Siete días en mayo
Los inmortales y las maravillas del Museo Egizio de Turín
Objeto de estudio
Los tipos malos: Pequeñas mentiras y coartadas
viernes, 31 de enero de 2025
Películas de la semana: 31 de enero (II)
Películas de la semana: 31 de enero (I)
La acompañante
Mikaela
Septiembre 5
A Different Man
Fin de fiesta
Corazones rotos
Tierra baja
Sight: Camino a la luz
Policán
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Memorias de un caracol
Zorro y Liebre salvan el bosque
"En sortant de l'école, à nous le monde!" Trece cortometrajes que acercan la poesía a los niños (I)
La colección En sortant de l'école, una transposición de poemas famosos en imágenes, regresa a los cines. Se trata de una serie de adaptaciones de poemas de poetas franceses en cortometraje de animación. Cada temporada está dedicada a un poeta distinto y consta de 13 cortometrajes realizados por autores nóveles recién salidos de escuelas de animación francesas. Los títulos de crédito introducen cada uno de los 13 cortometrajes. A partir de 5 años.
Este programa único es una colección de 13 cortometrajes de animación cuya propuesta es combinar 13 poemas animados, adaptación de otros tantos poemas de Paul Verlaine, dirigidos por jóvenes realizadores para abordar los siguientes temas: libertad, viajes y descubrimiento del mundo.
Las 13 películas son:
Grotesco (Grotesques, 2020), de Anna Bolshakova
Quien elige vivir en la diferencia lo sabe bien: cuando cien pares de ojos te miran, busca el que brilla.
Conquistador (2020), de Jérémie Cousin
Un diente para coger, una moneda para dar: este es el lema del ratoncito. Valiente, se enfrenta a vientos y mareas para cumplir su misión.
El piano besado por una mano frágil (Le piano que baise une main frêle, 2020), de Clarissa d'Orival
La memoria vacila, el pasado se vuelve confuso; un anciano y su piano reviven el recuerdo de la mujer amada.
Un sueño conocido (Mon rêve familier, 2020), de Astrid Guinet
“A menudo tengo este sueño extraño y penetrante…” Una joven evoca el recuerdo de quien la amaba y a quien amaba.
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Retrospectiva de John Frankenheimer: el primer cineasta que muestra la pesadilla americana (III)
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11. Los temerarios del aire (The Gypsy Moths, 1969)
Historia de tres paracaidistas de diferentes edades, que viajan juntos con su espectáculo aéreo de caída libre, haciendo frente a los riesgos de su profesión.Producción de la MGM cuya espectacularidad consiste en los saltos en paracaídas que dan los protagonistas: tres especialistas en acrobacias aéreas. El argumento está basado en una novela que James Drought se autopublicó en 1955, y la crítica llegó a calificarla como: “una película de relaciones humanas cercana al mundo de Ingmar Bergman”. Frankenheimer utilizó la cámara subjetiva para que el espectador se pusiera en la piel de los paracaidistas (ya había hecho algo parecido con los coches en Grand Prix), contando con extraordinarios especialistas en este terreno. Esta producción reúne una vez más a Burt Lancaster y Deborah Kerr, que aparecieron juntos en películas como De aquí a la eternidad (From Here te lo Eternity, 1953) y Mesas separadas (Separate Tables, 1958).
12. The Extraordinary Seaman (1969)
El comandante Finchhaven fue un militar que, en la Primera Guerra Mundial (1914-1918), estando borracho, cayó muerto durante su primera misión. Desde entonces ha sido condenado a navegar sin rumbo por los mares hasta que encuentre la oportunidad de redimirse. Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), Finchhaven consigue rescatar con su barco fantasma a cuatro marinos americanos, acción que podría liberarlo de su condena. Comedia antibélica dirigida por John Frankenheimer. Excelente interpretación de Alan Alda, como teniente del pelotón de soldados protagonistas.
