Mujeres de cine: Mary Carrillo

El 31 de julio de 2009 falleció en Madrid María Carrillo Moreno, conocida artísticamente como Mary Carrillo, actriz española.

Considerada una de las grandes actrices de la escena española del siglo XX, debutó en 1936 en la Compañía de Hortensia Gelabert, con la obra El juramento de la primorosa y posteriormente en la de Pepita Díaz-Manuel Collado (con quien interpreta Nuestra Natacha). Al inicio de la Guerra Civil Española marcha a México y estrena Prohibido suicidarse en primavera con la Compañía Díaz-Collado. Allí se casó, con apenas diecisiete años, en el Teatro Nacional de La Habana apadrinada por Alejandro Casona, con el actor Diego Hurtado Álvarez.

De regreso a España, retoma su carrera teatral y realiza la película Marianela (1940), de Benito Perojo, inspirada en la novela homónima de Benito Pérez Galdós. Tras rodar otros tres largometrajes, se aparta de la gran pantalla hasta 1958.

En 1958 vuelve al cine, con El pisito, de Marco Ferreri. En los años siguientes se suceden una serie de títulos notables, en los que Mari Carrillo despliega su gran capacidad artística especialmente en registros dramáticos: El crimen de Cuenca, dirigida por Pilar Miró, La Colmena y Los santos inocentes (1984), de Mario Camus... Pero también en títulos de comedia (Entre tinieblas, de Pedro Almodóvar).

Cumplió 25 años: 187, más mentes peligrosas

El 30 de julio de 1997 se estrenó la película estadounidense 87, más mentes peligrosas (187 AKA One Eight Seven), dirigida por Kevin Reynolds con Samuel L. Jackson, John Heard, Kelly Rowan, Clifton Collins Jr., Tony Plana,Karina Arroyave, Lobo Sebastian, Jack Kehler. Productora: Icon Productions. Duración: 119 minutos. 

Sinopsis argumental: Trevor Garfield es un profesor que se vuelca en cada uno de sus alumnos, porque es consciente de que graduarse es la única oportunidad que tienen de salir de los barrios marginales. Después de numerosos enfrentamientos, uno de sus alumnos lo acuchilla. Un año después, completamente recuperado vuelve a la enseñanza en un instituto nuevo. Tampoco allí el ambiente es muy alentador, pero en esta ocasión no está dispuesto a desempeñar el papel de víctima.

Comentario: 187 (el artículo que en el código penal de California define el asesinato) lleva la clásica trama de profesor enfrentado a una clase de alumnos más que problemáticos al terreno del cine de justicieros sin pretender adentrarse en el género.

La UFA - Universum Film AG (I)

Con sus dos grandes estudios en Berlín, sus talentos y su producción de calidad, esta gigantesca productora contribuyo a mantener el orgullo nacional de Alemania durante los sombríos días que siguieron a la I Guerra Mundial. 
La más célebre productora cinematográfica de la era del cine mudo (aparte de las
de HollywoodI fue la alemana UFA - Universum Film Aktiengessellschaft. A pesar de la derrota en la I Guerra Mundial, de la inflación galopante y el hundimiento del marco, Alemania logró gracias a ella convertirse en el mayor país productor de Europa. 

A ella la siguió, al empezar 1917, la BUFA (Bild und Filmamt), creada para mostrar filmes en salas de proyección en los frentes de batalla, pero se disolvió en 1918.

La UFA se fundó originalmente como parte del esfuerzo bélico. El general Ludendorff, ayudante del mariscal von Hinderburg, reconoció que el cine era ya de vital importancia para fines de propaganda y para mantener alta de las tropas, y propuso que, en interés de la nación, las diferentes productoras se fusionasen en una sola. Para lograrlo creo un departamento de Fotografía y Cine del Ejército, conocido como BUFA (Bild und Filmamt). La industria cinematográfica suguió el ejemplo, creando la DEULING o DLG (Deutsche Lichtbild-Gesellschaft), para hacer películas documentales propagandísticos. 

Estudios UFA en Tempelhof hacia mediados de 1920

Como consecuencia de ese impulso unificador del ejército, el gobierno y la industria, en noviembre de 1917 se fundó la UFA, con un capital de 25 millones de marcos, de los cuales un tercio los puso el gobierno, mientras que los otros dos tercios procedían de diversas fuentes industriales. Compañías destacadas, como la Projektions-AG Union (PAGU), de Paul Davidson, la German Nordisk, la Vitascop y la Sascha Film austríaca, se convirtieron en filiales de la UFA. En 1919, la UFA tenía a su disposición talentos como los de Ernst Lubitsch (y su guionista Hans Kräly), Max Mack, Gustav Ucicky, y los húngaros Manó Kertész Kaminer (el futuro Michael Curtiz) y Alexander Korda, así como estrellas de la categoría de Pola Negri, Asta Nielsen, Fritz Korner y Emil Jannings.

La misión de la UFA, intensificada después de la guerra, era la de promocionar las tradiciones y la cultura alemanas en tantas películas de mérito artístico como fuera posible, con frecuencia en producciones históricas espectaculares y películas que demostrasen el profesionalismo y el talento de los alemanes. Las películas germanas de la época poseían una calidad muy superior a la de cualquiera de sus vencedores  en la guerra, Francia, y sobre todo, Gran Bretaña iban muy por detrás, aunque Francia comenzó a ponerse a su misma altura hacia mediados de la década de 1920. 

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Mujeres de cine: María León

El 30 de julio de 1984 nace en Sevilla, María León, actriz española. Es hermana del actor y director Paco León, e hija de la también actriz Carmina Barrios.

Formada en la Escuela La Platea de Madrid y con Ana Rodríguez Costa en Barcelona, su primer papel protagonista lo obtuvo en la serie de televisión SMS. A partir de entonces ha intervenido en otras series como Cuenta atrás, Maitena: Estados alterados, La tira, o Con el culo al aire, en roles tanto protagónicos como secundarios, así como en la película para televisión Una bala para el rey (2009). En la gran pantalla ha formado parte del reparto de Fuga de cerebros (2009), Cuerpo de élite (2016).

En 2011 recibió la Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián​ y el Premio Goya a la mejor actriz revelación por su primer papel protagónico en una película, La voz dormida (2011), de Benito Zambrano.​ También participó en un capítulo de la serie Los Quién.

