Cumplió 25 años: Buddy

El 31 de mayo de 1997 la película estadounidense Buddy, dirigida por Caroline Thompson con René Russo, Alan Cumming, Robbie Coltrane, Paul Reubens, Irma P. Hall, Peter Elliott, John Aylward, Mimi Kennedy, Jon Simmons, Kathleen Klein. Productora: Jim Henson Pictures. Duración: 84 minutos. 

Sinopsis argumental: Buddy es un pequeño gorila, tierno y lleno de amor, que vive con Trudy, la persona que lo salvó de las garras de la muerte. Trudy lo ha educado como si fuera su hijo, pero el gorila no se adapta al mundo de los humanos, y ambos tendrán que tomar una decisión.

Comentario: Adaptación de la autobiografía de Gertrude Davis Linz, una mujer que, en el Brooklyn de los años 1930, convirtió su casa en un zoo, debido a la gran predilección que sentía hacia los animales. Esta adaptación fue llevada a la pantalla por Caroline Thompson, una antigua colaboradora de Tim Burton, en la que era su primera tarea como directora. Posteriormente, dirigía una película para televisión Snow White, ya en el año 2001. A destacar la banda sonora de Buddy, compuesta por Elmer Bernstein, y la producción ejecutiva, a manos de Francis Ford Coppola.

Mujeres de cine: Pilar Palomero

El 31 de mayo de 1980 nace en Zaragoza Pilar Palomero, cineasta y escritora española,​ reconocida con premios como la Biznaga de Oro o los Premios Goya a la mejor película, mejor dirección novel y al mejor guion original​ por su película Las niñas.

Estudió en la Universidad de Zaragoza y en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, la ECAM, donde se graduó en 2006 como directora de fotografía. Trabajó como escritora y guionista de cine y audiovisuales. Además fue profesora en esas mismas especialidades, escritura y dirección de guiones y audiovisuales, En 2013 se trasladó a Bosnia y Herzegovina y estudió un Máster en Dirección de Cine en la Film Factory en 2013, dirigido por el cineasta húngaro Béla Tarr en la ciudad de Sarajevo. Comenzó a realizar cortos, documentales, ensayos, junto a directoras como Carla Simón en Generation Kplus.

Los cortometrajes de Palomero exploran la vida con realismo, valorando la educación y el diálogo como herramientas para avanzar en la convivencia. La amistad entre las personas, las relaciones humanas y los valores aportados por la comunicación son los temas que Palomero aborda en la escritura de sus guiones. Así cuenta como a partir de una relectura del cuaderno de apuntes de Religión de 1992,
cuando estudió sexto de EGB, hilvanó el guion para la película Las niñas. Rescata frases textuales como "la sexualidad está al servicio del amor" que utiliza escribir la película. El contraste entre los eventos internacionales de ese año, la Exposición Universal de Sevilla de 1992 o los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992 con el mensaje que ella y sus compañeras de colegio recibieron, la sitúa en la realidad de la educación recibida. El deseo de transmitir emociones, el salto de la niñez a la madurez, es lo que impulsa a Palomero a dar el salto del documental a la ficción.

Palomero ha desarrollado su trabajo como directora y escritora, realizó numerosos cortometrajes que han sido exhibidos en diversos festivales internacionales de Cine en Varsovia, Lisboa, San Luis o el Festival de Cine de Sarajevo, Festival Internacional de Cine de Huesca, o el Festival de Málaga. En 2016 participó en el Sarajevo Talents y en 2017 en la Berlinale Talents.​ Entre los trabajos fílmicos destacar Niño balcón​ realizada en 2009, Chan Chan​ de 2012, Noé de 2015, al año siguiente La noche de todas las cosas,​ de 2017 Zimsko Sunce y Horta,​ y Agenda 1958 de 2019.

Las niñas (2020)

En 2020 estrenó su primer largometraje, Las niñas, como directora y escritora. Una película exhibida y seleccionada en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en el Shanghai International Film Festival, entre otros. Esta película ha recibido el premio a la mejor película en español en el Festival de Málaga, premio a la fotografía y Premio Feroz.

Ese mismo año fue estrenado el filme boliviano-argentino Chaco dirigido por Diego Mondaca en el que Palomero colaboró en el guion.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXIV)

Terror al anochecer (The Town That Dreaded Sundown, 1976), de Charles B. Pierce

En 1946 el pueblo de Texarkana sufrió una serie de experiencias traumáticas que todavía recuerda hoy, treinta años mas tarde. Entre marzo y mayo cinco personas fueron asesinadas a manos de un loco enmascarado. Debido a esto comenzó la sospecha entre los ciudadanos del pueblo que comenzaron a encerrarse en sus casas… La película está de algún modo vagamente basada en los crímenes reales atribuidas a un asesino en serie no identificado conocido como el "Asesino fantasma"; se afirma que "la increíble historia que está a punto de ver es verdadera, donde ocurrió y como ocurrió, sólo los nombres han sido cambiados". El asesino real atacó a ocho personas entre el 22 de febrero de 1946 y el 3 de mayo de 1946 en o cerca de la localidad de Texarkana, Texas, en la frontera entre Texas y Arkansas. Charles B. Pierce dirige y produce -quien también co-actúa como un oficial de policía inepto llamado A.C. Benson, también conocido como "Sparkplug" ("Bujía")-, este aterrador ‘thriller’ basándose en una serie de asesinatos no resueltos que tuvieron lugar en la norteña localidad texana de Texarkana en la primavera de 1946. Colaborando de nuevo con el guionista Earl E. Smith (los dos habían trabajado juntos en “The Legend of Boggy Creek”), Pierce nos sitúa en una tranquila comunidad norteamericana que durante la posguerra se ve sorprendida por unos aterradores asesinatos. De hecho, el filme trata una temática que ha sido objeto de centenares de películas, la del psicópata asesino, pero tiene la particularidad de jugar con la morbosidad de retratar, de forma casi documental, unos asesinatos que no han sido nunca resueltos. El siempre respetable Ben Johnson, en el papel del capitán J.D. Morales, es el encargado de encabezar estas investigaciones.

