Cumplió 25 años: El fin de los días

El 16 de noviembre de 1999 se estrenó la película El fin de los días (End of Days), dirigida por Peter Hyams e interpretada por Arnold Schwarzenegger, Gabriel Byrne, Kevin Pollak, Robin Tunney, CCH Pounder, Derrick O'Connor, David Weisenberg, Mark Margolis, Rod Steiger, Miriam Margolyes, Udo Kier, Rainer Judd, Michael O'Hagan, Jack Shearer, Luciano Miele. Productora: Beacon Communications, Lucifilms. Duración: 121 minutos. 

Sinopsis argumental: Nueva York, 1979. En un hospital de Manhattan acaba de nacer Christine, una niña preciosa. Ese mismo día, en el Vaticano, un joven sacerdote le comunica al Papa que esa niña lleva la marca del Anticristo. En 1999, Jericho Cane, un ex-policía amargado, salva a Christine del asalto de unos ladrones. Desde entonces Cane será víctima de la persecución de terribles fuerzas sobrenaturales.

Nominaciones y premios: 3 Nominaciones a los Premios Razzie: Peor director, actor y actor secundario. 

Comentario: Interesante película de terror con buenas secuencias de acción. 

Hace 100 años: La frivolidad de una dama

El 16 de noviembre de 1924 se estrenó la película estadounidense La frivolidad de una dama (Forbidden Paradise), dirigida por Ernst Lubitsch e interpretada por Pola Negri, Rod La Rocque, Adolphe Menjou, Pauline Starke, Fred Malatesta, Nick De Ruiz, Clark Gable. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 69 minutos. 

Sinopsis argumental: Alexei, un joven oficial, salva a la zarina de un pequeño reino de unos conspiradores revolucionarios, y ella le recompensa con su amor. Él deja entonces a Anna, la chica de quien estaba enamorado y que es dama de honor de la zarina. Pero ésta le es infiel y el despechado Alexei se une a los conspiradores. El canciller corta la revolución de raíz y la zarina hace que detengan a Alexei. 

Comentario: Tercera película de Ernst Lubitsch en Estados Unidos, que supuso una nueva colaboración con Pola Negri, una de sus actrices favoritas a la que ya había dirigido en Alemania en filmes como El gato montés (1921) y Montmartre (1922). En esta ocasión, la película se rodó a todo lujo con decorados de Hans Dreier recreando un palacio real hasta el mínimo detalle. Su argumento procedía de la obra teatral La zarina, de Lajos Biró y Melchior Lengyel. En un breve papel como extra encontramos a Clark Gable. Producida por el propio Lubitsch y dirigida por Otto Preminger, en 1945 se realizó nueva versión sonora llamada La zarina.

Celebrando la promoción del "99" (XXII)

Star Wars. Episodio I: La amenaza fantasma (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace), de George Lukas

Por qué fue importante: La primera película de La guerra de las galaxias de George Lucas desde El regreso del Jedi de 1983 recaudó 194 millones de dólares en todo el mundo durante su estreno inicial y se convirtió en la película más taquillera de 1999. La película también abrió nuevos caminos en los efectos visuales con su incipiente proceso de captura de movimiento y fondos totalmente digitales.

Cómo se mantiene: Las críticas a La amenaza fantasma han sido duras en todo, desde los personajes (como el niño Anakin ("¡Yippee!") y la creación de los gungans ("Meesa llamó a Jar Jar Binks")) hasta toda la trama que gira en torno a un embargo comercial. Pero el tiempo cura todas las heridas, y una nueva generación parece estar abrazando "las precuelas" para las series de aventuras que siempre debieron ser.

Qué ver a continuación: Tiene sentido ver Star Wars. Episodio II: El ataque de los clones (Star Wars. Episode II: Attack of the Clones, 2002), después de La amenaza fantasma, aunque sea solo para escuchar esa gloriosa frase que comienza con "No me gusta la arena..."

Películas de la semana: 15 de noviembre

Gladiator II

Dirección: Ridley Scott. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 148 minutos. Género: Acción. Aventuras. Drama. Antigua Roma. Cine épico. Secuela. Interpretación: Paul Mescal, Pedro Pascal, Denzel Washington, Connie Nielsen, Joseph Quinn, Fred Hechinger, Derek Jacobi, Peter Mensah, Lior Raz, Yuval Gonen, Alexander Karim, Tim McInnerny, Rory McCann, Matt Lucas, May Calamawy, Alec Utgoff, Lee Charles, Chi Lewis-Parry. Guion: David Scarpa. Personajes: David Franzoni. Producción: Ridley Scott, David Franzoni. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: John Mathieson. Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Scott Free Productions, Red Wagon Productions, Paramount Pictures. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Continúa la epopeya de poder, intriga y venganza ambientada en la Antigua Roma. Años después de presenciar la muerte del admirado héroe Máximo a manos de su tío, Lucio (Paul Mescal) se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, Lucio debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.

Nunca te sueltes

Título original: Never Let Go. Dirección: Alexandre Aja. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 101 minutos. Género: Terror. Sobrenatural. Maternidad. Interpretación: Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins, Matthew Kevin Anderson, William Catlett, Kathryn Kirkpatrick, Georges Gracieuse, Cadence Compton. Guion: Kevin Coughlin, Ryan Grassby. Producción: Alexandre Aja, Shawn Levy, Dan Levine. Música: Robin Coudert. Fotografía: Maxime Alexandre. Productora: 21 Laps Entertainment, Media Capital Technologies, Lions Gate Films, HalleHolly. Distribuidora: Vértice 360. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Un bosque habitado por presencias maléficas, en un mundo distópico poco explicitado. Una madre vive con sus hijos gemelos, los niños Samuel y Nolan, y un perro. La única forma de sobrevivir, les ha enseñado, es estar amarrados por una cuerda cuando salen al exterior de su cabaña, porque de este modo están protegidos por el amor del hogar. Pero los chavales empiezan a tener edad suficiente para preguntarse si pasaría algo si se movieran desatados por el bosque, y si su madre no estará algo chiflada. Se trata, por supuesto, de la misma duda que debe apoderarse del espectador.

Polvo serán

Dirección: Carlos Marques-Marcet. País: España. Año: 2024. Duración: 106 minutos. Género: Romance. Drama. Musical. Enfermedad. Interpretación: Ángela Molina, Alfredo Castro, Mònica Almirall, Patrícia Bargalló, Alván Prado, Manuela Biedermann, Emma Corbacho. Guion: Carlos Marques-Marcet, Clara Roquet, Coral Cruz. Música: Maria Arnal. Fotografía: Gabriel Sandru. Productora: Coproducción España-Suiza-Italia; Lastor Media, Kino Produzioni, Alina Film, RTVE, Movistar Plus+. Distribuidora: Elástica Films, Wanda. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Claudia y Flavio son una pareja talludita, que se han dedicado profesionalmente al mundo del teatro y de la danza. A ella le diagnostican un enfermedad terminal y su drástica decisión es Suiza, “suizidio”, o sea, suicidio asistido en ese país. Y Flavio no sólo la apoya, sino que él mismo se apunta a la solución final. Lo que descoloca a Violeta, la hija de ambos, que había renunciado a su trabajo en una orquesta para cuidar a la madre. Optan antes por casarse, la excusa de la boda servirá para comunicar la noticia a Lea y Manuel, hijos de los anteriores matrimonios de ella y él.

