Acción acuática: Las mejores películas ambientadas en el mar (III)

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11. Hombres intrépidos (The Long Voyage Home, 1940), de John Ford

En plena Segunda Guerra Mundial un grupo de marinos se disponen a regresar a casa. Viajan en el Glencairn, un viejo y sucio carguero británico, después de haber recogido una carga de explosivos desde Baltimore a Londres. Con la guerra a sus espaldas y los submarinos alemanes acechándoles, la tripulación estará intranquila y siempre alerta por si sus enemigos, la mercancía o el propio mar, les juega una mala pasada. John Ford realiza una gran película que estuvo nominada a los Oscar. Lejos de parecer heroica y exaltar el patriotismo americano, (tan propio de esos años), el director plantea una situación muy real. Un grupo de hombres que viven el tormento de la guerra, que viajan con miedo e incertidumbre pensando que cada viaje puede ser el último, y que su único deseo es volver a casa.

12. El halcón del mar (The Sea Hawk, 1940), de Michael Curtiz

Geoffrey Thorpe es un osado corsario inglés, terror de los barcos españoles. En uno de sus abordajes, captura a doña María Álvarez de Cordoba, una hermosa aristócrata española. Inmediatamente enamorado de ella, consigue que ella conserve sus joyas, ganándose rápidamente su corazón. A su regreso a Inglaterra, Thorpe recibe una importante misión de la reina Isabel, que lo llevará a caer en manos de los españoles. Cinco años después de que El capitán Blood lo convirtiera en una gran estrella del cine de aventuras, Errol Flynn volvió al mar, en un personaje hecho a su medida y, de nuevo, dirigido por el gran Michael Curtiz. El tándem volvió a conseguir otra obra maestra del género, repleta de todo lo que puede pedirse a una película de sus características: espectacularidad, emoción, romance y memorables duelos a espada. La hermosa Brenda Marshall, actriz de origen filipino y de corta carrera en el cine, sustituyó a la usual Olivia de Havilland en el papel de la enamorada del protagonista.

13. La nave blanca (La nave bianca, 1941), de Roberto Rossellini

En un buque de guerra italiano, un grupo de marines se ríen de la carta que una madrina de guerra ha enviado a uno de sus compañeros. Pero luego, las risas se convertirán en envidia... Primer largometraje de Rossellini, rodado con actores no profesionales en un barco real.

14. El lobo de mar (The Sea Wolf, 1941), de Michael Curtiz

Dos náufragos -una mujer perseguida por la justicia y un joven novelista- son recogidos en alta mar por el capitán Wolf Larsen, un viejo marinero que gobierna su barco con mano de hierro. Al pasar los días los dos protagonistas se dan cuenta de su verdadera situación: son prisioneros del temible capitán Larsen en un barco y con una tripulación que dirige a su antojo. Basada en el relato de Jack London, Michael Curtiz dirige esta película que reúne elementos del cine de aventuras y de misterio. Edward G. Robinson interpreta a este lobo de mar, en una de sus más logradas caracterizaciones; le acompañan en el reparto Ida Lupino y John Garfield. Adereza las imágenes una magnífica partitura musical a cargo de Erich Wolfgang Korngold. La película obtuvo una nominación a los Oscar en la categoría de mejores efectos especiales. 

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Efemérides de cine: Carne para Frankenstein

El 30 de noviembre de 1973 se estrenó la película italiana Carne para Frankenstein (Flesh for Frankenstein), dirigida por Paul Morrissey e interpretada por Udo Kier, Joe Dallesandro, Monique van Vooren, Arno Juerging, Dalila Di Lazzaro, Srdjan Zelenovic, Nicoletta Elmi, Marco Liofredi, Liù Bosisio. Productora: Coproducción Italia-Estados Unidos-Francia; Compagnia Cinematografica Champion, Carlo Ponti. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Udo Kier es el Barón Frankenstein, un científico loco casado con su hermana empeñado en crear una raza de humanos a partir de trozos de cuerpos previamente raptados, mutilados y cosidos. Quiere crear al hombre perfecto y a la mujer perfecta y que entre ellos se reproduzcan pero coge por error el cerebro de un hombre que iba a convertirse en monje por lo que la criatura no demuestra demasiado interés en copular con la hembra. Pero la esposa del Barón tiene una hambre sexual insaciable y pronto se fijará en la criatura pero el sexo deriva en un trágico resultado para todos.

Comentario: El director Paul Morrissey usa el mito de Frankenstein para narrar su propia versión, como haría un año después con la superior Sangre para Drácula. Aquí ofrece una recargada ambientación gótica para ofrecer cierta intriga, varios desnudos y escenas de estilo gore, pero con unos efectos especiales tan caseros que resultan risibles. Los personajes interpretan de modo hiérático a sus personajes, de modo que todo resulta demasiado teatral.

Hace 100 años: Cyrano de Bergerac

El 30 de noviembre de 1923 se estrenó la película francesa Cyrano de Bergerac (Cirano di Bergerac), dirigida por Augusto Genina e interpretada por Angelo Ferrari, Pierre Magnier, Linda Moglia, Roberto Parisini, Maurice Schutz, Alex Bernard, Umberto Casilini, Gemma De Sanctis. Productora: Coproducción Francia-Italia; Augusto Genina. Duración: 113 minutos. 

Sinopsis argumental: El verso de Edmond Ronstad, los amores de Cyrano por Roxane encauzados a través de Christian —joven sin discurso también enamorado de la bella— el aura patriótica de Cyrano, su capacidad de sacrificio y el hecho de estar inspirado en un personaje real de nariz tan legendaria como la de Cleopatra —aunque por diferentes razones—, convirtieron en éxito inmediato a esta obra estrenada en 1897. 