En el año 2012 compartió papel principal junto a su madre en la película Carmina o revienta (2012), dirigida por su hermano Paco León. Repitió como protagonista, de nuevo junto a su madre, en la película Carmina y amén, continuación de la anterior y estrenada en 2014.

Entre 2012 y 2014 forma parte del reparto principal de Con el culo al aire para Antena 3 interpretando a Sandra Rojo.

Un año después, en 2015 protagoniza Allí abajo interpretando a Carmen Almonte junto a Jon Plazaola para Antena 3 que se mantuvo en emisión durante cinco temporadas hasta 2019 que finalizó la serie. En 2018 participa en un capítulo de Cuerpo de élite.

A finales de 2019 participa en la segunda temporada de La casa de las flores interpretando a Purificación, la hermana del personaje de Paco León, en 2020 se confirma que también está presente en la tercera y última temporada como personaje principal.

Sus última películas ha sido: Los Japón (2019), La lista de los deseos (2020), ambas de de Álvaro Díaz Lorenzo; Donde caben dos (2021), de Paco Caballero y La piedad (2022), de Eduardo Casanova. 

Efemérides de cine: Defensa

El 30 de julio de 1997 se estrenó la película estadounidense Defensa (Deliverance), dirigida por John Boorman e interpretada por Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty, Ronny Cox, James Dickey, Bill McKinney. Productora: Warner Bros., Elmer Enterprises. Duración: 110 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuatro amigos que viven en la ciudad deciden pasar un fin de semana en los Montes Apalaches, lejos de sus familias y los problemas de la oficina. Quieren bajar en canoa un río que atraviesa un bosque que pronto será inundado para la construcción de una presa. Todo parece ir bien pero, tras una jornada placentera, el encuentro con los locales convierte la excursión en una angustiosa pesadilla.

Comentario: Defensa está basada en la novela homónima escrita en 1970 por el escritor y poeta James Dickey, quien murió en enero de 1997. Después de cincuenta años de su estreno, la película sorprende por su enorme carga de violencia explícita. Su director, John Boorman, logró con este trabajo uno de sus más reconocidos triunfos. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Little Red Riding Hood

El 29 de julio de 1922 se estrenó la película estadounidense Little Red Riding Hood, dirigida por Walt Disney. Reparto: Animación. Productora: Estudio Laugh-O-Gram. Duración 6 minutos y 12 segundos. 

Sinopsis argumental: Mamá está haciendo donas: lanza un círculo de masa y un gato le hace un agujero. Luego, los saca del aceite con un hilo de pescar; se come uno y pierde las 9 vidas. La madre arma una canasta para que Red se la lleve a la abuela. Red usa su carrito, que es empujado por su perrito; al carro se le pincha una llanta y ella infla una dona para reemplazarla. Un lobo (un lotario humano) pasa en un flipver y corre hacia la casa de la abuela, donde encuentra una nota que dice que se ha ido al cine. Encoge su auto y lo guarda en su bolsillo, luego espera a Red, quien se detuvo para mirar una flor danzante. Red llega y entran en la casa, donde él intenta salirse con la suya. El perro sale corriendo y recibe ayuda de un piloto de avión, que usa un gancho aéreo para sacar la casa y, en última instancia,

Comentario: Es una interpretación de la historia tradicional de Caperucita Roja. La película es parte de la serie Laugh-O-Grams que se estrenó en 1922. Esta es una de las primeras caricaturas de Walt Disney, y se considera el primer intento de Disney de narración animada. En lugar de usar celdas de animación, se hizo principalmente fotografiando líneas entintadas en papel.La película se consideró perdida durante muchos años y se incluyó en 1980 en el American Film Institute en listado de las 10 películas más buscadas para la preservación de archivos. Una copia de la película fue descubierta por el coleccionista británico David Wyatt en una filmoteca de Londres en 1998 y fue restaurada el mismo año. La película fue la primera aparición de Julius the Cat de Walt Disney, quien se convertiría en el primer personaje recurrente de Disney. Julius aparecería por última vez en el libro Alice the Beach Nut.  

Historia del cine: El cine alemán (IV)

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F. W. Murnau (1888-1931) logró sobrevivir a las vicisitudes del cine alemán de los años 1920, y triunfar durante su breve estancia en Hollywood sobre todo con Amanecer, que le valió a su protagonista Janet Gaynor, uno de los primeros Oscar de la Academia concedido en 1928. En su primera obra importante Nosferatu (Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens, 1922), Murnau intentó abordar un tema fantástico y de terror, desde un punto de vista realista que implicaba rodar en las calles en lugar de los estudios, y utilizar la profundidad fotográfica de campo. La textura de Nosferatu (basada en la novela Drácula de Bram Stocker) es audazmente naturalista. 

Max Schreck como Nosferatu

En El último, Murnau renunciaba a los títulos, narrando la historia en términos puramente visuales, y ofreciendo a Karl Freund la oportunidad de sujetar la cámara al pecho y moverse libremente. Con sus ataques contra la sociedad decadente y ese implacable sentido de lo visual de que sólo el cine es capaz, El último se convirtió en uno de los grandes títulos alemanes de la década de 1920.  

Emil Jannings en El último (1924)

“La batalla del lago Changjin” o el triunfo del cine propagandístico chino

Enorme éxito del año 2021, esta epopeya china con un presupuesto colosal recrea una batalla del pasado, pero dice mucho de la China actual. Un espectáculo de guerreros, hecho a medida por el Partido Comunista Chino.

Hasta la última semana de 2021 (y la llegada de Spider-Man: No Way Home), la película más rentable en los cines era china, sin siquiera haber sido distribuida en Occidente: La batalla del lago Changjin (The Battle at Lake Changjin). Narra otra hazaña, de carácter militar: la lucha sobrehumana de los voluntarios del Ejército Popular de China, aliados con sus camaradas de Corea del Norte, para detener el avance de las tropas estadounidenses del general MacArthur en la península de Corea. Más precisamente, la región del lago Changjin, montañosa y gélida en ese invierno de 1950.
Encargada por el Partido Comunista Chino como parte de las celebraciones de su centenario, este éxito de taquilla tiene como objetivo mantener el fervor patriótico de toda una nación durante tres horas de un espectáculo guerrero, pirotécnico y gore. Su patriotería exaltada roza lo caricaturesco, pero a veces también diabólicamente brillante, de las películas de Hollywood (Top Gun, de Tony Scott) o las películas soviéticas (Alexander Nevsky, de Sergei Eisenstein). En China, además, La batalla del lago Changjin afirma ser parte de una larga lista de éxitos de taquilla con un enfático revisionismo.

