Mujeres de cine: Silvana Mangano (I)

Silvana Mangano nació el 21 de abril de 1930, en Roma, (Italia) y falleció el 16 de diciembre de 1989, en Madrid. Se formó como bailarina y se ayudó económicamente como modelo. Estrella del neorrealismo cinematográfico italiano y mito erótico de los años  1950. Silvana Mangano en Arroz amargo (Riso amaro) con sus torneadas piernas enfangadas en un arrozal, la imagen que encandiló a millones de italianos en 1949. Era el de aquella película un erotismo sin glamur, proletario, pero por ello mucho más cercano y realista: cabía pensar que incluso en los duros ambientes laborales, como el de las largas jornadas agrícolas, podía destaparse la fuente de la sensualidad. En la que tuvo como compañero a Vittorio Gassman. Mangano y Gassman volverían a trabajar juntos en El lobo de la Sila (Il lupo della Sila, 1949). Con esta interpretación se encumbró una actriz salida de los concursos de belleza, trampolín habitual para las chicas transalpinas que aspiraban al estrellato. Silvana ganó el concurso de Miss Roma de 1946. En 1947, fue una de las chicas del concurso Miss Italia, certamen que ganó la futura actriz Lucia Bosè.  En él, además de Mangano, participaron algunas otras estrellas futuras del cine italiano como Gina Lollobrigida, Gianna Maria Canale y Eleonora Rossi Drago, si bien esta última fué descalificada porque estaba casada y era madre, lo cual incumplía las normas del certamen. Sería tres años después cuando el director Giuseppe de Santis la seleccionaría para protagonizar Arroz amargo. Silvana contaba 19 años. Al poco tiempo contraería matrimonio con el productor de la misma, Dino de Laurentiis que la llevaría a Hollywood. 

Silvana Mangano en Arroz amargo (1949)

En 1950, Silvana Mangano trabajó junto a Amedeo Nazzari en El bandido calabrés (Il brigante Musolino), de Mario Camerini. Esta película la hizo famosa internacionalmente: Mangano fué comparada con Rita Hayworth y recibió ofertas para mudarse a Hollywood. En la meca del cine la Mangano alcanzó la fama definitiva. Rodó Ulises (Ulisse, 1954), dirigida por Mario Camerini y volvió a Italia convertida en una estrella internacional. Aunque nunca llegó a la altura de sus contemporáneas Sophia Loren y Gina Lollobrigida, Mangano fué unas de las estrellas favoritas entre los años 1950 y 1970. Apareció en películas italianas como: Ana (Anna, 1951), de Alberto Lattuada; El oro de Nápoles (L'oro di Napoli, 1954), de Vittorio De Sica; Mambo (1954), de Robert Rossen; Il disco volante (1964), de Tinto Brass; Teorema (1968), de Pier Paolo Pasolini y Muerte en Venecia (Morte a Venezia, 1971), de Luchino Visconti.

Silvana Mangano en El oro de Napoles (1954)

Con Pasolini y Visconti trabajó más veces: con el primero, en Edipo, el hijo de la fortuna (Edipo re, 1967) y El Decamerón (Il Decameron, 1971) y con el segundo, en Luis II de Baviera, el rey loco (Ludwig, 1973) y Confidencias (Gruppo di famiglia in un interno, 1974), Ya en 1967 ambos directores habían colaborado con Silvana Mangano en Las brujas (Le streghe), una película colectiva formada por cinco cortometrajes que el productor De Laurentiis había pensado expresamente para ella. Los restantes directores fueron Vittorio de Sica, Mauro Bolognini y Franco Rossi.

(cont.)

Jesucristo en el cine (I)

1. La túnica sagrada (The Robe, 1955),  de Henry Koster

Marcelo Galio (Richard Burton), un tribuno romano, es castigado por su eterno rival, el futuro emperador Calígula (Jay Robinson), a ser desterrado a la polémica Jerusalén por una doble disputa: la posesión de un esclavo, Demetrio (Victor Mature) y el amor de Diana (Jean Simmons). Allí supervisará, por encargo de Pilatos, la crucifixión de Jesucristo y, al ganar su túnica en una apuesta, descubre al pie de la cruz que ésta ejerce un poder sobre él.

2. Rey de Reyes (King of Kings, 1961) de Nicholas Ray

Mientras las legiones de Roma se hacen con Palestina, en un pequeño pueblo llamado Belén nace un niño que es adorado por pastores y por tres magos de Oriente, que han sido guiados hasta allí por una estrella. Ante el rumor de que ha nacido el Mesías de los judíos, el rey Herodes ordena asesinar a todos los bebés de la comarca. Pero María y José, padres del pequeño Jesús recién nacido, consiguen huir y salvar la vida de su hijo.

3. El evangelio según San Mateo (Il Vangelo secondo Matteo, 1964), de Pier Paolo Pasolini

Esta película, ganadora del premio del Jurado en el Festival de Venecia y nominada a tres Oscar, es una de las versiones más populares de la vida de Jesucristo. Pier Paolo  Pasolini, que se declaraba ateo y comunista, filmó una interesante película, fiel y respetuosa con los evangelios. El director italiano dedicó esta película al Papa Juan XXIII. Basado en el texto de San Mateo, Pasolini rodó cámara en mano esta versión en clave neorrealista del texto bíblico, al mejor estilo del Cinema Verité. Muestra a un Jesucristo auténtico y austero, con fuerza en la mirada y palabra cercana para explicar a los hombres el mensaje de la salvación. El papel de Cristo lo encarnó el catalán Enrique Irazoqui, en prácticamente su única participación en el mundo del celuloide. En 2015, el periódico del Vaticano L’Osservatore Romano calificó la película neorrealista como la mejor jamás realizada sobre Jesús.

4. La historia más grande jamás contada (The Greatest Story Ever Told, 1965), de George Stevens, David Lean, Jean Negulesco.

