sábado, 23 de noviembre de 2024

Hace 100 años: Isn't Life Wonderful

El 23 de noviembre de 1924 se estrenó la película estadounidense Isn't Life Wonderful, dirigida por D.W. Griffith e interpretada por Carol Dempster, Neil Hamilton, Erville Alderson, Helen Lowell, Marcia Harris, Frank Puglia, Hans Adalbert Schlettow, Paul Rehkopf, Walter Plimmer, Lupino Lane, Robert Scholtz, Dick Sutherland, Luis Wolheim. Productora: D.W. Griffith. Duración: 115 minutos. 
Sinopsis argumental: Entre los miles de refugiados que acudieron en masa a Berlín se encontraba la familia de un profesor polaco (Alderson) y los días posteriores a la guerra los muestran en una terrible lucha por la mera existencia. Se las arreglan para conseguir un lugar donde vivir, pero sus recursos combinados y los altos precios de los alimentos durante la Gran Inflación hacen que solo puedan conseguir una papa por persona y durante largos períodos tengan que subsistir a base de nabos de caballo. A pesar de esto, el amor de un hijo, Paul (Hamilton), por su prima Inga (Dempster) es tan grande que deciden superar todos los obstáculos. Inga trabaja horas extra en otro lugar y recolecta una miserable provisión de cosas para su nuevo hogar, y Paul construye una pequeña cabaña y encuentra un pequeño huerto donde cultiva suficientes papas para mantenerse durante el invierno. Todo es color de rosa y comienzan a cosechar su pequeña cosecha, pero son perseguidos por trabajadores que, convertidos temporalmente en bestias por el hambre y el sufrimiento de sus familias, les roban todo. El mundo se ve sombrío, pero Inga está a la altura de las circunstancias y le hace comprender a Paul que todavía se tienen el uno al otro y que, después de todo, "¿no es maravillosa la vida?"..
Comentario: Se basó en el cuento Isn't Life Wonderful? del libro Defeat de 1923 de Geoffrey Moss, y se estrenó con el título alternativo Dawn. La película fue un fracaso de taquilla y provocó que Griffith abandonara United Artists poco después de su estreno en los cines.

“Mi amigo Mac”, en Prime Video : ¿por qué este “ET de los pobres” es un favorito de culto?

Vapuleada por la crítica tras su estreno en 1988, esta curiosidad de Stewart Raffill es una pálida copia de “ET” que se nutre de exposición de productos comerciales muy conocidos. Pero su posteridad está asegurada gracias al actor Paul Rudd. 
Un joven humano se hace amigo de un pequeño extraterrestre… ¿Y? No, Mac y yo, coronada por dos premios Razzie (los Oscar a lo peor), incluido el de peor director para Stewart Raffill, y disponible desde hace unas semanas en Prime Video. Cuando se estrenó en 1988, el largometraje fue destrozado por los críticos que mencionaron con razón su evidente relación con el clásico de Steven Spielberg, filmado seis años antes. La fórmula es conocida: aprovecharse del tirón comercial de otras de éxito o de gran presupuesto, para lo cual utilizan títulos y conceptos similares (los dedos mágicos de los visitantes espaciales), fortaleciendo al mismo tiempo el argumento. Aquí, Mac no está solo en la Tierra, sino acompañado de su familia, capturada al mismo tiempo.
Mi amigo Mac está considerada por varios expertos en cine como uno de los mayores ejemplos del abuso de publicidad por emplazamiento (product placement) en el cine, especialmente por el protagonismo que algunas marcas tienen en la trama. El alienígena Mac se alimenta básicamente de Coca-Cola porque según el guion "es muy parecido a lo que beben en su planeta", y también figuran otras marcas como Skittles y Sears. También es destacable la presencia de McDonald's, donde se desarrolla parte de la trama. Una de las protagonistas trabaja allí, aparece su mascota Ronald McDonald y dentro del restaurante se desarrolla una escena de baile con coreografía. Además, el nombre del alienígena "Mac" recuerda a la marca de comida rápida.​ 

"Mi yo adulta", en Prime Video: una adolescente frente a su doble mayor en una comedia independiente llena de gracia

En su cumpleaños número 18, Elliott conoce una versión de sí misma veinte años mayor, quien le ordena evitar evite enamorarse de un chico. No podemos resistirnos a esta entrañable película que confirma todo el potencial de la cineasta canadiense Megan Park.
Para celebrar su cumpleaños número 18, Elliott (Maisy Stella, centro), acompañado de sus amigos Ro (Kerrice Brooks) y Ruthie (Maddie Ziegler), pasará una velada de cumpleaños inolvidable...
Si tu madre te dice que no hagas algo, existe la posibilidad de que lo hagas, ¿estamos de acuerdo? Pero ¿qué pasa si es una orden de otra versión de ti mismo, del futuro veinte años mayor? Tienes 18 años, eres una canadiense llamada Elliott (Maisy Stella) que pronto dejará la granja donde vive con sus padres y sus dos hermanos; celebras tu cumpleaños en el bosque con tus dos mejores amigas, montas la tienda, te comes un hongo alucinógeno y luego aparece tu doble de 39 años (Aubrey Plaza) y te ordena que huyas de un tal Chad. A priori, el consejo es fácil de seguir: te interesa.
Maisy Stella y Aubrey Plaza en Mi yo adulta (2024)
Los viajes en el tiempo no son un género cinematográfico en sí, sino un recurso narrativo que se puede usar con fines muy distintos. En algunos casos, el tema es tan central que todo se sostiene en torno a eso (el caso de Regreso al futuro, por ejemplo), por lo que su lógica necesita ser consistente y lo más irreprochable posible dentro de las paradojas que genera el asunto en sí. En otras, como es el caso de Mi yo adulta (My Old Ass, 2024), el viaje en el tiempo es más que nada una metáfora, un recurso para trabajar ideas temáticas, para ver lo que le pasa a un personaje que lo atraviesa. Se me ocurre que Big (1988) –que no es estrictamente sobre time travel, pero esa es la idea– es una de las tantas películas que, como ésta, funcionan de ese modo, tirando un elemento fantástico para jugar con las posibilidades que despierta.

viernes, 22 de noviembre de 2024

Películas de las semana: 22 de noviembre

Wicked

Título original: Wicked: Part One AKA  Wicked: Part 1. Dirección: Jon M. Chu. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 160 minutos. Género: Musical. Fantástico. Comedia. Aventuras. Brujería. Magia. Colegios. Universidad. Interpretación: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Michelle Yeoh, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Marissa Bode, Jeff Goldblum, Bowen Yang, Bronwyn James, Keala Settle. Guion: Winnie Holzman, Dana Fox. Musical: Winnie Holzman. Novela: Gregory Maguire. Personaje: L. Frank Baum. Producción: Marc Platt. Música: Stephen Schwartz, John Powell. Fotografía: Alice Brooks. Diseño de producción: Nathan Crowley. Productora: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribuidora: Universal Pictures. Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. SinopsisElphaba es una joven incomprendida por su inusual color verde de piel que aún no ha descubierto su verdadero poder. Glinda es una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión. Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad Shiz en la fantástica Tierra de Oz y forjan una insólita pero profunda amistad. Tras un encuentro con el Maravilloso Mago de Oz, su amistad llega a una encrucijada y sus vidas toman sendas muy distintas. Con su inquebrantable deseo de popularidad, Glinda se deja seducir por el poder, mientras que la determinación de Elphaba de permanecer fiel a sí misma y a los de su alrededor tendrá inesperadas e impactantes consecuencias en su futuro. Las extraordinarias aventuras de ambas en Oz acabarán llevándolas a cumplir sus respectivos destinos como Glinda, la Bruja Buena, y la Malvada Bruja del Oeste.