Comentario: La obra teatral Cyrano de Bergerac es un auténtico clásico. En 1920 ya contaba con cinco adaptaciones al cine y la de Augusto Genina se erigió por encima de todas las anteriores e, incluso, las posteriores sonoras. Protagonizado por el segundo actor que interpretó el personaje en escena, la película fue realizada en 1922 y durante cerca de 3 años fue sometido al laborioso coloreado de su largo metraje, por medio de plantillas fotograma a fotograma. El restaurador David Shepard ha devuelto toda su grandeza a esta legendaria versión que va acompañada por la música de Kurt Kuenne interpretada por la Olympia Chamber Orchestra dirigida por Timothy Brock. Como documento único se incluye un raro fragmento ¡sonoro! de la obra, filmado en 1900 e interpretado por su creador: Coquelin Aîné. 

¿Cuál es la mejor película de Martin Scorsese? Nuestro ranking completo, de peor a mejor (III)

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11. La invención de Hugo (Hugo Cabret, 2011)

París, tras la Primera Guerra Mundial. El pequeño Hugo Cabret, que ha heredado de su padre el gusto por los inventos, se ha quedado huérfano. Y tras desaparecer su viejo tío borrachín, que se ocupaba del mantenimiento del reloj de la estación de tren, vive solo en la torre, junto a la complicada maquinaria que ayuda a marcar las horas, sin que nadie lo sepa. Toda su ilusión es poner en marcha un autómata que andaba reparando su padre, y que cree que le ayudará a dar un sentido a su vida. Le ayudará Isabelle, que siempre ha deseado vivir una ventura, y se encuentra bajo la tutela de sus padrinos Georges y Jeanne. El viejo Georges regenta una tienda de juguetes mecánicos, de la que de vez en cuando Hugo birla piezas, y está amargado por algún suceso indeterminado del pasado.  Imaginativa adaptación de un libro infantil de Brian Selznick -pariente del mítico productor David O. Selznick-, con guión de John Logan, que ya había colaborado con Martin Scorsese en El aviador. Scorsese asume con La invención de Hugo el reto de rodar una película en 3D, y lo hace con brillantez, sacando todo el partido al formato, de modo que la deslumbrante imaginería. 

12. El color del dinero (The Color of Money, 1986)

Eddie fue en otro tiempo un campeón de billar pero ahora está retirado de todo eso y se dedica a negociar con licores. Un día conoce a Vincent, un joven jugador que busca un oponente para otra de sus partidas en las que suele apostar. Secuela de El buscavidas (The Hustler, 1961), con la dirección de Robert Rosen, también protagonizada por Paul Newman. La película de Scorsese cuenta con un buen guión, una buena puesta en escena y el elenco apropiado donde, aparte de Newman, aparece un joven Tom Cruise que empezaba a despuntar en el panorama cinematográfico tras Top Gun. Ídolos del aire. Tras siete candidaturas infructuosas, Paul Newman ganó por fin el Oscar al mejor actor gracias a su trabajo en la película que nos ocupa. Dicen las malas lenguas que la academia estadounidense se lo entregó, justo un año después de que el eterno galán de los ojos azules hubiera recibido un galardón honorífico, llevados por el sentimiento de culpa de que uno de los grandes de la historia de Hollywood hubiera sido obviado en tantas ocasiones. Y tres nominaciones en las categorías de mejor actriz secundaria (Mastrantonio), mejor ambientación y mejor guión (Richard Price). Cuando su precuela se estrenó en 1961 las ventas de billares se multiplicaros y esta mesa se convirtió en uno de los pasatiempos favoritos de los estadounindenses. Curiosamente, algo similar pasó en 1986, tras pasar por cartelera El color del dinero. Magnífica e imprescindible.

13. La edad de la inocencia (The Age of Innocence, 1993)

La escritora Edith Wharton llevó a cabo en su novela La edad de la inocencia una notable radiografía de la alta sociedad de la Nueva York de principios de siglo, que Scorsese trasladó a la pantalla. El cineasta –que coescribe el guión con Jay Cocks– fue exquisitamente fiel al espíritu de la novela. Del italoamericano podía haberse esperado otra vuelta de tuerca a sus demonios personales, aprovechando una historia que habla de sentimientos reprimidos. En cambio se pone al servicio de la misma con esmero, convirtiendo una mirada, un silencio, un gesto, unas palabras sin aparente contenido, en momentos harto expresivos de un Acierto pleno hay en la dirección artística de Dante Ferreti, en la fotografía de Michael Ballhaus, en la música de Elmer Bernstein, que dan el perfecto empaque visual y de ambientación a la historia. En éste Scorsese reconoce la influencia de Wyler (La heredera), Ophüls (Madame de...) y Visconti (El gatopardo). Luego están los actores –Day-Lewis, Pfeiffer, Ryder–, que se han metido de lleno en sus personajes, convirtiendo algunos de los momentos de la película en memorables. La última conversación entre Newland y May es sencillamente de quitarse el sombrero. social a veces hipócrita, defensor a ultranza de unos valores y unas apariencias. 

14. La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, 1988)

Este largometraje de Martin Scorsese, una narración de la vida de Jesús muy particular, teología-ficción podríamos llamarla, resultó altamente polémico, y logró molestar a creyentes cristianos de todo el mundo, debido a que se trata de una versión que no se corresponde con los hechos históricos narrados en los Evangelios; algo que el director se vio obligado a reconocer expresamente en un "disclaimer" al principio de la película. El director italoamericano adapta una novela de Nikos Kazantzakis que presenta a un Cristo con dudas, poca cosa, incapaz de asumir que Él es Dios. Ideas como la de que Jesús fabrica en su taller de carpintero las cruces que usan los romanos en sus crucifixiones resultan, como mínimo, grotescas. Mientras que la "última tentación" a que alude al título, la de llevar una vida "normal", casado, con varias mujeres e hijos, renunciando a su misión, suena a juego malabar, fallido intento de cortas miras que quiere mostrar cómo puede ser un hombre que no se atreve a asumir que es Dios. Y se entiende que las imágenes que sugieren una relación carnal molesten. Por otra parte, el director quiere ser "original" inventando una curiosa iconografía de la crucifixión y la corona de espinas bastante chocante y repulsiva.