Los últimos románticos

Título original: Los últimos románticos (Azken erromantikoak). Dirección: David P. Sañudo. País: España. Año: 2024. Duración: 102 minutos. Género: Drama. Comedia. Comedia dramática. Interpretación: Miren Gaztañaga, Maica Barroso, Erik Probanza, Itziar Aizpuru, Ignacio Mateos. Guion: David P. Sañudo, Marina Parés. Argumento: Novela de Txani Rodríguez. Música: Beatriz Lopez-Nogales. Fotografía: Víctor Benavides. Productora: La Claqueta PC, Irusoin. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Irune, una mujer insegura, solitaria y con tendencias hipocondríacas, trabaja en una fábrica de papel situada en las afueras de un pueblo industrial en Álava. Su vida se limita a un reducido círculo de conocidos: sus compañeros de trabajo, una vecina con la que comparte algo parecido a una amistad y un operador de Renfe a quien consulta horarios de trenes que nunca toma. Su frágil equilibrio estallará cuando se detecte un bulto en un pecho, lo que coincidirá con un conflicto laboral en el que se ve implicada. Es entonces cuando su vida toma un giro inesperado, ofreciéndole la oportunidad que, quizás sin saberlo, siempre había estado esperando. El director David Pérez Sañudo (Ane) hace un retrato deprimente de una mujer de mediana edad que vive una existencia sin alicientes, solitaria, infeliz.

El baño del diablo

Título original: Des Teufels Bad AKA The Devil's Bath. Dirección: Severin Fiala, Veronika Franz. País: Austria. Año: 2024. Duración: 120 minutos. Género: Terror. Drama. Siglo XVIII. Folk Horror. Vida rural. Interpretación: Anja Plaschg, David Scheid, Maria Hofstätter, Tim Valerian Alberti, Natalija Baranova, Elias Schützenhofer, Franziska Holzer, Elmar Kurz, Agnes Lampl, Claudia Martini, Camilla Schilia, Annemarie Schwarzenberger, Lukas Walcher. Guion: Severin Fiala, Veronika Franz. Música: Anja Plaschg. Fotografía: Martin Gschlacht. Productora: Coproducción Austria-Alemania; Ulrich Seidl Film Produktion GmbH, ARTE, Bayerischer Rundfunk (BR), Heimfilm Gmbh, Österreichischer Rundfunk (ORF). Distribuidora: Caramel Films. Premios y nominaciones: Festival de Berlín: Oso de Plata - Contribución artística sobresaliente. 2 nominaciones; Festival de Sitges: Mejor película. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Austria, siglo XVIII. Pueblos rodeados de profundos bosques. En lo alto de una colina, una mujer ha sido ejecutada y expuesta a la vista de todos tras matar a un bebé. Como prueba. Como advertencia. ¿Cómo un presagio? Agnes, profundamente religiosa y muy sensible, se casa con su amado Wolf y se prepara cándidamente para una vida de esposa. Poco después, su cabeza y su corazón empiezan a sentirse pesados. Día tras día, se ve cada vez más atrapada en un camino turbio y solitario que la conduce a malos pensamientos. Quizá, no sólo pensamientos. 

En la alcoba del sultán

Dirección: Javier Rebollo. País: España. Año: 2024. Duración: 97 minutos. Género: Drama. Basado en hechos reales. Cine dentro del cine. África. Años 1900. Interpretación: Félix Moati, Pilar López de Ayala, Ilies Kadri, Jan Budar, Farouk Saidi. Guion: Javier Rebollo, Luis Bértolo. Fotografía: Santiago Racaj. Productora: Coproducción España-Francia; Sideral Films, Paraiso Production, Eddie Saeta S.A, Noodles Production. Distribuidora: Sideral. Premios y nominaciones: Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a Mejor Película - Espiga de Oro. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Singular homenaje a los pioneros del cine, imaginando algunas peripecias de Gabriel Veyre, operador de cámara de los hermanos Lumière, que recorrió todo el mundo promocionando el cinematógrafo y capturando en celuloide imágenes de todo tipo. La acción le ubica en el país de Nour, Marruecos, para aclararnos, y entendiéndose con el sultán a través de Abraham, un intérprete, para introducirle en el poder de las imágenes en movimiento, rodando y con proyecciones donde también disfrutan sus esposas, aunque Gabriel debe vendarse los ojos. Además, Gabriel tendrá oportunidad de compartir la experiencia con su amada Jeanne, que acude a visitarla. Javier Rebollo escribe y dirige un film minimalista, que en modo experimental combina el exotismo de los países árabes con lo que supone de descubrimiento ver en funcionamiento el invento de los Lumière.

Góndola

Título original: Gondola. Dirección: Veit Helmer. País: Alemania. Año: 2023. Duración: 82 minutos. Género: Romance. Drama. Comedia. Naturaleza. Homosexualidad. Interpretación: Nino Soselia, Mathilde Irrmann, Zuka Papuashvili, Niara Chichinadze, Vachagan Papovian, Elene Shavadze, Luka Tsetskladze. Guion: Veit Helmer. Música: Malcolm Arison, Sóley Stefánsdóttir. Fotografía: Goga Devdariani. Productora: Veit Helmer Filmproduktion, Natura Film, Saarländischer Rundfunk (SR), Westdeutscher Rundfunk (WDR), Bayerischer Rundfunk (BR). Distribuidora: reverso Films. Premios y nominaciones: Festival Internacional de Tokyo: Nominada a Mejor película. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Un estación de teleférico une dos montañas separadas por un ancho valle. Cada día las dos cabinas surcan el aire, una y otra vez, trasladando algunos pocos viajeros y cruzándose cada viaje de ida y vuelta. En una de ellas trabaja la azafata Nino, y la otra ha sido ocupada por una nueva empleada, Iva. Al comienzo ambas se irán saludando en cada trayecto, pero poco a poco la relación entre ellas se irá haciendo más estrecha, más íntima, hasta llegar al enamoramiento, y dejarán volar la imaginación para que cada encuentro en el aire sea una sorpresa.

La zona vacía

Dirección: Kurro González. País: España. Año: 2024. Duración: 107 minutos. Género: Drama. Interpretación: Francisco Conde, Alba Loureiro, Silvia Castellón, Alejandra Lorente, Abraham Montufo, Marcos Cascón. Guion: Kurro González. Música: Isabel Latorre. Fotografía: Alberto Muñoz. Productora: 32historias Producciones. Distribuidora: Begin Again Films. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Luis es un astrofísico que estudia la llamada “zona vacía” en busca de algo que dé consistencia a sus esperanzas de encontrar un orden en el caos. Para evitar el suyo, lleva una vida ordenada y rutinaria, en la que sólo parece haber espacio para su trabajo y para Ángela, la mujer con la que comparte su vida. Pero todo cambia cuando llegan sus nuevos vecinos, una pareja amigable que tiene una hija risueña y pizpireta. Luis se verá desbordado por el recuerdo de un amor adolescente que se truncó de una forma dramática. Todo cuanto intenta para controlar sus emociones parece inútil, y, cuanto más lucha por mantenerlas a raya, más se resquebraja la vida que tanto le ha costado construir.

