Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones
Oso vicioso
El imperio de la luz
Loli Tormenta
Tin & Tina
El castigo
Una bonita mañana
Un cabaret en la campiña
Paula
Human Flowers of Flesh
Fuego fatuo
19. Solos frente a la verdad
My Way Out
Oink Oink
viernes, 31 de marzo de 2023
Películas de la semana: 31 de marzo
Hace 100 años: Paganini
El 31 de marzo de 1923 se estrenó la película alemana Paganini, dirigida por Heinz Goldberg e interpretada por Conrad Veidt, Eva May, Greta Schröder, Harry Hardt, Hermine Sterler, Jean Nadolovitch, Gustav Fröhlich, Alexander Granach, Martin Herzberg. Productora: Conrad Veidt-Film, Richard-Oswald-Produktion Duración: 90 minutos.
Sinopsis argumental: Película biográfica sobre el músico italiano Niccolo Paganini.
Comentario: Los decorados de la película fueron diseñados por el director de arte Robert Neppach. Se considera una película perdida.
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXVI)
El gato negro (Gatto nero, 1981), de Lucio Fulci
De esta película han tomado inspiración otras como la famosa Perro blanco (White Dog, 1982), dirigida por Samuel Fuller, película con una temática de animales asesinos.
jueves, 30 de marzo de 2023
Biografías de cine: Frank Borzage (I)
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| Frank Borzage |
1916. Llegó a convertirse en uno de los directores de mayor éxito de finales del cine mudo y comienzos del sonoro. Aunque sus películas de este período son esencialmente melodramas románticos que rara vez muestran respeto por los límites de la realidad, frecuentemente revelan una profunda comprensión de los esfuerzos del ser humano por sobrevivir en un mundo materialista.
El núcleo de las películas de Frank Borzage (1893-1962) suele estar constituido por una pareja de amantes, bañados en luz, superando las adversidades de su tiempo y salvados por la inocencia de un amor puro. Desde esta perspectiva no resulta sorprendente que las mejores películas de Borzage fuesen realizadas en los años 1930, en los que sus enamorados se veían amenazados o bien por la Gran Depresión del 1929, Fueros humanos (Man's Castle, 1933), Mannequin (19379, o bien el crecimiento del fascismo en Europa, ¿Y ahora qué? (Little Man, What Now, 1934), Tres camaradas (Three Comrades, 1938) o, ya a comienzos de los años 1940, The Moral Storn (1940). Pero, aunque éstas son sus películas más logradas, otras dos pertenecientes a décadas distintas son fundamentales para descubrir y comprender su genio: El séptimo cielo (The Seventh Heaven, 1927) y Moonrise (1948).
El séptimo cielo le valió uno de los primeros Oscar a la mejor dirección. La película se basa en la obra de 1922 Seventh Heaven, de Austin Strong. Se trata de un melodrama mudo, que resume a la perfección dicho género. Sus protagonistas, Chico (Charles Farrell) y Diane (Janet Gaynor) son seres de una solo dimensión, pues su existencia se basa únicamente en el amor que siente el uno por el otro. En cuanto se encuentran y enamoran, Borzage los saca del abismo (Chico trabaja en las alcantarillas y Diane es una vagabunda) y los eleva a las alturas mediante un impresionante plano rodado con grúa que termina en la pequeña buhardilla de Chico, situada encima de un bloque de viviendas parisino. Esa buhardilla, con el cielo de lleno de estrellas como techo, es el "séptimo cielo" para la pareja. Obligados a separarse por la I Guerra Mundial, se sienten físicamente unidos cuando piensan el uno en el otro en un determinado momento del día. Pero Chico cae herido y muere en brazos de un sacerdote. Diane recibe la noticia de su muerte el mismo día en que se firma el armisticio. Se desmaya de la impresión y, justo en ese momento, Borzage pasa a un plano de Chico milagrosamente vivo que avanza con esfuerzo entre la multitud para reunirse con ella. Por fin llega junto a Diane y se abrazan. Borzage, sin ofrecer ninguna explicación, deja a los personajes unidos por el amor, renunciando así a toda lógica narrativa (se ha visto a Chico morir) en favor de la imagen de un amor trascendente que sobrevive a la propia muerte.