13. Yo vigilo el camino (I Walk the Line, 1970)
El sheriff Henry Tawes, un hombre ya maduro, se siente hastiado del mundo en el que vive y recuerda con nostalgia su pasado cuando trabajaba en una zona rural de Tennessee. Sin embargo, su vida cobra un nuevo sentido al conocer a Alma McCain, la hija de un hombre que destila licor ilegalmente. El cambio que se produce en él es tan evidente que su mujer acaba dándose cuenta de que lo está perdiendo. Todo ello según la novela An Exile, de Madison Jones transformada en guión cinematográfico por Alvin Sargent. La película se beneficia del formato ancho de pantalla, que fotográficamente juega con inteligencia con las líneas que se mencionan en el título original.
14. Orgullo de estirpe (The Horseman, 1971)
A Uraz (Omar Sharif), el hijo del mejor jinete de Afganistán, su padre (Jack Palance) le regala un extraordinario ejemplar de caballo; pero si quiere conservarlo, deberá ganar un torneo de buzhashi, una de las competiciones más difíciles del mundo, en la que los participantes, además de superar durísimas pruebas, deben convivir según las reglas de un estricto código de honor. En esta competición la victoria es mucho más que un premio: es la prueba inequívoca de la pureza de la estirpe del vencedor. Curiosa y entretenida muestra de cine de aventuras, dirigida por John Frankenheimer. El guión del prestigioso Dalton Trumbo adapta una novela de Joseph Kessel y el resultado gana enteros gracias al reparto, con los "exóticos" Jack Palance y Omar Sharif.
14. Sueños prohibidos (L'impossible objet AKA Story of Love Story, 1973)
A través del ejercicio de la escritura, Harry experimenta un cambio de comportamiento que afecta sobremanera a su relación conyugal con Elisa. Cuando Harry se enfrenta a su actividad profesional-vocacional, empieza a imaginar mundos y se deja transportar por la imaginación. Al retornar a la realidad, Harry comprende que su vida en común con Elisa ha dejado de tener sentido y, por consiguiente, abandona su mansión situada a las afueras de París para desplazarse hasta Marruecos en compañía de Natalie, una mujer casada con individuo llamado Georges. Sin embargo, a las pocas semanas de permanecer juntos, Harry y Natalie entienden que pueden caer en el error de repetir las experiencias del pasado. Esta película fue proyectada en cines parisinos entre 1973 y 1974, pero en otros países tuvo una difusión limitada.
15. El repartidor de hielo (The Iceman Cometh, 1973)
Adaptación de una obra teatral del dramaturgo americano Eugene O'Neill. En una taberna se reúne un grupo de gente desesperada: parásitos, inadaptados, revolucionarios frustrados, alcohólicos y prostitutas que ahogan sus penas en el alcohol y hacen disparatados planes de redención. Sin embargo, la llegada de Hickey (Lee Marvin) los saca de su letargo: él les demuestra que son precisamente sus fantasías las que les impiden vivir en paz consigo mismos y adaptarse a la realidad. John Frankenheimer filma la obra de teatro casi literalmente durante tres horas de metraje, rodeándose de un reparto excelente que incluye a Robert Ryan, Jeff Bridges y Fredric March en su última aparición ante las cámaras.
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jueves, 30 de enero de 2025
Efemérides de cine: Mis noches con Susan, Sandra, Olga y Julie
El 30 de enero de 1975 se estrenó la película holandesa Mis noches con Susan, Sandra, Olga y Julie (Mijn nachten met Susan, Olga, Albert, Julie, Piet & Sandra), dirigida por Pim de la Parra e interpretada por Willeke van Ammelrooy, Hans van der Gragt, Nelly Frijda, Marieke van Leeuwen, Franulka Heyermans. Productora: Scorpio Film Productions. Duración: 85 minutos.
Sinopsis argumental: Susan vive en una idílica casa de campo, junto con las jóvenes ninfómanas Sandra, Olga y Julie, y el inestable voyeur Albert. Una serie de asesinatos absurdos se llevan a cabo por vampiros sexuales. Las acusaciones, sin embargo, se dirigen a Piet, la vecina que vive al otro lado de la zanja.