Sin embargo, a pesar de un presupuesto equiparable al de Marvel, sus efectos digitales suelen ser aprensivos, hasta el punto de impedir que determinadas heroicidades tengan la repercusión necesaria. Su música a veces está fuera de lugar y su edición es ilegible. Pensamos en el cine de Michael Bay o Roland Emmerich (una época anticipada para hacer La batalla del lago Changjin). El conjunto sigue siendo entretenido, a pesar (¿por?) de sus excesos. Tenemos derecho a la aparición de un Mao esbelto, aún no endiosado y preocupado por las pérdidas humanas. O a un montaje paralelo en el que los soldados americanos se atiborran de pavos asados ​​en su campamento fortificado, mientras a unos cientos de metros los soldados chinos emboscados en las montañas heladas se rompen los dientes con patatas, duras como piedras.

Nacionalismo ciego

La batalla del lago Changjin está codirigida por tres cineastas, cuyas tareas respectivas se desconocen. Chen Kaige, autor de Adiós a mi concubina (Ba wang bie ji, 1993),  probablemente preparó la historia, que presenta a los miembros del batallón chino con destino a Corea: el comandante sabio, el novato impetuoso, el veterano brusco, el padre de familia que siempre tiene la foto de su hija en sus manos, etc. Los otros dos directores son más propensos a centrarse en el combate: Dante Lam, un director especialista en cine, que tiene el ojo puesto en el videojuego Call of Duty, y Tsui Hark, autor de la serie Érase una vez en China (Wong Fei-hung AKA Huang Fei-hong, 1991), cuyo estilo creemos reconocer en el dantesco y delirante enfrentamiento de dos tanques, en la ladera de un cerro. No podemos reprochar a este triunvirato que no respete las especificaciones ideológicas: apenas se puede distinguir un soldado o una bandera coreana, sean del norte o del sur, y todos los infantes chinos son moralmente superiores a los yanquis. Por lo tanto, los actores hacen lo que pueden. Gritan en mandarín diálogos de una terrible rigidez burocrática, o intentan una broma dudosa sobre la noción de autocrítica.

No importa, los espectadores chinos rompieron en llanto cuando vieron el sacrificio de sus mayores en la pantalla. Los más jóvenes, como homenaje, ahora se filman en las redes sociales comiendo patatas congeladas. Las razones por las que se produjo la película (la promoción de un nacionalismo ciego) pueden confundirse con aquellas por las que el público acudió en masa a verla en los cines (interés por la historia china). El éxito de La batalla del lago Changjin es también un reflejo de la geopolítica actual. En un contexto de crecientes tensiones entre China y Estados Unidos, el entusiasmo por la narrativa hollywoodense decae en el país de Xi Jinping, que ahora prefiere producir sus propios blockbusters y transmitirlos principalmente en sus salas, a la atención del público local exclusivamente.

Películas de la semana: 29 de julio

Los perdonados

Título original: The Forgiven. Dirección: John Michael McDonagh. País: Reino Unido. Año: 2021. Duración: 117 minutos. Género: Drama. Thriller. Crimen. Interpretación: Ralph Fiennes, Jessica Chastain, Caleb Landry Jones, Saïd Taghmaoui, Matt Smith, Abbey Lee, Mourad Zaoui, Ismail Kanater, Christopher Abbott, Alex Jennings, Marie-Josée Croze, David McSavage, Ben Affan,  Anas Elbaz, Imane Elmechrafi, Abdellah Chakiri, Omar Ghazaoui, Zakaria Atifi. Guion: John Michael McDonagh. Novela: Lawrence Osborne. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Larry Smith. Productora: House of Un-American Activities, Brookstreet Pictures, Head Gear Films, Metrol Technology, Assemble Media, Kasbah-Film Tanger, Lipsync Productions. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 29 de julio de 2022. Sinopsis: Una pareja adinerada al borde del divorcio, David y Jo Henninger, viajan desde Londres a Marruecos para asistir a un fin de semana a todo lujo en el suntuoso hogar sahariano de unos amigos. Tras una comida acompañada de demasiado alcohol, sucede una tragedia. Lo que prometía ser una gran festividad acabará convirtiéndose en un fin de semana que, en el peor de los sentidos, ninguno olvidará jamás.

Héroes de barrio

Dirección: Ángeles Reiné. País: España. Año: 2022. Duración: 86 minutos. Género: Comedia. Cine familiar. Interpretación: Antonio Pagudo, Luna Fulgencio, Antonio Dechent, Álex O'Dogherty, Lisi Linder, Jesús Olmedo, Ken Appledorn, Adrián Pino, Joaquín, Sergio Reifs, Carolina Bassecourt, Carla Reifs. Guion: Antonio Prieto, Ángeles Reiné. Música: Alfonso Casado. Fotografía: Alberto Pareja. Productora: Spal Films, Álamo Producciones Audiovisuales, Galdo Media, Canal Sur. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 29 de julio de 2022. Sinopsis: Paula es una niña que juega en un equipo de fútbol infantil femenino y pide a su padre, Luís, que le traiga a final de temporada al jugador del Betis Joaquín, de quién éste finge ser un buen amigo. Luís se apoya en su padre, un ex boxeador, y en su amigo Lito para intentar recuperar el amor de su mujer, que ahora vive con una nueva pareja. Segundo largometraje de la directora Ángeles Reiné, quien debutó con Salir del ropero, que se convirtió en la última película protagonizada por Rosa María Sardá. Presentada en la 25ª edición del Festival de Málaga, una comedia familiar producida por los productores de El mejor verano de mi vida.