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| Spencer Tracy y Loretta Young en Fueros humanos (1933) |
Tres camaradas es una delicia de película, situada en la Alemania de entreguerras, que sigue a tres amigos, camaradas del alma, encandilados por la misma mujer, que acabará siendo la prometida de uno y amiga del resto. La crispación del ambiente político, las dificultades laborales y una enfermedad fatal afectarán a sus vidas. Frank Borzage, el cineasta romántico por excelencia, contó con el único guión acreditado de otro romántico, el novelista Francis Scott Fitzgerald, que adaptó la novela de Erich Maria Remarque. El resultado transmite emoción por todos sus poros, en un feliz logro por conjugar reflexión, comedia, tragedia, y todo ello bañado por el amor. Nunca estuvo más encantadora Margaret Sullavan, y los tres amigos del título, Robert Taylor, Franchot Tone y Robert Young componen a las mil maravillas los rasgos de sus personajes.
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| Robert Taylor, Robert Young y Franchot Tone en Tres camaradas (1938) |
(cont.)
Clásicos de cine: El verano de Kikujiro (I)
El verano de Kikujiro (Kikujiro no natsu, 1999), de Takeshi Kitano
Parece que en el cine japonés siempre ha habido un interés para explorar las dificultades de su propia sociedad. Sobretodo en lo que respecta a lo relacionado al concepto de familia. Desde películas fundamentales como Cuentos de Tokio (Tokyo monogatari, 1953), de Yasujiro Ozu, hasta dramas sociales más contemporáneos como Nadie sabe (Dare mo shiranai, 20049, de Hirokazu Kore-eda o La casa del tejado rojo (Chiisai Ouchi, 2014), de Yōji Yamada. Takeshi Kitano es otro nombre que seguía dicha tendencia, si bien se alejaba de los dramas costumbristas más habituales para hacerlo con otros registros más de su agrado. Como los thrillers policiacos –Sonatine (1993)-, dramas de mafiosos –Brother (2000)-, cine de samuráis –Zatoichi (2003), u otras más enfocadas hacia la comedia más melancólica. Como la entrañable y conmovedora El verano de Kikujiro.
Masao (Yusuke Sekiguchi) es un niño de nueve años al que le toca pasar las vacaciones de verano con su abuela; así que se acabaron los partidos de fútbol, ya que todos sus amigos se han marchado a la playa. El aburrimiento de Masao es tal que se le ocurre la idea de buscar a su madre, a la que nunca ha visto. Con muy poco dinero y con una fotografía y una dirección como únicas referencias, el plan parece condenado al fracaso. Una amiga de su abuela propone que su marido acompañe a Masao. El problema es que Kikujiro (Takeshi Kitano), un antiguo yakuza, no parece la compañía más recomendable para un niño.
La filmografía de Takeshi Kitano está compuesta por películas de gran diversidad. Pese a ello, hay algunas temáticas que se han mantenido constantes en muchas de ellas. Como la importancia de la familia, los vínculos de pareja, conflictos con los yakuzas… Que el tono general de sus películas fuera, al menos durante toda la década de 1990, más bien austero y dramático, no hace más que resaltar lo particular de una propuesta como ésta. Anteriormente ya habría probado con la comedia –Gettin Any? (Minna Yatteruka, 1994)-, y más adelante le seguirían bizarradas como Aquiles y la tortuga (Akiresu to kame, 2008), una película sobre la complejidad del mundo del arte. Ninguna de ellas estaría entre las películas más recomendables del director. La paradoja llega cuando la extraña mezcla entre el drama, la comedia, la ternura y la extravagancia de El verano de Kikujiro se dan la mano para cohesionar en una de las mejores películas del director japonés.
A lo largo de su trayectoria, Kitano ha mantenido un estilo generalmente simple y austero. No suele hacer virguerías con la cámara. Prefiere dejarla tranquila, plantada en el trípode, para que todo el trabajo lo hagan el encuadre, los actores, el sonido y la música de Joe Hisaishi, a la que entraremos más adelante. En sus películas la acción respira para dejar que los personajes -y los espectadores- sientan cuanto va sucediendo en la narración. A su vez, Kitano apuesta por lo poético, la parsimonia y la melancolía. Todo ello con puntos de humor para no caer en un melodrama exacerbado. Es posible que El verano de Kikujiro sea su película más tierna y entrañable hasta la fecha. A pesar de la profunda tristeza de la historia, Kitano consigue irradiar de sus imágenes una gran alegría, gracias a distintos momentos de muy absurdos.