Una superproducción nominada a cinco Oscar y narra con exquisita sensibilidad la vida de Jesús de Nazaret. La película contó con un extenso y afamado reparto en el que destaca Max von Sydow como Jesucristo, con una interpretación muy expresiva que influyó en posteriores películas. A partir de los Evangelios, la cinta narra la vida de Jesús en la Palestina ocupada por Roma: su nacimiento en Belén, su infancia en Nazaret, los tres años de vida pública, la Última Cena, la traición de su discípulo Judas, su juicio, crucifixión y posterior resurrección. Una película bastante seductora. Una historia oscura y melancólica. Es larga, es silenciosa por momentos, pero es un clásico necesario de ver en el género de películas religiosas.

5. Jesus Christ Superstar (Jesus Christ Superstar, 1973), de Norman Jewison

Es una cinta tan exuberante que las debilidades del concepto se vuelven divertidas, pero conserva momentos de genuina tensión y emoción. Hay muchos momentos musicales de genuino entusiasmo entre las risas de la historia. La película cuestiona a Dios por condenar a su Jesús y a Judas a desempeñar papeles que ninguno de los dos quería, a fin de cumplir su plan cósmico.

Biografías de cine: Raf Valone

17 de febrero de 1916 nace Raf Vallone, de nombre real Raffaelle Vallone, actor, autor, deportista, crítico de arte y director nacido en Tropea, Italia, de trascendencia internacional.

Hombre de vasta cultura y versatilidad, filmó en Italia, España, Francia, Alemania y Estados Unidos. Se le recuerda por su interpretación de Eddie en Panorama desde el puente (A View from the Bridge)), tanto en teatro como en cine.
Saltó a la fama en Arroz amargo (Riso amaro, 1949), dirigida por Giuseppe de Santis, un clásico del neorrealismo italiano, junto a Vittorio Gassman y Silvana Mangano. 

Raf Valone en Arroz amargo (1949)

Dio el salto a Hollywood, trabajando con Otto Preminger, John Huston, Francis Ford Coppola, etc. En 1971 se codeó con Kirk Douglas y el cantante Johnny Cash en El gran duelo (A Gunfight). En España se le recuerda por sus papeles en La violetera (junto a Sara Montiel) y en El Cid (1961), con Charlton Heston y Sophia Loren. 

Raf Valone y Sara Montiel en La violetera (1958)

En 1960 compartió de nuevo cartel con Sophia Loren en Dos mujeres (La ciociara), de Vittorio de Sica y por la que fue nominado al Oscar en 1962 y ganó el Premio David di Donatello al mejor actor por Panorama desde el puente, de Sidney Lumet. En la madurez, su prestigio y veteranía le aseguraron papeles de secundario de lujo en diversas series para la televisión, entre ellas una sobre Cristóbal Colón (1985). También participó en la ambiciosa producción española Goya (1985), protagonizada por Enric Majó y que contó con un extenso reparto: José Bódalo, Verónica Forqué, Marisa Paredes. Falleció el 31 de octubre de 2002, a los 86 años.

Una de romanos (III)

11. Gladiator (2000), de Ridley Scott

Aunque el guion se hace excesivamente largo, Scott alcanza una dirección artística apabullante en esta película llena de acción, con espectaculares y sobrecogedores decorados. La actuación de todos los actores es sobresaliente, destacando los magníficos secundarios ingleses con los que el realizador británico rodea a sus protagonistas… 

12. El rey Arturo (King Arthur, 2004), de Antoine Fuqua

En esta cinta se habla del mito del rey Arturo en un contexto diferente. Se trataría de Lucius Arturus Castus, un general romano nacido en Britania, perteneciente a la estirpe de los sármatas, unos increíbles jinetes rusos que fueron reclutados por Marco Aurelio. Tras vencerles en una batalla en Viena en el 175 d.C., el emperador les obligó a elegir entre luchar a las órdenes de Roma o morir… 

13. La pasión de Cristo (The Passion of the Christ, 2004), de Mel Gibson

Tras varios años en los que no aparecía una nueva propuesta cinematográfica sobre Jesucristo, Gibson irrumpió con La Pasión de Cristo, historia que nace de la conversión personal del director. La película muestra con realismo y crudeza los tormentos que sufrió Jesús: los azotes, la subida al Calvario, la crucifixión. Asimismo, brilla con luz propia el papel de María en la Redención y su especial sintonía con su Hijo.

14. Ágora (2009), de Alejandro Amenábar

Para revisitar el género, Amenábar recoge la historia de Hipatia, una filósofa y matemática que vivió en Alejandría en los siglos IV y V. No se conserva ninguna de sus obras pero se sabe de su existencia gracias a las cartas y documentos redactados por uno de sus discípulos, Sinesio, que fue obispo de Cirene. También se sabe que murió asesinada por una horda de fanáticos. 

15. Centurión (Centurion, 2010), de Neil Marshall

Con unos fabulosos paisajes de la invernal Britania, Neil Marshall logra entretener con este filme formalmente impecable, con una hermosa fotografía, un ritmo narrativo trepidante y unas interpretaciones más que correctas. Le falla el guion y que los personajes no dan de sí todo lo que podrían. 

Diez películas para ver en Cuaresma (II)

6. Silencio (Silence, 2016), de Martin Scorsese

Basada en hechos históricos, la bellísima película de Scorsese pone sobre la pantalla el desgarrador relato de Endō, muy influido por Graham Green, autor de la logradísima El Poder y la Gloria que consideró al japonés uno de los más grandes escritores del torturado siglo XX. Las prodigiosas interpretaciones de Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Nessony Asano Tadanobu, unidas a una puesta en escena impresionante de Dante Ferretti y a una fotografía excepcional de Rodrigo Prietohacen de la película un momento poderoso de interiorización del misterio. 

7. Hasta el último hombre (Hacksaw Ridge, 2016), de Mel Gibson

Una historia real en la que el amor se abre paso entre el horror. Con esta película Gibson, por un lado, ha querido hacer un homenaje a un héroe de la conciencia, un hombre que quiso ser fiel a sus convicciones hasta las últimas consecuencias. Según el cineasta, no estamos ante una película bélica, sino ante una historia de amor, de amor al ser humano, de amor a Dios. Una película sobre un personaje real, Desmond Thomas Doss (1919-2006), el primer objetor de conciencia que recibió la Medalla de Honor durante la Segunda Guerra Mundial por su heroico comportamiento en varias batallas de la terrible batalla entre japoneses y norteamericanos. Su adscripción a la iglesia Adventista del Séptimo Día le impedía empuñar las armas, pero quiso alistarse como sanitario, y así servir a su país. 