La fractura

Título original: La fracture. Dirección: Catherine Corsini. País: Francia. Año: 2021. Duración: 98 minutos. Género: Comedia. Drama. Interpretación: Valeria Bruni Tedeschi, Marina Foïs, Pio Marmai, Aïssatou Dialo-Sagna, Jean-Louis Coullo'ch, Camille Sansterre, Marin Laurens, Caroline Estremo, Ferdinand Perez, Clément Cholet, Ramzi Choukair, Norman Lasker. Guion: Catherine Corsini, Agnès Feuvre, Laurette Polmanss. Música: Robin Coudert. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Productora: Chaz Productions, France 3 Cinéma. Distribuidora: La Aventura Audiovisual. Premios y nominaciones: Premios César: Mejor actriz secundaria (Dialo-Sagna). 6 nominaciones. Estreno en España: 29 de julio de 2022. Sinopsis: Raf (Valeria Bruni Tedeschi) y Julie (Marina Foïs), una pareja a punto de romper, se encuentran en Urgencias al borde de la asfixia la noche de una manifestación parisina de los "chalecos amarillos". Su encuentro con Yann (Pio Marmaï), un manifestante herido y en cólera, hará que sus certezas y prejuicios vuelen en mil pedazos. Fuera, la tensión continúa creciendo. El hospital, bajo presión, debe cerrar sus puertas. El personal está desbordado. La noche va a ser larga...

La traición de Huda

Título original: Huda's Salon. Dirección: Hany Abu-Assad. País: Palestina. Año: 2021. Duración: 91 minutos. Género: Thriller. Conflicto árabe-israelí. Interpretación: Ali Suliman, Maisa Abd Elhadi, Samer Bisharat, Omar Abu Amer, Kamel El Basha, Manal Awad. Guion: Hany Abu-Assad. Música: Jeffrey van Rossum. Fotografía: Ehab Assal, Peter Flinckenberg. Productora: Coproducción Palestina-Egipto-Países Bajos (Holanda); H & A Productions, Cocoon Films, Doha Film Institute, Film-Clinic, KeyFilm, Lagoonie Film Production, MAD Solutions, Philistine Films. Distribuidora: Karma Films. Estreno en España: 29 de julio de 2021. Sinopsis: Reem, una joven madre palestina casada con un hombre celoso, acude a la peluquería de su amiga Huda, en Belén y lo que debía ser una visita rutinaria se convierte en una desagradable experiencia cuando Reem empieza a desvanecerse en su silla. Huda le ha tendido una trampa. Con la ayuda de un cómplice le hacen posar en fotos comprometidas para chantajearla, y conseguir así que colabore con el servicio secreto israelí, traicionando así a su pueblo. Presentada en la Seminci de Valladolid y en el Festival de Toronto. Maisa Abd Elhadi ganó el premio a mejor actriz en los premios Critics Awards for Arab Films Award gracias a su papel en este filme. Hany Abu-Assad estuvo también nominado por los mismos premios en la categoría como mejor director.

La furia de la montaña

Título original: Feng bao. Dirección: Jun Lee. País: China. Año: 2021. Duración: 114 minutos. Género: Acción. Aventuras. Drama. Catástrofes. Interpretación: Yilong Zhu, Huang Zhizhong, Chen Shu, Jiao Junyan, Chen Taisheng, Ge Wang, Siyu Lu, Hong Jiantao, Xiaoou Zhou, Bin Zi, Sun Yili, Huang Chao, Peng Yan, Zhang Guoli, Zhang Yi, Bai Ke, Xin Qiao, Li Guangjie, Zhenyu Qiao, Tao Hong, Shen Zhang, Shasha Yu. Guion: Sha Song, Jun Lee. Fotografía: Xiaoshi Zhao. Distribuidora: YouPlanet Pictures. Estreno en España: 29 de julio de 2022. Sinopsis:  La historia nos cuenta cómo en la construcción de un túnel, varias anomalías presagian que una gran catástrofe está a punto de producirse. Ante este hecho, son varias las medidas que han de tomar los que se encuentran al cargo de la obra. En esta producción china, asistimos al género de grandes epopeyas humanas, donde la supervivencia es el gran motivo por el que gira la trama. Aquí hay acción y dramatismo, siempre con los grandes efectos especiales del que este tipo de producciones hacen gala. La furia de la montaña es una superproducción china que ha sido como un tsunami en taquilla, consiguiendo registros altísimos de recaudación en su país. La cinta está inspirada en un hecho real que aconteció en una pequeña población.

Vortex

Dirección: Gaspar Noé. País: Francia. Año: 2021. Duración: 142 minutos. Género: Drama. Vejez. Madurez. Enfermedad. Interpretación: Dario Argento, Françoise Lebrun, Alex Lutz. Guion: Gaspar Noé. Fotografía: Benoît Debie. Productora: Coproducción Francia-Bélgica-Mónaco; Rectangle Productions, Wild Bunch, Les Cinemas de la zone, KNM, Artemis Productions, Srab Films, Les Films Velvet, Kallouche Cinéma. Distribuidora: Filmin. Estreno en España: 29 de julio de 2022. Sinopsis: Los últimos días de una pareja de ancianos que tienen demencia. "La vida es una fiesta corta que pronto será olvidada". Se trata del último proyecto del director y guionista, Gaspar Noé. La película ha sido alabada por la crítica internacional. The Hollywod Reporter opina que: "parece que ha llegado un Noé más maduro, uno que permanece más tranquilo y es menos manipulador de lo que fue Haneke en 'Amour' pero con un final igualmente impactante. (...) Lebrun es silenciosamente extraordinario en un papel en el que se muestra desnudo hasta sus elementos más esenciales, mientras que Argento también es conmovedor".

Buscando la película (Verano 2020)

Dirección: Enrique García-Vázquez. País: España. Año: 2021. Duración: 96 minutos. Género: Documental. Coronavirus (COVID-19). Reparto: Documental, intervenciones de: Sofía Corral, Karu Borge, Enrique García-Vázquez, Lucía Lobato. Guion: Enrique García-Vázquez. Música: Sofía Corral. Fotografía: Karu Borge. Distribuidora: Phoenix Entertainment Group (PEG). Estreno en España: 29 de julio de 2022. Sinopsis: Cuatro jóvenes desempleados, una cámara, un micrófono, una furgoneta y una tienda de campaña. Verano de 2020, una pandemia global representa una crisis más para sus sueños frustrados. No obstante, deciden salir a buscar la película, su película, un viaje a lo largo de toda la península que les llevará a descubrir como la generación Z vivió la crisis financiera y sanitaria provocada por el coronavirus. Se trata de una mirada fresca sobre esa generación que ha crecido con las sucesivas crisis. El propio equipo del film protagoniza el viaje en busca de su propio porvenir en estos tiempos revueltos. Una crónica generacional sobre el verano de la pandemia. Enrique García-Vázquez es un cineasta de Laguna de Duero que defiende hacer cine desde Castilla y León. Comienza su carrera joven y dirige su primer largometraje a la edad de veintitrés años. Cree fuertemente en el cine como un arte de equipo, y forma su propia productora, Moraleja Films, junto con su habitual equipo de confianza. Defiende también hacer cine desde la visión de su generación, que muchas veces es olvidada o menospreciada por el mundo de los adultos.