15. El rey de la comedia (The King of Comedy, 1982)

Rupert Pumpkin, un cómico desconocido, insiste con pesadez a Jerry Langford, un famoso showman televisivo, para que le deje un espacio en su programa donde realizar su número de humor. Tras sacarle de un apuro en un momento de acoso de sus fanas, Langford acepta echar un vistazo al número, pero luego comienza a darle largas, escudándose en la muralla de secretarias y colaboradores. Pero Rupert no se dará por vencido en su camino por conseguir llegar a ser el rey de la comedia, tomando una medida drástica con efectos inesperados. Contundente y agridulce sátira sobre lo que se esconde tras las bambalinas de los programas de humor, que incluye dardos hacia las masas acríticas, que aúpan a la popularidad a las estrellas, o las condenan al ostracismo, con frecuencia caprichosamente. Jerry Lewis, que parecía hacer de sí mismo, es el paciente productor y Robert De Niro, que tan bien se le da el drama como la comedia, el aspirante a cómico. Dirige el maestro Martin Scorsese., que introduce escenas del protagonista Pumpkin fantaseando, en que resulta difícil distinguir de la realidad, opción arriesgada, pero que sirve para incidir en las alienaciones que conforman nuestra vida real. Aunque irregular rítmicamente, contiene algunos momentos memorables, especialmente en el último tramo del número televisado, muy divertido, también por las dosis de realidad que contienen las bromas.

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Secuelas, precuelas y spin-offs nuevas y futuras (VI)

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26. Mufasa: El Rey León (Mufasa: The Lion King, 2024), de Barry Jenkins

Precuela de El rey león (2019). Simba, habiéndose convertido en rey de las Tierras del Reino, está decidido a que su cachorro siga sus huellas mientras se exploran los orígenes de su difunto padre Mufasa.

Hace 100 años: Die Straße

El 29 de noviembre de 1923 se estrenó la película alemana Die Straße, dirigida por Karl Grune e interpretada por Eugen Klöpfer, Lucie Höflich, Anton Edthofer, Aud Egede-Nissen, Max Schreck, Leonhard Haskel, Sascha, Hans Trautner. Productora: Stern-Film. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuenta la historia de una noche en la que un hombre de mediana edad es atraído lejos de su feliz hogar hacia las emociones y peligros de las calles de la ciudad. La ciudad es una pesadilla expresionista, un lugar peligroso y caótico. El desafortunado se encuentra con ladrones, prostitutas y otros depredadores; También suceden otras dos historias que involucran a un paleto que se une a un juego de cartas y al hijo de un proxeneta que busca a su padre después de quedarse con un anciano ciego. Pero la verdadera amenaza a la seguridad y el orden es la calle misma. En una de las primeras escenas, el hombre ve a una chica bonita y su rostro se transforma en una calavera. En otra escena, el hombre torpe pasa por la tienda de un optometrista en una calle desierta y sinuosa. En el momento en que le da la espalda, un enorme letrero de neón de un par de anteojos parpadea. Pronto se ve enganchado a jugar a las cartas con una prostituta y su compañía, y termina involucrado en un caso de asesinato cuando lo atrapan cerca de la escena de la muerte del patán, escapando por poco de quedarse en la cárcel. Luego, regresa a casa con su esposa cuando sale el sol, apoyando la cabeza en su hombro.
Comentario: Esta fue la primera de las películas "callejeras" alemanas. Existen copias de la película, distribuidas por Transit Film GmbH para proyecciones comerciales, a pesar de que se afirma lo contrario. Hay pocos intertítulos a lo largo de la película, lo que se suma al enfoque narrativo predominantemente visual. La película sigue dos líneas argumentales distintas hasta que finalmente se fusionan: la primera es la del hombre aburrido de mediana edad que busca salir de la monotonía en su vida; la segunda es la del ciego y el niño, su nieto, que son interdependientes. Ninguno de los personajes ha recibido nombres y, por lo tanto, se hace referencia a ellos únicamente mediante descripción.

Secuelas, precuelas y spin-offs nuevas y futuras (V)

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21. A Quiet Place: Day One (2024), de Michael Sarnoski

Trama mantenida en secreto.  

22.  Kung Fu Panda 4 (2024), de Mike Mitchell

Sigue a Po en sus asombrosas aventuras en la antigua China, cuyo amor por el kung fu sólo es comparable a un apetito insaciable.

23. Twisters (2024), de Lee Isaac Chung 

Una actualización de la película de 1996 Twister, que se centró en un par de cazadores de tormentas que arriesgan sus vidas en un intento de probar un sistema experimental de alerta meteorológica. Más de 25 años después de su estreno, Twister tendrá una secuela con el acertadamente título de Twisters. El productor Frank Marshall ha enfatizado que esta película es un "nuevo capítulo" en lugar de una "secuela espiritual", pero no está claro cómo se verá eso en la pantalla. Lo que sí sabemos es que Lee Issac Chung dirigirá un elenco estelar encabezado por Daisy Edgar-Jones, quien se rumorea que interpretará a la hija de los científicos meteorológicos Bill y Jo Harding de la película original. Supuestamente el guión del escritor Mark L. Smith impresionó tanto a Stephen Spielberg que Amblin Entertainment lo adquirió para producirlo.