(cont.)
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXV)
El resplandor (The Shining, 1980), de Stanley Kubrick
Kubrick se propuso rodar los vericuetos de una esquizofrenia maníaca, asomarse a los abismos interiores de una mente perturbada, y a fe que lo logró. El relato de Stephen King fue trasladado a la pantalla con una narración inquietante, por momentos angustiosa. El poder de la imagen del maestro neoyorquino consiguió, además de una atmósfera opresiva, algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas.
Tras los mediocres resultados económicos obtenidos por "Barry Lyndon", Stanley Kubrick se decidió por la adaptación de una novela de terror de un especialista en el género, Stephen King. La Warner puso en sus manos 16 millones de euros para un rodaje que estuvo lleno de complicaciones y que duró casi un año. El resultado fue un filme que el público mayoritario encontró fascinante y aterrador. Sin embargo, la acogida crítica fue fría al considerar que un genio como Kubrick no podía realizar una simple película de terror. Sin embargo, el tiempo dejó la cinta en el lugar que se merecía: como una obra maestra y todo un clásico del cine de miedo. Una curiosidad: la habitación embrujada prevista por el guion, la 217, tuvo que ser cambiada por la inexistente 237, ya que el propietario del hotel donde se rodó la película no quería que sus clientes tuvieran reparos en alojarse en la misma.
miércoles, 29 de marzo de 2023
Cine para niños: “Valentina”, un tierno retrato de la discapacidad
En el secreto de su habitación, Valentina se sumerge en una tierra mágica en busca de su abuela desaparecida. Una epopeya sonriente y colorida en la mente de una niña con síndrome de Down. A partir de 6 años.
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| Valentina (2021), de Chelo Loureiro |
¿Qué es un niño diferente? Esta bonita película animada española responde con dulzura y humor, dibujando el retrato de Valentina, una niña con síndrome de Down rebosante de ternura e imaginación. Edredones rojos agudos, lentes grandes y redondos, esta soñadora no entiende adónde ha ido de repente su amada abuela, cómplice de todos sus juegos y de toda su felicidad diaria. En el secreto de su habitación, mientras sus padres creen que está dormida, la niña elige abrir las puertas de la tierra mágica donde espera encontrar a quien tanto extraña. ¿Cómo evocar la minusvalía, pero también el duelo, a la altura de un niño, sin ser ni pomposo, ni cursi, ni melodioso?…
Biografías de cine: James Dean (X)
(cont.)
Esa inmediatez era lo que le ganó a Dean el aprecio y la admiración de los espectadores, pues se trataba de una afirmación del artificio o simulación en el que tenemos que sumergirnos para "creernos" a un personaje cinematográfico a la vez tan real y tan fantasmal. Truffaut comparó a Dean con Chaplin y no andaba demasiado descaminado, pues ambos poseían la misma fachada de abatimiento y fracaso convertida en resplandeciente control y perfección.
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| James Dean posa junto a 'Little Bastard', el coche que le llevó a la muerte |
"En Dean hay algo distinto, una cierta capacidad poética que presta autoridad a todas las libertades que se toma y que incluso los estimula. Cuando nos referimos a él no tiene sentido hablar de buena o mala interpretación, ya que lo que esperamos de Dean es que nos sorprenda a cada minuto, en todo momento... En James Dean, todo está lleno de gracia y encanto... No es que sea mejor ni peor que los demás actores, es que es otra cosa, lo contrario del intérprete convencional."
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXIV)
La guerra de las galaxias. Episodio V: El imperio contraataca (Star Wars. Episode V: The Empire Strikes Back, 1980), de Irvin Kershner
Tras el descomunal éxito obtenido con La guerra de las galaxias, en la que el estudio no confiaba en absoluto, la Fox destinó la entonces friolera de 30 millones de dólares a financiar su primera secuela. Así, George Lucas y sus técnicos de la Industrial Light & Magic consiguieron recrear mucho mejor el universo imaginado por el cineasta. Además, la película profundiza más en la psicología de los personajes y se introducen paralelismos con mitos del imaginario popular, como el Rey Arturo o Hamlet. Todo ello hizo que muchos de los seguidores de la saga considerasen a esta película como el más logrado de la trilogía original, y que se convirtiera en uno de los más taquilleros de toda la historia del cine.