Piezas

Dirección: Pilar Ordóñez. País: España. Año: 2024. Duración: 85 minutos. Género: Drama. Abusos sexuales. Películas de episodios. Interpretación: Ariel Castro, Elisa Forcano, Sofía Cortés, Natalia Llorente, José Sabarga, Jorgelina Ferlise, Paula Cortés, Laura Fité, Fanny Condado, Pilar Ordóñez. Guión: Pilar Ordóñez. Música: Pablo Miyar. Fotografía: Jerónimo Molero. Productora: Manuela Films.  Distribuidora: Maravillas Distribuciones. España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: La película es un drama de contenido social que sigue nueve historias de nueve personajes que se encuentran en un momento de encrucijada en sus vidas. Se trata de nueve experiencias personales contadas mediante un plano secuencia que denuncia temas tan globales como la xenofobia, el abuso sexual, el aborto, la anorexia, la intolerancia, el acoso, el papiloma humano, el maltrato doméstico y la violencia de género. Estas historias de relaciones tóxicas culminarán con un final en el que se unirán los personajes. Acostumbrada a formar a actores, esta vez, Pilar Ordóñez, no solo actúa, sino que también ha escrito y dirigido la que es su ópera prima. Película que ha sido seleccionada en el 46th Festival Internacional de Cine de Moscú (MIFF), uno de los foros cinematográficos más antiguos del mundo, para que se estrene mundialmente en su sección oficial. Ha recibido, además, una decena de premios en festivales internacionales y dos menciones de Honor, consolidándose así como una obra reconocida y de denuncia social. Este proyecto se ha desarrollado de manera cooperativa con un grupo de profesionales tanto artísticos como técnicos. Participan, por tanto, intérpretes como Ariel Castro, Elisa Forcano, Sofía Cortés, Natalia Llorente, José Sabarga, Jorgelina Ferlise, Paula Cortés, Laura Fité y Fanny Condado.

Mitología de barrio

Dirección: Antonio Llamas, Alejandro Pérez Castellanos, Jorge Rojas. País: España. Año: 2024. Duración: 70 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental, Intervenciones de: Jun Tang, Mingjun Huang, Zhang Yan, Fang Bing Ling, Huaji Yu, Bin Zhang. Guion: Antonio Llamas, Alejandro Pérez Castellanos, Jorge Rojas, Ximo Peris. Música: Guillermo Rojo. Fotografía: Jorge Rojas. Productora: Entre las piedras, Gonita. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: A través de una punzante observación, complejos habitacionales bajos, altos, anchos, angostos, amarillos, anaranjados, marrones, de cortinas verdes, o de ventanales blancos, unidos por ropas colgantes, o separados por plazas con fuentes, algunas con agua y otras con palomas, en una periferia. El mito se construye en un espacio, en una ciudad específica, pero que podría ser cualquier ciudad. En un barrio. En ese barrio, un hombre dormita en su tienda de alimentación durante una calurosa tarde de verano. Los edificios también dormitan. Pero un sueño premonitorio sobresalta al hombre de la tienda. Al día siguiente, la ciudad habrá cambiado para siempre y nadie recordará cómo volver a casa. Hace falta un mapa para entrar, o un mapa para escapar. Como en los mitos y leyendas, hay un laberinto que se levanta ante nosotros. 

Lola y el piano rompecabezas

Título original: Lola et le piano à bruits. Dirección: Augusto Zanovello. País: Francia. Año: 2024. Duración: 25 minutos. Género: Animación. Infantil. Musical. Cortometraje. Reparto: Animación. Guion: Augusto Zanovello, Jean-Charles Finck. Música: Christian Perret. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Francia-Polonia-Suiza; Folimage. Estreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Lola, de 11 años, es hermana de Simón, de 5, que vive en su propio mundo. Observándole, se da cuenta de lo sensible que es a los pequeños sonidos ocultos. Junto con su amiga Rolih, deciden construir una máquina de ruidos para comunicarse con él. Estreno en cines con el programa de cortometrajes Lola y el piano rompecabezas, que explora las posibilidades del lenguaje en la comunicación y las relaciones interpersonales. El conjunto del programa hace valer las diferentes capacidades y propone romper con algunos de los estigmas asociados a las personas con diversidad intelectual o funcional, de hecho, celebra la interdependencia, las redes de apoyo y la cooperación. En Ser hermanas nos adentramos en la extraordinaria relación entre dos hermanas, mientras que en El hombre de bolsillo se pone de manifiesto el valor en la diferencia. La panadería de Boris nos habla sobre cómo sortear una dificultad para convertirla en virtud y en La jaula vemos cómo la relación entre un pájaro y un elefante se nutren a lo largo del tiempo y la amistad también funciona como red de apoyo mutuo. En el cortometraje Lola y el piano rompecabezas conocemos a Simón, un niño con características del espectro autista. Su hermana mayor, Lola, explora la manera de generar códigos comunes que les permita comunicarse. Los lenguajes artísticos – el dibujo, la música y la danza – son la clave en esta búsqueda.

Reestrenos de la semana: 15 de noviembre

El señor de los anillos: La comunidad del anillo

Título original: The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2001. Duración: 180 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico. Película de culto. Interpretación: Elijah Wood, Viggo Mortensen, Ian McKellen, Sean Astin, Cate Blanchett, Sean Bean, Liv Tyler, Orlando Bloom, Ian Holm, John Rhys-Davies, Christopher Lee, Dominic Monaghan, Billy Boyd, Hugo Weaving, Marton Csokas, Andy Serkis. Guion: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson. Argumento: Novela de J.R.R. Tolkien. Música: Howard Shore. Tema: Enya. Fotografía: Andrew Lesnie. Productora: Coproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos; Wingnut Films. Distribuidora: eOne. Premios y nominaciones: 4 Oscar: mejor fotografía, banda sonora original, efectos visuales y maquillaje. 13 nominaciones; 4 nominaciones al Globo de Oro: Mejor director, película - drama, banda sonora original, canción; 4 Premios BAFTA, incluyendo mejor película y director. 12 nominaciones; 2001: 2 premios National Board of Review: Diseño de producción, dirección artística; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor banda sonora. 2 nominaciones; Saturn Awards: Mejor película de fantasía, director, actor secundario (McKellen). 9 nominaciones.  Reestreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: En la Tierra Media, el Señor Oscuro Sauron ordenó a los Elfos que forjaran los Grandes Anillos de Poder. Tres para los reyes Elfos, siete para los Señores Enanos, y nueve para los Hombres Mortales. Pero Saurón también forjó, en secreto, el Anillo Único, que tiene el poder de esclavizar toda la Tierra Media. Con la ayuda de sus amigos y de valientes aliados, el joven hobbit Frodo emprende un peligroso viaje con la misión de destruir el Anillo Único. Pero el malvado Sauron ordena la persecución del grupo, compuesto por Frodo y sus leales amigos hobbits, un mago, un hombre, un elfo y un enano. La misión es casi suicida pero necesaria, pues si Sauron con su ejército de orcos lograra recuperar el Anillo, sería el final de la Tierra Media.