8. Converso (2017), de David Arratibel

Una película sobre la familia, la armonía y algo más difícil todavía: la fe. Conceptos más o menos básicos desde los que intentar explicar algo tan profundo como inefable: las hermanas del director se convierten de repente al catolicismo, y el cineasta trata de averiguar qué hay detrás de ese mecanismo de transformación personal. Desmontando el formato clásico del documental de entrevistas (no hay que olvidar el doble juego del título; "converso" viene también del verbo conversar), el director se sienta en una silla que convierte en confesionario de los otros y en el suyo propio al lanzar preguntas ante un espejo que no es otro que el espejo de casa. Film de familia con búsqueda personal y con un gran interrogante cinematográfico: si el Espíritu Santo entra en nuestra casa, ¿es posible hacer una película sobre él?

9. El artista anónimo (Tuntematon mestari, 2018), de Klaus Härö

Con una puesta en escena delicadísima y un uso de la luz inolvidable, Alberto Fijo explica que «lo que hace Härö en El artista anónimo es sencillamente extraordinario. Por la audacia para mostrar la fragilidad humana y la capacidad que tiene la Gracia de actuar por caminos insospechados. Porque el cuadro que protagoniza esta película no es cualquier cuadro. Y el arte cambia vidas. Y contar eso es muy difícil… 

10. Vida oculta (A Hidden Life, 2019), de Terrence Malick

El amor entre Franz y Fani Jägerstätter es el eje de este poema cinematográfico de Malick. Un cine de alta montaña, que se cierra con esta cita de George Eliot: "El creciente bien del mundo depende en parte de actos no históricos; que a ti y a mí las cosas no nos vayan tan mal como podrían haber ido, se debe en parte al número de los que vivieron fielmente una vida oculta, y descansan en tumbas no visitadas".

Hace 100 años: El tesoro

El 26 de febrero de 1923 se estrenó la película alemana El tesoro (Der Schatz), dirigida por Georg Wilhelm Pabst e interpretada por Albert Steinrück, Lucie Mannheim, Ilka Grüning, Hans Brausewetter, Werner Krauss. Productora: Carl Froelich-Film GmbH. Duración: 78 minutos. 

Sinopsis argumental: La casa de un fundador de campanas Bathasar y su familia posee una extraña arquitectura. Al parecer fue destruida en un incendio durante el asedio de los turcos. La edificación se levantó de nuevo en 1683 y junto a ella la leyenda de un tesoro escondido.

Comentario: Opera prima de Georg Wilhelm Pabst, basada en la novela  de Rudolph Hans Bartsch. 

Biografías de cine: Cesar Julio Romero Jr.

El 15 de febrero de 1907 en Nueva York, EEUU, nacía un ícono de Hollywood, que no dudó en jugarse aceptando papeles excéntricos y llevarlos a la cima, ese día llegaba al mundo Cesar Julio Romero Jr. Creció en el seno de una familia de inmigrantes cubanos, mientras estudiaba en el colegio Riverdale, comenzó a destacarse como bailarín aprovechando sus dotes naturales de las raíces latinas. En 1927 tuvo sus primeras oportunidades en Broadway, participando en las obras Lady Do y Strictly Dishonorable. Los negocios familiares de la importación de azúcar se desmoronaron con el crack de 1929, sin embargo César pudo sostener económicamente a su familia gracias a que ya era un Latin Lover de Hollywood. Su estatura y estampa lo convirtieron en el sucesor natural de Rodolfo Valentino. Interpretaba a gangsters, príncipes, bailarines y encantadores seductores, incluso se destacó como comediante. Dominó el género del western y se lució junto a grandes figuras femeninas como Marlene Dietrich y Shirley Temple. Durante la segunda guerra mundial se alistó en el servicio de Guardacostas sirviendo en el Pacífico.

Al finalizar la guerra protagonizó El capitán de Castilla (Captain from Castile, 1947), de Henry King, donde interpreta a Hernán Cortés, considerada su mejor labor actoral. Sus colegas como Tyron Power, Gary Cooper y Burt Lancaster, lo destacaban como el mejor de todos. Comenzó a aceptar papeles en series de TV, en las cuales desplegaba todo su talento y según él mismo, se divertía más. Actuó en series como Cisco Kid, El agente de CIPOL, El zorro y su más destacada labor  de “El Joker” de la serie “Batman”. La única condición que puso para tan atípico papel, fue que no se afeitara el bigote, por ello lo maquillaba de blanco para disimularlo.  En 1959 participó en la primera versión del clásico Ocean's eleven, junto a Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr y Shirley MacLane. Sus 1,91 mts de altura, su físico impecable y su clase lo convirtieron en el modelo maduro más codiciado de alta costura, las grandes marcas pagaban fortunas por contar con sus servicios. Participó en más de 120 películas hasta que una neumonía lo doblegó provocándole la muerte el 1 de enero de 1994.

Diez películas para ver en Cuaresma (I)

1. Sophie Scholl. Los últimos días (Marc Rothemund, 2005)

La vida de una persona íntegra, más si es un héroe y si es real, es siempre un excelente material de partida para construir una buena historia. Rothemund ha sido consciente de que la fuerza de la película estaba en el personaje, y ha dedicado sus esfuerzos a documentar bien lo que cuenta (para ello ha accedido a numerosos testigos de la época y a la transcripción de los interrogatorios), a profundizar en los conflictos de los protagonistas y a seleccionar un buen reparto capaz de plasmar estos intensos conflictos en la pantalla. 

2. De dioses y hombres (Des hommes et des dieux, 2010), de Xavier Beau­vois

Xavier Beau­vois firma una de las grandes películas sobre el catolicismo, que retrata a unos mon­jes cistercienses de una manera verosímil y excepcional desde el punto de vista fílmico De hecho, aunque ha habido grandes películas sobre el cristia­nismo, pero muy pocas sobre el catolicis­mo tan grandes como De dioses y hombres. Esta pelí­cula contiene uno de los retratos más apasio­nados y apasionantes de la fe católica en­carnada que ha hecho el cine, porque com­prende, asume y expresa muy bien el mis­terio de la gracia correspondida que tiene como culminación el martirio. Premio especial del jurado en Cannes, la cin­ta representó a Francia en los Oscar.