Comentario: Considerados ampliamente como los padrinos del renacimiento del cine comercial holandés de los años 1960 y 1970, el indonesio Pim de la Parra y el productor Wim Verstappen, se dedicaron a dirigir y producir respectivamente una serie de thrillers y dramas con una gran carga erótica. Esta película es un ejemplo de ello. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.
Hace 100 años: On Thin Ice
El 30 de enero de 1925 se estrenó la película estadounidense On Thin Ice, dirigida por Malcolm St. Clair e interpretada por Tom Moore, Edith Roberts, William Russell, Theodore von Eltz, Wilfrid North, Gertrude Robinson, Texas Kid, Jimmy Quinn. Productora: Warner Bros. Duración: 70 minutos.
Sinopsis argumental: Rose (Roberts), desesperada por conseguir dinero, encuentra una bolsa de dinero que unos ladrones tiraron por encima de una valla. Se apresura a volver a casa con ella y descubre que su padre ha muerto. Intenta devolver la bolsa, pero está llena de papeles y dinero sin valor. Los ladrones se hacen amigos de ella y, aunque la policía la acosa, finalmente convence a uno de ellos para que se enderece.
Comentario: Basada en la novela publicada en 1924 de Alice Ross Colver. Como no se han encontrado copias, en la actualidad la película se considera perdida, sólo se conserva en forma de guión en la Biblioteca de la Universidad del Sur de California.
Retrospectiva de John Frankenheimer: el primer cineasta que muestra la pesadilla americana (II)
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6. Siete días de mayo (Seven Days in May, 1964)
Notable relato político, donde se plantea que un grupo de militares, desencantados por cómo se están haciendo las cosas en el país y por el temor a que los soviéticos acaben por tomar el control de la situación, organicen un golpe de estado en Estados Unidos. Rodada en plena guerra fría, la cinta está basada en la novela de Fletcher Knebel y Charles W. Bailey II, y narrada en clave de trepidante suspense por parte de un especialista en el tema como es John Frankenheimer. Todas las gestiones y entrevistas con altos mandos militares para confirmar lo que parece estar ocurriendo se sirven con gran habilidad. En plena Guerra Fría, se sospecha que un enigmático general pretende derrocar al Presidente de EE.UU. por medio de un golpe de estado. El Presidente dispone sólo de siete días para encontrar pruebas que le permitan abortar el golpe.
7. El tren (The Train, 1964)
A finales de la Segunda Guerra Mundial un coronel alemán, obsesionado por el arte, que prevé la toma de París por las tropas aliadas manda robar y cargar una valiosa colección de obras de arte en un tren con destino a Berlín. La muerte de un miembro de la Resistencia al tratar de evitar la salida de las obras de arte de París convierte el asunto en algo personal para Labiche, un veterano en la lucha contra los "boches", que pondrá todos los medios para impedir que el tren llegue a su destino.Excelente película bélica dirigido eficazmente por John Frankenheimer, que contó con dos excelentes actores en los papeles principales: Burt Lancaster es este Rambo de la Segunda Guerra Mundial, y Paul Scofield encarna al coronel alemán. La acción está presente durante toda la película y no se escatiman medios para conseguir un mayor realismo; así, en la famosa escena del descarrilamiento se utilizaron trenes reales. La película obtuvo un Oscar en la categoría de mejor guión adaptado.
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8. Plan diabólico (Seconds, 1966)
En los créditos, firmados por el virtuoso Saul Bass, los primeros planos de las anamorfosis de un rostro en estado de pánico marcan la pauta: bienvenidos a la pesadilla paranoica del banquero Arthur Hamilton (John Randolph) lleva una vida monótona y sin sentido junto a su esposa. Un día recibe una llamada de un amigo a quien creía muerto, que le anima a que visite La Compañía. Allí le ofrecerán algo aparentemente imposible: empezar su vida de cero, transformándolo en un pintor bohemio Antiochus Wilson (Rock Hudson) en una villa con un mayordomo. La película en su momento fue denostada por la crítica y no funcionó bien en taquilla, pero con el tiempo se ha convertido en una cinta de culto, y una de las más reconocidas de su director John Frankenheimer.