El señor de los anillos: Las dos torres

Título original: The Lord of the Rings: The Two Towers. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2002. Duración: 179 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico. Secuela. Película de culto. Interpretación: Elijah Wood, Viggo Mortensen, Ian McKellen, Sean Astin, Orlando Bloom, Cate Blanchett, Miranda Otto, Billy Boyd, Dominic Monaghan, Liv Tyler, John Rhys-Davies, Christopher Lee, David Wenham, Bernard Hill, Andy Serkis, Hugo Weaving, Brad Dourif, Karl Urban, Bruce Hopkins, John Noble, Bruce Allpress. Guion: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens, Stephen Sinclair. Argumento: Novela de J.R.R. Tolkien. Música: Howard Shore. Fotografía: Andrew Lesnie. Productora: Coproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos; Wingnut Films. Distribuidora: eOne. Premios y nominaciones: 2 Oscar: mejores efectos sonoros y mejores efectos visuales. 6 nominaciones; Globos de Oro: 2 nominaciones: Mejor director y película - drama; 2 Premios BAFTA: Mejor diseño de vestuario y efectos visuales. 9 nominaciones; American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año; Critics' Choice Awards: Nominada a mejor película y compositor (Shore); Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película. Reestreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Tras la disolución de la Compañía del Anillo, Frodo y su fiel amigo Sam se dirigen hacia Mordor para destruir el Anillo Único y acabar con el poder de Sauron, pero les sigue un siniestro personaje llamado Gollum. Mientras, y tras la dura batalla contra los orcos donde cayó Boromir, el hombre Aragorn, el elfo Legolas y el enano Gimli intentan rescatar a los medianos Merry y Pipin, secuestrados por los orcos de Mordor. Por su parte, Saurón y el traidor Sarumán continúan con sus planes en Mordor, a la espera de la guerra contra las razas libres de la Tierra Media.

El señor de los anillos: El retorno del rey

Título original: The Lord of the Rings: The Return of the King. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2003. Duración: 201 minutos. Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico. Secuela. Película de culto. Interpretación: Viggo Mortensen, Elijah Wood, Sean Astin, Ian McKellen, Liv Tyler, Cate Blanchett, Orlando Bloom, John Rhys-Davies, Andy Serkis, Miranda Otto, Ian Holm, Marton Csokas, Billy Boyd, Hugo Weaving, Dominic Monaghan, Karl Urban, David Wenham, Bernard Hill, John Noble. Guion: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens. Argumento: Novela de J.R.R. Tolkien. Música: Howard Shore. Fotografía: Andrew Lesnie. Productora: Coproducción Nueva Zelanda-Estados Unidos; Wingnut Films. Distribuidora: eOne. Premios y nominaciones: 11 premios Oscar, incluyendo mejor película y director. 11 nominaciones; 4 Globos de Oro: Mejor película dramática, director, banda sonora original y canción; 4 premios BAFTA, incluyendo mejor película y guión adaptado. 12 nominaciones; National Board of Review: Mejor reparto; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película. 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor director y diseño de producción. Reestreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Las fuerzas de Saruman han sido destruidas, y su fortaleza sitiada. Ha llegado el momento de decidir el destino de la Tierra Media, y, por primera vez, parece que hay una pequeña esperanza. El interés del señor oscuro Sauron se centra ahora en Gondor, el último reducto de los hombres, cuyo trono será reclamado por Aragorn. Sauron se dispone a lanzar un ataque decisivo contra Gondor. Mientras tanto, Frodo y Sam continuan su camino hacia Mordor, con la esperanza de llegar al Monte del Destino.

One Direction: This Is Us

Título original: 1D3D: This Is Us AKA One Direction 3D AKA 1D3D. Dirección: Morgan Spurlock. País: Estados Unidos. Año: 2013. Duración: 92 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Conciertos. 3-D. Reparto: Documental. Música: One Direction, Simon Franglen. Fotografía: Neil Harvey. Productora: Syco Entertainment, TriStar Pictures, Warrior Poets. Productor: Simon Cowell. Reestreno en España: 15 de noviembre de 2024. Sinopsis: Documental sobre la banda musical británica de adolescentes One Direction. Dirigida por Morgan Spurlock (Super Size Me, Freakonomics), narra los orígenes de los 5 miembros del grupo -Niall Horan, Zayn Malik, Liam Payne, Harry Styles y Louis Tomlinson- y como Simon Cowell los juntó tras haber concursado todos en la versión británica del programa de televisión Factor X del 2010. La banda rápidamente se ganó una legión de seguidores, y la actuación final donde participaban tres concursantes se convirtió en la más popular de todos los tiempos. En marzo de 2012, el álbum debut de One Direction “Up All Night” hizo historia en Estados Unidos y fue la primera vez que un primer álbum de un grupo británico entrara en primera posición en las listas de los 200 más escuchados en Estados Unidos. En el documental conocemos sus familias, exploraremos sus sueños y ahondaremos en cómo se sienten tras su meteórica subida al estrellato. El concierto principal en la película es el que dieron en el London O2 Arena, en Abril de 2013. 

Efemérides de cine: Terremoto

El 15 de noviembre de 1974 se estrenó la película estadounidense Terremoto (Earthquake), dirigida por Mark Robson e interpretada por Charlton Heston, Ava Gardner, George Kennedy, Lorne Greene, Geneviève Bujold, Walter Matthau, Pedro Armendáriz Jr., Richard Roundtree, Marjoe Gortner, Barry Sullivan, Lloyd Nolan, Victoria Principal, John Randolph, Monica Lewis, Donald Moffat. Productora: Mark Robson, Filmakers Group. Duración: 123 minutos. 

Sinopsis argumental: Un temblor de tierra similar a los que con frecuencia sufre la ciudad de Los Ángeles fue la primera señal de alarma. Un joven sismólogo lo había pronosticado como preludio de un terremoto de gran intensidad. Horas después, cuando se produjo un segundo temblor, los técnicos ya no albergaron ninguna duda: la catástrofe era inminente. Hubo que avisar al Alcalde, pero éste no se atrevió a dar la orden de evacuación por temor a que el pánico se apoderará de la población, se limitó simplemente a tomar medidas preventivas.

