayores estudios de Hollywood: Paramount Pictures (National Amusements), Sony Pictures (Sony), Universal Pictures (Comcast), Walt Disney Studios (The Walt Disney Company) y Warner Bros. (AT&T). Recientemente se le ha añadido la productora de series para televisión y streaming Netflix, creada en 1997. La MPA realiza la conocida y más aplicada clasificación por edades de películas, de acuerdo al contenido de las mismas), festeja este año su primer centenario.
Se constituyó para velar por los intereses de los estudios cinematográficos. Una de sus labores iniciales fue la de instituir el Código Hays, un acuerdo por el cual los contenidos y la forma de las películas de Hollywood deberían contener una serie de valores y normas acordes con el modo de vida estadounidense. En un principio estos valores eran de carácter progresista: antibelicismo, protección de las clases bajas, denuncia de los abusos de los poderosos, etc. Esto tuvo mucho que ver con el crack del 1929 y la subsiguiente crisis económica que asoló los Estados Unidos hasta el fin de la segunda guerra mundial. Posteriormente, con el advenimiento del Macartismo, la caza de brujas de Hollywood, se generó una ola de conservadurismo en la producción de Hollywood que duró hasta el advenimiento del llamado "cine independiente estadounidense".
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| Encadenados (1946), cuando Alfred Hitchkock burló maliciosamente las reglas del célebre Código Hays |
Primero en el origen del famoso código Hays, una guía de buenas prácticas morales destinada a los cineastas de la década de 1930, luego de un sistema de calificación de contenido aún vigente, la MPA ha defendido desde 1922 los intereses del cine estadounidense en el país y en el extranjero.
Si bien su papel como policía moral sigue siendo su actividad más conocida, la MPA también tiene la intención de involucrarse en la diplomacia internacional y la lucha contra la piratería. Misiones y logros a lo largo de un siglo de historia que el lobby resume en un sitio web interactivo completamente sesgado, enriquecido con testimonios de figuras políticas como Kamala Harris, la vicepresidenta de los Estados Unidos. La oportunidad de (re)descubrir cinco datos incongruentes sobre él… que no todos tienen su lugar en esta campaña de comunicación institucional.
domingo, 27 de marzo de 2022
Oscar: ¡a los 75 años, recupera la estatuilla concedida a la mejor actriz juvenil!
A finales de la década de 1980, Hayley Mills veía cómo le robaban el Oscar obtenido por su actuación en la película de Disney Pollyanna. Feliz sorpresa para la actriz: ¡la Academia le entregó otra estatuilla el año pasado!
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| Hayley Mills como Polyanna |
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| Haylley Mills y Agnes Moorehead, en un fotograma de Polyanna (1960) |
Con Pollyanna, Hayley Mills comienza una estrecha colaboración con los estudios de Walt Disney Pictures. Tras este floreciente periodo, su carrera fue más modesta, pero la británica aún disfrutó de cierto éxito, como con la serie Buenos días Miss Bliss, emitida a finales de los años 1980 por la NBC, programa que se convertiría más tarde, pero sin la actriz, en Salvados por la campana (Saved by the Bell).
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| Polyanna (1960) |
Fue durante el rodaje estadounidense de Buenos días Miss Bliss que Hayley Mills vivió una desventura bastante desagradable: su Oscar, obtenido casi treinta años antes, le fue robado de su casa en Londres. La historia, no muy emocionante, podría terminar aquí.
Pero el año pasado, tal y como apunta The Hollywood Reporter, la actriz, de paso por la sede de la Academia de los Oscar, se llevó una grata sorpresa. David Rubin, presidente de la venerable institución, le entregó una flamante estatuilla como “reemplazo”. Y Hayley Mills, seis décadas después, para volver a coronarse de alguna manera por su actuación juvenil... pero a los 75 años.
Cumplió 25 años: La herida luminosa
El 21 de marzo de 1997 se estrenó la película española La herida luminosa, dirigida por José Luis Garci con Fernando Guillén, Mercedes Sampietro, Julia Gutiérrez Caba, María Massip, Beatriz Santana, Neus Asensi, Cayetana Guillén Cuervo. Productora: Nickel Odeon Dos, Enrique Cerezo P.C., RTVE. Duración: 95 minutos.
Nominaciones y premios: Premios Goya: Nominada a Mejor maquillaje y peluquería.
Comentario: Basada en la obra de teatro homónima de Josep María de Sagarra. Hay una versión cinematográfica previa, estrenada en 1956, con dirección de Tulio Demicheli y con actuación principal de Amparo Rivelles.
Mujeres de cine: Simone Signoret (II) 25-3
(cont.)
En 1958, Signoret viajó a Inglaterra para filmar Un lugar en la cumbre (Room at the Top, 1959), dirigida por Jack Clayton, por cuya actuación ganó varios premios, incluyendo el Premio a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Cannes y el Óscar a la mejor actriz. Fue la Segunda actriz francesa en ganar un Óscar después de Claudette Colbert en 1935 -Sucedió una noche (It Happened One Night, 1934), y la primera mujer en ganar el premio por su actuación en una película extranjera.