Raqa

Dirección: Gerardo Herrero. País: España. Año: 2024. Duración: 107 minutos. Género: Thriller. Terrorismo. Interpretación: Álvaro Morte, Mina El Hammani, Abdelatif Hwidar, Cristina Kovani, Ben Temple, Déborah François, Juan Carlos Vellido, Mouna Diaj, Hicham Belaoudi, Larbi Ajbar, Mouad Lasmak, Aissameddine Mohrim. Guion: Irene Zoe Alameda. Novela: Tomás Bárbulo (Vírgenes y verdugos). MúsicaPaula Olaz. FotografíaJuan Carlos Gómez. Productora: Coproducción España-Marruecos; Tornasol Media, Malika y el Saharaui. Distribuidora: DeAPlaneta. Premios y nominacionesFestival de Sevilla: Nominada a Giraldillo de Oro- Mejor película. Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: 2014. En las peligrosas calles de Raqa, el espía internacional, Haibala (alias El Saharaui), intenta dar caza a El Jordano, uno de los jefes del ISIS más buscados del momento. No es el único infiltrado en Siria. Malika, una enfermera de Ceuta al servicio de la Europol, ha llegado a Raqa con el mismo propósito. En un escenario marcado por las ejecuciones sumarias, la esclavitud de las mujeres y los bombardeos, Haibala y Malika intentarán cada uno por su lado cumplir con su misión: localizar y entregar al cabecilla de la organización fundamentalista y precipitar la caída del ISIS.

Las chicas de la estación

Dirección: Juana Macías. País: España. Año: 2024. Duración: 115 minutos. Género: Drama. Drama social. Prostitución. Adolescencia. Basado en hechos reales. Interpretación: Julieta Tobío, Salua Hadra, María Steelman, Daniel Mantero, Arantxa Aranguren, La Fanny, Xóan Fórneas, Elena Gallardo, Carla Gris, Pepo Llopis, Saida Santana. Guion: Isa Sánchez, Juana Macías. Producción: Juana Macías, Guillermo Sempere. 
Música: Isabel Royán. Fotografía: Guillermo Sempere. Productora: Las chicas de la estación, La Perifèrica Produccions, Feelgood Media, Kowalski Films, Movistar Plus+, RTVE, ICAA. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. SinopsisJara, Álex y Miranda son tres chicas que han crecido en un centro de menores sin saber qué es el amor sin condiciones. Es el cumpleaños de Jara y las tres quieren celebrarlo en el concierto de su trap queen preferida. Ellas no tienen dinero ni muchas formas de conseguirlo, pero por el barrio está siempre una chica algo mayor, ex interna de su mismo centro, que les ofrece citas con adultos en los baños de la estación. Poco a poco y creyendo tener el control, se van viendo atrapadas en una red de prostitución de menores. La violación múltiple a una de ellas acabará por darle la vuelta a todo.

El vigilante nocturno: Demonios heredados

Título original: Nattevagten - dæmoner går i arv  AKA Nightwatch: Demons Are Forever. Dirección: Ole Bornedal. País: Dinamarca. Año: 2023. Duración: 118 minutos. GéneroTerror. Thriller. Secuela. Asesinos en serie. Interpretación: Nikolaj Coster-Waldau, Kim Bodnia, Fanny Leander Bornedal, Paprika Steen, Alex Høgh Andersen, Sara Viktoria Bjerregaard, Vibeke Hastrup. Guion: Ole Bornedal. Música: Ceiri Torjussen. Fotografía: Lasse Frank Johannessen. Productora: Nordisk Film. Distribuidora: Filmax. Premios y nominaciones: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película (Sección Panorama). Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: Emma (Fanny Leander Bornedal), una joven estudiante de medicina, ha aceptado el trabajo de vigilante nocturno en el departamento forense. Su padre, Martin (Nikolaj Coster-Waldau), es un hombre traumatizado que parece esconder un terrible secreto desde que su madre se suicidó cuando Emma tenía tan solo 10 años. Ahora, decidida a encontrar la verdad de lo que sucedió a sus padres, se cruzará con un asesino en serie que parece achecharla por un extraño motivo. Los demonios heredados despertarán sed de venganza. 

Toda una vida

Título original: Ein ganzes Leben AKA A Whole LifeDirección: Hans Steinbichler. País: Austria. Año: 2023. Duración: 115 minutos. Género: Drama. Interpretación: Stefan Górski, August Zirner, Ivan Gustafik, Andreas Lust, Julia Franz Richter, Maria Hofstätter, Marianne Sägebrecht, Robert Stadlober, Thomas Schubert, Lukas Walcher. Guion: Ulrich Limmer. Novela: Robert Seethaler. Música: Matthias Weber. Fotografía: Armin Franzen. Productora: Coproducción Austria-Alemania-Italia; Epo-Film Produktionsgesellschaft, Tobis Film, Cine Tirol, Deutscher Filmförderfonds, FFF Bayern, Filmförderungsanstalt. Distribuidora: vercine. Premios y nominaciones: Premios Cine Alemán - Lola (Alemania): 4 nominaciones. Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: A principios del siglo XX, el joven huérfano Andreas es enviado a vivir con su despiadado tío a una granja en un valle remoto; un valle que Andreas solo dejará una vez en su vida. Tratado no como familia sino como trabajador, Andreas vive una infancia sin afecto, llena de brutalidad y trabajos forzados. A la edad de 18 años, Andreas solo ha visto dificultades, pero encuentra el coraje para dejar a su opresor. Aunque en parte lisiado por su tío, se ha convertido en un hombre fuerte y encuentra trabajo como leñador. Trabaja en la construcción de un invento: el teleférico de montaña. Andreas no es ajeno al trabajo duro, y ahora que está ganando su propio dinero, se compra una pequeña parcela de tierra con una cabaña en lo alto del valle. Pronto encuentra algo que nunca antes había experimentado: el amor. Marie se convierte inmediatamente en la luz de su vida, pero su sueño de una vida feliz juntos pronto se hace añicos. Sintiéndose abatido, Andreas se alista como soldado en la Wehrmacht alemana. Al encontrarse cara a cara con la muerte en el Cáucaso ruso, solo piensa en Marie. Después de haber sobrevivido a la locura de la Segunda Guerra Mundial, Andreas regresa al valle y a un mundo diferente. Con Marie siempre en su corazón, Andreas acepta y valora el tiempo que le queda con serenidad. Película dura pero delicada, escrita y dirigida por el suizo Hans Steinbichler, que adapta una novela de Robert Seethaler.