 3. Ida (Ida (Sister of Mercy), 2013), de Pawel Pawlikowski

Pasión, muerte y resurreción dominan la vida de Anna, una joven novicia de un convento polaco que en 1962, antes de hacer sus votos solemnes, debe emprender un viaje con una tia suya, fiscal en la implacable dictadura comunista. Ambas buscarán la verdad sobre la familia de la monja. Esta película polaca fue ganadora del Oscar a la cinta en lengua no inglesa y de 69 premios entre los que destacan cinco European Film Awards (incluyendo película y director), el BAFTA a película en lengua no inglesa, el Goya a película extranjera, mejor película y director en los Premios del Cine Polaco y premio Lux del Parlamento Europeo. 

4. Exodus: dioses y reyes (Exodus: Gods and Kings, 2014), de Ridley Scott

Esta superproducción del veterano Ridley Scott acude a la Biblia para desarrollar una historia potente y grandiosa, con escenarios espléndidos, batallas, hechos milagrosos y sobrenaturales, conflictos cargados de dramatismo. En esta película brillan la fotografía, el montaje, el diseño de producción, el vestuario, la espléndida música de Alberto Iglesias. El único pero a esta película es que el guion es mejorable.

5. The vessel ((El navío), 2016), de Julio Quintana

Un discípulo del gran Terrence Malick, Julio Quintana, dirigió en este bellísimo acercamiento al misterio de un pequeño pueblo en la costa de Puerto Rico que se ha enfadado con Dios. Como escribió nuestra querida compañera Cristina Abad, «más que una observación o análisis, The Vessel parece una parábola, una alegoría, un canto, un poema o la vibración de una cuerda en el aire». 

Cumplió 25 años: Dark City

El 25 de febrero de 1998 se estrenó la película estadounidense Dark City, dirigida por Alex Proyas e interpretada por Rufus Sewell, Kiefer Sutherland, William Hurt, Jennifer Connelly, Richard O'Brien, Ian Richardson, Colin Friels, Melissa George, Bruce Spence, John Bluthal, Mitchell Butel, Frank Gallacher, Ritchie Singer, Justin Monjo, Nicholas Bell, Satya Gumbert, Noah Gumbert, Frederick Miragliotta, Jeanette Cronin, Paul Livingston, Michael Lake, David Wenham, Alan Cinis, Terry Bader, Maureen O'Shaughnessy, Deobia Oparei, Doug Scroope, Anthony Kierann, Laura Keneally, Eliot Paton, Peter Callan, Darren Gilshenan, Marin Mimica, Tony Mosley, William Upjohn, Productora: New Line Cinema, Mystery Clock Cinema. Duración:  100 minutos. 

Sinopsis argumental: John Murdoch se despierta solo en un extraño hotel y comprueba que ha perdido la memoria y que es acusado de una serie de sádicos asesinatos. Mientras investiga todo lo que ha ocurrido, descubre un submundo habitado por unos seres, "los ocultos", que tienen el poder de adormecer a las personas y alterar la ciudad.

Comentario: Original muestra de ciencia ficción, con elementos de cine negro y elementos kafkianos. Está destinada a ser, sin duda, película de culto. Alex Proyas, el director de El cuervo, explica que "el aspecto paranoide de la historia viene de uno de mis sueños de juventud en el que, mientras dormía, aparecían en mi cuarto unas figuras oscuras que alteraban la realidad". Y consigue con creces intrigar sin confundir. Le ayudan los actores, que encajan a la perfección en sus papeles: el semidesconocido Rufus Sewell (Carrington) como hombre confundido, el impasible William Hurt, el alocado Kiefer Sutherland y la misteriosa Jennifer Connelly. Toda la película transcurre de noche, en un entorno urbano. El ambiente, expresionista, desprende un aire de irrealidad y misterio. Las influencias del espléndido diseño artístico apuntan a los clásicos Nosferatu y Metrópolis. La transformaciones nocturnas de la ciudad, y el secreto que ésta encierra, resultan creíbles gracias a unos elaborados efectos especiales.

Películas interesantes para disfrutar en familia (III)

La Princesa Mononoke (Mononoke-hime, 1997), de Hayao Miyazaki (1997)

El espíritu vengador de Studio Ghibli está considerado como una de las mejores películas de aventuras que existen. La épica lucha de San, la princesa de los lobos, contra las máquinas que persiguen acabar con el gran bosque donde vive junto a los kodamas y los demás espíritus el bosque, es un espectáculo que resulta cada vez más portentoso con cada visionado.

Puede que la imaginación de El viaje de Chihiro resulte completamente arrebatadora, que la profunda liviandad de Mi vecino Totoro no tenga igual, que no exista nada más precioso que Ponyo en el acantilado, pero la fuerza emotiva y la violenta belleza de sus imágenes, hacen de La Princesa Mononoke la gran obra maestra entre todas las obras maestras que ha pergeñado Hayao Miyazaki y su Studio Ghibli.

Además del stendhalazo que produce ver surcar la vegetación a San a lomos de su lobo, la sapiencia del Dios Ciervo, la música de Joe Hisaishi o de ver a los Kodamas iluminarse, la grandeza de La Princesa Mononoke reside en su maravilloso y acertado discurso antibelicista, ecologista y empoderador. Tres de los principales mandamientos sobre los que se sustentan la totalidad de la obra de Miyazaki y sus colegas del Studio Ghibli. Razones por las que, además de su altísima calidad como obra artística, su visionado sea indispensable para la formación de lo que podríamos considerar como un ser humano bueno.

Apuntes para el visionado: Tener como modelos de conducta a San o a Ashitaka, el último príncipe emishi, debería ser el sueño para cualquier persona, por lo que un visionado estacional de La Princesa Mononoke siempre vendrá bien como refuerzo positivo.