El guion, basado en una historia de George Lucas, fue escrito por Lawrence Kasdan y Leigh Brackett. Aunque en términos cronológicos internos sea la quinta película de la saga Star Wars, en realidad fue la segunda película de la saga en ser estrenada.
martes, 28 de marzo de 2023
El cine de Maryam Touzani, un insolente y tierno oficio de libertad
Prostitución, embarazo fuera del matrimonio o hoy homosexualidad en El caftán azul (Le Bleu du caftan, 2022). Fiel a su sutil toque que mezcla realismo social y poesía, la directora y guionista marroquí se esfuerza por cuestionar con delicadeza las costumbres de su país.
“La muerte está presente en todas mis películas”, explica Maryam Touzani. Cuando luchas por vivir a tu manera, también tienes que luchar por morir como quieres. Esta magnífica mujer de 42 años, compañera y coguionista del cineasta Nabil Ayouch, sabe utilizar la vía suave para sacudir la moral.
Las mejores películas de culto de la historia del cine (CCLXIII)
El hombre elefante (The Elephant Man, 1980), de David Lynch
Interpretada en sus principales papeles por Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft, John Gielgud. Recibió el Premio César a la mejor película extranjera; 8 nominaciones a los Oscar, incluyendo película y director; 4 nominaciones a los Globos de Oro, incluyendo mejor película-drama; en los BAFTA, fue mejor película, actor (Hurt) y diseño de producción y 7 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado drama.
Uno de los films más conmovedores de David Lynch, que está inspirado en hechos reales. La historia da vueltas a la idea de que la hermosura no es sólo el aspecto físico de las personas. Un canto al espíritu humano, rodado en un audaz blanco y negro, cuenta con unas magníficas interpretaciones. A destacar John Hurt, que da vida a John Merrick, el hombre elefante.
El ‘Adagio para cuerdas’ del compositor estadounidense Samuel Barber, considerada por muchos melómanos como una de las expresiones más perfectas del dolor y la tragedia, y que está incluida sobre estas mismas líneas y en la música del segundo largometraje de David Lynch, acompaña los últimos momentos de la película y de la vida de John Merrick (el tristemente célebre hombre elefante, de verdadero nombre Joseph Merrick), y es imposible imaginar mayor humildad y belleza en esos momentos.
Biografías de cine: James Dean (IX)
(cont.)
Pero, un director tan solemne y respetable como Stevens sólo fue capaz de ver que la sólida familia texana de Gigante, era mucho mejor y más educada que el inquieto vecino que descubrió petróleo en sus campos y termina haciéndose multimillonario. Cada vez que Dean tiene una escena solo, como cuando mide su terreno dando pasos o se dejar mojar por el petróleo, su habilidad para llegar físicamente al espectador y para idealizar la soledad consigue insuflar vida a la película.
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| Elizabeth Taylor y James Dean en Gigante (1956) |
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| James Dean en Gigante (1956) |
Cuando James Dean murió, François Truffaut reconoció que su forma de actuar no era psicológica ni se ajustaba siempre al texto. A pesar de su apariencia naturalista se trataba de una manera de interpretar esencialmente lírica que parecía construida sobre la marcha y sobre nuestros sueños.
(cont.)
lunes, 27 de marzo de 2023
Biografías de cine: James Dean (VIII)
(cont.)
En ella, Dean parece en todo momento mucho más consciente de lo que realmente esta ocurriendo que sus padres, sus profesores, la policía o sus compañeros. Podía tratarse de un ser procedente del pasado o de alguno de los remotos planetas que contempla en el ominoso teatro del espacio. Conoce sentimientos a los que la sociedad californiana que la película retrata parece ser insensible, lo que confiere el dolor y privilegio de un poeta... o de un director de cine.
Jean Backus el actor que encarnó al padre de Dean en Rebelde sin causa, le contó lo siguiente a la revista Variety: "Fue la primera vez en la historia del cine que un chico de 24 años que sólo había interpretado otra película antes, se vió convertido en prácticamente el co-director de la película".