24.  Venom 3 (2024), de Kelly Marcel  

Los detalles exactos de la trama de Venom 3 siguen siendo oscuros. La película se alejará un poco de las dos entregas de la franquicia del simbionte. Y parece que dejará de lado su ambientación en San Francisco para adentrarse en las brillantes luces del Reino Unido. En lugar del habitual escenario del norte de California, se ha confirmado que la película se filmará en Londres y Cartagena (España). Lo que muy probablemente influirá en la trama de la próxima trilogía. Otro detalle que podría revelar lo que podría estar en camino en Venom 3 es que también podría ser la última. 

25. Deadpool 3 (2024), de Shawn Levy

Lobezno se una al "mercenario de lengua rápida" en la tercera entrega de la franquicia cinematográfica de Deadpool. Está previsto que el “mercenario de lengua rápida ” favorito de todos regrese a la pantalla grande para una tercera aventura en 2024. La película será la primera de la franquicia producida como parte del MCU después de la adquisición de 20th Century Fox por parte de Disney en 2019. Pero si la idea de que una empresa tan familiar cree una película de Deadpool te pone nervioso, ¡no temas! La próxima película del atrevido antihéroe seguirá teniendo una clasificación R, con el cerebro y estrella Ryan Reynolds repitiendo sus papeles tanto delante como detrás de la cámara. Hugh Jackman, Morena Baccarin y Brianna Hildebrand están programados para regresar junto con la nueva incorporación Jennifer Garner, quien retomará su papel anterior al MCU como Elektra. Ah, ¿y mencionamos que el canino de realidad alternativa Dogpool hará acto de presencia? Sí, no sabemos qué esperar, y así es como nos gusta.

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¿Cuál es la mejor película de Martin Scorsese? Nuestro ranking completo, de peor a mejor (IV)

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16. Jo, ¡qué noche! (After Hours, 1985)

Paul, un empleado de una compañía informática, conoce a Marcy en una cafetería. Al finalizar la jornada, recibe una llamada de ella en la que le invita a ir a su casa. A partir de ese momento, Paul se verá envuelto en una serie de extrañas circunstancias que le llevarán a los peores barrios de Nueva York. Comedia sofisticada, de ritmo trepidante y llena de humor negro con la que Martin Scorsese ganó el premio al mejor director en el festival de Cannes. El cineasta quiso ironizar sobre las grandes obsesiones de la sociedad estadounidense. Para ello, se basó en un guion de Joseph Minion, un estudiante de la Universidad de Columbia que escribió la trama para un trabajo de clase. Planteada como una obra menor por su autor, Martin Scorsese, lo cierto es que se trata de un divertido homenaje a la "screwball comedy" de los años 1930, con numerosas situaciones kafkianas y momentos cómicos. Desde luego es un film muy singular dentro de la filmografía del director neoyorquino. El actor Griffin Dunne estuvo espectacular en su papel de hombre solitario, desbordado por una cadena de situaciones peligrosas e imprevisibles. Cuentan que el director le prohibió el sexo y el dormir bien para acrecentar aun más el sentimiento de ansiedad del personaje.

17. El irlandés (The Irishman, 2019)

Frank Sheeran (Robert De Niro), más conocido como El irlandés, es un asesino a sueldo de la mafia al que se le atribuyen más de 25 asesinatos relacionados con el hampa. Al final de su vida, Sheeran afirmó haber estado involucrado en el asesinato de Jimmy Hoffa (Al Pacino), el poderoso jefe del sindicato de camioneros. Hoffa desapareció el 30 de julio 1975 y no fue declarado legalmente muerto hasta el 30 de julio de 1982. Su asesinato aún sigue siendo una incógnita y es uno de los misterios sin resolver más famosos en la historia de EE.UU. La historia del gangsterismo alrededor del IBT, el sindicato de transportes más importante en Estados Unidos, contada desde el punto de vista de Frank Sheeran con amplio lienzo. Este personaje de origen irlandés, reconoció poco antes de morir en 2003 a Charles Brandt –autor del libro Heard You Paint Houses, en que se basa la película– haber asesinado al misteriosamente desaparecido desde 1975 Jimmy Hoffa, presidente del IBT. Martin Scorsese demuestra encontrarse en plena forma creativa, y se nos presenta como auténtico “superhéroe” del cine de personajes y tramas de entidad, dotado de unos “poderes” en la línea de sus dos mejores películas gangsteriles, Uno de los nuestros (1990) y Casino (1995), pero quizá más sabio por más experimentado, los años cuentan. Su película, producida por Netflix, pero con otros pesos pesados como el propio Robert De Niro y el veterano Irwin Winkler, conocerá un estreno limitado en salas de cine, concesión a los cinéfilos y al propio director, pero, los tiempos mandan, su difusión masiva toca en la plataforma de streaming. Esta película biográfica en torno a la mafia basado en hechos reales.

18. El cabo del miedo (Cape Fear, 1991)

Sam Bowden (Nick Nolte) y su mujer Leigh (Jessica Lange) son un matrimonio feliz. Tienen una hija maravillosa de 15 años llamada Danielle y acaban de trasladarse a una bonita casa en una ciudad tranquila. Sam es un abogado de prestigio mientras que su mujer se dedica al diseño gráfico. Pero sus vidas tranquilas van a verse azotadas inesperadamente por Max Cady (Robert De Niro), quien acaba de salir de la cárcel, donde ha permanecido 14 años acusado de apalear y violar a una niña. Durante su tiempo de prisión ha estudiado leyes y ha llegado a la conclusión de que la culpa de su condena la tuvo el abogado, que era Sam Bowden. Max está decidido a hacerle pagar su error y va a dedicar cada minuto de su libertad a aterrorizar a los Bowden y convertir su vida en un infierno. Revisión de la película homónima rodada por J. Lee Thompson en 1962. A diferencia de la versión original, en este largometraje Martin Scorsese se empeña en dar más relevancia a los perfiles psicológicos de los personajes. También añade un componente sexual, ausente en la cinta de Thompson, entre el psicópata y la hija del abogado, interpretada por Juliette Lewis. Entre lo mejor de la película está la estupenda caracterización del personaje que interpreta De Niro con el cuerpo tatuado y una dentadura prominente. Además, su trabajó le reportó una candidatura para los premios Oscar, igual que a Juliette Lewis, que fue propuesta para la estatuilla a la mejor actriz secundaria. Merecen especial atención también los 'cameos' de los protagonistas de la primera versión: Robert Mitchum, Gregory Peck y Martin Balsam.