Cumplió 25 años: La buena estrella

El 30 de mayo de 1997 se estrenó la película española La buena estrella, dirigida por Ricardo Franco e interpretada por Antonio Resines, Maribel Verdú, Jordi Mollà, Elvira Mínguez, Ramón Barea, Clara Sanchís, Andrea Ramírez. Productora: Enrique Cerezo P.C. Duración: 98 minutos.

Sinopsis argumental: Rafael es un carnicero estéril que lleva una vida triste y solitaria. Un día auxilia a Marina, una muchacha tuerta a la que su novio estaba apaleando. Además, la aloja en su casa, aun sabiendo que está embarazada. Muy pronto, ambos se plantean cumplir un sueño que hasta entonces les parecía imposible: formar una familia.

Nominaciones y premios: 5 Premios Goya: Mejor película, director, actor (Resines), guion y música; Festival de Cannes (Sección Una cierta mirada): Premio Ecuménico del Jurado- Mención Especial; Festival de Mar del Plata: Mejor director y actor (Resines y Mollà); Premios Forqué: Mejor película; Festival Internacional de San Diego: Mejor película.

Comentario: Un drama que, originalmente, iba a ser obra de Juanma Bajo Ulloa, pero del que este se apeó por problemas con los productores. Finalmente, Ricardo Franco consiguió hacerse con la película, la última que dirigió al completo, consiguiendo con ella uno de los mayores éxitos de su carrera. Y es que este bello drama, notablemente interpretado por el triángulo protagonista.

Mujeres de cine: Naomi Kawase

El 30 de mayo de 1969 nace Naomi Kawase, directora de cine y escritora. Su obra gira en torno a la vida íntima, la búsqueda de los orígenes y de la identidad. En 1997 fue la cineasta más joven premiada de la historia del Festival de Cannes cuando ganó el Premio Cámara de Oro por su película Moe no Suzaku.

Se licenció en la Escuela de Fotografía de Osaka en 1989 donde trabajó posteriormente como docente durante 4 años.

En 1993 su cortometraje documental Abrazando el aire fue premiado en el Festival Image Fórum de Japón. Con Katatsumori le valió el Premio a la Excelencia en el programa Nuevas Tendencias en Asia. En 1996 se estrenó su mediometraje documental Sol de atardecer y un año después escribió y dirigió Suzaku, su primer largometraje de ficción.

En el año 2000 Hotaru se estrenó en la sección competitiva del Festival de Locarno, donde obtuvo el Premio Fipresci y el Premio CICAE. En 2003 su tercer largometraje, Shara, fue seleccionado para la Sección Oficial de Cannes; en 2006 dirigió un documental sobre su propio embarazo y parto, Nacimiento y maternidad, y en 2007 compitió de nuevo en la Sección Oficial de la Semana con El bosque del luto.

Su obra gira en torno a la vida íntima, la búsqueda de los orígenes y de la identidad con sus ausencias, sus ciclos y rituales. ​Sus primeras películas son documentales partiendo de su propia vida, la búsqueda de su padre, que la abandonó de pequeña (En sus brazos), su tía abuela que la cuidó de pequeña (Katatsumori) y su embarazo y parto (Tarachime).

En 2008 conoce a Isaki Lacuesta y a propuesta del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona entabló una relación epistolar de cartas filmadas que se presentó en 2009 en el Festival de Locarno titulada In between days. En 2010 presentó el documental Genpin en el que reflexiona sobre el parto natural, el placer y la muerte con el que ganó el Premio de la FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. En 2015 su película Una pastelería en Tokio (An) inauguró la sección Un certain regard del Festival de Cannes y fue presentada en el Festival Seminci de Valladolid.

Madres verdaderas (2020)

Hacia la luz (Hikari, 2016) es una historia de amor entre un fotógrafo que está perdiendo la vista y una joven un poco desconectada de la sociedad qué trabaja narrando películas para ciegos, presentada en la sección oficial del Festival de Cannes. En 2018 estrena Viaje a Nara (Vision), una película contemplativa, poética y ecológica, una declaración de amor a la naturaleza, una oda a los bosques cargados de bruma, a las plantas que crecen en los jardines, las manos que acarician los troncos de los árboles. Presentada en el Festival de Cine de San Sebastián. 

En 2020 dirige Madres verdaderas (Asa ga kuru), una película articulada en los procesos de adopción y sus problemas También Presentada en el Festival de Cine de San Sebastián y hasta ahora su última película. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXIII)

Alguien voló sobre el nido del cuco (One Flew Over the Cuckoo's Nest, 1975), de Milos Forman

Randle McMurphy (Jack Nicholson), un hombre condenado por asalto, y un espíritu libre que vive contracorriente, es recluido en un hospital psiquiátrico. La inflexible disciplina del centro acentúa su contagiosa tendencia al desorden, que acabará desencadenando una guerra entre los pacientes y el personal de la clínica con la fría y severa enfermera Ratched (Louise Fletcher) a la cabeza. La suerte de cada paciente del pabellón está en juego. Considerada por muchos como una de las mejores películas jamás realizadas, Alguien voló sobre el nido del cuco ocupa el puesto 33 en las 100 mejores películas del siglo del American Film Institute. Ganadora de numerosos premios internacionales, Alguien voló sobre el nido del cuco fue la segunda película en obtener los cinco principales premios de la Academia: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz y mejor guion adaptado,​ hazaña que ya había sido lograda por Sucedió una noche (It Happened One Night) en 1934 y que luego fue lograda en 1991 por El silencio de los corderos (The Silence of the Lambs). Sin embargo, es la única de las tres que también obtuvo esos cinco premios en los Premios Globo de Oro, y Premios BAFTA.​ En 1993, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. Alguien voló sobre el nido del cuco está basada en la novela homónima de Ken Kesey. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCXII)

El espejo (Zerkalo, 1975), de Andrei Tarkovsky

Un hombre, Alekséi, al que no se le destapa su rostro de adulto en todo la película, únicamente se puede descifrar su torso encima de una camilla al final del mismo, habla con su esposa sobre su situación actual y los motivos por los que se han distanciado. La estructura especular del argumento de la película se ve potenciada por la interpretación por una misma actriz, Margarita Térejova, tanto de la madre de Alekséi (María) como la de Ignat (Natalia), siendo ambos niños también interpretados por un mismo actor, Ignat Daníltsev. En este sentido la película es una evocación continua de recuerdos y sentimientos que viajan en diferentes tiempos sin orden aparente: la relación con su madre, su infancia,...que se mezclan con material fílmico de noticiario sobre la Guerra civil española, la Segunda guerra mundial y el enfrentamiento entre la URSS y China por la isla Damanski. En la película suenan poemas escritos y recitados por Arseni Tarkovski, padre del director. Retrata un pasado que es el suyo, pero también el de un país y el del acontecer mundial. El conocido director ruso Andrei Tarkovsky dirige y co-escribe junto a Alessandr Misharin esta película de culto, considerada una de las obras maestras del cine de la Unión Soviética.