DC Liga de supermascotas

Título original: DC League of Super-Pets. Dirección: Jared Stern, Sam Levine. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración: 100 minutos. Género: Animación. Thriller. Superhéroes. Cómic. DC Comics. Reparto: Animación. Guion: John Whittington, Jared Stern. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Animación, Productora: DC Entertainment, Warner Animation Group, Seven Bucks Productions, A Stern Talking To, Warner Bros. Animation. Distribuidora: Warner Bros. Pictures. Estreno en España: 29 de julio de 2022. Sinopsis: En DC Liga de Supermascotas, Krypto el Superperro y Superman son amigos inseparables, comparten los mismos superpoderes y luchan codo con codo contra el crimen en Metrópolis. Cuando secuestran a Superman y al resto de la Liga de la Justicia, Krypto debe convencer a una pandilla callejera de lo más heterogénea (Ace el Bati-sabueso, CV la Cerdita Vietnamita, Merton la Tortuga y Chip la Ardilla) para que dominen sus propios poderes que acaba de descubrir y rescaten a los superhéroes.

Historia del cine: El cine alemán (III)

(cont.)

 Sigfrido (Paul Richter) es el heroico aventurero

con cuyo asesinato termina la primera parte de 

Los nibelungos de Frtz Lang. Paul Rotha comentó:

"En la belleza pictórica de su arquitectura estructural

Sigfrido es una película que no será igualada jamás".

Todas estas películas estaban ambientadas en el presente o en el pasado inmediato, mientras que Los nibelungos (Die Nibelungen, 1924), dividida en dos partes: Los nibelungos: la muerte de Sigfrido (Die Nibelungen: Siegfried) y Los nibelungos: la venganza de Krimilda (Die Nibelungen: Kriemhilds Rache), se sumergían en la Edad Media, en busca de un héroe mítico y épico que inspirase al pueblo alemán una vez más. Esta película es una adaptación de una serie de leyendas alemanas sobre unas criaturas que habitan la niebla llamadas nibelungos. Cuenta la historia del príncipe Sigfrido, que después de haber forjado una formidable espada y convertirse en un herrero excelente debe volver al castillo de su padre. Luego conoce la historia de la hermosa princesa Krimilda y decide abandonar de nuevo el castillo de su padre para salvarla. Estas obras están inspiradas en el Cantar de los nibelungos, y probablemente también en la trilogía de Friedrich Hebbel Los nibelungos, que ahonda en el cantar. Ambas películas fueron rodadas en los meses de 1923 en los que Alemania llegó a su situación más baja de la posguerra, con la inflacción más elevada de su historia, miembros de la ultraizquierda levantando barricadas en Hamburgo y Hitler llevando a cabo un abortado Putsch en Múnich. Los nibelungos fue una película dominada por los decorados gigantescos, las enormes escaleras y los vastos bosques artificiales, verdaderas proezas de producción que combinaban los antiguo y lo moderno. 

Sin embargo, la insaciable imaginación de Lang le llevó a ofrecer también visiones del futuro. La más espectacular de todas sus películas sigue siendo Metrópolis (1927); y, aunque las primeras escenas pueden parecer lentas y lúgubres, se ven compensadas por el dinámico climax en el que los esclavos se rebelan, destruyen las máquinas que les oprimen e inundan sus propios hogares. No obstante, Metrópolis se ve perjudicada por unos malos intérpretes, y su sumisión al poder resulta más ridícula que repulsiva. Metrópolis es uno de lοs pocos filmes considerados Memoria del Mundo por la Unesco. Fue el primero en poseer esta categoría, amparado en la vívida encarnación de toda la sociedad, y la profundidad de su contenido humano y social.

Aunque menos famosa, la siguiente película de Lang, La mujer en la Luna (Frau in Mod, 1929), resulta más acertada en su visión del futuro. Se trata de una historia de ciencia-ficción que se adelantaba ya al uso de las naves espaciales de los años 1960 y 1970. Está considerada como una de las primeras películas de ciencia-ficción "serias".​

Hacia mediados de la década, los artistas alemanes comenzaron a contemplar su sociedad desde un punto de vista crítico, al que se denominó Die Neue Sachlichkeit ("Nueva Objetivad" o "nuevo Realismo"), acuñado por el crítico Gustav Friedrich Hartlaub en 1923, quien afirmó: afirma: «el objetivo es superar las mezquindades estéticas de la forma a través de una nueva objetividad nacida del disgusto hacia la sociedad burguesa de la explotación» o «…lo que aquí estamos mostrando se distingue por las, en sí mismas puramente externas, características de la objetividad con la que los artistas se expresan ellos mismos…». Reaccionó contra el expresionismo y vuelve a una figuración «realista». Entrecomillamos realista porque es una plasmación objetiva de la realidad, con acento en lo social. Objetiva en el sentido de ser menos experimental en cuanto a búsqueda de nuevos lenguajes, menos introspectiva, y de ser más comprometido y directo. Resignados, desilusionados y horrorizados, los cineastas de la época se dedicaron a captar la realidad que les rodeaba con una visión fría e imparcial. De poco sirvió… 10 años después de su creación, la Alemania Nazi acaba con el movimiento.

El director G. W. Pabst se mostró partidario del "Nuevo Realismo": "¿Qué necesidad hay de un tratamiento romántico? La vida real es ya de por sí demasiado romántica, demasiado sombría".