Nominaciones y premios: 2 Oscar: mejor sonido, efectos especiales (premio especial). 4 nominaciones; Globos de Oro: Nominada mejor película - drama y banda sonora; Premios BAFTA: Nominada a mejor banda sonora.
Comentario: El cine norteamericano suele dramatizar los sucesos más relevantes de su historia. Esta vez le tocó el turno a los dramáticos efectos que produjo el terremoto ocurrido en el Sur de California, que casi destruye Los Ángeles, en la mañana del 9 de febrero de 1971. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: El amor del capitán Brando

El 15 de noviembre de 1974 se estrenó la película española El amor del capitán Brando, dirigida por Jaime de Armiñán e interpretada por Fernando Fernán Gómez, Ana Belén, Jaime Gamboa, Julieta Serrano, Antonio Ferrandis, Pilar Muñoz, Eduardo Calvo, Fernando Marín, Verónica Llimera, Chus Lampreave, Julia Lorente, Aurora Márquez, Amparo Soler Leal. Productora: InCine S.A. Duración: 95 minutos. 

Sinopsis argumental: Aurora (Ana Belén) es una joven y atractiva maestra de escuela recién llegada al pequeño pueblo castellano de Trescabañas (en la realidad, «una Pedraza que aparece en ocasiones con calidades de óleo»), cuyos modernos métodos didácticos son vistos por las «fuerzas vivas» de la localidad, capitaneadas por su alcalde (Antonio Ferrandis), como una peligrosa fuente de corrupción para sus discípulos. Así las cosas, solo Juan Doinel (Jaime Gamboa), «un niño soñador, imaginativo, sensible, introvertido», enamorado platónicamente de la profesora y Fernando (Fernando Fernán Gómez), un republicano de cierta edad que tras más de treinta años de exilio «ha regresado a su antiguo hogar en el pequeño pueblo»,​ se ponen de su parte. Entre los protagonistas, se establece un «ménage à trois que no llega a ser tal». Pero el conflicto estalla definitivamente cuando a raíz de una excursión a la capital, Aurora y Juan se ven obligados a compartir habitación por una noche.

Nominaciones y premios: Festival de Berlín: Sección oficial - Premio del Público ("Berliner Morgenpost"). 

Comentario: Desacreditado y no exento de polémica en su momento, esta película protagonizado por Ana Belén y Fernando Fernán Gómez transgredió los límites morales de la España franquista. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: El hombre de las figuras de cera

El 13 de noviembre de 1924 se estrenó la película alemana El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett), dirigida por Paul Leni, Leo Birinsky e interpretada por  Emil Jannings, Conrad Veidt, Werner Krauss, William Dieterle, Olga Belajeff, John Gottowt. Productora: Neptune-Film A.G. Duración: 84 minutos. 

Sinopsis argumental: Un joven escritor recibe el encargo de narrar las historias que le inspiran algunas de las imágenes expuestas en un pequeño museo de figuras de cera: La primera recreará la vida de un panadero, su mujer y del sultán que le quiere ver muerto. La segunda relatará la trágica historia de Iván el Terrible. Y para finalizar, la tercera parte será una ensoñación protagonizada por el célebre asesino Jack el destripador.

Comentario: Como se puede comprobar, el argumento sirve para enhebrar tres episodios diferentes, servidos muy imaginativamente por Paul Leni en su Alemania natal. Cuenta con grandes actores de la época, como Emil Jannings y Conrad Veidt. Además figura como actor el luego cineasta de renombre William Dieterle. 

Películas de la semana: 14 de noviembre

Blur: To the End

Dirección: Toby L. País: Reino Unido. Año: 2024. Duración: 102 minutos. Género: Documental. Documental sobre música. Reparto: Documental. Intervenciones: Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James, Dave Rowntree, James Ford, Mike Smith, Phil Daniels. Fotografía: Sebastian Cort, Rhys Warren. Productora: Up The Game. Estreno en España: 14 de noviembre de 2024. Sinopsis: La icónica banda británica de rock, Blur, se presenta por primera vez en el legendario estadio londinense de Wembley, un hito significativo en su carrera. Las entradas para los conciertos se agotaron rápidamente, reflejando la enorme expectación y entusiasmo de sus fans, quienes han esperado ansiosamente este momento histórico. En el documental dirigido por Toby L., se ofrece un recorrido detallado por la trayectoria de Blur, abarcando varias décadas de evolución musical. El documental comienza con los primeros pasos de los miembros de la banda en sus años escolares, cuando Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree empezaron a experimentar con la música en diferentes formaciones. A medida que avanzan en su carrera, el documental destaca su irrupción en la escena musical mundial con el lanzamiento de su álbum debut, Leisure (1991), que incorporó los sonidos del madchester y el shoegazing. Con el tiempo, Blur adoptó un estilo más influenciado por bandas pop británicas como The Kinks y The Beatles, lo que les llevó a lanzar álbumes emblemáticos como Modern Life Is Rubbish (1993), Parklife (1994) y The Great Escape (1995), consolidándose como pioneros del britpop. El documental también explora los desafíos y cambios estilísticos que enfrentó la banda, incluyendo la rivalidad mediática con Oasis, conocida como "La batalla del britpop". Además, se profundiza en los momentos personales y profesionales que marcaron a los miembros de Blur, como la lucha de Albarn contra la adicción y su ruptura con Justine Frischmann.Finalmente, el documental celebra el resurgimiento de Blur en la última década, incluyendo su reunión en 2009 y el lanzamiento de su álbum The Magic Whip (2015), así como su más reciente trabajo, The Ballad of Darren (2023). Este viaje culmina con su esperada actuación en Wembley, un testimonio de su perdurable influencia y legado en la música rock.

Reestrenos de la semana: 14 de noviembre

Solas

Dirección: Benito Zambrano. País: España. Año: 1999. Duración: 98 minutos. Género: Drama. Drama social. Alcoholismo. Interpretación:  María Galiana, Ana Fernández, Carlos Álvarez-Nóvoa, Antonio Dechent, Paco De Osca, Juan Fernández, Miguel Alcíbar, Paco Tous, José Manuel Seda. Guion: Benito Zambrano. Música: Antonio Meliveo. Fotografía: Tote Trenas. Productora: Maestranza Films. Distribuidora: Filmax, A contracorriente. Premios y nominaciones: Festival de Berlín: Premio del Público; 5 Goyas: incluyendo mejor dirección novel y guión original. 11 nominaciones; Premios Forqué: Mejor película; Premios Ariel: Mejor película iberoamericana; Premios Ondas: Mejor actriz. Reestreno en España: 14 de noviembre de 2024. Sinopsis: María (Ana Fernández) malvive en un oscuro apartamento de un barrio miserable, trabaja eventualmente como chica de la limpieza y, casi con cuarenta años, descubre que está embarazada de un hombre que no la ama. Su soledad es tan grande que sólo encuentra consuelo en la bebida. Su madre (María Galiana), que ha consumido su vida al lado de un hombre violento e intolerante, no tiene ni siquiera el consuelo de tenerla cerca. Con motivo del ingreso de su marido en un hospital, la madre visita a María en su apartamento y conoce a un vecino viudo (Carlos Álvarez) que vive con su perro. La relación que se establece entre estos tres náufragos alivia sus soledades y deja una puerta abierta a la esperanza. Reposición en cartelera con motivo de cumplirse el vigésimo quinto aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Amante o marido

El 14 de noviembre de 1924 se estrenó la película alemana Amante o marido (Nju - Eine unverstandene Frau), dirigida por Paul Czinner e interpretada por Elisabeth Bergner, Emil Jannings, Conrad Veidt, Maria Bard, Nils Elwalls, Annie Rottgen, Margarete Kupfer, Karl Platen. Productora: Elisabeth Bergner Poetic Film Co, Rimax-Film AG. Duración: 56 minutos. 