Hemos clasificado las películas de Martin Scorsese, de peor a mejor (VI)

6.- El irlandés (The Irishman, 2019)

De Niro, Pesci, Keitel: llegaron, están todos aquí, los actores favoritos de Scorsese, junto con otro monstruo sagrado, Al Pacino, en el papel del sindicalista Jimmy Hoffa. Inspirado en la biografía de este sicario, este cautivador fresco producido para Netflix completa los grandes temas de Scorsese con notas de tristeza que poco sabíamos de él. Una meditación testimonial, a menudo conmovedora, sobre la amistad, la traición y la vejez.

5.- Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano (A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies, 1995) 

Lleno de fragmentos de películas, este fascinante panorama (3h40) constituye el museo imaginario de Scorsese. Un llamativo travelling de las películas que alimentaron sus sueños, es también una reflexión sobre la evolución moral de los Estados Unidos, su capacidad para crear mitos y una maravillosa lección cinematográfica en el arte de dirigir.

4.- Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990)

Ascenso y caída de Henry Hill (Ray Liotta), que quería ser un gángster por el dinero, la vida fácil y la "respetabilidad". De su itinerario de treinta años, Scorsese extrae un cine negro magistral, junto con una moraleja, que se ha convertido con razón en un clásico.

3.- La edad de la inocencia (The Age of Innocence, 1993)

Scorsese sorprendido y encantado. – con esta hermosa obra estilizada sobre una sociedad encorsetada. Pero la historia de Newland Archer (Daniel Day-Lewis, magnífico) no es otra que, como siempre ocurre con el cineasta, la de una víctima de los códigos de su mundo. La violencia está sofocada bajo el encaje, pero está ahí...

2.- Toro salvaje (Raging Bull, 1980)

Scorsese, entonces en el fondo del agujero en su vida profesional (tras el fracaso de New York, New York) y privada, vio en la vida del boxeador LaMotta, campeón mundial autodestructivo, una de las historias de redención que más ama. Ofrece una lectura mística de este destino, que se convierte en una parábola del pecado y la gracia en un suntuoso blanco y negro. De Niro, más Actors Studio que nunca, está monumental.

1.- Casino (1995)

Las Vegas es el sueño americano, llevado al límite extremo. En este amplio fresco, Scorsese lo filma como un sueño llamativo que acaba decayendo, autodestruyéndose. Como el final del Salvaje Oeste. Con, como bonus, una trágica historia de amor entre Robert De Niro y Sharon Stone en el apogeo de su belleza… Magistral.

Mujeres de cine: Mary Pickford

El 29 de mayo de 1979 muere en Santa Mónica, California, Mary Pickford (nacida Gladys Marie Smith), actriz cinematográfica canadiense.

Fue una de las máximas figuras del cine mudo durante el período 1915-1925 como intérprete de un tipo popular de ingenua romántica y así llegó a ser la actriz más poderosa y mejor pagada en esa época, la primera gran estrella de Hollywood. Entre el público estadounidense se la conoció como «la pequeña Mary», «la chica del cabello dorado» y la primera «novia de América».

A los quince años, la joven viajó sola a Nueva York para pedir trabajo a David Belasco, productor de exitosas obras en Broadway, y lo consiguió. Era el verano de 1907 cuando, junto con Belasco, decidió cambiar su nombre al de Mary Pickford para su trabajo teatral, pero pronto descubrió el cine. Curiosa acerca del nuevo arte, fue contratada por los Estudios Biograph, el estudio de David Wark Griffith, y debutó en la película de 1909 The Violin Maker of Cremona.

Adicionalmente hizo diversos cortos, en muchos de los cuales compartía protagonismo con Owen Moore. Fue este su primer marido, en 1911, cuando se casaron en secreto.

Ambiciosa, pronto empezó a ganar fama y a exigir que su nombre apareciera en pantalla. Ya en 1914 cobraba más de 100.000 dólares anuales, y en 1915 tenía su propia productora la Mary Pickford Famous Players Company.

l inicial coqueteo con el cine mientras trabajaba con Belasco fue invirtiéndose, y en pocos años Mary se convirtió en la «novia de América», y en la primera actriz con admiradores a lo largo de todo el mundo, gracias a sus papeles de niña pobre de graciosos tirabuzones -aparentaba menos edad de la que en realidad tenía.

Mary Pickford en Rosita la cantante callejera (1923)

La pobre niña rica (The Poor Little Rich Girl) y Rebecca la de la granja del sol (Rebecca of Sunnybrook Farm), ambas en 1917 fueron sus primeros éxitos como largometrajes.

El 17 de abril de 1919, Mary Pickford, junto con Charles Chaplin, D.W. Griffith y su futuro marido Douglas Fairbanks, fundaban la United Artists, productora cinematográfica que perdura hoy día.

Entre sus éxitos más clamorosos se encuentran Papaíto Piernas Largas (Daddy Long Legs) y Almas de la cumbre (Heart O'the Hills), en 1919, Sueño y Realidad (Suds) en 1920, Por la puerta de servicio (Through the Back Door) y El pequeño Lord (Little Lord Fauntleroy) en 1921, y Tess en el país de las tempestades (Tess of the Storm Country) en 1922.