Varieté, una historia de amor, celos y asesinato
en un circo, se estrenó en el mejor cine de la
UFA en Berlín

Pero la película que tendió el puente entre el pasado y el presente, deleitándose en la nostalgia al tiempo que optaba por el naturalismo fue Varieté (1925), dirigida por Ewald André Dupont, protagonizada por Emil Jannings y producida por la UFA, está basada en la novela El juramento de Stephan Huller de 1912, escrita por Felix Hollaender, sobre un director de circo que abandona a su esposa por una atractiva trapecista, sólo para verse remplazado por un apuesto acróbata, al que termina dando muerte. Emil Jannings, como el hombre del espectáculo que experimenta un proceso de degradación espiritual, es considerado por el director sueco Ingmar Bergman como el modelo de un personaje suyo parecido, el de Albert Johansson (Ake Ggrönberg) en Noche de circo (Gycklarnas afton, 1953). Con esta película,  Dupont, que, en 1911, se había convertido en uno de los primeros críticos profesionales de Alemania alcanzó la cúspide de su carrera; y Karl Freund, el operador, seguía las evoluciones del trapecio con voluptuosidad, mientras mostraba la estancia del protagonista en la cárcel con tonos sombríos y desolados, utilizando el gigantesco número 28 de la espalda como símbolo del anonimato y la desgracia. Varieté fue censurada en los Estados Unidos y se eliminó todo el primer rollo de película, la parte de la historia que tiene lugar en Hamburgo. La película fue uno de los pocos largometrajes alemanes de la época que tuvieron éxito en los Estados Unidos y tuvo buena recaudación y excelentes críticas.​ Una de las escenas contiene la primera representación del hockey sobre monociclo que se conoce.

(cont.)

Mujeres de cine: Leonor Waitling

El 28 de julio de 1975 nace en Madrid Leonor Elizabeth Ceballos Watling (Madrid, 28 de julio de 1975), más conocida como Leonor Watling, actriz y cantante española.

A los ocho años comenzó sus estudios de baile clásico pero debido a una lesión de rodilla se vio obligada a abandonarlos. Como actriz, hizo sus primeros pinitos en teatro amateur en diversos centros culturales. En 1993 debutó en el cine con Jardines colgantes, de Pablo Llorca.

Posteriormente, Leonor se trasladó a Londres para estudiar en el Actor's Center, siendo el inglés también su lengua materna. Tras intervenir en series televisivas como Hermanos de leche, Farmacia de guardia o Querido maestro, Leonor se afianzó en el cine en la segunda mitad de los años 1990, especialmente tras ser candidata al Goya a mejor actriz protagonista por La hora de los valientes (1998), de Antonio Mercero, un premio que finalmente ganó Penélope Cruz. Luego protagonizó junto a Cayetana Guillén Cuervo la serie Raquel busca su sitio y la película Son de mar (2001), de Bigas Luna, donde la actriz se muestra en topless por la primera vez.​ En 2002 estrenó la comedia A mi madre le gustan las mujeres, de Daniela Fejerman e Inés París, con cuyo papel de Elvira, una neurótica y desequilibrada mujer a la que su madre (Rosa María Sardà) le anuncia que se va a casar con una mujer, repitió nominación al Goya como protagonista. Tampoco se lo llevó en esta ocasión (fue para Mercedes Sampietro), pero sí consiguió el Fotogramas de Plata. Ese mismo año llegaría Pedro Almodóvar con Hable con ella, película que le dio un gran prestigio y en la que interpretaba a una bailarina en estado de coma, un papel con muy pocos diálogos.

En 2003 intervino en dos películas como actriz de reparto, Mi vida sin mí, de Isabel Coixet y En la ciudad, de Cesc Gay, además de la comedia francesa Mauvais esprit, de Patrick Alessandrin. Después ha protagonizado Inconscientes (2004), de Joaquín Oristrell, Crónicas (2004), una coproducción entre México y Ecuador dirigida por Sebastián Cordero, Malas temporadas (2005), de Manuel Martínez Cuenca y Tirante el Blanco (2006), de Vicente Aranda. Como secundaria ha participado en Salvador (2006), de Manuel Huerga, una película muy dura sobre el último ajusticiado a garrote vil durante la dictadura franquista y Teresa, el cuerpo de Cristo (2007), de Ray Loriga.

En 2007 se estrenan Belle du Seigneur, de Glenio Bonder, Los crímenes de Oxford, de Álex de la Iglesia y Lezione 21, de Alessandro Baricco. En ninguna de ellas Leonor es la protagonista y es que recientemente ha declarado que le «ofrecen mejores papeles secundarios que protagonistas».

Posteriormente, ha aparecido en Pulsaciones, estrenada en enero de 2017 en Antena 3 y ese mismo año en la película Musa de Jaume Balagueró. En 2018, aparece en Vivir sin permiso, en Telecinco.

Paralelamente a su carrera cinematográfica, Watling ha triunfado como cantante y letrista del grupo Marlango, junto a Alejandro Pelayo y Óscar Ybarra (quien abandona el grupo después del quinto disco) con los que ha editado siete discos: Marlango (2004), Automatic imperfection (2005), The electrical morning (2007), Life in the Treehouse (2010), Un día extraordinario (2012), El porvenir (2014) y Technicolor (2018).

Historia del cine: El cine alemán (II)

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Mayer escribió, posteriormente, Escalera de servicio (Hintertreppe, 1921), para Leopold Jessner y Paul Leni, y algunos de los guiones clave de la carrera de Murnau, El castillo encantado (Schloss Vogelöd, 1921), una historia policíaca; El último (Der Letzte Mann, 1924), este clásico del cine mudo fue el primer film que explotó el movimiento de cámara; Tartufo o el hipócrita (Herr Tartüff, 1925), fábula moral basada en la famosa comedia de Moliere sobre la hipocresía de un hombre que quiere adueñarse de una gran fortuna; y la película más importante del período americano de Murnau, Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans, 1927), obra cumbre del expresionismo con la que el alemán Murnau -recién llegado a Estados Unidos- realizó toda una invasión de talento y dominio técnico en Hollywood. Su talento abarcaba tanto el campo de los fantástico como el documental social, representado este último por su guión para Berlín, sinfonía de una gran ciudad (Berlin – Die Symphonie der Großstadt, 19279, de Walter Ruttmann.

El castillo encantado (1921)

La afición a la mezcla de fantasía y terror característica de los directores alemanes les condujo a un verdadero callejón sin salida. Películas como Sombras (Schatten - Eine nächtliche Halluzination, 1923), de Arthur Robison y El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett, 1924), de Paul Leni y Leo Birinsky, han perdido su cualidad alucinatoria y, con el paso de los años, se han convertido en simples parodias del arte expresionista. 