Borgo

Dirección: Stéphane Demoustier. País: Francia. Año: 2023. Duración: 118 minutos. Género: Drama.Crimen. Drama carcelario. Interpretación: Hafsia Herzi, Moussa Mansaly, Louis Memmi, Michel Fau, Pablo Pauly, Florence Loiret Caille, Cédric Appietto, Henri-Noël Tabary, Anthony Morganti, Thomas Muziotti. Guion: Stéphane Demoustier, Pascal Garbarini. Música: Philippe Sarde. Fotografía: David Chambille. Productora: Petit Film, France 3 Cinéma, Canal+, Ciné+, France TV. Distribuidora: Festival Films.  Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: Mélissa, una experimentada funcionaria de prisiones de 32 años, se muda a Córcega con sus dos hijos y su marido Es su oportunidad para comenzar una nueva vida Empieza a trabajar en un centro penitenciario que es muy diferente a los demás Allí, se dice que son los presos los que vigilan a los guardias Mélissa logra integrarse gracias a Saveriu un joven recluso que parece ser influyente allí dentro y la pone bajo su protección Sin embargo, cuando Saveriu queda en libertad, vuelve a ponerse en contacto con Melissa para pedirle un favor, con el que se pone en marcha una peligrosa mecánica.

Tiempo compartido

Título original: Hors du temps AKA Suspended Time. Dirección: Olivier Assayas. País: Francia. Año: 2024. Duración: 105 minutos. Género: Drama. Comedia. Coronavirus (COVID-19). Interpretación: Vincent Macaigne, Nora Hamzawi, Micha Lescot, Nine d'Urso, Maud Wyler, Dominique Reymond. Guion: Olivier Assayas. Producción: Olivier Assayas. Fotografía: Eric Gautier. Productora: Curiosa Films, Vortex Sutra. Distribuidora: Adso Films. Premios y nominaciones: Festival de Berlín: Nominada a Oso de Oro - mejor película; Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a mejor Película - Espiga de Oro. Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: Paul, un director de cine, y su hermano Etienne, un periodista musical, se encuentran atrapados en la casa de su infancia junto a sus parejas, Morgane y Carole. Mientras el mundo exterior se vuelve cada vez más inquietante, los cuatro deben enfrentarse al paso del tiempo, los recuerdos y los secretos ocultos. A medida que lidian con estas tensiones, descubren que sus mejores herramientas son las artes, el romance y la comedia, que impregnan incluso los momentos más cotidianos.

El caso Ángelus, la fascinación de Dalí

Dirección: Joan Frank Charansonnet. País: España. Año: 2024. Duración: 85 minutos. Género: Comedia. Drama. Thriller. Interpretación: Joan Frank Charansonnet, Montse Alcoverro, Ricard Balada, Esther Nubiola, Júlia Creus, Ramon Godino, Miquel Sitjar, Núria Hosta, Enrique del Pozo. Guion: Joan Frank Charansonnet, Alba López. Música: Marcús Jgr. Fotografía: Ona Isart. Productora: Patchouli Films, Vivir Rodando. Distribuidora: Puntal Films. Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: Salvador Dalí está alojado con su esposa Gala en casa de los Roig, donde ha preparado al anfitrión, que celebra su cumpleaños, una fiesta muy especial, poniendo a funcionar su imaginación, afecto y talento artístico. Pero antes recibe a un periodista que viene de Madrid, Brunet, que desea entrevistarle acerca de su fascinación por el cuadro de El ángelus de Jean-François Millet, de gran influencia en su obra y que le llevó a escribir el ensayo El mito trágico del Ángelus de Millet. Encantado de ser interrogado por el cuadro que representa a dos campesinos de rostros irreconocibles rezando la oración mariana al mediodía, concede a Brunet toda su atención, mientras el servicio dirigido por el mayordomo Genís se esmera en atenderle en todo lo que requiera. Sorprendente película dirigida, coescrita y protagonizada, dando vida a Dalí, por Joan Frank Charansonnet, que logra atrapar con el misterio que rodearía el interés del artista por el enigmático cuadro de Millet.

Oddity

Dirección: Damian McCarthy. País: Irlanda. Año: 2024. Duración: 98 minutos. Género: Terror. Intriga. Familia. Interpretación: Carolyn Bracken, Gwilym Lee, Tadhg Murphy, Steve Wall, Caroline Menton, Johnny French, Joe Rooney. Guion: Damian McCarthy. Música: Richard G. Mitchell. Fotografía: Colm Hogan. Productora: Keeper Pictures, Nowhere, Shudder, Distribuidora: Versión Digital. Premios y nominaciones:  Festival de Sitges: Nominada a Mejor película (Sección Panorama). Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: Una noche, alguien llama a la puerta de Dani, sola en un caserón de piedra en el campo, pues a su marido, Ted, le ha tocado guardia, ya que trabaja en un sanatorio mental cercano. A través de la mirilla, descubre a un tipo con un ojo de cristal que le advierte de que ha visto entrar en la casa a un extraño amenazador. Promete ayudarla si le abre, pero la muchacha sospecha de él por su aspecto siniestro. Lo malo es que cree haber escuchado ruidos en el piso de arriba.... Así arranca el film, aunque conviene no saber mucho más, pues el realizador y guionista Damian Mc Carthy, que debutó con la prometedora Caveat, dosifica muy bien los datos para completar el relato, creando intriga.

Cloud

Dirección: Kiyoshi Kurosawa. País: Japón. Año: 2024. Duración: 124 minutos. Género: Thriller. Terror. Drama. Interpretación: Masaki Suda, Kotone Furukawa, Daiken Okudaira, Amane Okayama, Yoshiyoshi Arakawa, Masataka Kubota, Masaaki Akahori, Mutsuo Yoshioka, Yusei Mikawa, Maho Yamada. Guion: Kiyoshi Kurosawa. Música: Takuma Watanabe. Fotografía: Yasuyuki Sasaki. Productora: Cloud Production Committee, Nikkatsu, Tokyo Theatres K.K. Distribuidora: A Contracorriente Films. Premios y nominaciones: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes (Fuera de concurso); Festival de Sitges: Nominada a mejor película (Sección Òrbita). Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: Ryosuke Yoshii lleva tres años trabajando en la planta de una fábrica, algo que no le estimula demasiado, a pesar de que le ofrecen un ascenso; además tiene una novia, Akiko, quizá algo superficial pero a la que quiere, y con la que no ha podido casarse. Completa sus ingresos gracias a internet, con un negocio de reventa, compra productos a precios baratos, a veces porque son imitaciones de marcas de alta gama, y los ofrece en una plataforma con un sustancioso margen de ganancia. Ahora cree que podría dedicarse en exclusiva a lo de internet, pero en el camino ha dejado a mucha gente enfadada; y aunque vende con seudónimo, un grupo de damnificados le localiza y clama venganza.