Su poder era absoluto, controlando hasta el último detalle de sus películas concebidas como vehículos para ella y llegando a contratar al más célebre director alemán, Ernst Lubitsch, para que la dirigiera en la película Rosita la cantante callejera (Rosita) en 1923. Mary Pickford y Douglas Fairbanks formaron la pareja cinematográfica más famosa de su tiempo, aunque solo aparecieron juntos en una película: La Fierecilla Domada (The Taming of the Shrew), en 1929.

Después de la muerte de su progenitora, Mary decidió abandonar sus papeles de huérfana pobre, cortó sus tirabuzones y estuvo un año sin trabajar, el primero de toda su carrera. Su siguiente película, Coqueta en 1929, fue la primera película sonora y un cambio radical en su trabajo. Gracias a ella, consiguió el segundo Premio Oscar desde su fundación, otorgado en la historia de las películas sonoras a la mejor actriz. Esta película, paradójicamente, le provocó un rápido descenso en su popularidad al revelar sus limitaciones como actriz y probar que sus admiradores no estaban dispuestos a aceptar una evolución de su personaje de víctima ingenua hacia caracteres más adultos. Posteriormente solo trabajó en otras tres películas sonoras siendo la última Secrets en 1933.

Cada vez más recluida en su mansión, y tras más de doscientas películas, se consagró a la producción, primero como vicepresidenta de la United Artists y luego como productora independiente hasta 1956, pero jamás volvió a actuar en ninguna otra.

En 1976 se le otorgó un Premio Óscar especial "por su contribución a la industria del cine". El 29 de mayo de 1979 falleció de una hemorragia cerebral en una habitación del Hospital de Santa Mónica, a los 87 años, después de haber caído en el alcoholismo y haber vivido durante décadas en total reclusión.

Cumplió 25 años: Mi vida en rosa

El 28 de mayo de 1997 se estrenó la película belga Mi vida en rosa (Ma vie en rose), dirigida por Alain Berliner con Georges Du Fresne, Michèle Laroque, Jean-Philippe Ecoffey, Hélène Vincent, Daniel Hanssens, Laurence Bibot, Jean-François Gallotte, Caroline Baehr, Julien Riviére, Marie Bunel. Productora: Coproducción Bélgica-Francia; La Sept Cinéma, TF1 Films Production, Freeway Films, CNC. Duración: 88 minutos.

Sinopsis argumental: Ludovic es el hijo menor de una familia de clase media. Su máxima ilusión es ser una niña y está convencido de que su sueño se convertirá, tarde o temprano, en realidad. Por eso no entiende la preocupación de sus padres, las burlas de sus compañeros y todas las reacciones adversas que siente a su alrededor.

Nominaciones y premios: Globos de oro: Mejor película extranjera; Nominada Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa; Premios César: Nominada a mejor ópera prima; Premios del Cine Europeo: Mejor guión; Festival Internacional Karlovy Vary: Mejor película.

Comentario: En el que era su debut en la dirección de largometrajes, el belga Alain Berlier optó por poner en imágenes una historia sobre la tolerancia y la diversidad. Y lo hizo planteándola desde la más tierna inocencia de un niño que aún no ha aprendido a reconocer lo que la sociedad establece como normal. El debutante niño Georges Du Fresne da vida a la niña encerrada en el cuerpo de Ludovic, mientras que los reconocidos actores franceses Michèle Laroquete y Jean-Philippe Écoffey interpretan a sus padres.

Hace 100 años: Real Adventure

El 28 de mayo de 1922 se estrenó la película estadounidense Real Adventure, dirigida por King Vidor e interpretada por Florence Vidor, Clyde Fillmore, Nellie Peck Saunders, Lilyan McCarthy, Philip Ryder. Productora: Florence Vidor Productions, Cameo Pictures. Duración; 50 minutos.

Sinopsis argumental: Rose Stanton conoce al pudiente abogado Rodney Aldrich en el tranvía de Chicago. Poco después, los dos son una pareja felizmente casada. Sin embargo, la joven quiere algo más que tener que cuidar todo el día de su marido: lo que desea realmente es ser reconocida mucho su igual. Tras ver cómo sus planes de entrar en la escuela de derecho fracasan, coge sus maletas y se marcha a Nueva York. Ahí trabaja como música hasta que tiene la oportunidad de diseñar los vestidos del espectáculo. Cuando la compañía pasa por Chicago se encuentra nuevamente con Rodney, que no es precisamente un aficionado del trabajo de su mujer.

Comentario: Basada en la novela best-seller de Henry Kitchell Webster que se serializó en 1915 y se publicó como libro en 1916. Una copia de la película se conserva en la Cinémathèque de Toulouse. En febrero de 2020, la película se exhibió en el 70 Festival Internacional de Cine de Berlín, como parte de la retrospectiva dedocada a la carrera de King Vidor. 

Mujeres de cine: Ana Belén (II)

(cont.)

En los comienzos de la década de 1980 intervino en La Colmena (1982), adaptación de una novela de Camilo José Cela que dirigió Mario Camus y volvió a ser dirigida por Gutiérrez Aragón en Demonios en el Jardín (1982).

Demonios en el jardín (1982)

Más tarde rodó comedias como La corte del faraón” (1985) o Sé infiel y no mires con quién (1985), y volvió a formar parte de adaptaciones de clásicos literarios, como Divinas Palabras (1987), versión de Ramón María del Valle-Inclán que dirigió José Luis García Sánchez, o La casa de Bernarda Alba (1987), adaptación de Federico García Lorca con dirección de Mario Camus.

La casa de Bernarda Alba (1987)

Fue nominada al premio Goya por primera vez por su participación en Miss Caribe (1988), comedia dirigida por Fernando Colomo. Más tarde volvió a ser candidata como mejor actriz al Goya por El vuelo de la paloma (1989), película con José Sacristán, La pasión turca (1994), adaptación de la obra de Antonio Gala que dirigió Vicente Aranda, y Cosas que hacen que la vida valga La pena (2004), película co-protagonizada con Eduard Fernández.

Cosas que hacen que la vida valga la pena (2004)

También fue nominada al Goya como mejor directora novel por Cómo ser mujer y no morir en el intento (1991), versión de una conocida novela de Carmen Rico-Godoy que es su única cinta como directora.