Adaptado de David Lastra (Fnac Callao)

Películas de la semana: 24 de febrero

Missing

Dirección: Nicholas D. Johnson, Will Merrick. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 111 minutos. Género: Thriller. Drama. Secuela. Secuestros. Desapariciones. Internet. Informática. Interpretación: Storm Reid, Nia Long, Amy Landecker, Ken Leung, Thomas Barbusca, Lisa Yamada, Joaquim de Almeida, Tim Griffin, Megan Suri, Tracy Vilar, Karina Noelle Castillo, Rick Chambers, Michael Segovia, Jameel Shivji, Daniel Henney, Ava Zaria Lee, Kimberly Cheng, Sharar Ali-Speakes, Lauren B. Mosley. Guion: Nicholas D. Johnson, Will Merrick. Historia: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian. Música: Julian Scherle. Fotografía: Steven Holleran. Productora: Sony Pictures Entertainment (SPE), Stage 6 Films. Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE). Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: Cuando su madre desaparece estando de vacaciones en Colombia con su nuevo novio, la búsqueda de respuestas por parte de June se ve entorpecida por la burocracia internacional. Atascada en Los Ángeles, a miles de kilómetros de distancia, June utiliza toda la tecnología a su disposición para intentar encontrarla antes de que sea demasiado tarde. Pero cuanto más profundiza en su búsqueda, su investigación digital levanta más preguntas que respuestas… y cuando June revela secretos sobre su madre, se da cuenta de que nunca la conoció realmente. Secuela de Searching (2018).

Till, el crimen que lo cambió todo

Título original: Till. Dirección: Chinonye Chukwu. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración: 130 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Racismo. Años 1950. Interpretación: Danielle Deadwyler, Jalyn Hall, Frankie Faison, Haley Bennett, Whoopi Goldberg, Jamie Renell, Kevin Carroll, Sean Patrick Thomas, Roger Guenveur Smith, Tosin Cole, John Douglas Thompson, Jayme Lawson, David Caprita, Njema Williams, Gail Everett-Smith, Josh Ventura, Marc Collins, Diallo Thompson, Tyrik Johnson, Enoch King. Guion: Keith Beauchamp, Chinonye Chukwu, Michael Reilly. Autobiografía: Simeon Wright. Música: Abel Korzeniowski. Fotografía: Bobby Bukowski. Productora. Coproducción USA-Reino Unido; Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Frederick Zollo Productions, Whoop/One Ho Productions/Lil' Whoop Productions, Orion Pictures. Distribuidora: Universal Pictures. Premios y nominaciones: Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz (Danielle Deadwyler); National Board of Review (NBR): Mejor actriz revelación y Top 10; Critics Choice Awards: Nominada a mejor actriz e intérprete joven; Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Deadwyler); Premios Gotham: Mejor interpretación protagonista (Danielle Deadwyler); Satellite Awards: Nominada a mejor película drama y actriz (Deadwyler). Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: Till - El crimen que lo cambió todo está basada en la historia real de la muerte de Emmett Till, un chico negro de catorce años que fue secuestrado y asesinado en el año 1955 después de que una mujer blanca llamada Carolyn Bryant dijera que el chico le había silvado. Su madre, Mamie Elizabeth Till-Mobley, insistió en el funeral que el ataúd permaneciera abierto para que todo el mundo pudiera ver lo ocurrido. La fotografía del cadáver de Emmett recorrió los periódicos, convirtiéndose en uno de los rostros más representativos de la injusticia y violencia racial en Estados Unidos. Tras la muerte de su hijo, Mamie se convirtió en una activista y educadora de los derechos civiles y luchó contra la pobreza en la infancia durante más de cuarenta años.

Irati

Dirección: Paul Urkijo Alijo. País: España. Año: 2022. Duración: 114 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Drama. Edad Media. Siglo VIII. Mitología. Capa y espada. Interpretación: Edurne Azkarate, Eneko Sagardoy, Itziar Ituño, Nagore Aranburu, Elena Ruíz, Iosu Eguskiza, Kepa Errasti, Iñaki Beraetxe, Iñigo Aranbarri, Ramón Agirre, Miren Tirapu, Aitor Barandiaran, Gaizka Txamizo, Patxi Bisquert, Karlos Arguiñano, Iñigo Aranburu. Guion: Paul Urkijo Alijo. Música: Maite Arroitajauregi, Aránzazu Calleja. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Productora: Bainet Zinema, Ikusgarri Films, Kilima Media, ETB. Distribuidora: Filmax. Premios y nominaciones: Premios Goya: 5 nominaciones incluyendo mejor guion adaptado y música; 2022: Festival de Sitges: Premio del público y Mejores efectos especiales. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: Siglo VIII. El cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen. Ante el ataque del ejército de Carlomagno atravesando los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era. Años más tarde, Eneko afronta esa promesa con una misión: recuperar el cuerpo de su padre enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe cristiana, necesitará la ayuda de Irati, una enigmática pagana de la zona. Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.

The Quiet Girl

Título original: An Cailín Ciúin. Dirección: Colm Bairéad. País: Irlanda. Año: 2022. Duración: 95 minutos. Género: Drama. Familia. Años 1980. Infancia. Interpretación: Catherine Clinch, Carrie Crowley, Andrew Bennett, Michael Patric, Kate Nic Chonaonaigh, Carolyn Bracken, Joan Sheehy, Tara Faughnan, Neans Nic Dhonncha, Eabha Ni Chonaola. Guion: Colm Bairéad. Historia: Claire Keegan. Música: Stephen Rennicks. Fotografía: Kate McCullough. Productora: Inscéal, Broadcasting Authority of Ireland, TG4, Fís Éireann/Screen, Screen Ireland. Distribuidora: La Aventura Audiovisual. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: La Irlanda rural, 1981. Cáit es una reservada niña de nueve años que está desatendida por parte de su pobre, disfuncional y demasiado numerosa familia. Se enfrenta en silencio con dificultades en la escuela y en casa, y ha aprendido a pasar desapercibida para cuantos la rodean. Cuando llega el verano y se acerca la fecha del parto de su madre, Cáit es enviada a vivir con unos parientes lejanos. Sin saber cuándo volverá a casa, se queda en el hogar de unos desconocidos sin más pertenencias que la ropa que lleva puesta. Poco a poco, y gracias a los cuidados de la familia Kinsella, Cáit realiza notables progresos y descubre una nueva forma de vivir. Pero en esta casa donde reina el afecto y no parece haber secretos, ella descubre una dolorosa verdad. 