El apocalipsis de San Juan

Dirección: Simón Delacre. País: Argentina. Año: 2024. Duración: 120 minutos. Género: Documental. Religión. Biblia. Reparto: Documental. Intervenciones: Ricardo Castro, Miguel Angel Marchessi, Héctor Hugo Larriera, Ricky Alanís, Carlos Secilio. Guion: Simón Delacre. Fotografía: Simón Delacre, Osvaldo Ponce. Productora: Caravel Films. Distribuidora: Moon Entertainment. Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: Únete al apóstol Juan en un asombroso relato visual que desentraña las visiones del Fin de los Tiempos. Experimenta cada visión como nunca antes, con efectos visuales impactantes y escenas épicas que te sumergirán en la narrativa apocalíptica. Esta película no solo te llevará a través de espectaculares representaciones cinematográficas, sino que también te guiará con claridad y entretenimiento a través de las complejas explicaciones teológicas que acompañan cada visión.  Un viaje a través de las misteriosas visiones del libro más enigmático de la Biblia demostrando que el Apocalipsis es una profecía próxima a cumplirse. La película te demostrará que el Apocalipsis es una profecía que ya está cumpliéndose en nuestros días. 

Mi hermano Ali

Dirección: Paula Palacios. País: España. Año: 2024. Duración: 90 minutos. Género: Documental. Inmigración. Amistad. Reparto: Documental. Intervenciones: Paula Palacios. Guion: Paula Palacios. Fotografía: Marc Galver, José Luis Salomón. Productora: Coproducción España-Francia; Morada Films, ICAA, AlJazeera Network, Radio Canada. Distribuidora: Syldavia Cinema. Premios y nominaciones: Premios Forqué: Nominada a mejor documental. Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: En 2012 la cineasta Paula Palacios está rodando un documental en Ucrania, sobre los inmigrantes ilegales que tratan de entrar en la Unión Europea. En la frontera con Eslovaquia atrapa al adolescente somalí Ali, que es confinado en un centro de detención. Comienza una suerte de amistad-hermandad en que el uno llama a la otra hermana, y viceversa, hermano. Y Palacios le propone rodar una película, documentar su peripecia, que le lleva a otro centro de refugiados cuando se reconoce que es menor, más tarde a Estados Unidos... La película de la directora de Cartas mojadas, rodado durante más de una década, tiene el interés de su singularidad bastante única, de ver cómo crecen y evolucionan directora y dirigido, ella se casará, será madre, se verán de vez en cuando, y él deja de ser un crío, estudia y trabaja duro, querría volver a su país, siempre quiso ocuparse de su familia, aunque con la llegada al poder en EE.UU. de Donald Trump en 2016 existe el riesgo de no poder volver al país que le ha acogido.

Prefiro condenarme

Dirección: Margarita Ledo Andión. País: España. Año: 2024. Duración: 88 minutos. Género: Documental. Drama. Reparto: Documental. Intervenciones: Sagrario Ribela Fra, Nardo Beceiro Ribela, Melania Cruz, Mónica Camaño, Iria Pinheiro, Antón Lopo. Guion: Margarita Ledo Andión, Eva Veiga. Música: Carme Rodríguez. Fotografía: Alberte Branco. Productora: Nós Productora Cinematográfica Galega S.L. Distribuidora: Atalante. Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: Parte de un juicio por adulterio contra una mariscadora de la ría de Ferrol durante la dictadura, en 1972. El Tribunal eclesiástico de Compostela, que asume competencias civiles, contra todo pronóstico absuelve a Sagrario Ribela Fra. Tiene 33 años. Recomponer las piezas de esta historia nos lleva a un personaje popular capaz de confrontar las reglas que, también en el terreno de los afectos, la encierran en un papel de subalterna. Y si emerge la violencia, el maltrato, la falta de derechos a la par que una atmósfera social opresiva, en realidad de lo que trata la película es de lo que todas y todos deseamos: querer y que te quieran.

El artista del cristal (The Glassworker)

Título original: The Glassworker. Dirección: Usman Riaz. País: Paquistán. Año: 2024. Duración: 98 minutos. Género: Animación. Drama. Drama de época. Reparto: Animación. Guion: Usman Riaz. Historia: Moya O'Shea. Producción: Manuel Cristóbal. Música: Carmine Di Florio, Usman Riaz. Fotografía: Animación, Usman Riaz. Productora: Coproducción Paquistán-Estados Unidos; Mano Animation Studios, Awedacious Originals. Distribuidora: Selecta Visión, A Contracorriente Films. Premios y nominaciones:  Festival de Sitges: Nominada a mejor largometraje de animación; Festival de Annecy: Nominada a mejor película (Sección Contrechamp). Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Sinopsis: Un país imaginario e indeterminado. El joven Vincent trabaja junto a su padre, el antimilitarista Tomás, en un renombrado taller de fabricación de cristal de un pueblecito. Hace tiempo que murió la madre, una artista del vidrio, capaz de ejecutar los trabajos más asombrosos. Intentan seguir con su vida normal pese a que se ha desatado una terrible guerra. La llegada de un coronel del ejército y su hija Alliz, una joven y virtuosa violinista, altera profundamente la vida de Vincent y Tomas. Alliz y Vincent forjan una conexión especial. Primera cinta de animación paquistaní que logra repercusión internacional, y que representará a este país en los Oscar 2024, para el premio a la mejor película internacional.

Efemérides de cine: El anticristo

El 22 de noviembre de 1974 se estrenó la película italiana El anticristo (L'anticrist), dirigida por Alberto De Martino con Carla Gravina, Mel Ferrer, Arthur Kennedy, George Coulouris, Alida Valli, Mario Scaccia, Umberto Orsini, Anita Strindberg, Ernesto Colli, Remo Girone, Bruno Tocci, Lea Lander, Beatrice De Bono, Vittorio Fanfoni, Luigi Antonio Guerra, John Francis Lane, Productora: Capitolana Films. Duración: 112 minutos.
Sinopsis argumental: Tras un grave accidente, Hipólita Oderisi (Carla Gravina) ha quedado paralizada y traumatizada por la culpa, su crisis de fe provocan un desorden de la personalidad inusitado. Pero la determinante intervención de un psicólogo desemboca en un resultado fatal, ya que con su "ayuda", Hipólita recuerda su vida pasada como bruja durante la Inquisición. Tras liberar tal espíritu, la bruja se apodera y posee a Hipólita, que comienza a poseer a hombres de la zona para asesinarles rompiéndoles el cuello. La aberración llega su límite cuando Hipólita se acuesta con su hermano (Mel Ferrer), al que hace lamer su vómito y levitar. Tal horror solo puede ser restablecido mediante un exorcismo, y para ello recurrirán al padre Mittner (George Coulouris) e Irene (Alida Valli), la ama de llaves de la familia, ¿Serán capaces de terminar con el terror cosechado por la bruja?
Comentario: Se trata de otra más de las numerosas imitaciones que surgieron en su momento a raíz del célebre El exorcista (1973) de William Friedkin. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Pero, ¿dónde ha ido Neill Blomkamp, ​​quince años después de su brillante “Distrito9”, para volver a ver en Prime Video?