19. Los asesinos de la luna (Killers of the Flower Moon, 2023)

Un golpe de fortuna hace ricos a los nativos americanos de la nación Osage, trasladados a una reserva india en Oklahoma. Sus tierras encierran en el subsuelo oro negro, y les ha convertido en millonarios de la noche a la mañana. Aunque comienzan a sucederse con sospechosa frecuencia la muerte de algunos de estos nativos, sin que las autoridades se esfuercen en investigar demasiado. El joven algo garrulo Ernest Burkhart vuelve a Estados Unidos tras combatir en Europa en la Primera Guerra Mundial, dispuesto a trabajar a las órdenes de su tío William Hale, dueño de un rancho y amo del lugar. Como no es precisamente un intelectual, le procura empleo como chófer taxista, y comienza a llevar con frecuencia a la hermosa india rica Molly; se sentirá atraído por ella, y su tío no verá con malos ojos que la relación prospere incluso en matrimonio, pues atraería para la familia sus tierras con petróleo. Adaptación del libro de no ficción de David Grann, sobre la misteriosa “epidemia” de muertes entre los nativos a lo largo de dos décadas, poniendo el acento en cómo afecta la situación a cuatro hermanas y su madre, en la relación laboral y de parentesco entre Ernest y William, y el matrimonio del primero, del que nacen varios niños. Tiene menos peso el agente del recién nacido FBI Tom White, que acaba investigando los hechos tras ser requerido el mismísimo presidente de Estados Unidos en Washington.

20. Shutter Island (2010)

Inteligente adaptación de la novela de Dennis Lehane a cargo de Martin Scorsese,  que maneja un buen guión de Laeta Kalogridis. El título de la filmografía de Marty que más se parece al que nos ocupa tal vez sea El cabo del miedo, pero por fortuna Shutter Island es muy superior. El director italoamericano sabe crear desde el primer momento un ambiente opresivo muy adecuado, a lo que ayudan mucho esos cielos encapotados que anuncian tormenta y los sonidos de la partitura musical. De modo que se desarrollan bien, dentro de una atmósfera gótica con elementos de terror y cine negro, las dudas de dónde radican los límites de locura y cordura que proporcionan nuestros traumas y construcciones mentales, del alcance que puede tener una conspiración de proporciones colosales, del tratamiento que necesita una mente enferma. Hay sorpresas narrativas que no es cuestión de desvelar, preparadas sin trampa ni cartón, y los personajes son sólidos, no hay villanos de opereta ni héroes sin fisuras. Aunque puedan venir a la cabeza enseguida títulos inolvidables de manicomios, como Alguien voló sobre el nido del cuco, el cinéfilo Scorsese menciona otras referencias clásicas que le han guiado en su notable película: El gabinete del doctor Caligari, Laura, Retorno al pasado, El proceso... Sin duda que son influencias que están ahí, aunque también se podrían mencionar títulos de Alfred Hitchcock como Recuerda y De entre los muertos (Vértigo). Se trata de la cuarta ocasión en que trabajan juntos Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio. 

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Acción acuática: Las mejores películas ambientadas en el mar (II)

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6. El capitán Blood (Captain Blood, 1935), de Michael Curtiz

La historia se basa en la obra homónima de Rafel Sabatini, autor de numerosas novelas de aventuras, muchas de ellas llevadas al cine, como Scaramouche, El halcón de mar y El cisne negro. La película es una deliciosa fábula que narra las aventuras y desventuras del médico Peter Blood, injustamente arrestado, juzgado sin defensa, condenado a muerte y, finalmente, enviado como esclavo a Port Royal. Logra huir con los suyos, se apodera de un velero español y emprende una vida de piratería en aguas del Caribe. El película constituye una epopeya que exalta la triple lucha colectiva contra la esclavitud, por la libertad y por la justicia. Además, Blood encarna la figura señera del líder justo con los suyos, generoso con muchos y caballeroso con todos.

7. La tragedia de la Bounty (Mutiny on the Bounty, 1935), de Frankfurt Lloyd

La acción dramática tiene lugar en Portsmouth (RU), Tahití, isla Pitcairn (Polinesia) y a bordo de la fragata HMS Bounty, de la Armada británica, entre 1787 y 1792. Con la misión civil de cargar retoños y esquejes de árboles de pan para plantarlos en las colonias británicas de América, la Bounty marcha rumbo a Tahití a las órdenes del severo y sombrío capitán William Bligh (Laughton). El primer oficial es Fletcher Christian (Gable) y el guardiamarina es Roger Byam (Tone). Poco después del inicio del viaje de regreso, parte de la tripulación se amotina. La película es un clásico de aventuras, del subgénero de aventuras marítimas, y un modelo de referencia de numerosas obras posteriores. Adapta de modo bastante fiel, aunque con licencias, una novela basada en hechos reales. La nave deviene el lugar que simboliza toda la realidad del mundo, la sociedad y la vida humana. La historia exalta el coraje, el honor y el sentido del deber, ensalza la solidaridad y enaltece la amistad y el compañerismo. Enfrenta la tripulación a una situación extrema de aislamiento y de privaciones debida a la vida en alta mar, en la que cualquier incidencia adquiere un relieve singular. Explora las causas, el desarrollo y la resolución de los conflictos humanos, que sitúa en un espacio reducido, pero enmarcado en un horizonte sin límites. Condena la maldad humana, el espíritu de venganza, la corrupción, el trato inhumano, la crueldad, los castigos físicos gratuitos y la lesión de los derechos humanos. Propone como ejemplares los deseos de conocer el mundo, su diversidad física, su grandeza, sus paraísos escondidos y sus gentes.