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| Un lugar en la cumbre (1959) |
Signoret recibió ofertas para trabajar en Hollywood, pero las rechazó y continuó trabajando en Francia e Inglaterra. Actuó junto con Laurence Olivier en Escándalo en las aulas (Term of Trial, 1962), dirigida por Peter Glenville .
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| Escándalo en las aulas (1962) |
En 1965, regresó a los Estados Unidos para filmar El barco de los locos (Ship of Fools), dirigida por Stanley Kramer, por la que obtuvo otra nominación a los Óscar, y actuó en varias películas de Hollywood antes de regresar a Francia en 1969.
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| El barco de los locos (1965) |
Durante sus últimos años, fue criticada por aumentar de peso. A pesar de esto, fue aclamada por la crítica por sus actuaciones en Madame Rosa (La vie devant soi, 1977) y Chère inconnue (1980), ambas dirigidas por Moshé Mizrahi .
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| Madame Rosa (1977) |
Sus memorias La nostalgia ya no es lo que era (La nostalgie n'est plus ce qu'elle était) fueron publicadas en 1978, otra historia autobiográfica, Al día siguiente, sonreía... en 1979, y una novela, Adieu Volodia, en 1985.
Simone Signoret falleció el 30 de septiembre de 1985 en Autheuil-Authouillet, (Eure).
sábado, 26 de marzo de 2022
Cumplió 25 años: Los gatos no bailan
El 26 de marzo de 1997 se estrenó la película estadounidense Los gatos no bailan (Cats Don't Dance), dirigida por Mark Dindal. Reparto: Animación. Productora: David Kirschner. Duración: 75 minutos.
Sinopsis argumental: De la miseria al éxito, esta es la historia de Danny, un gato lleno de talento cuyo sueño en la vida es llegar a ser una estrella del espectáculo, y que ve como su meta se aleja al descubrir que sólo los humanos consiguen buenos papeles en Hollywood. En la gran pantalla, los animales ladran, maúllan o mugen, pero los gatos no bailan. Con la ayuda de su nuevo amiga, la hilarante hipopótamo Tillie, la encantadora pero cínica gatita, Sawyer y el adorable pingüino Pudge, Danny jura romper todas las barreras animales y prueba que los sueños pueden hacerse realidad.
Nominaciones y premios: 2 Premios Annie: incluyendo mejor película animada. 8 nominaciones.
Comentario: Se ambienta en un mundo donde los seres humanos viven lado a lado con animales antropomórficos.
Mujeres de cine: Sarah Bernhardt
También está relacionada con el éxito del artista Alphonse Mucha al darle en 1894 su primer encargo de un afiche en París, con el cual ganó notoriedad. Alphonse Mucha se convertiría en uno de los artistas más cotizados de esta época por su estilo Art Nouveau.
Probó suerte también con el recién nacido cine. En 1900 filmó Le duel d'Hamlet, un cortometraje que adapta un fragmento de la obra Hamlet de William Shakespeare, interpretando ella el personaje.
En 1912 rodó La dama de las camelias (La Dame aux camélias) con Lou Tellegen, su amante de aquel momento, haciendo de Armand Duval. Bernhardt, cuando la vio, se horrorizó y mandó destruir el negativo, que afortunadamente todavía existe.
También en 1912 rodó también La Reine Élisabeth (o Les Amours de la reine Élisabeth), dirigida por Henri Desfontaines, Louis Mercanton y Gaston Roudès, una biografía de la conocida como La reina virgen.
En 1915 filmó Jeanne Doré, dirigida por René Hervil y Louis Mercanton. Esta película se considera la mejor rodada por Bernhardt y donde se puede observar mejor su arte interpretativo. La película se conserva en la Cinématèque de Paris.
Romy Schneider y...: una retrospectiva en cuatro capítulos (IV)
Romy Schneider y Claude Sautet: en estado de gracia
Hoy, Sautet, que la hará brillar desde Las cosas de la vida hasta Una vida de mujer, se convertiría en admiración mutua.
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| Romy Schneider y Claude Sautet en París, en febrero de 1972 |
Existe el esbozo de un proyecto, una puesta en escena de Alain Cavalier para Yves Montand y Annie Girardot, pero se desvanece en la niebla. A Sautet le embarga la historia de un hombre entre dos vidas “cuyo error o culpa es vacilar”, le obsesiona el escenario del accidente de coche, “esta vida rota a toda velocidad”. Pone mucho de sí mismo en el personaje que le confía a Michel Piccoli, la historia de un hombre, sus dudas, sus defectos. Cuando escribe, está lejos de imaginar que es una mujer la que lo marcará profundamente y llevará su cine a otros territorios.
La primera colaboración entre Sautet y Schneider fue Las cosas de la vida (Les choses de la vie, 1970), un drama psicológico en la que un arquitecto casado, con un hijo y una amante, sufre un accidente automovilístico. Malherido y esperando la ambulancia, un sinfín de hechos de su vida acuden a su mente. Alrededor de él, el drama de su mujer, de su hijo y de su amante. Estuvo nominada a la Palma de Oro como mejor película en el Festival de Cannes. Sautet logró con Las cosas de la vida uno de sus mayores éxitos y una reputación sólida fuera de su país, marcando las pautas de lo que sería su cine en los años 1970.