Sinopsis argumental: Elisabeth Bergner personifica a una mujer casada, ansiosa de amor. La acción comienza con un extraño (Conrad Veidt) que, desde la calle, mira hacia su ventana. Seducida, abandona a su esposo e hijo, y se muda a un cuarto amueblado que a ella le parece un paraíso comparado con su casa; pero después de un tiempo, el extraño se cansa del paraíso y de su amante y le aconseja, crudamente, que vuelva con su marido.

Comentario: Basada en la obra de Ossip Dymow, la película alcanzó un notable éxito y es, ante todo, una película para los fans de Elisabeth Bergner.

Hace 100 años: El milagro de los lobos

El 14 de noviembre de 1924 se estrenó la película francesa El milagro de los lobos (Le miracle des loups), dirigida por Raymond Bernard e interpretada por Andre Hunebelle, Guy Delorme, Rossana Schiaffino, Jean Marais, Jean Louis Barrault, Annie Anderson, Roger HaninAndre Hunebelle, Guy Delorme, Rossana Schiaffino, Jean Marais, Jean Louis Barrault, Annie Anderson, Roger Hanin. Productora: Société des Films Historiques. Duración: 132 minutos. 

Sinopsis argumental: En el siglo XV, Luis XI y el duque de Borgoña, Carlos el Temerario, luchan para ganar el control del reino de Francia. Una pareja de jóvenes plebeyos, Robert Cottereau y Jeanne Fouquet (futura Juana Hacha), actuarán para propiciar el fracaso final del Temerario y el triunfo del heredero de los Capetos...

Comentario: Basada en la novela de Henry Dupuis-Mazuel, El milagro de los lobos es ante todo una producción «de qualité» que busca destacar por su rigurosidad histórica y por la opulencia de sus decorados y su vestuario.

Cumplió 25 años: Toy Story 2

El 13 de noviembre de 1999 se estrenó la película Toy Story 2, también conocida como Toy Story 2: Los juguetes vuelven a la carga, dirigida por John Lasseter, Ash Brannon, Lee Unkrich. Reparto: Animación. Productora: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios. Duración: 88 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuando Andy se va de campamento dejando solos a los juguetes, Al McWhiggin, un compulsivo coleccionista de juguetes valiosos, secuestra a Woody. Buzz Lightyear y los demás juguetes tendrán que actuar con rapidez si quieren rescatarlo. Durante la operación de rescate no sólo tendrán que afrontar múltiples peligros, sino que también vivirán divertidas situaciones.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor canción original; Globo de Oro: Mejor película: Comedia o Musical. 2 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor película de animación; Critics' Choice Awards: Mejor largometraje de animación.

Comentario: Cinco años después llegó una segunda parte que no sólo resiste la comparación con la original, sino que en algunos aspectos la supera.

¿Sara Connor? : sí, ella efectivamente es la verdadera heroína de la saga “Terminator”, y contamos por qué (III)

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Terminator 3: La rebelión de las máquinas 

Ha pasado una década desde que John Connor -Nick Stahl- salvara a la humanidad de la destrucción. En la actualidad John tiene 25 años y vive en la clandestinidad: no hay ninguna prueba documental de su existencia. Así evita ser rastreado por Skynet -la sofisticada corporación de máquinas que una vez intentó acabar con su vida-. Pero, ahora, desde el futuro, ha sido enviado el T-X (Kristanna Loken), la máquina destructora cyborg más desarrollada de Skynet. Su misión es completar el trabajo que no pudo terminar su predecesor, el T-1000. El T-X es una máquina tan implacable como bello su aspecto humano. Ahora la única esperanza de sobrevivir para Connnor es Terminator. En Terminator 3: la rebelión de las máquinas (Terminator 3: Rise of the Machines, 2003), ella murió de leucemia en 1997. Sus cenizas fueron esparcidas en el mar de Baja California, México mientras que su féretro se utilizó en realidad como un escondrijo de armas, colocado para que John lo encontrase.

Lena Headey en Terminator: The Sarah Connor's Chronicles (2008-2009)

Terminator: The Sarah Connor's Chronicles

En noviembre de 2005, fue anunciado que 20th Century Fox produciría una serie de televisión llamada Terminator: The Sarah Connor Chronicles (2008-2009) que ofrecen las aventuras del personaje de Sarah y su hijo en años después de los eventos de Terminator 2: el juicio final pero ignorando los eventos de Terminator 3: La rebelión de las máquinas y las demás películas. Esto fue anunciado en noviembre de 2006, por el aviso de que Lena Headey había sido elegida como la cara nueva de Sarah Connor. La serie se estrenó en enero de 2008, con una primera temporada de 9 episodios, continuándose con una segunda temporada de 22 episodios estrenada en septiembre de ese mismo año. Una de las peculiaridades de la serie es que ignora completamente los hechos de la tercera película, hecho que causó que muchos fanes, pese a la reticencia que les produjo inicialmente el proyecto, diesen puntos a favor a la serie.

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Celebrando la promoción del "99" (XXI)

American Pie, de Paul Weitz y Chris Weitz

Por qué fue importante: En una era anterior a Internet, los rumores sobre American Pie eran los que llevaban a muchos jóvenes al cine. “Campamento de bandas”, “Nadia” y, por supuesto, “tarta de manzana” se convirtieron en chistes privados para toda una generación de cinéfilos que ansiaban películas que llevaran al límite la tolerancia de los Baby Boomers. Y funcionó. El estreno a mediados del verano recaudó 235,5 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 10 millones, lo que la convirtió en una de las comedias sexuales más exitosas de todos los tiempos.

Por qué se mantiene: El humor rara vez trasciende la época en la que fue escrita, y American Pie se ve mejor ahora desde un punto de vista antropológico. Desde la grosería hasta los estereotipos absolutamente insulsos, es difícil no sentir escalofríos al volver a verla. Y, sin embargo, hay que reconocerle el mérito al elenco joven que se compromete plenamente con la audacia de cada escena.

Qué ver a continuación: El club de las luchadoras (Bottoms, 2023), de Emma Seligman y Rachel Sennot, ofrece el mismo tipo de risas sin menospreciar ni glorificar el mal comportamiento y es un excelente ejemplo de cómo el género continúa evolucionando.

Muerte de Paul Morrissey, figura del underground neoyorquino y discípulo descontento de Andy Warhol

Director de vanguardia que rodó el underground neoyorquino, colaborador de Lou Reed, Velvet y maestro del arte pop, el artista de discurso voluntariamente reaccionario ha fallecido a los 86 años.

El director Paul Morrissey, figura destacada de la cultura underground de Nueva York en los años 1960 y 1970, falleció el lunes 28 de octubre de 2024, anunciaron medios estadounidenses. Según su archivista Michael Chaiken, citado por el New York Times, el director murió de neumonía mientras estaba hospitalizado.