En 2009, el notable estreno de Distrito 9 (District 9) prometía al director sudafricano-canadiense un futuro brillante. Pero, entre propuestas decepcionantes y proyectos cancelados, el resto de la carrera de Neill Blomkamp es más que laborioso. 
Después de Distrito 9, todos esperaban que luego entregara Distrito 10, al menos. Al igual que Josh Trank y muchos otros, Neill Blomkamp sufre el síndrome del éxito de la primera película. En 2009, Distrito 9, un falso documental de metraje encontrado que trata de la llegada de una enorme nave espacial a Johannesburgo (Sudáfrica), los alienígenas fueron encerrados en campos de concentración en calidad de refugiados. Unos veinte años antes, cuando los extraterrestres entraron en contacto con nuestro planeta, los hombres esperaban un ataque hostil, o un gran avance tecnológico. Pero nada de ello sucedió, fue un gran éxito de crítica y público. El sudafricano-canadiense (producido por Peter Jackson) tenía entonces 30 años. Su película recibió cuatro nominaciones al Oscar (mejor película, guión adaptado, montaje y efectos visuales) y siete a los premios BAFTA. 
La historia fue inspirada a partir de un cortometraje de aproximadamente seis minutos de Blomkamp en el 2006, Vivo en Johannesburgo (Alive In Joburg). Temas de racismo y la xenofobia son presentadas por la película, en forma de especismo, que le aplica a los alienígenas. El "especismo" se manifiesta a través de la palabra "langostino"​ para describir a los alienígenas, siendo una referencia para el langostino o camarón Parktown, una especie de grillo considerado una plaga en Sudáfrica. Sin embargo, el actor Sharlto Copley dijo que esto no era el foco principal en la obra, y que incluso se podría perder, pero seguiría trabajando a un nivel subconsciente.
¿Qué se hace, cuando somos coronados por tal éxito? Dirección Hollywood donde dirigió Elysium (2013). Con un Matt Damon tan calvo como siniestro y un presupuesto de 115 millones de dólares. Una especie de Distrito 9, punto 2. 

jueves, 21 de noviembre de 2024

Efemérides de cine: Asesinato en el Orient Express

El 21 de noviembre de 1974 se estrenó la película británica Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express), dirigida por Sidney Lumet e interpretada por Albert Finney, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Jean-Pierre Cassel, Martin Balsam, George Colouris, Jacqueline Bisset, John Gielgud, Wendy Hiller, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Rachel Roberts, Richard Widmark, Michael York, Denis Quilley, Colin Blakely. Productora: G.W. Films, EMI Films. Duración: 128 minutos.
Sinopsis argumental: Es el invierno de 1935. El detective belga Hércules Poirot (Albert Finney) ha resuelto un caso en Mesopotamia y regresa a casa en el Orient Express. En el viaje, Poirot se encuentra con su amigo Bianchi (Martin Balsam), que trabaja para la Compagnie Internationale des Wagons-Lits. Durante el trayecto entre Belgrado y Slavonski Brod, el tren atraviesa una tormenta de nieve en los Balcanes y finalmente queda detenido durante la noche. A la mañana siguiente es descubierto el cadáver del millonario estadounidense Samuel Edward Ratchett (Richard Widmark), que ha sido asesinado con varias puñaladas. Poirot, Bianchi, y el Dr. Constantine (George Coulouris), trabajan juntos para resolver el caso con la ayuda del francés Pierre Michel (Jean-Pierre Cassel), el encargado del coche.
Nominaciones y premios: Oscar: Mejor actriz secundaria (Ingrid Bergman). 6 nominaciones. Premios BAFTA: Mejor actor secundario (Gielgud), actriz secundaria (Bergman) y música. 10 nominaciones; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a mejores 10 películas  del año. 
ComentarioAdaptación de una de las novelas más conocidas de Agatha Christie, publicada en 1934. Inmejorable reparto para una película que consiguió un Oscar (mejor actriz secundaria: Ingrid Bergman) y seis nominaciones. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Poder maléfico

El 21 de noviembre de 1974 se estrenó la película italiana Poder maléfico, también conocida como El demonio en ella (Chi sei?), dirigida por Ovidio G. Assonitis, Robert Barrett e interpretada por Juliet Mills, Richard Johnson, Gabriele Lavia, Nino Segurini, Elizabeth Turner, Barbara Fiorini, Carla Mancini, David Colin Jr., Vittorio Fanfoni, Gino Marturano, Joan Acti, Robert Booth, George Montage, Edmund Purdom, Elizabeth Wieseman. Productora: Coproducción Italia-Estados Unidos; A Erre Cinematografica, Film Ventures International (FVI), Montoro Productions. Duración: 108 minutos. 
Sinopsis argumentalEmbarazada de su tercer hijo, la joven Jessica Barrett, lleva una vida feliz en San Francisco con su respetable marido, Robert, productor discográfico. Desconcertada por su extraño embarazo, cada vez se ve afectada por esta situación antinatural, mostrando un comportamiento errático y violento, mientras habla con una voz profunda, casi demoníaca. ¿Podría estar poseída? Mientras incidentes espeluznantes amenazan la paz de la familia, llega un viejo amigo del pasado, que afirma tener todas las respuestas.
ComentarioPelícula italiana que se inspiraba de una forma directa de El exorcista o La semilla del diablo. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de  su estreno. 

“Una pareja en el mar”, en Prime Video: la otra legendaria comedia romántica del director de “Pretty Woman”

Poco antes del cuento de hadas de Julia Roberts, Garry Marshall dirigió una feroz comedia anclada en la era Reagan. Una película de los años 1980, innegablemente anticuada, que no hace falta tomarla en serio para apreciarla.
En 1987, tres años antes de Pretty Woman, Garry Marshall dirigió otro cuento de hadas en el que un hombre “salva” a una mujer “remodelándola” (y viceversa), Un mar de líos (Overboard).
Kurt Russell y Goldie Hawn en Un mar de líos (1987)
Esta vez, Cenicienta es una multimillonaria autoritaria y narcisista, Joanna Stayton es una millonaria caprichosa y Dean Proffitt un carpintero que lucha tratando de seguir adelante con sus cuatro hijos. Después de haber hecho un trabajo que ella se niega a pagarle por no haber quedado satisfecha, Joanna cae del barco y sufre de amnesia; Dean, por su parte, decide vengarse de ella haciéndole creer que es su esposa y la madre de sus cuatro hijos.
Una cinta tan simpática como intrascendente que aprovecha con acierto la química entre la pareja protagonistas, ambos actores muy taquilleros en su época y que eran -y son- matrimonio en la vida real. 

miércoles, 20 de noviembre de 2024

Armisticio del 11 de noviembre: diez películas conmovedoras sobre Primera Guerra Mundial (II)

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6. Alegato antibelicista: Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front, 1930), de Lewis Milestone