El hombre de las figuras de cera (1924)

Fritz Lang pude considerarse como el más versátil de todos los directores alemanes de la década de 1920, capaz de dirigir toda clase de historias, desde la leyenda y la fantasía hasta el cine policíaco y el melodrama. En 1920, gracias al éxito comercial de Las arañas, parte 1 (Las arañas 1: El lago de oro) (Die Spinnen, 1. Teil - Der Goldene See, 1919) y Las arañas, parte 2 (Las arañas 2: El barco de los brillantes) (Die Spinnen, 2. Teil - Das Brillantenschiff, 1920), comenzó a escribir sus propios guiones en colaboración son su futura esposa Thea von Harbou y, al año siguiente, consiguió su primer gran éxito crítico con Las tres luces (Der müde Tod, 1921), una alegoría sobre la lucha entre el amor y la muerte, destacable sobre todo por sus impresionantes decorados. 

Las tres luces (1921)

Lang se sentía atraído por figuras de dimensiones colosales, tanto del pasado como del presente. Su archicriminal doctor Mabuse estaba interesado el llegar a dominar el mundo en El doctor Mabuse (Dr. Mabuse, der Spieler, 1922), fue la primera versión cinematográfica del Dr. Mabuse consta de dos partes: “El gran jugador” y “El infierno”. Mientras que malos semejantes aparecen en Los espías (Spione, 1928).

El doctor Mabuse (1922)

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Delphine Seyrig y el teatro, una historia de amor sin fronteras (III)

Supo pasar sin complejos de la dramaturgia de bulevar a la de vanguardia, siempre siguiendo su instinto. Una vocación por los tableros que le impondrá como una estrella sofisticada, y a veces denigrada, en Nueva York, Londres o París.

Elegir a los 17 años el teatro en lugar de aprobar el bachillerato es señal de un propósito inevitable. En 1949, Delphine Seyrig decidió en el acto: sería actriz. La decisión preocupa a su padre, pero ¿podrá oponerse al llamado de la vocación? Henri Seyrig le escribe a su hija: “Apuesto por ti. Bonita intuición, porque, una vez lanzada, la joven correrá en cabeza hasta el punto de ser apodada la francesa Greta Garbo.

Musa del feminismo posterior a los sesenta y ocho, Delphine Seyrig decidió su carrera. Delphine Seyrig e Iona Wieder, cámara en mano en una manifestación en 1976 

Formada en la EPJD, escuela con un ambicioso título (Educación a través del teatro), conoció allí a futuros compañeros de escena, entre ellos Michael Lonsdale, fascinado por la gracia de este principiante. Sigue las lecciones de Tania Balachova, una respetada pedagoga rusa. Y sueña con entrar en el Théâtre national populaire de Chaillot desde que vio, en el verano de 1949, a Gérard Philipe y Jean Vilar en la Cour d'honneur de Avignon. Durante años, intenta unirse a la prestigiosa compañía. Hasta una última audiencia al término de la cual es sancionada con lapidario: “No te escuchamos. Un veredicto tanto más absurdo cuanto que la actriz deberá parte de su leyenda a las famosas modulaciones de su voz. Esa voz sensual y melodiosa que dijo Marguerite Duras"elevar a los cielos". Musa del feminismo posterior a los sesenta y ocho, Delphine Seyrig decidió su carrera. 

Historia del cine: El cine alemán (I)

Durante la primera mitad del siglo XX, la situación político-social en Alemania influyó en gran medida sobre la industria cinematográfica, llegando ésta a evitar su desaparición gracias a las aportaciones que a la misma hicieron las cinematografías escandinavas, tanto de películas con las que abastecer las programaciones de los empresarios, como de directores y actores que ayudaron a relanzar uno de los períodos más creativos del cine alemán.

En esta etapa florece un importante movimiento -el Expresionismo-, se crea una productora -la UFA, Universum Film AG-, surgen renombrados directores -Murnau, Pabst, Conrad Veidt-, y se realizan las grandes películas alemanas, como fueron El gabinete del Dr. Caligari, Metrópolis y Amanecer, entre otras. 

Escandinavia filmó sus breves veranos y y nevados invierno en espectaculares exteriores, mientras que Alemania exploró los secretos del alma en claustrofóbicos interiores de estudio.

Antes de que estallase la I Guerra Mundial, e incluso después, los exhibidores alemanes dependían de las películas danesas para mantener abastecidos sus cines. Pocos directores nacionales lograron un mínimo impacto, aunque Richard Oswald, Max Mack y Max Reinhardt empezaron a trabajar para el cine alrededor de 1910. Significativamente, cuando los alemanes hicieron su primera película importante, revelando los temas que habrían de obsesionarles durante los años siguientes, ésta fue dirigida por un danés, Stellan Rye. Se trataba de la primera versión de El estudiante de Praga (Der Student von Prag, 1913), que fue vista por Sjöström en el momento de su estreno, causándole una gran impresión. El estudiante de Praga reflejaba la visión extravagante e intensa del actor y coguionista Paul Wegener (1874-1948), que había trabajado con Reinhardt, inspirándose en la obra de los escritores E.T.A. Hoffman y Edgar Allan Poe sobre la leyenda de Fausto, así como en la novela de Robert Louis Stevenson, El doctor Jekill y Mr. Hyde, para contar la historia de un hombre cuya alma es fatalmente dividida entre dos personalidades conflictivas. 

Wegener interpreto y codirigió El Golem (Der Golem, 1913), que también mostraba la afición hacia lo fantástico que habría de caracterizar al cine alemán en los años 1920. Siete años después volvió a rodar la misma historia, pero esta vez contando con mayores medios y experiencias, El Golem es el monstruo sagrado, hecho de barro que cobra vida para ayudar a los judíos en tiempos de crisis. La película esta dominada por la Astrología y la superstición, y Wegener en el papel del monstruo constituye un curioso precedente del Frankenstein (1931), de Boris Karloff, un ser terrible y tierno al mismo tiempo. 

El Golem (1920)

La historia ha cubierto de gloria a los directores alemanes que vivían y trabajaban en Berlín durante los años 1920, pero Frtiz Lang, Robert Wiene, F. W. Murnau y otros se habrían visto en grandes apuros sin la ayuda de diversos guionistas destacados. Entre ellos figuran Carl Mayer, de origen austríaco, que se unió al poeta checoslovaco Hhans Janowitz para escribir el guión de El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari, 1920), de Robert Wiene.

El gabinete del doctor Caligari, película que por el romanticismo de su contenido y el expresionismo de su forma, ejerció una gran influencia en todo el cine de terror de la época

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Delphine Seyrig, una reina del cine de autor (II)

Radical en su concepción del arte, fiel a su activismo político, llevó una carrera atípica, inseparable de dos grandes figuras femeninas: Marguerite Duras y Chantal Akerman.