9. Grand Prix (1966)
Pete Aron (James Garner), un corredor del Grand Prix estadounidense, es expulsado de su equipo, el Jordan-BRM, por su responsabilidad en un accidente, en el que resultó herido el corredor británico Scott Stoddard. Ficha entonces por un equipo japonés, manteniendo, al mismo tiempo, una relación con la mujer de Stoddard. Fue una de las películas más taquilleras de su año, además de haber conseguido alzarse en los Oscar con los galardones de mejor montaje, mejor sonido y mejores efectos sonoros. Sus escenas de carrera la han convertido en película de culto para los aficionados al automovilismo. La película contiene tomas de carreras de la vida real y en ella aparecen campeones de la Fórmula 1 como Juan Manuel Fangio, John Surtees, Jim Clark o Jack Brabham y también cuenta con la aparición del actor Toshirō Mifune, interpretando al propietario de un equipo de carreras japonés, inspirado en Sōichirō Honda, fundador de la internacional Honda Motors.
10. El hombre de Kiev (The Fixer, 1968)
Adaptación de The Fixer (en español El hombre de Kiev), una novela del escritor estadounidense de origen judío Bernard Malamud, que ganó el premio Pulitzer en 1967. En la Rusia zarista, entre finales del XIX y principios del siglo XX, los judíos, acusados de terribles y sangrientos crímenes, fueron cruelmente perseguidos. Se trataba de una cortina de humo para desviar la atención del pueblo ruso de problemas más acuciantes, como el hambre y la miseria. En este contexto, un campesino judío trata de ocultar su origen para evitar la represión. Pese a todo, es acusado de crímenes que no ha cometido y, sin juicio previo, sufrirá todo clase de torturas físicas y psíquicas.
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miércoles, 29 de enero de 2025
"Flow, el gato que ya no le tenía miedo al agua": pura maravilla de esta insólita historia de un arca sin Noé
En un mundo que pronto quedará sumergido, sin humanos ni palabras pero lleno de vida, un gato y sus amigos sobreviven en un barco a la deriva. Un choque estético y una hipnótica oda a la naturaleza.
Al principio, y sobre todo, hay un gato. No es una de esas criaturas antropomórficas y parlanchinas que aparecen en los dibujos animados habituales. Un gato real, todo negro, entrañable, grácil e inteligente, que sólo sabe maullar, pero sobresale en un peligroso viaje de supervivencia, que le llevará, en el camino, a superar su miedo y su desconfianza. A bordo de un barco a la deriva, se mezcla con una abigarrada colección de plumas y pelajes: un torpe carpincho, un lémur ligeramente obsesivo, un simpático perro y un extraño pájaro blanco. Cada escena domesticadora, llena de suspenso, es un pequeño milagro de fluidez y poesía, en perfecto equilibrio entre misterio y ternura. Se cuenta así una conmovedora y espectacular historia de amistad y solidaridad entre especies.
Desde escenarios fabulosos (bosques sumergidos, montañas y perspectivas vertiginosas) hasta encuentros fantásticos (entre otros, una inolvidable y extraña ballena crestada), esta película ofrece un choque estético, una oda hipnótica a la naturaleza, en su ambigua omnipotencia, creación y destrucción. Pero también una conmovedora fábula sobre las relaciones con los demás, la felicidad y la necesidad de aprender a vivir juntos.
La influencia de Miyazaki y los videojuegos
Este periplo inaugural coincide plenamente con el del director, el letón Gints Zilbalodis, un talentoso artista de apenas 30 años. Después de su primera película, la fascinante Ailleurs (2020), realizada enteramente solo (desde la animación hasta la música original) frente a un simple ordenador, ahora colabora con un equipo de jóvenes animadores, entre Francia, Letonia y Bélgica. Aquí encontramos su pasión por los universos oníricos suntuosamente perturbadores, la influencia de maestros como Hayao Miyazaki, pero también la de los videojuegos. Como en Elsewhere, el uso inspirado del 3D aporta a las imágenes una especie de pátina irreal, la rugosidad temblorosa de los sueños, que contrasta maravillosamente con los movimientos muy realistas de este frágil bestiario de refugiados.