Alemania, agosto de 1914. Acaba de declararse la guerra. Un estudiante y seis de sus amigos responden al llamamiento con el entusiasmo de la juventud. La desilusión será severa y la prueba del fuego atroz. Mítica película antibélica que plasma los sentimientos, sensaciones y desilusiones de un grupo de jóvenes estudiantes que son enviados al frente en la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Es una adaptación de la novela homónima del escritor alemán Erich María Remarque. La cinta, que fue el primero en ganar de forma conjunta los Premios Oscar en las categorías de Óscar a la mejor película y Oscar a la mejor dirección, fue también la primera película basada en una novela que ganaba el Oscar a la mejor película. El argumento de la película sería el principal motivo de polémica en otros lugares. Debido a su mensaje antibelicista y en contra de Alemania, Adolf Hitler y el Partido Nazi se opusieron a la película. Entre 1930 y 1941, esta fue una de las películas prohibidas en Victoria (Australia), por motivos de «pacifismo», por la Junta de Clasificación Creswell O’Reilly. Sin embargo y pese a que el libro fue prohibido a nivel nacional, se decía que gozaba de «una larga y exitosa trayectoria» en otros estados. ​La película se prohibió también en Italia y Austria en 1931, levantándose solo dicha prohibición durante la década de 1980, y en Francia en 1963. La secuela, The Road Back (1937), de James Whale, ofrece un retrato del regreso a casa tras la guerra de los miembros de la 2ª Compañía. En 2022 se estreno un remake, también basada en la novela de Erich Maria Remarque, Sin novedad en el frente (Im Westen nichts Neues), dirigida por Edward Berger. 

7. Heridas en carne viva: Capitán Conan (Capitaine Conan, 1996), de Bertrand Tavernier

En noviembre de 1918 la Primera Guerra Mundial había llegado a su fin y el Capitán Conan y sus hombres esperan nuevas asignaciones en Bucarest. Conan se considera un guerrero, no un soldado, es un hombre que no siente miedo, se arriesga, hace frente a la muerte y derramar sangre. Ahora Conan está convencido de que su valor y sed de sangre fue una bendición para el ejército durante la guerra, pero ahora en tiempos de paz no. Conan y sus compatriotas, Norbert y De Scéve se han vuelto demasiado aclimatarse a la batalla que dejaron atrás y organizan incursiones en las montañas de los Balcanes. Cuando todo parece ir sobre ruedas, un hecho inesperado hace que la situación de Conan cambie. La película ofrece secuencias bélicas perfectamente coreografíadas. La dirección artística mereció un premio en el Festival de San Sebastián. Fotografía nerviosa y música son de gran belleza. Pero donde sobresale el film es en su historia, valioso material que ahonda en el espíritu humano, y que muestra con justeza el contexto donde se desenvuelve. Tavernier y su guionista, Jean Cosmos, hacen una magnífica adaptación con adecuado sentido del ritmo, que sabe huir de simplismos maniqueistas, donde la forma está al servicio del fondo. El horror seco de la guerra cotidiana con soldados perdidos haciendo el trabajo sucio, sin lirismo ni énfasis heroico. Este drama bélico se basa en la novela ganadora del Premio Goncourt de 1934, Capitaine Conan de Roger Vercel.

8. Clásico humanista: La gran ilusión (La grande illusion, 1937) de Jean Renoir

Durante la Primera Guerra Mundial, el capitán Boeldieu y el teniente Mariscal son encarcelados en el campo Hallbach. Conocen a sus nuevos "compañeros de habitación", presos como ellos: Rosenthal, un parisino burgués; Cartier, un actor, y dos otros oficiales. Juntos, deciden intentarlo todo para escaparse y se ponen a cavar un túnel subterráneo . Cuando casi han acabado su trabajosa labor, les comunican que serán trasladados a otro campo... En esta obra maestra pacifista, Jean Renoir recreó un microcosmos donde se mezclan todas las clases sociales. Evitando cualquier maniqueísmo, su película denuncia el absurdo de la guerra, expresando al mismo tiempo una dimensión patriótica. La película se detiene a retratar un interesantísimo cuadro de tipos humanos, donde queda claro que la nobleza es algo más que un bonito cuadro genealógico, y que las barreras aristocráticas empezaban a ser algo casi rancio. Su mensaje pacifista provocó las iras del mismísimo ministro de propaganda nazi, Joseph Goebbels; por el contrario, Franklin D. Roosevelt fue uno de su mayores fans. Llena de momentos memorables, vale la pena destacar el hermoso gesto de Erich von Stroheim cortando la flor junto a su ventana, en honor a su enemigo y colega. Fue nominada al Óscar a mejor película en la 11.ª entrega, convirtiéndola en la primera película de habla no inglesa en ser nominada en dicha categoría en la historia del Oscar.

9. Niños de la resistencia: La guerra de los Lulus (La guerre des Lulus, 2023), de Yann Samuell

En los albores de la Primera Guerra Mundial, en un pueblo de Francia, cuatro amigos inseparables, Lucas, Luigi, Lucien y Ludwig, forman la pandilla de los Lulus. Cuando el orfanato en el que residen es evacuado con urgencia, los Lulus se quedan aislados del resto de sus compañeros. Olvidados detrás de la línea del frente enemiga, se las tendrán que ingeniar para valerse por sí mismos en medio del conflicto. Pronto se unirá Lucía, una joven separada de sus padres, con la que emprenderán una aventura para llegar a Suiza, el «país nunca en guerra»… Los cinco amigos se verán envueltos en una aventura para la que nada ni nadie los había preparado. Yann Samuell, director de La guerra de los botones (aunque su versión tuvo menos éxito que la de Christophe Barratier) rueda un film familiar muy en la misma línea, basado en un cómic de Régis Hautière. Consigue darle frescura a la reconstrucción del inicio de la Primera Guerra Mundial, desde el punto de vista de los niños. Indicada para el público familiar, tiene secuencias de altura, como la que muestra a los protagonistas en las trincheras del frente. Los jóvenes protagonistas se ganan al público. Aparecen en papeles secundarios estrellas del cine galo, entre las que destaca Isabelle Carré en la piel de bruja del bosque.

10. Escalada estética: Largo domingo de noviazgo (Un long dimanche de fiançailles, 2004), de Jean-Pierre Jeunet

A punto de terminar la I Guerra Mundial (1914-1918), Mathilde recibe la noticia de que su prometido es uno de los cinco soldados que, tras haber sido sometidos a un consejo de guerra, han sido enviados a la tierra de nadie que hay entre el ejército francés y el alemán, lo cual supone una muerte casi segura. A pesar de todo, emprende un duro viaje para conocer el destino de su prometido y, aunque las noticias que va recibiendo son desalentadoras, sigue adelante. A medida que se acerca a la verdad sobre los desafortunados soldados y su brutal castigo, conocerá a fondo los horrores de la guerra y las marcas indelebles que deja en quienes la han vivido. Tres años después de Amélie (Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain, 2001), el director recrea con precisión el infierno de las trincheras. Pero sus imágenes seducen más de lo que conmueven. La historia, adaptación de la novela del francés Sébastien Japrisot, se centra en el amor hiperrromántico de Mathilde por Gilles. Entre el drama y la comedia, la historia no pierde nunca el aire del cuento romántico, en especial en las estampas idílicas en la casa de los tíos, aunque también destaca el naturalismo con que Jeunet rueda las secuencias de guerra, muerte y sexualidad.