8. Mares del sur (Adventure's End, 1937), de Arthur Lubin

En los mares del sur, Duke Slade es un buscador de perlas que se enrola en un barco ballenero. El capitán del barco, Abner Drew, es un hombre mayor y enfermo que le pide a Duke que se case con su hija Janet antes de que le seduzca Rand, otro marinero que Drew no aprueba. Además, la tripulación del ballenero intentará que Duke les proporcione información sobre la ubicación de perlas. Aventuras en el mar con motines a bordo, celos marineros y romance con chica guapa. De nuevo Arthur Lubin dirige a John Wayne en esta nueva travesía.

9. Capitanes intrépidos (Captains Courageous, 1937), de Victor Fleming

Freddie Bartholomew da vida a un niño rico y mimado. Tras caerse accidentalmente del barco en el que viaja, es recogido por unos pescadores. Acostumbrado a las comodidades, pronto chocará el carácter de este muchacho consentido con el de los rudos trabajadores del mar. El duro trabajo diario, la lucha contra la naturaleza y en especial su amistad con uno de los pescadores (Spencer Tracy) nos harán ser testigos de la transformación de este muchacho en todo un hombre. Película basada en una novela de Rudyard Kipling. Fue magistralmente dirigida por Victor Fleming, autor de los títulos míticos Lo que el viento se llevó y La isla del tesoro. La magnífica interpretación de Tracy sería galardonada con un Oscar de la Academia. Inolvidable la tonadilla “Ay, mi pescadito”.

10. Corsarios de Florida (The Buccaneer, 1938), de Cecil B. DeMille

La historia se centra en hechos reales ocurridos en el Nueva Orleans de 1812 cuando sus habitantes -liderados por el pirata Lafitte y el general Andrew Jackson (después presidente de los Estados Unidos)- resistieron el asalto de los ingleses. Se basa en el libro Lafitt, el pirata, de Lyle Saxon. Costosa película de Paramount, donde participaron más de 10.000 extras, se rodó una gran cantidad de material que tardó tres meses en ser convertido en película en la sala de montaje (algo inédito en el Hollywood de esa época). La fotografía de Victor Milner fue nominada al Oscar. El propio DeMille fue el encargado de producir una nueva versión en 1958, Los bucaneros, dirigida por Anthony Quinn quien, precisamente, interpreta aquí un papel secundario.

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¿Cuál es la mejor película de Martin Scorsese? Nuestro ranking completo, de peor a mejor (II)

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6. Silencio (Silence, 2016)

Inspirada adaptación de la novela de Shusaku Endo a cargo de Martin Scorsese, quien firma el guión con su habitual colaborador Jay Cocks, algo poco habitual, no asumía este rol en un largometraje desde 1995 con Casino. Más allá de trastear aquí en la polémica despertada por ese film, resulta obligado señalar que en Silencio encontramos una visión más trabajada y honda del cristianismo, Scorsese ha interiorizado los temas propuestos por una novela difícil y oscura, pero también esperanzada, que aborda la idea de predicar el evangelio y no ser entendidos por personas de distinto bagaje cultural, con esquemas mentales muy diversos, esa “ciénaga de Japón”, donde las raíces de lo plantado se pudren. Y en su nueva madurez, 74 primaveras cuenta el cineasta, parece haberse visto retratado en los misioneros que a veces no logran hacerse entender, algo que a él también le habría ocurrido con su modo de abordar la figura de Cristo hace casi 30 años. Sorprende la fidelidad de Scorsese a Endo, que pinta con acierto la sencillez de los campesinos y su fe elemental y recia, que les lleva a confiarse a los “padres”. También el tremendo dilema de rechazar la fe por las torturas con que amenazan los perseguidores, que afecta tanto a los nativos como a los misioneros. En el caso de los segundos la tentación es más cruel y con muchas capas, pues la amenaza de matar a los fieles, independietemente de que abjuren o no, pesa sobre los jesuitas, que salvarían sus vidas si lo hicieran ellos; y el silencio de Dios hace la prueba aún más difícil...

7. Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn't Live Here Anymore, 1974) 

Primer trabajo de cierta entidad en Hollywood de Martin Scorsese, alejado de los ambientes barriobajeros y gangsteriles que el cineasta conoció de primera mano, pero al mismo tiempo pegado a esos mismos tipos humanos populares, pues pinta bien el ambiente de carretera, los moteles y cafeterías, el mundo de camareras desbordadas. Ya da pruebas de su dominio de la puesta en escena, con la escena de arranque que simboliza la felicidad de la infancia, casi un guiño a El mago de Oz, y cuando la protagonista canta y toca el piano; incluso la conversación íntima en la cafetería delante de todo el mundo, que podría ser sonrojante y dulzona, se saca adelante con brío. Sorprende la sensibilidad para atrapar un universo femenino, donde toca conciliar la recuperación de cierta independencia, con la necesidad de cuidar a un chaval bastante bocazas y poco disciplinado; no deja de estar presente la típica violencia de Scorsese, en las reacciones de su primera nueva relación sentimental, y trata con realismo las dificultades de crear nuevos vínculos afectivos cuando ya se tiene cierta edad y eres una madre soltera. Ellen Burstyn está sensacional en su papel, y por ello ganó el Oscar a la mejor actriz. Destacan también las interpretaciones de Kris Kristofferson y de Harvey Keitel, los dos intereses románticos de la protagonista, pero también Diane Ladd, como la camarera basta, que acaba mostrando su lado sensible y amistoso. Entre los niños están Alfred Lutter III, el hijo, de corta carrera fílmica, y Jodie Foster, que repetiría con Scorsese en Taxi Driver.