Una obra sin palabras, Flow, un mundo que salvar (2024) no guarda silencio. Un viaje susurrante, acompañado de una banda sonora a la vez épica y contemplativa (una vez más compuesta por Gints Zilbalodis, en colaboración con su compatriota Rihards Zalupe, compositor y percusionista), es también un “trance sonoro”, una película para escuchar. La insólita arca sin Noé navegará durante mucho tiempo en la memoria de nuestros cinéfilos.
Greta Gerwig doblega a Netflix con su ”Untitled the Chronicles of Narnia Netflix Film”
¿Barbie es más fuerte que James Bond? ¡Creemos que si! Greta Gerwig, la multimillonaria directora de su comedia rosa sobre muñecas de plástico, logró obligar a Netflix a ceder: consiguió, tras negociaciones que duraron varios meses, el estreno en cines de su adaptación de Untitled the Chronicles of Narnia Netflix Film durante al menos dos semanas. antes de su proyección en la plataforma. Ni siquiera Daniel Craig había logrado esta hazaña con Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion (2022) (secuela de Puñales por la espalda (Knives Out, 2019), que sólo tenía derecho a una semana de estreno en salas (a pesar de una buena taquilla: 13 millones en cinco días).
Untitled the Chronicles of Narnia Netflix Film, por tanto, se estrenará en los cines el Día de Acción de Gracias, el próximo noviembre de 2026, cuatro semanas antes de Navidad, fecha prevista de su emisión en Netflix. Por el momento, sólo las salas IMAX estarán autorizadas a proyectar la película, dejando la posibilidad de una tercera o incluso cuarta semana de funcionamiento si los espectadores responden bien. ¿En el camino hacia una franquicia exitosa?
En el caso de Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion (2022), el director ejecutivo de Netflix, Reed Hastings, se mantuvo alerta y firma en su estrategia: “Es una táctica promocional para el servicio de streaming. No estamos tratando de construir un negocio a través de los salas de cine”. Sin olvidar que el estreno en la gran pantalla es obligatorio para que una película pueda optar a los Oscar… Puede que os haga reflexionar.
Netflix posee desde hace varios años los derechos de la saga del escritor CS Lewis. Al elegir a Greta Gerwig, directora ahora rentable en Hollywood, para una primera adaptación (y una segunda por venir), la plataforma apuesta fuerte por lo que puede convertirse en una franquicia de éxito. Por tanto, se trata de no ofender demasiado a tu estrella.
Retrospectiva de John Frankenheimer: el primer cineasta que muestra la pesadilla americana (I)
John Frankenheimer (1930-2002), antes que Scorcese y Coppola, filmó unos Estados Unidos plagados de violencia, corrupción y drogas. Un repaso a sus películas.
John Frankenheimer pertenece a la generación que precedió a Coppola y Scorsese. Anticipó su obsesión por la corrupción y la paranoia haciendo películas sorprendentemente lúcidas sobre la decadencia de las instituciones en Estados Unidos y el aumento de la violencia en su país.
1. Un joven extraño (The Young Stranger, 1957)
La trama sigue a un adolescente, interpretado por James MacArthur, quien enfrenta problemas de comunicación con su padre, un exitoso productor de Hollywood. La tensión entre ellos se intensifica después de un incidente en un cine, explorando temas de malentendidos y la brecha generacional. Hal Ditmar es el hijo de una familia acomodada. Cuando una discusión en el cine se convierte en pelea entre Hal y el dueño del local, el joven es acusado de agresión. La policía le señala como delincuente juvenil en potencia. Ni siquiera su propio padre le cree. Sólo su madre es consciente del abismo entre padre e hijo y del futuro peligro que puede causar en la vida de Hal.