Asuntos familiares

Título original: Frère et soeur. Dirección: Arnaud Desplechin. País: Francia. Año: 2022. Duración: 108 minutos. Género: Drama. Familia. Interpretación: Marion Cotillard, Melvil Poupaud, Golshifteh Farahani, Patrick Timsit, Benjamin Siksou, Max Baissette de Malglaive, Saverio Maligno, Cosmina Stratan. Guion: Arnaud Desplechin, Julie Peyr. Música: Grégoire Hetzel. Fotografía: Irina Lubtchansky Productora: Why Not Productions, arte France Cinéma. Distribuidora: Vercine. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: Alice (Marion Cotillard) es actriz y Louis (Melvil Poupaud) era profesor y poeta: son dos hermanos al borde de los cincuenta años. Ella odia a su hermano desde hace más de veinte años. No se han visto en todo este tiempo: cuando Louis se topaba con su hermana en la calle, ella no le saludaba y salía corriendo. Sin embargo, sus caminos vuelven a cruzarse cuando han de afrontar la muerte de sus padres. Un melodrama en donde el rencor, el odio sinsentido y la ira son instrumentos de desahogo para elaborar teorías fantasmagóricas de soledad y muerte. Un retorno a los orígenes de su universo que, incomprensiblemente, no está recogiendo las criticas merecidas.

Rumba terapia

Título original: Rumba la vie. Dirección: Franck Dubosc. País: Francia. Año: 2022. Duración: 102 minutos. Género: Comedia. Familia. Interpretación: Franck Dubosc, Louna Espinosa, Jean-Pierre Darroussin, Marie-Philomène Nga, Karina Marimon, Catherine Jacob, Michel Houellebecq, Marie Vincent, Constantin Vidal, Claire Bouanich, Christophe Canard, Philippe Uchan, Adèle Choubard, Nicolas Chupin, Matteo Locasciulli, Alane Delhaye, Damian Odess-Gillett, Gregory Gudgeon. Guion: Franck Dubosc. Diálogos: Franck Dubosc. Música: Sylvain Goldberg, Matteo Locasciulli. Fotografía: Ludovic Colbeau-Justin. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Gaumont, Pour Toi Public Productions, TF1 Films Production, Umedia, uFund, OCS, Ciné+, TF1, Le Tax Shelter du Gouvernem, CNC. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: Tony (Franck Dubosc) es un hombre inmaduro que sufre un infarto y se plantea como ha enfocado su vida después de que el doctor le diga que no han encontrado familia ni amigos a quienes avisar de su estado de salud. Es en ese momento cuando decide recuperar la relación con su hija a la que no ve desde hace veinte años. Pero esto no será tan fácil como él pensaba, siguiendo el consejo de su amigo Guilles (Jean-Pierre Darroussin) para acercarse a ella se apuntará de incógnito a las clases de rumba que imparte en París y así intentará ganarse su confianza. A través del baile y el aprendizaje, se va forjando una relación que se verá alterada por la revelación del secreto de Tony.

Terrifier 2

Dirección: Damien Leone. País: Estados Unidos. Año: 2022. Duración: 138 minutos. Género: Terror. Payasos. Halloween. Gore. Secuela. Interpretación: David Howard Thornton, Lauren LaVera, Elliott Fullam, Sarah Voigt, Kailey Hyman, Griffin Santopietro, Owen Myre, Casey Hartnett, Samantha Scaffidi, Felissa Rose, Tamara Glynn, Nedim Jahić, Jason Lively, Johnathan Davis, Charlie McElveen, Amelie McLain, Gilbrando Acevedo, Cory DuVal, Jackie Adragna. Guion: Damien Leone. Música: Paul Wiley. Fotografía: George Steuber. Productora: Dark Age Cinema, Fuzz on the Lens Productions. Distribuidora: Selecta Visión. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: El asesino en serie Art the Clown regresa un año después de la perversa masacre del condado de Miles para causar estragos en una familia en duelo. En esta entrega los que plantarán cara a Art Jonathan, un joven que tiene una obsesión particular con él y Sienna, su hermana mayor, una artista a la que le encanta el cosplay. Sienna, Heredera de la creatividad de su difunto padre, de su propensión al desequilibrio mental y de su vínculo extraño y sobrenatural con Art, está transformando con mucho detalle el diseño de un personaje de espada y brujería que su padre dibujó para ella en un disfraz para Halloween. Las líneas entre la pesadilla y la realidad se entrecruzan cuando una aparición demoníaca guía a Art hasta los hermanos, mientras el terrorífico número de cadáveres va aumentando. Para sobrevivir, Sienna tendrá que convertirse en esa heroína por completo y enfrentarse a su antagonista en un mundo de sueños, fantasía y leyenda.. 

Disturbios

Título original: Unrueh. Dirección: Cyril Schäublin. País: Suiza. Año: 2022. Duración: 93 minutos. Género: Drama. Siglo XIX. Interpretación. Clara Gostynski, Alexei Evstratov, Valentin Merz, Li Tavor, Daniel Stähli, Hélio Thiémard, Mayo Irion, Laurent Ferrero, Monika Stalder, Laurence Bretignier, Nikolai Bosshardt. Guion: Cyril Schäublin. Música: Li Tavor. Fotografía: Silvan Hillmann. Productora: Seeland Filmproduktion. Distribuidora: Lost & Found. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: A finales del siglo XIX, una pequeña aldea suiza se prepara para embarcarse en una nueva etapa, un antes y un después en su historia: la llegada de los procesos industriales modernos van a cambiar para siempre el proceso de fabricación de relojes. Josephine es una joven trabajadora de la cadena de montaje de relojes y es la encargada de producir específicamente una sola pieza: la rueda. Esta pequeña pieza, situada en el corazón del reloj, es la que garantiza su equilibrio. La protagonista reflexionará sobre el capitalismo y la relación que existe entre el dinero, el tiempo y el trabajo, lo que la llevará a entrar en contacto con el movimiento anarquista local, donde conocerá a Piotr Kropotkin, un viajante que proviene de Rusia y por el que no tardará en sentirse atraída. El director suizo Cyril Schäublin estrena su segundo largometraje, premiado a mejor director en la sección Encounters del festival de Berlín y ganadora del premio de la crítica FIPRESCI en el festival de Viena. Schäublin se inspira en la historia de su abuela para el personaje de Josephine en esta película que relata los hechos históricos que convirtieron al valle de Saint-Imier, localizado en el norte del Suiza, en el centro del movimiento anarquista de finales del siglo.