Paul Morrissey fue uno de los principales colaboradores de Andy Warhol en The Factory, este inmenso loft en la calle 47 de Manhattan, donde el rey del arte pop se dedicó a experimentos artísticos sin descanso. Morrissey trabajó notablemente en el primer álbum Velvet Underground de Lou Reed con cantante alemana Nico. 

Pero su principal aportación fue cinematográfica, con su trilogía Flesh (Carne) (1968), Basura (Trash, 1970), Caliente (Heat, 1972), rodada centrándose en la improvisación y con actores no profesionales. Tres películas en las que el icono gay Joe Dalessandro (futuro cabeza de cartel Je t'aime, moi non plus (), dirigida por Serge Gainsbourg), que se prostituye para satisfacer las necesidades de su hijo y de su esposa bisexual. Después dirige Basura (Trash), también con Joe Dalessandro que interpreta a un joven y guapo yonqui que vive en un apartamento del Lower East Side de Nueva York, pero cuya adicción a la heroína le ha dejado impotente. Y, por último Heat (Caliente), de nuevo con Joe Dalessandro que da vida a un gigoló en una nueva versión apenas disimulada y algo burda de Cowboy de medianoche (Midnight Cowboy, 1969). Esta última película fue concebida por Andy Warhol como una parodia de El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950).

Joe Dallessandro en Flesh (Carne) (1968)

"En 1968, Morrissey me pidió que trabajara a tiempo completo en The Factory", recordó Dalessandro, en el Festival de Cine de Cannes de 2002 para la presentación tributo de la trilogía en copias restauradas. "Tenía que ser una especie de guardaespaldas de Andy Warhol, asegurándome de que nadie lo cabreara. El día que se suponía que debía empezar, Andy recibió un disparo (por la activista feminista Valerie Solanas). Mientras se recuperaba en el hospital, Paul y yo rodamos Flesh en tres días por 1.500 dólares. Dos años después, fue Trash, a lo largo de tres fines de semana. Para Heat, con un gran presupuesto: rodamos durante tres semanas en un motel de California."

Joe Dallessandro en Basura (Trash) (1970)

Por muy espeluznantes que puedan ser, las tres películas también pueden ser divertidas, hasta el punto de ser consideradas incluso hoy por algunos cinéfilos como comedias libertarias. Para gran consternación de su director, como se lamentó en 2002: "Teniendo el encanto de los personajes, creíamos que se trataba de exaltar nuevas libertades sexuales, el fin de las normas y modelos tradicionales. Pero precisamente estoy mostrando a personas perdidas en sus libertades. La ausencia de limitaciones y puntos de referencia hizo que sus vidas fueran inútiles. La impresión que doy deliberadamente al final de cada película es que no hay futuro para ellas."

Joe Dallessandro en Caliente (Heat, 1972)

Hay que decir que este elegante artista, símbolo de la contracultura, tenía todos los signos externos del perfecto reaccionario durante décadas. Hablar en 2002 con Paul Morrissey fue como escuchar que el aborto es una abominación ("No matamos a los niños porque pueden interferir con la vida amorosa o la carrera de una mujer") o que el rock no es interesante ("¿Qué podría ser más degradante que estas multitudes, rodando en el barro en los conciertos?"). También multiplicó las perfidias contra Andy Warhol: "Era un incompetente, anoréxico, analfabeto, autista con tendencia a Asperger; nunca hizo nada en toda su vida. De todos modos, podías mostrarle cualquier cosa, él siempre decía: "Oh, es genial". Lo que no impidió que el discípulo descontento dirigiera otras dos películas para su mentor (siempre con Joe Dalessandro), la casi parodia Carne para Frankenstein (Flesh for Frankenstein, 1973) y Sangre para Drácula (Andy Warhol's Dracula, 1974).

Udo Kier y Dominique Darel en Sangre para Drácula (Andy Warhol's Dracula, 1974)

Después de la ruptura con Warhol, Paul Morrissey siguió haciendo, sin dinero ni éxito, películas que permanecieron en su mayor parte inéditas en muchos paises, lo que no es necesariamente malo si recordamos Le neveu de Beethoven, estrenada en 1985. News from Nowhere, todavía ganó los honores en el Festival de Cine de Venecia en 2010. En esta historia de un inmigrante argentino ilegal que llega a Nueva York en busca de trabajo y esposa, Morrissey había reservado un pequeño papel a Janet Hoffmann, alias Viva, la “estrella” de la Factory. Como un guiño final –o desaire– a Andy Warhol.

Nicole LaLiberte y Demian Gabriel en News from Nowhere (2010)

¿Sara Connor?: sí, ella efectivamente es la verdadera heroína de la saga “Terminator”, y contamos por qué (II)

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Terminator 2

En Terminator 2: el juicio final (T2 - Terminator 2: Judgment Day, 1991), diez años después de los sucesos ocurridos en la primera película, dos cyborgs llegan del futuro esta vez: uno para matar a John (interpretado por Edward Furlong) y otro para rescatarlo. Esta vez, el personaje de Schwarzenegger (otro T-800) es el salvador, siendo reprogramado por el propio Connor en el futuro, para protegerse a sí mismo contra el prototipo más avanzado T-1000 (Robert Patrick) que fue enviado por Skynet para matarle. La nueva construcción de metal líquido del T-1000 le da la capacidad de deformarse, una capacidad que era el foco de muchos de los efectos especiales que le valió el premio Óscar a la película. De alguna manera, Terminator 2: el juicio final es un estudio del personaje de Sarah Connor. Ella es una persona absolutamente distinta de la mujer frágil en la primera película; su perspectiva ha sido alterada por los acontecimientos ocurridos anteriormente en su vida. El conocimiento que ella tiene sobre el futuro de la humanidad ha hecho de sí una persona siempre vigilante y que se entrena constantemente, un rasgo que es percibido por muchos como paranoia y psicosis; en el principio de esta película, Sarah está en una institución mental, su misión era la de bombardear la construcción de los sistemas de Cyberdyne. Su conocimiento del futuro es también una fuente de pesadillas que se repiten, así como el antagonismo, que da lugar a los doctores que supervisan su "recuperación" para colocarla bajo seguridad máxima. Sin embargo, ella no puede ser contenida mucho tiempo y realiza varios intentos para escaparse; su última estrategia coincide con la del segundo T-800 y su hijo John que llega para rescatarla del hospital. Durante su escape, los doctores descubren a ambos Terminators y se dan cuenta de que las predicciones de Sarah eran verdad. Sarah encuentra casi imposible aceptar que el T-800 es benévolo (debido a que es creación de Skynet, y físicamente es idéntico al T-800 que intentó asesinarla en 1984); a través de la película, ella sigue siendo hostil hacia él y lo que representa, mientras que su propio hijo desarrolla un enlace con él, asemejándose a una relación de padre-hijo. 