2. Los jóvenes salvajes (The Young Savages, 1961)
Supuso la primera colaboración de Burt Lancaster con John Frankenheimer, en la que es, sin duda, una de las joyas escondidas de su cine. Adaptación de la novela de Evan Hunter A Matter of Conviction. Además de una realista recreación de los ambientes del Harlem hispano donde se desarrolla la acción, destaca el resto de su reparto femenino, con Dina Merrill como pacifista esposa de Lancaster y Shelley Winters como desesperada madre del muchacho acusado de asesinato. Cuando un joven de origen puertorriqueño es acuchillado hasta la muerte en un barrio hispano, tres chicos de una banda italo-americana son acusados del crimen. Hank Bell, el ayudante del fiscal del distrito, un hombre con ambiciones políticas, los envía a prisión. Pero, conforme avanza la investigación del caso, se da cuenta de que la trama es mucho más compleja de lo que parece.
3. Su propio infierno (All Fall Down, 1962)
Sólido drama dirigido con mano firme por John Frankenheimer el mismo año en que rodó la fantástica El hombre de Alcatraz. En este caso lleva a la pantalla un guión del reputado dramaturgo William Inge. La historia narra la relación amorosa entre Berry-Berry, un joven de carácter autodestructivo y una mujer mayor que él que acaba de perder a su marido. El film incide especialmente en el irrespirable ambiente familiar de la casa de Berry-Berry y en la honda admiración que le tiene a éste su hermano pequeño, Clinton. Estupendo quinteto de actores, encabezados por Warren Beatty y Eva Marie Saint.
4. El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate, 1962)
Cuando el Mayor Bennett Marco (Frank Sinatra) tiene que opinar sobre el Sargento Raymond Shaw (Lawrence Harvey), no duda en afirmar que es un auténtico héroe. Pero, en realidad, Shaw le parece un personaje muy turbio: una enloquecedora pesadilla le hace sospechar que el sargento oculta algo inconfesable. Audaz thriller político sobre el lavado de cerebro de los prisioneros americanos en la guerra de Corea. El fin del rodaje coincidió con el asesinato de Kennedy, por lo que se estrenó algunos años más tarde. En el año 2004 Jonathan Demme dirigió un remake protagonizado por Denzel Washington y Meryl Streep.
5. El hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz, 1962)
Basada en su libro homónimo, que recreaba el caso del preso de Alcatraz Robert Franklin Stroud, condenado a cadena perpetua por asesinato. Robert Stroud es un preso conflictivo que ha sido condenado a cumplir una pena de doce años en una celda incomunicada. Un día decide cuidar a un pájaro herido que encuentra en la ventana de su calabozo y, entonces, descubre que su verdadera vocación es el estudio de las aves.
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martes, 28 de enero de 2025
“Mishima: Una vida en cuatro capítulos”, de Paul Schrader: el misterioso retrato de un artista sulfuroso
Producida por Coppola y Lucas, “Mishima: Una vida en cuatro capítulos”es un retrato biográfico del consagrado autor japonés Yukio Mishima. La película investiga la inquietud interior y las contradicciones de un hombre que trató de alcanzar una imposible armonía entre sí mismo, el arte y la sociedad. La trama se centra en el día en que Mishima conmocionó al mundo, al hacerse en público el seppuku o harakiri (25 de noviembre de 1970), en el Cuartel General del Ejército. El relato está salpicado de flashbacks para contar diversos episodios de su infancia, sus comienzos como escritor, el posterior triunfo profesional, su tranformación en estrella mediática, sus obsesiones por la belleza física y sus ambiguos gustos sexuales, así como la creación de la "Sociedad del Escudo". Los diversos episodios (1. La belleza; 2. Arte; 3. Acción; 4. Armonía de la pluma y la espada) evocan asimismo estilizados fragmentos de sus obras de ficción más reputadas (El pabellón de oro, La casa de Kyoto y Caballos desbocados). La fotografía de John Bailey, los exquisitos decorados y vestuario de Eiko Ishioka y la inolvidable banda sonora de Philip Glass (ganadores todos ellos del Premio a la Mejor Contribución Artística en el Festival de Cannes 1985) convierten la película en un homenaje a los ideales e inquietudes de Mishima y, además, en un audaz trabajo de investigación sobre el arte.