La sangre

Título original: O Sangue. Dirección: Pedro Costa. País: Portugal. Año: 1989. Duración: 95 minutos. Género: Drama. Blanco y negro. Interpretación: Pedro Hestnes, Nuno Ferreira, Inês de Medeiros, Luis Miguel Cintra, Canto e Castro, Isabel de Castro, Henrique Viana, Luís Santos, Manuel João Vieira, Sara Breia, José Eduardo, Ana Otero, Pedro Miguel, Miguel Fernandes. Guion: Pedro Costa. Fotografía: Acácio de Almeida, Elso Roque, Martin Schäfer. Productora: Fundação Calouste Gulbenkian, Tropico Filmes, Radiotelevisão Portuguesa, Instituto Português de Cinema (IPC). Distribuidora: Atalante Films. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: Es el día de Navidad. Se acerca el fin de año en una pequeña ciudad a las afueras de Portugal. En una abandonada casa vive Vicente, que tiene diecisiete años, junto a su hermano pequeño Nino, de diez años. Los hermanos no parecen recordar a su madre, pero tienen claro que no quieren desvelar nunca el secreto que envuelve las continuas ausencias de su padre, ni siquiera cuando un día parece que este se ha marchado para no volver. La única con quien comparten la verdad es Clara, la novia de Vicente. Sin embargo, este no es el único secreto de la casa: hay dinero que aparece de repente en casa y no queda claro qué relación hay entre el tío de Vicente y su novia. ¿Qué esconde esta familia? Secretos, juramentos, separaciones y mucho más. Una película sobre la noche de la infancia, 'La sangre' es una obra fundamental de la cinematografía contemporánea, que cuenta ahora con una nueva versión restaurada en 4K supervisada por el director, el portugués Pedro Costa. Este largometraje fue su debut cinematográfico en el año 1989 

Gente en domingo

Título original: Menschen am Sonntag (People on Sunday). Dirección: Robert Siodmak, Edgar G. Ulmer, Curt Siodmak, Fred Zinnemann. País: Alemania. Año: 1930. Duración: 74 minutos. Género: Drama. Romance. Documental. Amistad. Cine mudo. Cine experimental. Blanco y negro. Reparto: Documental, Intervenciones de: Brigitte Borchert, Christel Ehlers, Wolfgang von Waltershausen, Annie Schreyer, Erwin Splettstösser. Guion: Billy Wilder, Curt Siodmak, Robert Siodmak. Fotografía: Eugen Schüfftan. Productora: Filmstudio Berlin. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: Sinfonía urbana del Berlín de 1930. Una serie de personajes se relajan un domingo tras una semana de duro trabajo. Gente en domingo fue el segundo guion de Billy Wilder, quien más adelante alcanzaría la fama internacional en Hollywood rompiendo las barreras de todos los géneros cinematográficos y llegando a ganar seis premios Oscar. Los cineastas Edgar G. Ulmer y Robert Siodmak se encargaron de la dirección, era la primera vez que ambos desempeñaban este papel. En la fotografía encontramos a un joven Fred Zinnemann, que más tarde acabaría ganando cuatro premios Oscar. El equipo de Gente de domingo se trata de una unión de genios que huyeron a Estados Unidos con la llegada del nazismo a Alemania. Así, se convirtieron en algunos de los realizadores más representativos y reputados del cine clásico. La producción de Gente en domingo fue un esfuerzo verdaderamente independiente y de lenguaje atípico que sacudió el panorama cinematográfico teutón del cine silente. Vista en retrospectiva, se reivindica como una de las grandes sinfonías urbanas de la historia del cine.

El cielo no puede esperar

Dirección: José María Zavala. País: España. Año: 2022. Duración: 78 minutos. Género: Drama. Documental. Religión. Biográfico. Reparto: Documental. Guion: José María Zavala. Música: Luis Mas. Fotografía: Miguel Gilaberte. Distribuidora: European Dreams Factory. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: El cielo no puede esperar es una película documental española que recoge el impacto que tuvo Carlo Acutis, un beato británico-italiano que falleció en 2006 víctima de una severa leucemia cuando tan solo tenía 15 años. A pesar de que Carlo, desafortunadamente, muriera su ejemplo quedó grabado en la retina de toda una generación. El religioso rebosaba alegría allá por donde pasase, era un chico ejemplar, jugaba a videojuegos, le apasionaba la informática, tocaba el saxofón... una vida de lo más idílica. Aun conociendo la gravedad de su enfermedad, el joven nunca dejó de predicar sus creencias, siendo consciente del apoyo que suponía esta para sobrellevar su diagnóstico. Carlos Acutis no era conocido solo por tener una enorme comunidad que lo apoyaba. El joven adolescente se dedicó a documentar milagros. El último fenómeno que documentó fue el caso de un niño brasileño llamado Matheus, víctima de una letal malformación de páncreas las oraciones del religioso sanaron al pequeño de lo que era una muerte segura. Este acto fue la punta del iceberg necesaria para que el Papa Francisco lo beatificase en octubre de 2020 en la Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano. La película está dirigida y guionizada por José María Zavala, director de El misterio del padre Pío. 'La película recoge numerosos testimonios de jóvenes que vieron en Carlo Acutis un referente y una salvación.