Linda Hamilton en Terminator 2: el juicio final (1991)

En una escena eliminada, el Terminator les da a ella y a John instrucciones necesarias para abrir su cráneo, desactivarlo, retirar el CPU y configurarlo para que pueda procesar información ajena a su programación y aprender de ella. Aunque logran retirar el dispositivo, Sarah intenta destruirlo por su miedo, odio y desconfianza hacia la máquina; sin embargo, su hijo no se lo permite.

En un momento de desesperación, Sarah intenta asesinar a Miles Dyson, el científico que está destinado a construir el microprocesador revolucionario que se convierte en el eventual Skynet. Al hacer esto, ella pierde tacto con su humanidad, llegando a parecerse a un Terminator. Pero en última instancia, Sarah se percata de que no puede matar a una persona. Instantes después, John y el T-800 llegan a la casa de Dyson, y juntos persuaden al científico para parar su investigación y para destruir todos los vestigios recuperados del primer Terminator. El T-800 entonces, con la ayuda de Sarah Connor, se autodestruye, a pesar de las protestas de John. En la primera película, se menciona que Sarah era una leyenda entre los miembros de la resistencia, enseñando a su hijo a luchar y a organizar mientras estaban en guerra. El epílogo alternativo de Terminator 2: el juicio final muestra su vida convertida en abuela. Este final de la película, sin embargo, no fue incluido en el estreno.

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Celebrando la promoción del "99" (XX)

La momia (The Mummy), de Stephen Sommers

Por qué es importante: El guionista y director Stephen Sommers creó una versión perfecta y exitosa de los clásicos monstruos del cine con su combinación desenfrenada de aventuras al estilo de Spielberg, suspenso y terror al estilo Industrial Light & Magic y un romance al estilo del viejo Hollywood con dos de los humanos más atractivos de los años 1990, Brendan Fraser y Rachel Weisz.

Brendan Fraser y Arnold Vosloo en La momia

Por qué se mantiene: No dejes que las mediocres secuelas o los spin-offs directos a video de El rey escorpión (The Scorpion King, 2002), de Chuck Russell, te engañen, la película original sigue siendo increíblemente re-mirable. El romance chisporrotea, los efectos especiales son espectaculares y el amplio grupo de actores de personajes trabaja duro para robarle el protagonismo a Fraser y Weisz. No lo hacen, pero sus esfuerzos combinados son un placer de ver.

Qué ver a continuación: Cabezas huecas (Airheads, 1994), de Michael Lehmann, para disfrutar de más Fraser de los años 1990, Langosta (The Lobster, 2015), de Yorgos Lanthimos, con  una de las mejores actuaciones de Weisz, y Van Helsing (2004), de Stephen Sommers, que tiene sus defectos, pero merece un arco de redención, porque fue un intento mucho mejor de crear un MonsterVerse que el Dark Universe de Cruise.

Hace 100 años: Owd Bob

En noviembre de 1924 se estrenó la película británica Owd Bob, dirigida por Henry Edwards e interpretada por J. Fisher White, Ralph Forbes, James Carew, Yvonne Thomas,  Frank Stanmore, Grace Lane, Robert English, John Marlborough East. Productora: Atlantic Union. 

Sinopsis argumental: El perro pastor de un viejo granjero se salva cuando se demuestra que el perro de un rival es un asesino de ovejas.
Comentario: Está basada en la novela Owd Bob de 1898 de Alfred Ollivant. En 1938 se realizó un remake de la película. 

¿Sara Connor? : sí, ella efectivamente es la verdadera heroína de la saga “Terminator”, y contamos por qué (I)

Terminator es James Cameron, Arnold Schwarzenegger… pero también y sobretodo Linda Hamilton y su personaje de culto Sarah Connor. Cuarenta años después de la primera parte de la saga, rendimos homenaje a esta heroína imprescindible. Disponible en streaming.

¿Sara Connor? Si al leer esta frase uno piensa inmediatamente en La Cité de la peur (1994), entonces no nos equivocamos: en la saga Terminator, es precisamente el personaje femenino, Sarah Connor, quien ha atravesado décadas y géneros, convirtiéndose en una figura pop icono de la cultura. Demostrando al mismo tiempo –sin ofender a los fans de Schwarzenegger– que efectivamente es ella, la verdadera heroína de Terminator. Y si aún lo duda...

Al comienzo de la primera “Terminator”, Sarah Connor (interpretada por Linda Hamilton, en la foto) está sola y traumatizada después de la masacre de quienes la rodean

De camarera a “asesino en serie”, un destino heroico

Una cosita frágil en la primera parte de la saga, Terminator (1984): Sarah Connor es una joven camarera de diecinueve años que sirve cafés y lleva una vida normal, hasta que es perseguida por un asesino implacable, el Terminator T-800 modelo 101 de Cyberdyne Systems (interpretado por Arnold Schwarzenegger) por razones totalmente desconocidas para ella. El soldado que viaja desde el futuro, Kyle Reese (interpretado por Michael Biehn), al tiempo que la rescata del Terminator, le explica que en el futuro una inteligencia artificial llamada Skynet será creada por ingenieros militares de software para tomar decisiones estratégicas de defensa. 

El programa llega a fallar y todas las unidades designadas para proteger comienzan a atacar a los humanos en una guerra que dura décadas. Sin embargo, un hombre llamado John Connor conduce la resistencia humana Tech-COM a la victoria, razón por la cual Sarah Connor es seleccionada para ser exterminada, ya que John Connor es el hijo de Sarah (John aún no había nacido), esto provoca que el John del futuro envíe al teniente Reese - quien es su padre - para proteger a su madre a toda costa.

Linda Hamilton en Terminator (1984)

Durante el breve tiempo que pasan Sarah y Kyle juntos, Sarah aprende acerca del holocausto que se aproximaba y del papel que tendría como madre y mentora de John, papel que llega a rechazar en un momento dado, de su figura como leyenda entre los miembros de la resistencia, de cómo enseña a su hijo a luchar, a organizar y a prepararse desde niño y de cómo estaba oculta antes de la guerra mientras adiestraba a John. Reese también la adiestra acerca de cómo luchar contra los exterminadores y de la utilización de perros para detectarlos. Mientras están ocultos del exterminador, Reese le expresa sus sentimientos y las razones por las cuales se ofrece voluntario para la misión de protegerla, de cómo John Connor le da una foto suya en el futuro y de cómo se enamora de ella, y por consiguiente, de su deseo por viajar en el tiempo para protegerla aún a costa de su propia vida. Sarah lamenta que Reese haya pasado por tantas cosas terribles, pero al escuchar lo que Kyle siente por ella, Sarah se enamora de él y ambos comparten una noche de intimidad que da lugar al embarazo de Sarah y posteriormente el nacimiento de John. Su amor fue muy breve ya que Reese murió al luchar contra el Terminator en una fábrica de Cyberdyne; Sarah, luego de mucho esfuerzo, machacó al Terminator en una prensa hidráulica. Aunque la muerte de Reese la entristecía profundamente, su sinceridad y valor inspirarían a Sarah a que continuara y desarrollara las habilidades y las capacidades necesarias que la harían una guía y mentora para John.

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