La segunda fue Max y los chatarreros (Max et les ferrailleurs, 1971), adaptación de la novela de Claude Néron donde el director Claude Sauet impregnó un tono críptico, melancólico e imborrable para todo amante del séptimo arte. Convertida en un excelente melodrama de cine negro que mima la descripción psicológica de sus dos personajes centrales – interpretados por Michel Piccoli y Romy Schneider–, con un tono críptico y melancólico. Especialmente notable es la inquietante marcheta central compuesta por el músico Philippe Sarde.
La siguiente fue con Ella, yo y el otro (César y Rosalie) (César et Rosalie, 1972). Rosalie, una mujer divorciada y con una hija, está enamorada de César. Un día, Rosalie conoce a David y su plácida vida se ve alterada al tener que elegir entre los dos hombres. Ella, yo y el otro” fue una coproducción entre Italia, Francia y Alemania que obtuvo un gran éxito de taquilla en estos países. La película unió a dos de los actores europeos de más éxito: Yves Montand y Romy Schneider. Además, aparece una joven Isabelle Huppert en uno de sus primeros papeles. Aunque en el inicio de su carrera el director Claude Sautet se dedicase fundamentalmente al cine policiaco (el llamado cine polar galo), en los 1960 dio un giro a su carrera, especializándose en el retrato dramático y sentimental de la clase media-burguesa francesa de la época. La cinta obtuvo el Premio David di Donatello al mejor actor extranjero (Yves Montand) (ex aequo).
La cuarta fue en Una vida de mujer (Une histoire simple, 1978). Una mujer se debate entre su actual amante, casado a su vez, de quien espera un hijo, y su ex marido, a punto de hundirse profesionalmente y al que trata de ayudar. Incapaz de explicar su actitud a los dos, decide abortar. Nominada al Oscar a la mejor película extranjera, Una vida de mujer es un dramático estudio de caracteres en el más puro estilo de Sautet, en el que el desaparecido realizador trabajó por última vez con su actriz fetiche, Romy Schneider. Melodrama y cine social se unen en un fascinante retrato del alma femenina, que aboga finalmente por una inédita sensación de libertad. Exhibición interpretativa de Romy Schneider en uno de los grandes papeles de su carrera, que le proporcionó un César a la mejor actriz. La película está creada por y para ella, en un inolvidable paseo por su rostro lánguido y su inmenso talento para crear sensaciones y emociones.
viernes, 25 de marzo de 2022
Películas de la semana: 25 de marzo
Camera Café, la película
Dirección: Ernesto Sevilla. País: España. Año: 2022. Duración: 90 minutos. Género: Comedia. Trabajo. Empleo. Interpretación: Arturo Valls, Carlos Chamarro, Ana Milán, Carolina Cerezuela, Joaquín Reyes, Marta Belenguer, Álex O'Dogherty, Esperanza Pedreño, Ingrid García Jonsson, Luis Varela, Esperanza Elipe, Manuel Galiana, Juana Cordero, Javier Botet, Michael John Treanor, Ibai Llanos, Karina, Javier Perdiguero, Ana Ruiz, Nacho Rubio, Mercedes Luzuriaga, Silvia Wheeler, Iñaki Reyna. intervenciones de: Ibai Llanos. Guion: Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla, Miguel Esteban. Música: Filipe Melo. Fotografía: Enrique Santiago Silguero. Productora: Coproducción España-Portugal; Pólvora Films, Estela Films, Atresmedia Cine, Movistar+, Café Para Muy Cafeteros, Lacoproductora, Planar. Distribuidora: Warner Bros. España. Estreno en España: 25 de marzo de 2022. Sinopsis: Quesada, Julián, Marimar, Cañizares, Victoria y compañía se enfrentarán a una crisis que está a punto de hundir la empresa y, lo que es peor, deberá salvarla su nuevo director, que es nada más y nada menos que el rey del escaqueo, Quesada.
La cima
Llegaron de noche
A tiempo completo
Adiós, señor Haffmann
Malencolía
Un cielo tan turbio
Los Negros
minutos. Género: Documental. Religión. Esclavitud. Reparto: Documental. Guion: Antonio Palacios. Fotografía: David Barrio Calderón. Productora: Lemendu Films. Estreno en España: 25 de marzo de 2022. Sinopsis: Desde el siglo XIV, los esclavos negros traídos de África a la fuerza a duras penas sobrevivían en los arrabales de Sevilla. Gonzalo de Mena no sólo crea para ellos un hospital y una capilla, sino también una hermandad para integrarlos en la vida religiosa y social de Sevilla. Se convierten en la primera congregación religiosa negra, título que tienen que defender ante otras cofradías blancas. Además, deben evitar ser suspendidos y prohibidos por las autoridades religiosas. Con el paso del tiempo, la popularmente llamada "Cofradía de los Negros" se convierte en "los Negritos", un paternalismo que muestra cómo una cofradía de esclavos y libertos se convierte en una cofradía de blancos pobres sevillanos.
Belle
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