8. Gangs of New York (2002)

En la trama de la película se pueden observar claramente dos niveles. Por un lado está el trasfondo histórico, que Scorsese interpreta en clave ideológica con su tesis “América está construida sobre la violencia”, en una línea muy a lo Hobbes y su célebre aforismo “El hombre es un lobo para el hombre”. Y, en un esfuerzo por abarcarlo todo, se suceden hechos como la llegada masiva de inmigrantes irlandeses, los disturbios en Five Points, el estallido de la guerra de secesión con el consiguiente reclutamiento forzoso de soldados. Lo que convierte las calles de Nueva York en una enorme olla a presión a punto de explotar. A todos estos elementos se suman los enfrentamientos étnicos (donde el origen y la religión se convierten en señas de identidad), sociales (los pobres no tienen más remedio que alistarse, los ricos pueden evitarlo pagando una alta suma de dinero) y políticos (va a haber elecciones en la ciudad). El esfuerzo de Scorsese por ofrecer un fresco del Nueva York del siglo XIX necesita, obviamente, de una historia con unos personajes. Y Scorsese y su equipo de guionistas han imaginado una que pivota alrededor de Amsterdan y sus planes de venganza. El joven, un tipo habilidoso, se las apaña para entrar en el círculo más próximo de Bill “el carnicero” (Daniel Day-Lewis). Pero no puede prever que entre ambos va a surgir una curiosa relación paternofilial, donde Bill ve en Amsterdam algo más que un secuaz competente. Esto conduce a conductas muy, muy inesperadas, por parte de Amsterdam.

9. Malas calles (Mean Streets, 1973)

Tras rodar la interesante Who's that Knocking at my Door? y trabajar para el rey del cine independiente, Roger Corman, en Boxcar Bertha, Scorsese saltó a la primera línea del panorama cinematográfico gracias a esta película que mezcla dos de sus obsesiones más fructíferas: la vida en las calles marginales de Nueva York y las relaciones entre los miembros de la mafia. Malas calles significó también el debut cinematográfico del actor Harvey Keitel, así como la primera colaboración entre Robert De Niro y el director, que volverían a formar pareja en títulos inolvidables como Taxi Driver, Toro salvaje o Uno de los nuestros. El tema principal viene dado por las relaciones entre sexo y pecado, pecado y perdón, trasgresión y culpa, religión y conducta humana. El protagonista, abrumado por los escrúpulos, desarrolla comportamientos ansiosos que le llevan a jugar con el fuego que purifica, la abstinencia sexual y la generosidad que cree que le aporta méritos para descargar las culpas. Adicionalmente explora cuestiones relativas a la violencia de los adolescentes, al espíritu destructivo de los jóvenes, a la redención y al perdón, a las relaciones entre insatisfacción y violencia, etc. Presta especial atención a los personajes que protagonizan la historia, por lo que algunos atribuyen al film la condición de obra de personajes. La historia incorpora trazos autobiográficos, que Scorsese explica con fervor y una calidez que trasmiten al discurso proximidad y verosimilitud. La narración se desarrolla a partir del recuerdo nostálgico de una experiencia vital entrañable, exenta de sentimentalismos y de complacencia. Presenta el barrio de infancia y juventud con exhuberancia y humor. Retrata una comunidad que se siente singular y cultiva sus costumbres, fiestas y celebraciones, como la de San Gennaro. Las calles de la zona se muestran depositarias de sonidos, ruidos, rumores, voces y armonías, que identifican al colectivo que las habita.

10. New York, New York (1977)

La historia de un amor desgraciado, él un saxofonista, ella una cantante, en los años que siguen a la Segunda Guerra Mundial. Es bien sabido la pasión de Martin Scorsese por la música: basta ver las selecciones de temas musicales de sus filmes, o su asociación con grandes nombres de las bandas sonoras. En este película también da pruebas de ello al abordar el género musical. Lo hace con una trama romántica que, fiel a sí mismo, no puede concluir felizmente. En cualquier caso, el italoamericano mira con nostalgia a toda una época, y arriesga con la media hora final de la película, completamente musical, pero que dice mucho de los personajes y su drama. Destacan, claro está, las composiciones de la pareja protagonista. Robert De Niro encarna con aplomo al tipo que sacrifica todo a su ambición con el saxo. Mientras que Liza Minnelli, que ya había sobresalido en Cabaret, canta a las mil maravillas. Su interpretación del tema principal, New Yok, New York, ha quedado para la historia. Obra magna del cine de todos los tiempos, producida por Irwin Winkler y dirigida por Martin Scorsese, en la que rinde homenaje a los musicales clásicos de los años 1940 y 1950 (Cantando bajo la lluvia, Melodías de Broadway 1955, Cita en San Luís, etc.), al hilo de una historia que narra las peripecias de las bandas de música de la época, la difícil historia de amor entre los protagonistas y el triunfo de ambos tras la ruptura. También constituye un homenaje a su ciudad natal, que dibuja con cariño y pasión. Es, además, un homenaje a la música, a los músicos y a las bandas de música que, con fatigas, transportaron a lo largo y ancho de Estados Unidos motivos de baile y alegría en los años que para ellas fueron los de mayor esplendor.

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Secuelas, precuelas y spin-offs nuevas y futuras (IV)

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16. Godzilla x Kong: The New Empire (2024), de Adam Wingard 

Trama mantenida en secreto.

17. Sonic the Hedgehog 3 (2024), de Jeff Fowler

Trama mantenida en secreto.

18.  Bad Boys 4 (2024), de Adil El Arbi, Bilall Fallah 

Trama mantenida en secreto. Cuarta entrega de la serie de películas 'Bad Boys'.