En los años 1990, además de los títulos citados, Ana Belén pudo ser vista en comedias como Rosa Rosae (1993) o El amor perjudica seriamente a la salud (1996), otra versión de Valle-Inclán en Tirano Banderas (1993) o la película ambientada en la Guerra Civil Española Libertarias (1996).

Libertarias (1996)

Tras largos años de ausencia en el cine, Ana Belén volvió a aparecer en la gran pantalla con La Reina de España (2016), película dirigida por Fernando Trueba. En 2018 participa en Rocambola, de  Juanra Fernández, hasta ahora su última película. 

Películas de la semana: 27 de mayo

Maigret

Título original: Maigret et la jeune morte. Dirección: Patrice Leconte. País: Francia. Año: 2022. Duración: 89 minutos. Género: Intriga. Policíaco. Crimen. Interpretación: Gérard Depardieu, Aurore Clément, Mélanie Bernier, Anne Loiret, Clara Antoons, John Sehil, Norbert Ferrer, Jade Labeste, Bertrand Poncet, Hervé Pierre, Elizabeth Bourgine, Pierre Moure, André Wilms, Philippe du Janerand. Guion: Jérôme Tonnerre, Patrice Leconte. Novela: Georges Simenon. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Ives Angelo. Productora: Ciné@, F Comme Film, SND Films, Scope Pictures. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis: París, década de 1950, el cuerpo de una hermosa joven vestida con un elegante traje de noche aparece en mitad de una plaza. El célebre inspector Jules Maigret se encarga de investigar el caso, pero le resulta imposible identificar a la víctima, porque absolutamente nadie parece haberla conocido ni recordarla. En el transcurso de sus indagaciones, el camino de Maigret se cruza con el de Betty, una joven delincuente con un parecido sorprendente con la víctima. Todo ello despierta en Maigret el recuerdo de otra desaparición mucho más antigua e íntima.

Sundown

Dirección: Michel Franco. País: México. Año: 2021. Duración: 84 minutos. Género: Drama. Interpretación: Tim Roth, Charlotte Gainsbourg, Iazua Larios, Henry Goodman, Albertine Kotting, Samuel Bottomley, Mónica del Carmen, James Tarpey. Guion: Michel Franco. Fotografía: Yves Cape. Productora: Coproducción México-Francia-Suecia; Teorema Films, Luxbox, Film I Väst, CommonGround Pictures. Premios y nominaciones: Festival Internacional de Cine de Chicago: Nominada a mejor realización; Festival de Cine de El Gouna: Premio Estrella de Plata y nominada a la Estrella de Oro; Festival de Cine de Londres: Nominada a mejor película; Festival Internacional de Cine de Palm Springs: Nominada a mejor película ibero-americana; Festival de Cine de Venecia: nominada a mejor película. Estreno en España: 27 de mayo 2022. Sinopsis: La adinerada familia británica Bennett disfruta de unas relajadas vacaciones en un resort en Acapulco cuando una llamada anuncia un fatal suceso. Alice (Charlotte Gainsbourg) decide interrumpir el viaje de inmediato mientras que Neil (Tim Roth) finge haber perdido el pasaporte y se queda en México, indiferente a una noticia tan trágica. Esta actitud agudiza las diferencias entre ellos hasta llegar a límites insospechados. 

El comensal

Dirección: Ángeles González-Sinde. País: España. Año: 2022. Duración: 100 minutos. Género: Drama. Terrorismo. ETA. Interpretación. Susana Abaitua, Ginés García Millán, Adriana Ozores, David Luque, Fernando Oyagüez. Guion: Ángeles González-Sinde. Novela: Gabriela Ybarra. Música: Antonio Garamendi. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Productora: Tornasol Films, ICAA, Okolin Producciones Cinematográficas, EnBabia Films, RTVE. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis: Iciar y Fernando son jóvenes. Los dos atraviesan la experiencia más traumática de sus breves vidas: la pérdida de uno de los progenitores. Pero Fernando e Iciar no pueden compartir el dolor ni las estrategias para manejarlo. Viven en tiempos distintos. Fernando en 1977 en Bilbao se enfrenta al secuestro de su padre por parte de ETA. Iciar en 2011 en Navarra afronta el cáncer fulminante de su madre Adela. A partir de esta inesperada pérdida, Iciar toma conciencia del trágico secuestro y asesinato de su abuelo, al que nunca conoció, a manos de ETA en 1977. Ante la negativa de Fernando, su padre, de hablar del asunto. Iciar se embarca por su cuenta en una reconstrucción de los tensos días del secuestro cuarenta años atrás. Gracias a su esfuerzo por sacar a la luz la memoria familiar, su padre y ella se reencontrarán en una nueva manera de mirar al pasado para vivir el futuro. Adaptación de la novela homónima autobiográfica de Gabriela Ybarra que narra las secuelas que supuso para su familia el asesinato a manos de ETA de su abuelo paterno, el empresario y político Javier de Ybarra, en el verano de 1977.

Costa Brava, Líbano

Título original: Costa Brava, Lebanon. Dirección: Mounia Akl. País: Líbano. Año: 2021. Duración: 106 minutos. Género: Drama. Interpretación: Nadine Labaki, Yumna Marwan, Saleh Bakri, Nadia Chancel, Liliane Chacar Khoury, Ceana Restom, Geana Restom, Nadia Charbel, François Nour. Guion: Mounia Akl, Clara Roquet. Música: Nathan Larson. Fotografía: Joe Saade. Productora: Coproducción Líbano-Francia-España-Suecia-Dinamarca-Noruega-Estados Unidos; Abbout Productions, Cinéma Defacto, Fox in the Snow Films, Lastor Media, Participant Media, Snowglobe Films, Barentsfilm AS, Boo Pictures, Ginger Beirut Production. Distribuidora: Avalon Films. Premios y nominaciones: Festival de Sevilla: Premio Especial del Jurado. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis: Los Badri escapan de Beirut con la esperanza de una vida mejor. Alejados de la gran ciudad, de la contaminación y del estilo de vida capitalista, empiezan una nueva vida utópica en las montañas libanesas. Sin embargo, la solución que propone el gobierno a la acumulación de basura y la polución es la construcción de un nuevo vertedero, que desgraciadamente se hará justo al lado de su nuevo hogar. La familia tendrá que lidiar con este nuevo problema que dará un giro a sus vidas al mismo tiempo que sacará a la luz sus problemas internos.