Shooting for Mirza

Dirección: Juan Gautier. País: España. Año: 2021. Duración: 93 minutos. Género: Documental. Guerra de Bosnia. Baloncesto. Documental deportivo. Reparto: Documental, Intervenciones de: Mirza Delibašić. Música: Luis Herrero. Fotografía: Lamia Sabic. Productora: Coproducción España-Bosnia y Herzegovina; Dynamite Films, Udruzenje Mirza Delibasic - Kindje, Elamedia Estudios. Distribuidora: Márgenes Distribución. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: Mirza Delibasic fue uno de los grandes líderes del baloncesto europeo de la década de los años 1970 y principios de los años 1980. Se convirtió en toda una leyenda por su elegancia al frente de clubes como el del Bosna Sarajevo, el Real Madrid o la mítica selección yugoslava. Cuando estalló la guerra de Bosnia en 1992, el deportista se encontró en una dramática encrucijada, planteándose si marchar o permanecer en el país. Finalmente, Delibasic decidió voluntariamente quedarse junto al pueblo bosnio en lugar de escapar junto a su familia, lo que lo convirtió en todo un héroe nacional. Hoy, su hijo Danko trata de reconstruir la historia del hombre detrás del mito, que se recoge en este documental.

Momias

Dirección: Juan Jesús García Galocha. País: España. Año: 2023. Duración: 88 minutos. Género: Animación. Aventuras. Comedia. Cine familiar. Antiguo Egipto. Reparto: Animación. Guion: Jordi Gasull, Javier Barreira. Historia: Jordi Gasull. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Animación. Productora: 4 Cats Pictures, Atresmedia Cine, Movistar Plus+, TV3, Warner Bros. España. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: En las entrañas de la tierra, ¡existe una ciudad de momias! Por mandato imperial, la Princesa Nefer debe casarse con Thut, un ex auriga de carros. Ninguno desea el matrimonio; Nefer porque ansía la libertad, y Thut porque es alérgico al matrimonio. Pero los designios de los dioses son irrevocables: Thut deberá desposar a Nefer y custodiar el anillo real que el Faraón le ha otorgado; si algo le ocurriera a este, Thut perdería los ojos y la lengua. Mientras tanto, en nuestro mundo, Lord Carnaby lleva a cabo una excavación arqueológica y encuentra algo único: ¡un anillo de boda real egipcia! Thut debe ir al mundo de los humanos para recuperarlo. Le acompaña Sekhem, su hermano de 12 años, con su mascota cocodrilo, y Nefer. Juntos vivirán una gran aventura en la moderna Londres y descubrirán algo que no entraba en sus planes: enamorarse.

Bill y Janet y otras crónicas marcianas

Título original: The Smeds and the Smoos. Dirección: Samantha Cutler, Daniel Snaddon. País: Reino Unido. Año: 2022. Duración: 26 minutos. Género: Animación. Infantil. Comedia. Cortometraje. Reparto: Animación. Guion: Julia Smuts Louw. Libro: Julia Donaldson, Axel Scheffler. Música: René Aubry. Fotografía: Animación. Productora: Magic Light Pictures, BBC One, BBC iPlayer, ZDF. Distribuidora: Rita & Luca Films. Estreno en España: 24 de febrero de 2023. Sinopsis: En un planeta muy, muy lejos, viven dos familias de marcianos muy distintas: los Smeds y los Smoos. Los Smeds tienen pies de pato y pelos raros, duermen en camas y les gusta jugar en el agua, beber leche rosa y comer pan marrón. Por el contrario, los Smoos llevan siempre zapatos porque les gusta saltar todo el rato, duermen en agujeros, comen estofado verde y beben té negro. Las dos familias no se llevan bien y nunca, nunca juegan juntos. Es más, está prohibido. Janet es una Smed que, aburrida de jugar siempre en el agua, se encuentra en el Bosque Encantado con Bill, un Smoos harto de saltar siempre por la colina. Janet y Bill se enamoran pero, cuando sus familias se enteran, se enfadan muchísimo. Les recuerdan lo que ya saben: ¡nunca de los jamases pueden los Smed y los Smoos jugar juntos! Pero Janet y Bill se quieren mucho y quieren estar juntos a pesar de que su amor esté prohibido, así que siguen viéndose en secreto hasta que deciden que la única forma que tienen de tener un futuro juntos es huir del planeta en un cohete. Bill y Janet y otras crónicas marcianas es una divertida adaptación moderna del clásico de Romeo y Julieta para inculcar a los más pequeños de la casa los valores de la aceptación y la tolerancia a la diversidad a través de marcianos y naves espaciales.

Muerte de Michel Deville, cineasta sobre la libertad sin vigilancia

Un director descuidado por sus pares de la Nueva Ola, sin embargo, produjo películas de audacia constantemente renovada. El autor de “Adorable menteuse”, “La petite bande” o “Paltoquet” falleció el jueves 16 de febrero. Tenía 91 años.

¿Qué es un autor sino alguien que, sin parecerlo, hace siempre la misma película? Alguien cuyo estilo e imaginación reconocemos en unas pocas imágenes. Michel Deville acaba de morir a los 91 años, olvidado. Descuidado. Poco reconocido. Sin embargo, basta ver cinco minutos de cualquiera de sus películas, incluso las menos buenas (la última, Un fil à la patte, de 2005), para saber que es suya: elegante, insolente, escandalosa y engañosamente fútil. Impulsado siempre por una osadía que uno se pregunta cómo se le escapó a sus pares de la Nueva Ola, quienes nunca lo reconocieron como uno de los suyos. Mientras que sus primeros largometrajes fueron tan libres como los de Eric Rohmer, tan inventivos como los de Jacques Rivette. Y con una libertad increíble: Adorable Liar(1962), con una resplandeciente Marina Vlady, parece reflejar el descuido de toda una época. Un paraíso perdido rápidamente.

Michel Deville siempre ha procedido por sucesivos desafíos. Si elige un thriller de Patricia Highsmith, Aguas profundas (Eaux profondes, 1981), es para transformarlo en una reflexión, a lo Barbey d'Aurevilly, sobre la felicidad en el crimen. ¡Un juego de niños para él! Consiguiendo, en cambio, adaptar una novela que se dice inapropiada, he aquí una tarea digna de él... Del El dossier 51 (Le dossier 51), de Gilles Perrault, con el que muchos cineastas se han roto los dientes, hace, en 1978, lun thriller de lo más angustioso. En sus manos, la cámara subjetiva -un proceso llamativo y desconcertante- se convierte en la más sutil de las armas: se convierte en una investigadora a medio camino entre el Philip Marlowe de Raymond Chandler y el Gran Hermano de George Orwell.