19. Kingdom of the Planet of the Apes (2024), de Wes Ball 

Muchos años después del reinado de César, un joven simio emprende un viaje que lo llevará a cuestionar todo lo que le han enseñado sobre el pasado y a tomar decisiones que definirán el futuro tanto de los simios como de los humanos.

20. Spider-Man: Beyond the Spider-Verse (2025), de Joaquim Dos Santos

Después de dejar Spider-Man: Cruzando el Multiverso (Spider-Man: Across the Spider-Verse, 2023), la historia continúa.

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Acción acuática: Las mejores películas ambientadas en el mar (I)

1. La Odisea (L’Odissea, 1911), de Francesco Bertolini, Giuseppe de Liguoro y Adolfo Padovan

Mediometraje italiano mudo. Se trata de la adaptación del grandioso poema épico de Homero, una historia de amor, muerte, pasión y destrucción. Ulises parte de Ítaca para luchar en la guerra de Troya. En su ausencia, su mujer Penélope se ve asediada por múltiples pretendientes. Acabada la guerra, Ulises se dispone a regresar, pero se verá envuelto en múltiples dificultades y aventuras.

2. La vida de Cristóbal Colón y su descubrimiento de América (1916), de Gérard Bourgeois

Coproducción franco-española, muda y en blanco y negro. Biografía de Cristóbal Colón que, con más de un millón de pesetas de presupuesto, resultó la película más cara realizada hasta entonces en territorio español. 

3. El pirata negro (The Black Pírate, 1926), de Albert Parker

Douglas Fairbanks interpreta a un noble que quiere vengar la muerte de su padre y para ello se embarca en un navío pirata disfrazado como uno de los corsarios. Película reconocida por sentar las bases de las películas de piratas. Producción estadounidense muda y en blanco y negro. Todo se ve en tonos de verde y rojo, lo que confiere a la película una textura única que vuelve aún más épicas todas sus peripecias.

4. Pasto de tiburones (Tiger Shark, 1932), de Howard Hawks

Mike es un pescador atunero de origen portugués que en una ocasión perdió una mano, cuando intentaba salvar a su amigo Pipes Boley. Ahora Mike está felizmente casado con Quita, hija de un marinero que sirvió de pasto a los tiburones, y no se da cuenta de que su mujer y Pipes están enamorados. Duodécima película del camaleónico Howard Hawks, rodada en 1932, un prolífico año para él, ya que a parte de esta, rodó otras tres películas en ese mismo año. Una película de aventuras corta, divertida, con un drama interesante y con actuaciones memorables, Eduard G. Robinson especialmente, a parte de ser una curiosidad poco conocida dentro de la filmografía de Howard Hawks.

5. La isla del tesoro (Treasure Island, 1934), de Victor Fleming

La película adapta con acierto la novela de Stevenson, llevada al cine en numerosas ocasiones. Las versiones más conocidas son la muda de Tourneur (1920), la de Disney (1950) y la de Fleming, posiblemente la mejor. Jim se ve envuelto en una aventura llena de riesgos, enfrentamientos, sorpresas, descubrimientos y dificultades, que le atrae y le fascina. Vive, a la vez, un proceso interior de cambio, que le lleva de la inocencia de la infancia a la madurez del joven capaz de elegir con responsabilidad y tomar decisiones propias. Entre el chico y el viejo Long John Silver (Wallace Beery), cocinero del barco, nace una sincera amistad paternofilial. Silver encarna el mundo de la aventura sin fin, mientras el capitán Alexander Smollett (Lewis Stone) encarna el mundo rutinario del deber y la honradez. Silver es la tentación colorista de la aventura y Smollet la propuesta gris de la responsabilidad. El chico ha de elegir y lo ha de hacer sin ayudas. Su decisión será sorprendentemente más compleja, sabia y arriesgada de lo esperado. Destaca la atmósfera del film, construida con habilidad y eficacia: es opresiva en la posada, inquietante durante la travesía, angustiosa en la lucha en el fuerte y desgarradora en el enfrentamiento del chico con Hands. El humor salpica el relato y alcanza un punto culminante con la aparición de Ben Gunn y su pasión por el queso que no ha probado durante 3 años. Jim hace las funciones de narrador de una historia impregnada de la deliciosa ingenuidad de la mirada de un niño. Polanski se insiró en el vestuario y caracterización de los piratas de la película para el rodaje de Piratas (1986). Se aporta una reflexión sobre el valor relativo del dinero y la ambición (tesoro), el sinsentido de la crueldad y la trascendencia de la amistad. El éxito del film hizo que la MGM encomendara a Fleming el rodaje de Capitanes intrépidos (1937).

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Perfil de Yasujirō Ozu, cineasta de la A a la Z (III)

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Shōchiku

Shōchiku Kabushiki gaisha Estudio de cine fundado en 1920 (¿1895?) y aún en funcionamiento. Ozu permaneció fiel a ella toda su vida, salvo raras excepciones.

Oficinas centrales de Shochiku en 2023, El edificio Togeki en Tsukiji, Chuo, Tokyo

Tatami

Elemento interior clásico de todas las películas íntimas japonesas, especialmente Ozu. Allí se duerme, allí se come, allí se bebe, allí se llora: allí se vive.

Iperita

Gas mostaza, asfixiante, utilizado desde 1917. Durante la gran guerra contra China (1937-1945), Ozu, que había recibido formación en el manejo de gases tóxicos durante su servicio militar, tuvo la oportunidad de aprovechar sus habilidades. En sus Diarios diría que está realizando maniobras y que va a gasear pueblos enteros. Salió con esta enigmática frase: “Durante la guerra, hice lo que había que hacer. » Regresa totalmente traumatizado. Fue después de la guerra cuando su cine se centró en la unidad familiar, y en casi cada una de sus películas hay un personaje muerto en la guerra cuyo recuerdo se evoca.