“Libre”, de Mélanie Laurent, en Prime Video: un ladrón de gran corazón en un bodrio de alto vuelo

La directora se pierde en una embarazosa fascinación por Bruno Sulak, apodado el “Arsene Lupin de las joyerías” en los años 1970. La debilidad del guión, las interpretaciones y los diálogos no salvan el día...
Ladrón extravagante, amigo leal, icono de la libertad, Bruno Sulak dejó su huella en la historia del crimen con sus atracos sin violencia a múltiples joyerías. A pesar de ser perseguido activamente por la policía, Sulak consiguió escapar en numerosas ocasiones de la cárcel para reunirse con su amante y cómplice.
Lea Luce Busato y Lucas Bravo en Libre (2024)
En impactante dúo con Adèle Exarchopoulos, Mélanie Laurent fichó en 2023, para Netflix, una seductora comedia de acción Ladronas (Voleuses) que tenía casi todo para agradar: ritmo, encanto, lucha y mucha autodesprecio. En comparación, su película biográfica sobre Bruno Sulak (1955-1985), apodado el “Arsene Lupin de las joyerías”, parece muy débil.
La queja principal, que plaga toda la película, es una inquietante fascinación por su héroe, presentado como un apolo del atraco, que pasa la mayor parte del tiempo tirado en el sofá con su cómplice que planeando sus próximos movimientos. 

Con “Tres amigas", Emmanuel Mouret encanta al desamor

Joan ya no está enamorada de Victor y sufre por no estar siendo honesta con él. Alice, su mejor amiga, la tranquiliza asegurándole que ella misma no siente pasión por su pareja Eric y sin embargo su relación va viento en popa. Ella ignora que él tiene una aventura con Rebecca, su amiga común... Cuando Joan decide finalmente dejar a Victor y este desaparece, las vidas y las historias de las tres amigas dan un vuelco. Comienza un vodevil. Con un toque de tragedia unido a una nota fantástica, el director encuentra un equilibrio conmovedor.
Si existiera una escuela itinerante del séptimo arte, Emmanuel Mouret sería su líder. En el museo, en el parque, en un bar o en casa, entre la cocina y el dormitorio, sus personajes hablan mientras caminan, caminan para hablar, desaparecen detrás de una puerta, regresan al campo en mitad de una frase, sin romperse. el hilo conductor de un diálogo filmado a largo plazo y dedicado exclusivamente a la obsesión del cineasta: los movimientos del corazón. De eso trata Tres amigas (Trois Amies, 2024), donde Joan (India Hair) sufre por no querer más a Víctor (Vincent Macaigne), mientras Alice (Camille Cottin) se cree satisfecha viviendo sin pasión con Éric (Grégoire Ludig) y Rebecca (Sara Forestier).
Tras los éxitos de Las cosas que decimos, las cosas que hacemos y Crónica de un amor efímero, el francés Emmanuel Mouret repite con una nueva comedia romántica fresca y original llena de enredos románticos y amorosos. A pesar de un trasfondo dramático y hasta trágico en algunos momentos, Tres amigas se empeña en transmitir los aspectos más positivos y divertidos de las situaciones, apoyándose en un guion ágil y divertido escrito por el propio Mouret junto a Carmen Leroi, una puesta en escena luminosa, un tono amable y ligero y un reparto que se mueve con precisión en el punto exacto entre el drama y la comedia.
Tres amigas es una película llena de luz y de sol. Incluso en los momentos más dramáticos su tono es ligero y leve a lo que también contribuye una banda sonora compuesta por piezas sencillas para un solo instrumento. Todo parece leve y casual. Mouret no permite que la película pierda su tono positivo. Por muchas infidelidades, sensaciones de culpa, traiciones y deslealtades que ocurran.

martes, 19 de noviembre de 2024

Armisticio del 11 de noviembre: diez películas conmovedoras sobre Primera Guerra Mundial (I)

El 11 de noviembre de 1918, a las 5:20 de la mañana, en un vagón de tren en el bosque de Compiègne (noreste de Francia) representantes del Imperio alemán se rinden ante los Aliados. El Armisticio de Compiègne entró en vigor a las 11:00 del día 11 del mes 11. Terminó así la Primera Guerra Mundial. 
Y recordamos el Armisticio que puso fin a los combates de la Primera Guerra Mundial en 1918. La oportunidad de sumergirnos en este fragmento de la historia con películas que exploran la Gran Guerra.
Inmediatamente después de la guerra o incluso hoy en día, muchas películas se centran en la Primera Guerra Mundial. De Stanley Kubrick a Bertrand Tavernier, imágenes impactantes y desgarradoras: las trincheras, la barbarie, la vida de los infantes, los rostros destrozados, la batalla del Marne... Para recordar del 14 al 18, entre los horrores de la guerra, acusación por la paz y El deber de la memoria, hemos seleccionado diez películas actualmente disponibles en las plataformas.

1. Novela por entregas: Nos vemos allá arriba (Au revoir là-haut, 2017), de Albert Dupontel

La Primera Guerra Mundial ha terminado. Albert Maillard y Edouard Péricourt, compañeros de armas del ejército francés, han sobrevivido. Pero a un alto coste en el caso del segundo, con la boca completamente destrozada, y la capacidad de habla notablemente mermada. Para un artista ilustrador como él de gusto exquisito, es una tragedia. Distanciado además de su familia de clase alta, especialmente de su padre Marcel, intercambia su identidad con la de un caído para simular su muerte y se oculta en un desván, con la complicidad de Albert. Éste, contable, tiene dificultades para volver a trabajar en lo suyo, y tiene que conformarse con modestos oficios, como el de hombre-anuncio. Finalmente, los dos amigos, con la complicidad de una jovencita huérfana, arman una estafa en torno al diseño de supuestos monumentos patrióticos para honrar a los muertos por la patria. Y entretanto, el sádico oficial que les hizo la vida imposible en las trincheras, el teniente Henri d'Aulnay-Pradelle, va a cruzarse inesperadamente con ellos. Adaptación de la novela homónima de Pierre Lemaitre, ganadora del prestigioso Premio Goncourt en 2013. Posteriormente fue adaptada al cómic, lo que puede haber influido en la soberbia concepción visual de la película, desde las escenas bélicas del arranque, con un perfecto diseño de las trincheras, al París de los años 1920, los dibujos y máscaras del protagonista, la cuidada concepción de los planos... Dirige, firma el guión y coprotagoniza Albert Dupontel, quien ya dio muestras de habilidad tras la cámara en filmes como 9 meses... ¡de condena!.