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| Fotograma de Rebelde sin causa (1955) |
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| Sal Mineo y James Dean en Rebelde sin causa (1955) |
(cont.)
Hace 100 años: Almas en venta
El 27 de marzo de 1923 se estrenó la película estadounidense Almas en venta (Souls for Sale), dirigida por Rupert Hughes e interpretada por Eleanor Boardman, Frank Mayo, Richard Dix, Mae Busch, Barbara La Marr, Lew Cody, Forrest Robinson. Productora: Goldwyn Pictures Corporation. Duración: 90 minutos.
Comentario: Basada en la novela del propio director, Rupert Hughes, que muestra el funcionamiento de Hollywood por dentro.
Clásicos de cine: Colorado Jim
Año 1868. Howard Kemp (James Stewart) es un ranchero que perdió su rancho mientras combatía en la guerra de Secesión (1861-1865) y se ha propuesto recuperarlo cazando a Ben Vandergroat (Robert Ryan), atracador y asesino de un «sheriff» por el que se ofrece una jugosa recompensa. Por el camino, Kemp se encuentra con Jesse Tate (Millard Mitchell), un prospector de oro obsesionado, y Roy Anderson (Ralph Meeker), un soldado mujeriego y licenciado con deshonor, quienes se asocian y logran cazar al asesino y a Lina Patch (Janet Leigh), hija de un difunto amigo de Vandergroat. Los cinco emprenderán una travesía en la que tendrán que hacer frente a todo tipo de imprevistos y conflictos morales y saciar sus ansias de venganza, redención y dinero.
Anthony Mann dirige este western, hoy considerado un clásico, y lo hace uniendo los elementos más visuales del género con un retrato introspectivo de los personajes. En especial hay que destacar el trabajo de James Stewart, que obtiene una interpretación memorable de este antiguo soldado metido por necesidad en el oscuro oficio de cazador de recompensas. La película fue nominada al Oscar por su guión y consiguió el aplauso unánime de la crítica.
domingo, 26 de marzo de 2023
Hace 100 años: La orfandad de Chiquilín
El 26 de marzo de 1923 se estrenó la película La orfandad de Chiquilín (Daddy), dirigida por E. Mason Hopper e interpretada por Jackie Coogan, Arthur Edmund Carewe, Josie Sedgwick, Cesare Gravina, Bert Woodruff, Anna Townsend, Willard Louis, George Kuwa. Productora: Jackie Coogan Productions. Duración: 60 minutos.
Comentario: El guión fue escrito por los padres de Jackie Coogan, Jack y Lillian. Un éxito comercial y de crítica, fue la quinta película estadounidense más taquillera de 1923 en taquilla después de Safety Last! Como anécdota señala que Artiach utilizó el sobrenombre artístico de este niño, estrella del cine mudo durante los años 1920, para atraer al público infantil hacia sus productos.
Biografías de cine: James Dean (VII)
(cont.)
En Al este del Edén, Dean interpretaba a un joven de 20 años, pero Cal Trask puede considerarse tan viejo como Drácula. El vampirismo constituye uno de los elementos del estrellato llevado a sus últimas consecuencias, lo que indudablemente ocurre en esta película, en la que Kazan permite que todos los demás personajes sucumban a la visión del mundo de Cal.
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| Anuncio de la película en l número de abril de 1955 de la revista Photoplay |
Dean vampiriza no sólo a los restantes protagonistas de la historia, sino también al público. Al respetar todas sus pausas y vacilaciones, la cámara aumenta su autoridad y dominio de la situación.
Al este del Edén resulta una película desconcertantemente lánguida y morbosa, precisamente porque Kazan parece renunciar a llevar la batuta y ceder ante la rapsodia de sentimientos heridos "tocada" por Dean.
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| Rótulo del título en el tráiler de la película |
En este caso, el formato Cinemascope se adecúa perfectamente a los objetivos perseguidos, pues permite que Dean cuente con más espacio para sus nerviosas evoluciones.
La música de Leonard Rosenman es memorable. Una película rodeada de una aureola mítica que ha quedado como el símbolo de una generación.
(cont.)
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