Toscana

Dirección: Pau Durà. País: España. Año: 2022. Duración: 82 minutos. Género: Comedia. Interpretación: Eduard Soto, Malena Alterio, Pau Durà, Francesc Orella, Vanessa Cano, Xavi Mira, Ivana Miño. Guion: Pau Durà. Música: Magalí Datzira. Fotografía: Miguel Llorens. Productora: FoscaFilms, Good Machine Films, Institut Català de les Empreses Culturals, IVAC, TV3, True Films, À Punt Media. Distribuidora: Alfa Pictures. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis: Atravesando en vespa la ciudad, y llevando en el bolsillo un frasco con esperma, Santi va hacia una clínica de reproducción asistida para hacer una in vitro con su mujer. De repente, un coche lo tumba y la conductora se larga. Incapaz de poner en marcha la moto, para a un taxi. No dispone de cambio y entra en un restaurante que hay cerca: el Toscana. Allí, Ramón, el propietario, discute en el teléfono por un dinero -que suponemos negro- destinados a la reforma del local. Cuando Santi le pide cambio, entra un tío llamado Tomás reclamando el finiquito que se le debe. Ramon se niega: el negocio va mal. Entonces Tomás saca una escopeta de caza: desesperado, ha consumido el paro, debe pagar la terapia y ha dejado de enviarle dinero a Heidi, su ex sueca que vive en Florencia con su hijo Valter.

Memoria

Dirección: Apichatpong Weerasethakul. País: Colombia. Año: 2021. Duración: 136 minutos. Género: Drama. Interpretación: Tilda Swinton, Daniel Giménez Cacho, Jeanne Balibar, Juan Pablo Urrego, Elkin Díaz, Daniel Toro, Agnes Brekke, Jerónimo Barón, Constanza Gutiérrez. Guion: Apichatpong Weerasethakul. Música: César López. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Productora: Coproducción Colombia-Tailandia-Francia-México-Reino Unido-Alemania; Kick the Machine, Burning Blue, Piano Producciones, Illuminations Films, Anna Sanders Films. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Premio del Jurado (ex aequo); Festival de Chicago: Mejor película; Premios Platino: Mejor sonido. 4 nominaciones. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis: Un desconcertante drama sobre una mujer escocesa, Jessica (Tilda Swinton), una cultivadora de orquídeas que se encuentra en Bogotá para visitar a su hermana. Allí se hace amiga de Agnès, una arqueóloga que estudia restos humanos descubiertos dentro de un túnel en construcción. Jessica viaja para ver a Agnès en el lugar de la excavación y por el camino, en un pequeño pueblo cercano, se encuentra con un descamador de pescado llamado Hernán. Ambos comparten recuerdos junto al río. Cuando el día llega a su fin, una sensación de claridad se despierta en Jessica...

La Mif (la familia)

Título original: La Mif (The Fam). Dirección: Frédéric Baillif. País: Suiza. Año: 2021. Duración: 110 minutos. Género: Drama. Adolescencia. Interpretación: Charlie Areddy, Kassia Da Costa, Amandine Golay, Claudia Grob, Joyce Esther Ndayisenga, Amelie Tonsi, Sara Tulu, Anais Uldry. Guion: Frédéric Baillif. Fotografía: Joseph Areddy. Productora: Fresh Production. Distribuidora: Syldavia Cinema. Premios y nominaciones: BAFICI: Gran Premio - competencia vanguardia y género; Festival de Valladolid - Seminci: Mejor dirección, montaje y mención especial. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis:  Un grupo de chicas que todavía se están lamiendo las heridas termina en un internado. Los trabajadores sociales responsables de su bienestar hacen lo indecible por no cruzar una línea imaginaria: pueden acercarse, pero no sobrepasar dicha línea, pueden establecer un vínculo, pero no un vínculo que prometa algo que luego no puedan cumplir. Se trata en cierto modo de una película familiar que fluye gracias al uso de la cámara en mano y de los diálogos improvisados, pero al mismo tiempo es muy muy comprometida. Y en cuanto sus jóvenes protagonistas empiezan a hablar, su franqueza es comparable únicamente con la de Rosario Dawson en Kids. Cuando analizan “la diferencia entre hacer el amor, mantener relaciones sexuales y follar”, que levante la mano quien no querría escuchar esa conversación.

Alma anciana

Título original. Mbah Jhiwo (Alma anciana). Dirección: Álvaro Gurrea. País: España. Año: 2021. Duración: 93 minutos. Género: Drama. Interpretación: Yono Aris Munandar, Sayu Kholif, Musaena'h, Roni Hidayat. Guion. Álvaro Gurrea. Fotografía. Álvaro Gurrea. Productora: My Deer Films. Distribuidora: Begin Again Films.  Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis: Yono, o Mbah Jhiwo (Alma Anciana), interpretado por Aris Munandar, es uno de los mineros que cargan a diario grandes rocas de azufre por la ladera del cráter del Kawa Ijen. Una mañana, de forma inesperada, su mujer abandona el hogar familiar alterando una rutina en la que el tiempo parecía suspendido. Desde entonces, atrapado como Sísifo en un eterno retorno y guiado por la fe en recuperarla, Yono se enfrentará a sucesos parecidos que irán mutando de aspecto según sus creencias cambian del animismo al islam y al capitalismo. Una película de etnoficción que explora la alteridad y cuestiona el mito del progreso en la realidad neocolonial de las islas de los Mares del Sur. Opera prima de Álvaro Gurrea,  quien ha trabajado anteriormente como actor en 7 calles y Bandera Negra.