El iconoclasta escritor japonés, que formó una milicia nacionalista antes de cometer seppuku en 1970, habría cumplido 100 años este año. La plataforma Mubi pone en línea el sorprendente anti-biopic que le dedicó el director de American Gigolo, en 1985.
“Es la película por la que seré recordado”, dice Paul Schrader sobre Mishima: Una vida en cuatro capítulos (Mishima: A Life in Four Chapters, 1985). Si el cineasta estadounidense está acostumbrado a declaraciones atronadoras, esta vez nos sumamos a su opinión. Calvinista y cocainista desde hace mucho tiempo, fascinado por Ozu, Dreyer y las armas de fuego, dividido entre la gracia y el caos, lo sagrado y la locura, el puritanismo y la autodestrucción, Schrader sólo podía apasionarse por el japonés Mishima, artista y guerrero, homosexual y virilista, conservador iconoclasta y ultranacionalista. Ambos se centraron en sus obras en hombres solitarios y obsesionados, dispuestos a caer en una violencia ciega: el vigilantismo.
“Jouer avec le feu”: “Vincent Lindon canibaliza un poco la película pero cuando hace de prole, creo en ella”
Después de Dix-Sept Filles (2011) y Voir du pays (2016), llega la tercera película de las hermanas Coulin, presentada en el Festival de Venecia el pasado mes de septiembre y que le valió a Vincent Lindon el premio de interpretación. La película está basada en la novela What You Need from the Night by Laurent Petitmangin.
Vincent Lindon interpreta a Pierre, un trabajador ferroviario, anclado en la izquierda, apartado del sindicalismo por la edad, que cría solo a sus dos hijos. Uno realiza estudios brillantes (Stefan Crepon), el otro (Benjamin Voisin) se relaciona cada vez más con activistas de extrema derecha, compartiendo luchas e ideas con ellos. “¿Amaríamos a nuestros hijos si se volvieran fascistas?” pregunta Marie Sauvion. Ésta es la pregunta central de esta película (y “es una pregunta cinematográfica verdaderamente hermosa” ).
La película ofrece una respuesta que la deja perpleja, porque presenta “la imagen de un padre perfecto, que cuida bien de sus hijos y que, al mismo tiempo, está totalmente abrumado y no ve nada", señala Marie Sauvion. Quien también tiene un “pequeño problema” con el actor principal: Vincent Lindon.”
“Es un muy buen actor pero aun así canibaliza la película”, lamenta. Al contrario, para Samuel Douhaire: “ Cuando juega al prole, creo en ello”. Y a destacar la interpretación, en el papel de los dos hijos, de Stefan Crepon y Benjamin Voisin (verdaderamente un gran actor de su generación).
Hace 100. años: La casa de la Troya
El 28 de enero de 1925 se estrenó la película española La casa de la Troya, dirigida por Alejandro Pérez Lugín, Manuel Noriega e interpretada por Carmen Viance, Dolores Valero, Luis Peña, Pedro Elviro, Domingo del Moral, Francisco García Ortega, Barón de Kardy, Eugenia Illescas, Juan de Orduña, Florián Rey, José Argüelles, Ceferino Barrajón, María Luz Callejo, Agrupación Folclórica Cantigas e Agarimos, Gregorio Cruzada, Luis García Ortega, Juan Maestre, Arturo Marín. Productora: Troya Films. Duración: 147 minutos.
Sinopsis argumental: Santiago de Compostela y la Galicia rural, España, a finales del siglo XIX. La “Casa de la Troya” es una pensión de estudiantes juerguistas y gamberros. Allí llega un nuevo inquilino que se enamora de Carmiña, una joven gallega. Pero ella se niega a casarse con él hasta que acabe sus estudios.
Comentario: La película se basa en la novela La casa de la Troya de Alejandro Pérez Lugín, que fue un auténtico éxito de ventas desde su publicación en 1915. La cinta fue un éxito de público en España, llegando a estrenarse en los Estados Unidos con el título de College Boarding House. Consiste en un total de trece rollos y dura 3 horas; en el año 2005 el Centro Galego de Artes da Imaxe y la Filmoteca Nacional lo restauraron.
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