2. Bienvenidos al infierno: 1917 (2019), de Sam Mendes

Primera Guerra Mundial, conocida en su momento como la Gran Guerra. En el frente occidental, el general británico Erinmore (Colin Firth) encomienda a los cabos Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman), dos jóvenes soldados británicos, una misión estrictamente imposible. Deberán entregar un mensaje urgente y decisivo al coronel MacKenzie (Benedict Cumberbatch). Para realizar esta misión deberán abandonar la trinchera a plena luz del día y avanzar por el campo francés ocupado por los alemanes. Sin respiro, en una carrera a contrarreloj, los dos soldados atravesarán angostas trincheras, alambradas y campo a través en un entorno de muerte y destrucción, rodeado de cadáveres de hombres y animales. Solo disponen de unas pocas horas para cumplir su cometido y evitar a toda costa un violento ataque. Si no llegan a tiempo, 1.600 soldados perderán la vida, entre ellos el hermano de uno de los dos jóvenes soldados. Filmada en un largo plano secuencia, la sorprendente odisea de dos soldados de la Gran Guerra, por el particularmente inspirado director de Skyfall. Y ésta es la caída en un caos largo y abrumador. En su octavo largometraje como realizador, Sam Mendes parece haber rodado la antítesis de su anterior incursión en la temática bélica. Si Jarhead, el infierno espera, de 2005, retrataba sobre todo a soldados descerebrados, que sólo pensaban en obscenidades y manifestaban poco apego a sus lazos familiares, aquí se recurre a dos protagonistas honrados, y afectuosos, que se convierten en auténticos héroes, pese a que hacer lo correcto a veces vaya en su contra. Como consecuencia, su mensaje en contra de las guerras resulta más sólido, unos jóvenes de buen corazón como sus personajes no merecen estar viviendo un auténtico infierno, pasando continuamente junto a cuerpos destrozados. Inspirado por el recuerdo de su abuelo, al que dedica el film, el propio Mendes ha escrito un guión sin fisuras junto a Krysty Wilson-Cairns –forjada en la serie Penny Dreadful, donde él ejercía como productor ejecutivo– que muestra que la Primera Guerra Mundial fue peor que la Segunda, mucho más recreada por el cine, porque aún se podían ver los ojos de los adversarios.

3. Súplica por la paz: Johnny cogió su fusil (Dalton Trumbo's Johnny Got His Gun, 1971), de Dalton Trumbo

Joe, excombatiente americano, es víctima de una tremenda explosión durante la I Guerra Mundial. El soldado sufre secuelas mucho peores que la propia muerte y se queda impedido para siempre sobre una cama. Sin extremidades, ojos, boca ni oídos. El paciente consigue mantenerse con vida gracias a la rememoración de sus recuerdos, pero le cuesta saber si está durmiendo o si vive en una realidad paralela semejante al infierno. Joe aprenderá a comunicarse con sus cuidadores con movimientos cortos de cabeza. Su mensaje es claro y conciso: no quiere vivir más. Su deseo, sin embargo, no es atendido y tendrá que hacer frente a un futuro peor si cabe. Su cuerpo servirá para la investigación científica. El director Dalton Trumbo lleva al cine su novela homónima publicada en papel, consiguiendo mostrar en pantalla su posición antibelicista y su defensa de la eutanasia. Destaca la realización del film; en color los recuerdos de Joe, y en blanco y negro su presente en el hospital. Dalton Trumbo escribió también el guión basándose en su propia novela de 1939. Violenta, desgarradora e impactante. Gran Premio Especial del Jurado en Cannes en 1972, una película que sigue siendo tan poderosa como siempre.

4. La cara oculta de la guerra: El pabellón de los oficiales (La Chambre des officiers, 2001), de François Dupeyron

Agosto de 1914, comienzo de la Primera Guerra Mundial. Adrian, un joven y apuesto teniente, se dispone a hacer un reconocimiento a caballo cuando le explota un proyectil en pleno rostro. Inmediatamente después, Adrian es trasladado al hospital militar de Val de Grâce, a un pabellón separado del resto de enfermos donde se recuperan los oficiales que han sufrido heridas como las del joven teniente. En ese lugar no existen los espejos, pues la realidad de sus rostros es demasiado dolorosa como para aceptarla. El herido pasará allí cinco años, durante los cuales trabará amistad con el resto de enfermos. Además les prepararán para enfrentarse a sus nuevas vidas... La película se concentra en la parte de la convalecencia del protagonista en un hospital militar narrada en la novela original, y enfatiza el horror a las heridas sufridas por los camaradas en el campo de batalla. Mientras que la novela continúa narrando las experiencias de los oficiales hasta Segunda Guerra Mundial y más allá, la película culmina justo después de la Gran Guerra. Esta adaptación del libro de Marc Dugain está basada en una historia real: la de uno de estos soldados que regresó de la Gran Guerra con el rostro destrozado para siempre. Y la reconquista de su humanidad.

5. Masacre absurda: Senderos de gloria (Paths of Glory, 1957), de Stanley Kubrick

Año 1916. Europa está inmersa en la Gran Guerra. Las tropas francesas se ven dirigidas hacia un ataque suicida cuando el mando general da la orden directa al coronel Dax (Kirk Douglas) de tomar, al coste que sea, "la colina de las hormigas" (Ant Hill). Después del fracaso estrepitoso que supone la incursión, los altos cargos intentar cubrir sus errores alegando fallos en las tropas, por lo que deciden detener a tres soldados y acusarlos de amotinamiento. Dax, que antes de iniciarse el conflicto trabajaba como abogado, decide presentarse como defensa particular, pero pronto descubrirá que se encuentra en un punto muerto. Salvo que pueda demostrar que los cargos que se han presentado contra los soldados son falsos, y que la verdadera culpa recae en las directrices hechas por los generales, no podrá impedir que los tres jóvenes mueran ante un pelotón de fusilamiento. Un castillo donde viven los generales; Trincheras embarradas donde languidecen los soldados... Una sinfonía macabra del cinismo de los oficiales. Una película incomprendida y prohibida tras su estreno en Francia y basada en la novela homónima de Humphrey Cobb, publicada en 1935.
(cont.)

Jason Schwartzman, el adalid del cine independiente neoyorquino: “Wes Anderson es mi mentor”

El cine lo distrajo de su objetivo: convertirse en cantante… Jason Schwartzman nos cuenta su génesis como actor, y más recientemente como productor de Entre los templos (Between the Temples, 2024), de Nathan Silver, con Carol Kane.
Durante veinticinco años, Jason Schwartzman ha interpretado con gusto papeles cómicos y poco convencionales, tanto en las películas de su amigo Wes Anderson (Rushmore, Asteroid City, Moonrise Kingdom), como de su prima Sofia Coppola (María Antonieta) y de Tim Burton (Ojos grandes), Edgar Wright (Scott Pilgrim) y Judd Apatow (Gente divertida).
Entre los templos (2024)
En Entre los templos, el actor cambia radicalmente de registro. Cara hinchada, pelo corto y ojos tristes: está irreconocible en la piel de Ben, un cantor judío que perdió la fe tras un trauma. Sin embargo, su reencuentro con Carla, una antigua profesora de música, le devolverá el gusto por la vida, por el amor y, sobre todo, por la religión...