En otro lugar

Dirección: Jesús del Cerro. País: España. Año: 2021. Duración: 98 minutos. Género: Romance. Comedia. Comedia romántica. Vida rural. Interpretación: Miguel Ángel Muñoz, Pablo Puyol, Esmeralda Pimentel, Mario Pardo, Adriana Torrebejano, Mamen García, Codin Maticiuc, Cayo Martin Franco. Guion. José Luis Feito. Música: Carlos Martín. Fotografía: Javier de la Iglesia. Productora: ATM Producciones. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis: Pedro (Miguel Ángel Muñoz) es un joven arquitecto en paro que, estando con su tío Luis (Pablo Puyol), un médico también desempleado, le sorprende una noticia: su abuelo Paco, a quien no llegó a conocer, ha fallecido. Paco era un reputado arquitecto que emigró a México y ha dejado a Pedro en herencia dos vacas y una burra en un pueblo del norte de España. Los dos jóvenes dejan la ciudad para emprender un viaje con la intención de vender los animales, pero las situaciones que les esperan cambiarán sus planes. Ambos se enamoran del paisaje y de sus gentes. Pedro en especial de Paula (Esmeralda Pimentel), una joven estudiante mexicana, nieta del mejor amigo de su abuelo. Todos se verán envueltos en un disparatado enredo familiar originado por “la Jana” (Mamen García), la antigua novia de Paco, obsesionada con el tesoro que, supuestamente, había escondido antes de morir. Jesús del Cerro también es conocido por sus trabajos en televisión, con series como Médico de familia. En esta comedia romántica, el director explora el contraste entre el mundo rural y la ciudad.

La piel en llamas

Dirección: David Martín Porras. País: España. Año: 2022. Duración: 87 minutos. Género: Drama. Fotografía. Interpretación: Óscar Jaenada, Fernando Tejero, Ella Kweku, Lidia Nene. Guion: Guillem Clua, David Martín Porras. Obra: Guillem Clua. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Jose Martín Rosete. Productora: La Panda, Álamo Producciones Audiovisuales. Distribuidora: Álamo Producciones Audiovisuales. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis: En una guerra en medio de Oriente, Frederick Salomon captura el momento exacto en el que cae una bomba en una escuela y una niña sale volando por los aires. Esa imagen se convirtió en la fotografía más famosa de la historia del fotoperiodismo de guerra y convirtió al autor en un mito viviente. Veinte años después, el fotógrafo vuelve al país donde tomó la imagen para recoger un premio. Lo que no sabe es que allí le aguarda una periodista local que intenta matarle por motivos que Salomon aún desconoce. Lo que no sabe es que esa mujer es la niña de la fotografía, y ahora busca venganza. La piel en llamas transcurre enteramente en un solo lugar, un hotel donde se reúnen cuatro personas que deberán dejar a un lado sus diferencias para lidiar con traumas que esconde su pasado. guion está basado en la obra de teatro de Guillem Clua. 

El corazón de Europa

Dirección: Juan Pinzás. País: España. Año: 2022. Duración: 110 minutos. Género: Drama. Fantástico. Interpretación: Elke Krüger, Katherine Sorel, María Villar, Juan Pinzás. Guion: Juan Pinzás. Fotografía: Rudolf Koch. Productora: Coproducción España-Alemania-Francia-Italia-Reino Unido; Abstracto Films, Atlántico Films, Cinema Indie Group. Distribuidora: Phoenix Entertainment Group (PEG). Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis. El director de cine Julián Pintos se encuentra encerrado con su alter ego y sus demonios debido a la cuarentena global originada por una pandemia que está asolando el planeta en pleno siglo XXI. Juntos, emprenderán un viaje introspectivo donde se encontrarán con múltiples personajes, entre ellos la misteriosa Máscara de Plata y las dos inquietantes máscaras del teatro, musas de la comedia y la tragedia, encarnadas y desdobladas en Esther y Diana. Todos ellos se verán atrapados en un túnel del tiempo y, como única escapatoria, intentarán hallar el corazón de Europa rememorando sus respectivos pasados conectados entre sí con el viejo Continente, permitiendo así que salgan los miedos más escondidos y reprimidos de cada uno de ellos. La película es la secuela de El vientre de Europa, película de 2017, También dirigida por Juan Pinzás. Se trata de un sobrecogedor relato onírico sobre el cine europeo de autor. 

Red Cunt

Título original: Red Cunt, Reconsidering Periods. Dirección: Toti Baches. País: Alemania. Año: 2021. Duración: 86 minutos. Género: Documental. Animación. Reparto: Animación, Documental. Guion: Toti Baches. Música: Andrew Krell, Pere Pèries. Fotografía: Animación, Guillem Atienza, Tuki Jencquel. Productora: Coproducción Alemania-España; Nächster Halt Film, Toned Media. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis. Película documental y de animación sobre la menstruación y los tabúes a su alrededor. Abordaremos el mundo de la regla y la pondremos allí donde se merece: en medio de la sociedad y no discriminada y escondida en un rincón. ¿Por qué está tan discriminada la regla? ¿Quién saca provecho de esta discriminación? ¿De qué estatus disfrutaría si la tuvieran los hombres? Estas preguntas y muchas más se profundizan en la película con la ayuda de Mensi, un ser de sangre que acompaña a Isabel un par de días al mes durante muchos años. La película cuenta con la participación de un grupo de personas muy diversas y de distintos países, convirtiendo a la regla en el centro del interés social, científico, artístico y económico de nuestra sociedad, está dirigida por la directora alemana Rosa Baches.

Jujutsu Kaisen 0: La película

Título original: Gekijouban Jujutsu Kaisen 0. Dirección: Sunghoo Park. País: Japón. Año: 2021. Duración: 105 minutos. Género: Animación. Fantástico. Terror. Intriga. Acción. Manga. Sobrenatural. Colegios. Precuela. Reparto: Animación. Guion: Hiroshi Seko. Manga: Gege Akutami. Música: Arisa Okehazama, Hiroaki Tsutsumi. Fotografía: Animación, Teppei Ito. Productora: MAPPA, TOHO Animation. Estreno en España: 27 de mayo de 2022. Sinopsis: La película de 'Jujutsu Kaisen' se centra en Yuta Okkutsu, un estudiante de secundaria que vive aterrorizado. Cuando eran pequeños, su amiga de la infancia Rika murió en un accidente y se convirtió en un espíritu maligno que está ligado a él. La solución para la vida atormentada de Yuta parece llegar cuando Satoru Gojo le convence a unirse a una escuela donde aprender a controlar y utilizar su maldición, aunque sus nuevos compañeros de entrada no están muy por la labor de darle la bienvenida. Por si esto fuera poco, entra en escena Suguro Geto, quien fue expulsado de la escuela de hechicería y que ahora aspira a exterminar a los que no son hechiceros y crear un mundo únicamente para aquellos que son como él.   Precuela de la serie anime Jujutsu Kaisen.