A fines de la década de 1960, Delphine Seyrig comenzó a romper con el cine "clásico". No estamos hablando de comerciales para todos, eso, ella nunca lo tocó. Pero el llamado cine de autor, que a sus ojos también parece tener sus límites, sus defectos ocultos. Su conciencia política rima con una exigencia cada vez más alta. Une sus elecciones directamente relacionada con sus ideas. En 1969, se negó a rodar los ensayos para La piscina (La piscine), Jacques Deray primero pensó en ella antes de elegir a Romy Schneider. Al leer el guión, Delphine Seyrig se avergüenza de todas las escenas en traje de baño, considera que “no tiene sentido”. Jean Rochefort, amigo y compañero de teatro, lo anima a aceptar, diciéndole que una película con Alain Delon no se puede rechazar. Sin embargo, se mantiene en sus treces. En cambio, hizo un largometraje mucho más iconoclasta, Mr. Freedom (1969), de William Klein. Una sátira antiimperialista dadaísta y pop, donde interpreta a una superheroína pelirroja vestida de animadora que se lleva bien con un Superman moralizador. William Klein es un reconocido fotógrafo y artista multidisciplinar, a quien Delphine Seyrig conoció en Nueva York. Se trata de un amigo con el que ya había trabajado, en Who Are You, Polly Maggoo? (Qui êtes-vous, Polly Maggoo?, 1966). Aparte de William Klein y algunos otros elecciones raras, decide rodar prioritariamente con directoras.

Delphine Seyrig, en India Song (1975)

Fallece el actor Paul Sorvino

El pasado 25 de julio de 2022 falleció en Nueva York Paul Anthony Sorvino, más conocido como Paul Sorvino, actor de televisión, cine y teatro estadounidense.

Comenzó su carrera como creativo de una agencia de publicidad. Asistió a clases de dominio de la voz durante dieciocho años. Mientras asistía a la American Musical and Dramatic Academy, decidió probar suerte en el teatro. Hizo su debut en Broadway en 1964, en el musical Bajour, y su primera aparición en el cine fue en 1970 en ¿Dónde estás papá? (Where's Poppa?), dirigida por Carl Reiner. 

En 1991 tomó el papel de Phil Cerreta en la serie de televisión Ley y Orden (Law & Order). También aparecía como el padre de Bruce Willis en la serie Luz de luna (Moonlighting, 1985-1989). 

Algunos de sus papeles cinematográficos más relevantes son los de Paul Cicero en Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990), de Martin Scorsese, Tommie Morolto en La tapadera (The Firm, 1993), de Sydney Pollack y Henry Kissinger en Nixon (1995), de Oliver Stone.

Fundó la Paul Sorvino Asthma Foundation, con el objetivo de construir centros de asma para niños y adultos a lo largo de Estados Unidos.

Vivió entre Los Ángeles y Gilbert (Pensilvania), donde fue ayudante de sheriff. Estuvo casado con Lorraine Davis, terapeuta de Alzheimer, y tuvo tres hijos, los tres actores: Mira, Michael y Amanda.

Delphine Seyrig, en los orígenes de un mito (I)

Mujer de teatro y cine con una voz tan singular, musa intelectual, feminista adelantada a su tiempo… Recorremos la trayectoria de una actriz con una personalidad extraordinaria. 

Primera parte: nacimiento de una leyenda.

Su nombre es A. Como apática. Una dama morena alta y sofisticada, vestido Chanel, plumas negras, velo de muselina. Una esfinge capaz de temblar. La vemos paseando en un parque sin sombra, deslizándose por el laberinto de mármoles y espejos de un hotel, por donde pasan ricos ociosos. Un extraño se le acerca, le dice que se enamoraron hace un año. Ella dice que no, que no se acuerda. ¿Está fingiendo? ¿Ella se escapa? Esta Madame A es una vestal fatal además de una prisionera de amor. El sueño de una mujer en una película de sueños llamada El año pasado en Marienbad (L'année dernière à Marienbad). Estamos en 1961, acaba de caer el rayo de la modernidad. Nunca habíamos visto una película así en Francia, compuesta como una pintura geométrica, una fantasmagoría, un juego cerebral con reglas oscuras. La película, escrita por Alain Robbe-Grillet y dirigida por Alain Resnais, ganó un León de Oro en el Festival de Cine de Venecia y reveló a Delphine Seyrig. Primera impresión. Nacimiento del mito.

Delphine Seyrig en El año pasado en Marienbad (1961)

Por su silueta de mujer alta y morena y su voz, podría recordar a Bárbara. Sus fans saben que Delphine Seyrig cantó un poco. Le debemos dos canciones, que no carecen de humor: Une fourmi et moi y Quoi de plus beau que une marche militaire  (Letra: Jean-Claude Carrière. Música: Francis Seyrig.) Por otro lado, en Peau d'Âne (1970), el famoso canto de los consejos del Hada de las Lilas que generalmente se le atribuye es interpretado por Christiane Legrand, no por ella. 

Efemérides de cine: Drácula negro

El 26 de julio de 1972 se estrenó la película estadounidense Drácula negro (Blácula), dirigida por William Crain e interpretada por William Marshall, Vonetta McGee, Denise Nicholas, Thalmus Rasulala,Gordon Pinsent, Charles Macaulay, Emily Yancy, Lance Taylor Sr., Ted Harris, Rick Metzler, Elisha Cook Jr. Productora: American International Productions, Power Productions. Duración: 93 minutos.

Sinopsis argumental: Un príncipe africano acude a Transilvania para pedir al conde Drácula que le ayude a combatir el tráfico de esclavos. Como es natural, el aristócrata se burla sarcásticamente y como castigo a su osadía lo vampiriza. En la época actual, dos propietarios de un negocio de decoración deciden trasladar a su negocio en Los Ángeles los muebles y objetos del castillo. Como es fácil suponer, entre los efectos que viajan al Nuevo Mundo está el ataúd de Blacula. Nuestro vampiro de color empezará por vampirizar a sus "compradores" para seguir con una serie de asesinatos, eliminando a todo aquél que descubre su condición de no-muerto.

Comentario: Fue la primera película que recibió un premio a la mejor película de Horror en los Premios Saturn. En 1973 tuvo una secuela, Scream Blacula, Scream, e inspiró una pequeña ola de películas de terror con temas de blaxploitation. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.