Mujeres de cine: Ana Belén (I)

El 27 de mayo de 1951 nace María del Pilar Cuesta Acosta, más conocida como Ana Belén, cantante, actriz y directora española. En su larga trayectoria artística cuenta con más de cuarenta películas, unas treinta obras de teatro y más de treinta y cinco discos. Ha sido nominada en dos ocasiones al Grammy Latino y ha conseguido el Premio Grammy Latino a la excelencia musical en 2015 y el Premio Goya de Honor en 2017.​ Está casada con el cantautor asturiano Víctor Manuel, su pareja artística en muchas ocasiones.

Tras firmar un contrato con la productora Época Films, con trece años protagonizó la película Zampo y yo, dirigida por Luis Lucía, y de cuya protagonista tomó el nombre artístico.

En la década de los años 1970 su participación en el cine fue ganando presencia gracias a películas como Españolas en París (1970), película con Laura Valenzuela y Tina Sáinz, o Aunque la hormona se vista de seda… (1971), comedia en la que se emparejaba con Manuel Summers. En esa misma década, compartió créditos con Paco Rabal en Tormento (1974), adaptación de una novela de Benito Pérez Galdós.

Tormento (1974)

Interpretó a la esposa de José Sacristán en la sátira sobre publicidad Vida Conyugal Sana (1974). Compartió reparto con Fernando Fernán Gómez y Jaime Gamboa en El amor del capitán Brando (1974). Intervino en Emilia… parada y fonda” (1976). La Petición (1976), debut en largometraje de Pilar Miró adaptando un cuento de Émile Zola.

La petición (1976)

Fue la mujer de Juan Diego en La criatura (1977), película de Eloy de la Iglesia con rasgos de zoofilia. Protagonizó La oscura historia de la prima Montse (1977), adaptación de una novela de Juan Marsé. Fue dirigida por Manuel Gutiérrez Aragón en Sonámbulos (1978) y, entre otras películas, participó en la adaptación que se estrenó de El Buscón (1979) de Quevedo en plena época del destape.

La oscura historia de la prima Montse (1977)

(cont.)

Hemos clasificado las películas de Martin Scorsese, de peor a mejor (V)

11.- George Harrison : Living in the Material World (2011)

Un relato fluido sobre el tercero de Los  Beatles. Una completísima y, en ocasiones, abrumadora suma de archivos inéditos y abundantes testimonios, que también dice mucho del director de Scorsese. Su mejor documental musical.

10.-  Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn't Live Here Anymore, 1974)

Entre Mean Streets y Taxi Driver, Scorsese firmó el retrato de una viuda melancólica que sueña con convertirse en cantante. Muy distante, en apariencia, de su universo, esta desconocida canción de amor a Ellen Burstyn brilla como una melodía de Douglas Sirk.

9.- Los infiltrados (The Departed, 2006)

Dos jóvenes se ocultan: uno, un policía respetado, informa a un mafioso. El otro, infiltrado en el crimen organizado, quiere salvar el pellejo. El remake del thriller hongkonés Juego sucio (Infernal Affairs, 2002),dirigida por Andrew Lau y Alan Mak,  es un fresco sublime, duro y violento, que Scorsese filma como una ópera febril y fúnebre. Matt Damon y Leonardo DiCaprio están magníficos.

8.- Jo, ¡qué noche! (After Hours, 1985)

Un Scorsese sorprendente y jubiloso. La noche divertida, loca y aterradora de un neoyorquino sin dinero que solo quiere irse a casa. La ciudad se filma como una jungla poblada de peligros, y Griffin Dunne, pobre hombrecillo, es absolutamente brillante. Una pesadilla virtuosa que te deja descuidado e hilarante.

7.- Taxi Driver (1976)

Un amargado y fascinado veterano de Vietnam deambula por las calles de Nueva York al volante de su taxi. Almacena armas y tiene una obsesión: combatir el “vicio”. A partir de un guion de Paul Schrader, Scorsese compone un thriller sórdido y fascinante, Palma de Oro en Cannes. Enorme De Niro, como (casi) siempre en las películas de su cómplice italoamericano.

Películas de la semana: 26 de mayo

Top Gun: Maverick

Dirección: Joseph Kosinski. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración: 131 minutos. Género: Acción. Drama. Ejército. Aviones. Secuela. Interpretación: Tom Cruise, Miles Teller, Jennifer Connelly, Jon Hamm, Glen Powell, Ed Harris, Val Kilmer, Lewis Pullman, Charles Parnell, Bashir Salahuddin, Monica Barbaro, Jay Ellis, Danny Ramirez, Jean Louisa Kelly, Manny Jacinto, Jake Picking, Penelope Kapudija, Peter Mark Kendall, Chelsea Harris, Kara Wang, Raymond Lee, Lyliana Wray, Roberta Sparta, Jason Woods, Dana Byrne, Nancy DeMars, Mark Anthony Cox, James Quach, Tristan Henry. Guion: Ehren Kruger, Eric Singer, Christopher McQuarrie. Personaje: Jim Cash, Jack Epps Jr.. Historia: Peter Craig, Justin Marks. Música: Harold Faltermeyer, Hans Zimmer, Lorne Balfe. Fotografía: Claudio Miranda. Productora: Paramount Pictures, Jerry Bruckheimer Films, Skydance Productions. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 20 de mayo de 2022. Sinopsis: Después de más de 30 años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete "Mavericks" Mitchel (Tom Cruise) se encuentra donde siempre quiso estar, superando los límites como un valiente piloto de pruebas y esquivando el ascenso de rango, que no le dejaría volar emplazándolo en tierra. Cuando se encuentra entrenando a un grupo de graduados de Top Gun para una misión especializada, Maverick se encuentra allí con el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), el hijo de su difunto amigo "Goose"... Secuela de Top Gun, ídolos del aire (1986).